jueves, 31 de diciembre de 2015

20 filmes destacados del 2015



Llegó el momento para hacer recuento del año, desde Vivecinescrúpulos es un placer compartir sobre cine con cada lector y con las personas que se acercan a los talleres de apreciación. Este año no fue posible ver tanto cine reciente como en otras ocasiones, principalmente por las labores de programación y foros en los diferentes espacios, que nos hacen ver muchas películas, pero ya más viejitas.

De todas formas gracias al Costa Rica Festival Internacional de Cine llegaron, como nunca antes, varias de las más relevantes películas del año.

La selección no tiene la pretención de ser considerada "lo mejor del año"; sino que se hace con un afán cinéfilo de diálogo y se espera que sirva de guía a otros cinéfilos. Por lo que se consideraron filmes destacados por diferentes motivos, pero que como un todo adquieren una relevancia mayor, y quedaron por fuera películas que se consideran de gran factura en su dirección o su fotografía o algún otro elemento particular, pero cuyo todo no se consideró que fuese tan logrado; de igual manera, quedaron por fuera otros filmes, por la simple razón de que solo quisimos reseñar 20 obras.


Aferim!


Título original: Aferim!
Dirección: Radu Jude
Rumanía-Bulgaria-República Checa-Francia, 2015

Extraordinario y alucinante viaje por la región de Valaquia (sur de Rumanía) en el siglo XIX. Filmada de forma exuberante con uno de los mejores trabajos de fotografía del año, los personajes se pierden en el paisaje en amplios planos generales que se muestran al espectador en un logrado blanco y negro. Un policía y su hijo siguen la pista de un esclavo gitano que ha escapado de su amo, en su búsqueda el espectador queda sorprendido por la cantidad de escenas costumbristas que abordan a los personajes, hilando las más humorísticas con las más crueles, como si se tratase de una visión de Miguel de Cervantes. Largas secuencias, un uso estupendo de la luz para crear momentos oníricos, el filme se disfruta como si se tratase de una narración de Las mil y una noches, solo que ubicada en la Rumanía del siglo XIX.



Aguas tranquilas


Título original: Futatsume no mado
Dirección: Naomi Kawase
Japón, Francia, España; 2014

A inicios de año se pudo ver por fin este gran trabajo de una de las directoras más interesantes del momento. El cine de Kawase tiene un sello especial, al observarse Aguas tranquilas se aprecia un cine japonés diferente, con un estilo particular. La historia de dos jóvenes quienes viven en la isla de Amami y tienen ambientes familiares dispares: Kyoko vela por su agonizante madre junto a su padre y amigos, se percibe la armonía y la unión entre ellos; mientras que la vida de Kaito pasa fuera de su hogar, su padre vive en Tokio y su madre está ausente por el trabajo. Los jóvenes no tardarán en enamorarse, pero Kaito primero deberá superar sus miedos, manifestados de manera metafórica en el oleaje, y Kyoko  encontrar significado a sus emociones. La naturaleza es vital para comprender el filme, la relación que tiene el ser humano con ella, manifestada en la luz, el mar, un tifón, los árboles y, por supuesto, en la dinámica entre la vida y la muerte.



Camino de la cruz


Título original: Kreuzweg
Dirección: Dietrich Brüggemann
Alemania-Francia, 2014

Catorce planos secuencia apabullantes, que dejan sin respiración, de una intensidad en crescendo que vuelca la mirada hacia otra guerra santa, no la que se ve en los noticiarios sobre el mundo árabe, sino aquella invisible, pero real, que viven los adolescentes bajo las doctrinas de una religión cristiana. Los absolutos conllevan a tragedias, debido a la limitación en la capacidad de razonar y dialogar. Ese es el mundo de María, una joven de 14 años, que como Cristo, hará su particular via crucis, evidenciando los dogmatismos de la fe, su rigidez de pensamiento es manifestada por la rigidez de la cámara, el escaso movimiento y dirección de arte meticulosamente elaborada, de un control obsesivo absoluto en el que la composición simétrica hace eco de la falta de libertad bajo un mundo de fe.



Cementerio de esplendor


Título original: Rak ti Khon Kaen
Dirección: Apichatpong Weerasethakul
Tailandia, Reino Unido, Francia, Alemania, Malasia, Corea del Sur, México, EE.UU., Noruega; 2015
 
Prestar atención a la cuidadosa puesta en escena del cine de Apichatpong es la llave para adentrarse en los mundos fantásticos que este director crea con sus películas. En este caso un cementerio en medio de un bosque, en el que una enfermera cuida a un grupo de soldados que han caído abatidos por una extraña enfermedad del sueño. Una medium extiende nexos entre lo real y onírico, y los personajes al igual que el espectador olvidan cuál es la línea que divide uno del otro. Desde diosas que se aparecen hasta un campo de fútbol que es excavado, la película es un transitar pausado sobre una serie de detalles que cada uno interpretará a su gusto. Con largas secuencias y primeros planos sostenidos, Weerasethakul también manipula el tiempo, no solo el fílmico, sino también el del espectador, esa otra realidad que al terminar el filme se cuestiona.


Eisenstein en Guanajuato


Título original: Eisenstein in Guanajuato
Dirección: Peter Greenaway
Holanda, México, Finlandia, Bélgica, Francia; 2015

Electrizante obra de Greenaway por la que transcurre con una maestría que hace tiempo no se le veía. No se una biografía sobre el director ruso, sino una historia libre que muestra a Eisenstein durante su estancia en Guanajuato, en la que se entrega a sus dos grandes pasiones: su amante mexicano y las tradiciones sobre la muerte. De ritmo trepidante, el filme es como una montaña rusa, en el que el montaje es pieza clave para unir lo documental fotográfico con la ficción. Segmentando la pantalla en tres, realizando planos secuencias que se experimentan como un rollo de película contínua y variando el color con el blanco y negro, Greenaaway juega y se divierte: "Soy un luchador de la libertad de expresión cinematográfica" dice el personaje en un momento, y al mismo tiempo son las palabras del director. El filme también se conduce por los terrenos preferidos del realizador, principalmente aquel en el que el cuerpo es el contenido de los deseos y las pasiones, e igualmente el escenario de los excesos.
 


El abrazo de la serpiente


Título original: El abrazo de la serpiente
Dirección: Ciro Guerra
Colombia, Venezuela, Argentina; 2015

Majestuoso viaje al corazón de la amazonia colombiana. Partiendo de los diarios de expedición de Theodor Koch-Grünberg y Richard Evans Shultes; el director colombiano Ciro Guerra traza una aventura mística desde la mirada del oprimido constituyendo uno de los poquísimos acercamientos desde el cine de ficción a las tribus indígenas latinoamericanas desde esta óptica. La sabiduría milenaria teje el sentido profundo que el filme va evidenciando, mientras que la imponente fotografía a blanco y negro revela imágenes solo vistas en los dibujos y fotografías de Grünberg. Un acierto del director quien indicó que "de esta manera no se limita la imaginación del espectador", puesto que "era imposible retratar lo verde, la amazonía". Mientras que la fotografía da unidad al filme desde lo visual, el montaje une el pasado y el presente de manera que el pensamiento indígena sobre el tiempo queda plasmado también en el filme. La película constituye una de las experiencias más enriquecedoras de este 2015, en el que se apela al escuchar y observar, a prestar atención a un eco de un lugar que ya no existe, el mundo contemporáneo ya lo transformó, pero el cine lo logró recuperar.



El botón de nácar


Título original: El botón de nácar
Dirección: Patricio Guzmán
Chile, Francia, España, Suiza; 2015

Tras el impactante documental Nostalgia de la luz (2010) en el que la mirada hacia el espacio se conecta con la búsqueda de huesos en el desierto; el chileno Patricio Guzmán plantea ahora que se mire el mar y se escuche su voz. Un mar que se extiende por todo lo largo de la frontera chilena, que ha sido testigo de toda su historia, para ello recupera el testimonio de los pocos indígenas que quedan en la zona de la Patagonia, los auténticos herederos de esas tierras y de esas aguas, pero que fueron convertidos en otra cosa, fueron desterrados y olvidados. Muchos años después, el mar fue testigo de otro tipo de genocidio, cuando se usó como cementerio para muchas víctimas de la dictadura militar. Guzmán muestra imágenes acogedoras y su voz en off va relatando sus inquitudes, mismas que se repiten en la mente de los espectadores. Una poderosa escena muestra el proceso mediante el cual se preparaba un cuerpo, un anónimo, pero que se trataba de un hijo, un hermano, una madre, una esposa, una persona; y era lanzado hacia el mar. Sin recurrir a una puesta de escena elaborada, Guzmán logra en esa escena que el corazón de los espectadores se detenga unos segundos. Partiendo de lo particular, de hechos aislados, el director chileno crea una de las obras más grandes del cine latinoamericano.
 


El divorcio de Viviane Amsalem


Título original: Gett
Dirección: Ronit Elkabetz y Shlomi Elkabetz
Israel-Francia-Alemania, 2014

De acuerdo a la ley religiosa, en Israel, una mujer no puede obtener un divorcio sin la aprobación de su esposo, no importa las razones ni las circunstancias, sin la firma de él, ella no tiene libertad. Basada en un acontecimiento particular, pero que se trata de la realidad de miles de mujeres, El divorcio de Viviane Amsalem es el kafkiano proceso de una luchadora infatigable, víctima de una violencia institucional feroz y denigrante. Filme claustrofóbico por el tema y porque la cámara prácticamente no sale de una habitación, un cuarto que sirve de juzgado, en el que la estrechez de sus paredes es símil de la escasa libertad de la religión. Las miradas y silencions gritan y ensordecen al espectador impotente por no poder ayudar.



La casa más grande del mundo


Título original: La casa más grande del mundo
Dirección: Ana Bojórquez y Lucía Carreras
Guatemala-México, 2015

Guatemala produjo dos enormes películas en este año, sin embargo, los focos de atención se los ha llevado casi en su totalidad Ixcanul. El filme de Jayro Bustamante es muy bueno, pero desde este blog queremos hacer notar la estupenda película de Bojórquez y Carreras. El filme narra un día en la vida de Rocío, una niña maya que vive en las montañas junto a su madre y abuela; su progenitora está pronta a dar a luz, por lo que la niña tendrá que hacerse cargo del patrimonio familiar: el rebaño de ovejas. En una tierra en la que se pasa de la niñez a la edad adulta en un día, Rocío enfrentará sus miedos, acompañada por una amiga y ante la mirada silenciosa de nubes, montañas y el vasto altiplano guatemalteco, protagonista constante del filme. En una época en el que el cine parece tener una competencia por ser cada día más veloz, este filme es un oasis en la frenética producción comercial y desafía a aquellos que piensan que el cine arte está al alcance de unos pocos: en una sala llena, dos niños de 5 y 6 años, prestaron atención a la película, se sorprendieron y asustaron, se preguntaron por el bienestar de las ovejas y simpatizaron con una niña maya que vieron en una pantalla. 
 


La mirada del silencio


Título original: The look of silence
Dirección: Joshua Oppenheimer
Dinamarca, Indonesia, Finlandia, Noruega, Reino Unido, Israel, Francia, EE.UU., Alemania, Holanda; 2015

Tras El acto de matar (2012), el director Joshua Oppenheimer regresa a la tierra que le dio proyección internacional: Indonesia. Ahora esa mirada, de la que advierte el título, se centra en un hombre que descubrió que su hermano fue asesinado durante el genocidio de comunistas en ese país entre 1965-1966. El protagonista es un oculista que va de casa en casa proveyendo de anteojos a quienes los necesiten, mientras que la cámara lo sigue de manera sofocante, buscando hacer que el público observe el silencio patológico que han mantenido los líderes políticos que cometieron los asesinatos. Muchos objetarán sobre la postura ética del Oppenheimer, quien se vale de su protagonista para tener su historia, sin garantizar su seguridad, algo que se observa en ciertos pasajes, en el que le advierten que deje de hacer preguntas y revivir el pasado, así como algunos reclamos que hacen los entrevistados al propio director, quien se encuentra protegido por la cámara en todo momento.    



La tierra y la sombra


Título original: La tierra y la sombra
Dirección: César Augusto Acevedo
Colombia, Francia, Holanda, Chile, Brasil; 2015

De las mejores sorpresas de este año. Bajo la sombra de El abrazo de la serpiente, pero con una potencia fílmica impresionante. El filme tiene una puesta en escena y dirección de arte que recuerda la obra del pintor realista Andre Wyeth, de ahí la sobriedad para mostrar la vida de una familia de campesinos. El retorno del patriarca se da por la enfermedad de su hijo, quien al no poder trabajar en los campos de caña, su esposa y madre se han encargado de sostener económicamente a la familia. Con cierto aire de cine social, el director denuncia la esclavitud moderna que sufren los campesinos por los grandes empresarios dueños de los terrenos de siembra de caña. El verder y esplendor del pasado ha desaparecido, y solo queda caña, un viejo árbol a la entrada del hogar es mudo testigo del cambio de los tiempos, del envejecimiento y sus raíces recogen el llanto y sudor de hombres y mujeres agotados. Un niño representa el futuro, pero a la vez, marca el contraste con la anciana matriarca, quien como el árbol, se encuentra enraizada a esa tierra. Un filme contemplativo, de largas escenas que buscan la complicidad del espectador, en el que los elementos de la naturaleza simbolizan diferentes aspectos de los personajes y con un plano secuencia hacia el final que recuerda el Sacrificio (1986) de Tarkovsky.



Langosta


Título original: The Lobster
Dirección: Yorgos Lanthimos
Irlanda, Reino Unido, Grecia, Francia, Holanda, EE.UU.; 2015

Filme difícil de encasillar en un género específico. Se puede considerar como de ciencia ficción, narrada con un humor muy negro. Un hombre soltero se ingresa en un hotel retirado de la ciudad, ahí le proporcionan de ropa, comida y dardos, su objetivo es encontrar pareja (tiene que definirse como heterosexual o homosexual) en un lapso determinado, de no lograrlo será convertido en un animal que previamente ha elegido. Ante tal premisa, Lanthimos desborda crueldad y humor por partes iguales, realizando una mordaz disección de la sociedad y sus cánones, de sus tradiciones y de la costumbre capitalista de casarse y vivir en pareja, de realizar ese ritual social con el fin de tener derechos de propiedad sobre otra persona, de significarse en tanto se esté con alguien, pero aun va más profundo, porque en el filme se advierte que deben ser compatibles: lo diferente es dañino al sistema. Si en Canino (2009), Lanthimos hablaba de una sociedad encerrada en sí misma, miope a la realidad externa, miedosa e ignorante del afuera; en Langosta muestra una sociedad caníbal, depredadora, en la que es mejor cegarse y vivir apartado del autoritarismo a convertirse en un animal.



Olmo y la gaviota


Título original: Olmo & the seagull
Dirección: Petra Costa y Lea Glob
Dinamarca, Brasil, Francia, Portugual, Suecia; 2015

Realidad o actuación; documental o ficción; ¿qué es ser actor? ¿Qué significa hacer cine? Una vibrante película que va mutando conforme avanza, que se gesta como una adaptación de Mrs Dalloway de Virginia Woolf, usando a una pareja en la vida real: Olivia Corsini y Serge Nicolai. Pero Olivia queda embarazada, entonces ¿no hay película? Las codirectoras deciden cambiar ese día de la novela de Woolf en los nueve meses del embarazao de Corsini, una docuficción que el protagonista define como docuperformance y que viene a reimaginar el cine. Se trata de la vida de los actores/pareja, con escenas que se han pensado con antelación, sin embargo, son ejecutadas improvisadamente... En un momento, la tensión dramática se rompe, la cuarta pared es solo un objeto del recuerdo y la mirada de Olivia atraviesa cualquier barrera para terminar haciendo una pregunta a la directora, ese otro mundo que el espectador no ve, pero que en ese momento y para el resto del filme se sabe presente; entre ambas deciden modificar la película mientras esta sigue sucediéndose ante la mirada perpleja del espectador. Una joya que se tiene que mostrar a todo aquel que quiera estudiar cine y a los cinéfilos más exigentes.



Phoenix


Título original: Phoenix
Dirección: Christian Petzold
Alemania-Polonia, 2014

Fue un gran año para el cine alemán y la nueva producción de Petzold es una atrapante obra que, al igual que su antecesora Barbara (2012), parte de alguna manera de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial y cuenta nuevamente en el rol protagónico con la excelente actriz Nina Hoss. En Phoenix, se muestra a una sobreviviente del holocausto, una bala ha desfigurado su rostro y una amiga la rescata y la lleva donde un médico que le practica una cirugía reconstructiva. A partir de ese momento, Petzold va revelando, como si se tratase de un rompecabezas, las piezas que revelan el misterio de esa mujer, un pasado que pronto le alcanzará. Cuando se reencuentre con un hombre iniciará un juego de doppelgänger en el que su identidad se verá diluida entre lo que ella sabe y lo que los demás no. La escena final es de alta factura, de lo mejor del cine de Petzold.



Spotlight


Título original: Spotlight
Dirección: Tom McCarthy
EE.UU., 2015

En un momento en que el cine de Hollywood atraviesa una crisis de ideas, aunque no de dinero (la taquilla de los blockbusters ha ido mejorando y se espera un 2016 todavía mejor); en el que su cine de efectos digitales acapara el mercado con secuelas y adaptaciones, llega un filme valiente, que recuerda a All the president's men (1976) de Allan J. Pakula. Basado en hechos reales, el filme narra el proceso de investigación de unos reporteros del Boston Globe, quienes dieron a conocer los escándalos de pederastia de varios sacerdotes en la ciudad de Massachussets durante décadas. McCarthy narra con gran lucidez y precisión crítica la manera en que se hace una investigación, pero sin dejar de ser cinematográficaente atractivo, por momentos se trata de un thriller. La noticia inicia con las evidencias, pero hay que ir reconstruyendo los hechos, darles forma, conseguir testigos. Toda la ambientación es magnífica, con un diseño y mezcla de sonido que atrapan, una fotografía y diseño de vestuario que transporta a la época y diálogos que atraviesan la pantalla y tienen eco en la actualidad.



Tangerine


Título original: Tangerine
Dirección: Sean Baker
EE.UU., 2015 

Si el cine hollywoodense no tiene ideas, el cine independiente estadounidense desborda en creatividad. El ejemplo del año es la película de Sean Baker, que con un presupuesto de cien mil dólares y usando un iphone 5s, es cine puro. Por primera vez una productora está promocionando a actrices transgénero para optar por una nominación para los Oscar. Tangerine es una gran bomba en un paquete pequeño. Colorida obra que capta la escena urbana de esa hermosa y gran mentira que se llama Los Ángeles, en la que diferentes grupos de personajes que representan la periferia de la sociedad se ven envueltos en los arrebatos de Sin-Dee Rella, la princesa de esa ciudad de prostitutas, taxistas armenios y proxenetas. Con cámara en mano, la intensidad es total en cada escena, atravesada por un sol que se manifiesta en una gama cromática que contrasta con la vida de los personajes, quienes, acostumbrados a la noche, viven en la calle, trabajando. Una historia de amor, de amistad, de sobrevivencia, en la que Sin-Dee y su amiga Alexandra exhalan humanidad. Por momentos el filme adquiere factura de video clip, con jump cuts y un uso de la banda sonora ágil y atrevido, la cámara siempre está en movimiento, al borde de las acciones y esto transmite de adrenalina al espectador.



Taxi en Teherán


Título original: Taxi
Dirección: Jafar Panahi
Irán, 2015

Jafar Panahi es uno de los directores que están transformando el cine en estos momentos, su agudeza, heredera de la meta mirada de Abbas Kiarostami, se centra en lo cotidiano, pero lo transforma al mismo tiempo en que lo filma. Taxi es su última declaración moral e ideológica contra su país, que le tiene prohibido hacer cine, pero que él se rehúsa a acatar. En esta ocasión coloca tres cámaras portátiles dentro de un taxi y deja que la vida pase, lo hace de forma truculenta, porque esa vida que se ve en la pantalla es una elaborada declaración de principios, una radiografía de la vida iraní. Panahi ríe y habla menos, contrario a sus dos filmes anteriores; su película habla por él, a través de la picardía de su sobrina, la ironía del comerciante de películas piratas, la angustia de una esposa o la obsesión de un par de señoras. Stanley Kubrick decía que si podía ser pensado, podía ser filmado; y Panahi es un gran imaginador, colocando al espectador desde una perspectiva claustrofóbica (las cámaras nunca salen del taxi), metáfora de la sociedad iraní y sus leyes, mientras que la vida pase ante la cámara y se convierte en cine, una dialéctica que va más allá del vehículo y entabla diálogo directo con el público, quien no se encuentra detrás de la cuarta pared, está en el asiento trasero de un taxi.  



Te prometo anarquía


Título original: Te prometo anarquía
Dirección: Julio Hernández Cordón
México-Alemania, 2015

En 1950 Luis Buñuel filmaba a unos jóvenes olvidados por la sociedad, eran una tribu que seguía la ley de su líder, el Jaibo; entre ellos se cuidaban y no tenían reservas para cometer actos delictivos, pero también habían discrepancias. 65 años después, Julio Hernández Cordón filma a una nueva tribu, es la misma ciudad, pero los contextos han cambiado. Los nuevos olvidados pasean por la ciudad en patineta, no tienen un propósito definido ni un lugar al cuál dirigirse, lo de ellos es anarquía, la libertad de no saber qué se va a hacer, ni con quién. Se puede tener relaciones con una chica y luego con un chico, no importa, no hay dilema moral, igual que no importa participar en un negocio de donar sangre con fines inciertos, es una manera de obtener dinero fácil. Mientras existan vampiros con la suficiente sed, existirán víctimas a quienes succionarle la sangre. Destacar también el gran trabajo de fotografía y edición, la forma en que transmiten ese estado idílico en el que viven los personajes, su romance y sus vueltas en patineta, los planos secuencias se quedan impregnados en la mente, incluso mucho tiempo después de terminada la película: por siempre se recordará al barquito de papel...
 


Timbuktu


Título original: Le chagrin des oiseaux
Dirección: Abderrahmane Sissako
Mauritania-Francia, 2014

De los filmes más hermosos en su factura técnica que se hayan hechos, con una de las secuencias más emblemáticas de lo que va de este siglo: un ballet en el desierto, una pelota imaginaria y unos jóvenes danzando contra la represión. Sissako filma su obra maestra hasta el momento, una película que se adentra en la tierra que retrata y muestra las fracturas, las heridas de quienes usan una religión como excusa para cometer sus crímenes; pero también le da voz a quienes se oponen: gritos de dolor que desgarran oídos, luchas absurdas que parecen traer al presente tiempos mitológicos y niños que corren hacia el futuro, como si fuesen una delicada gacela, oasis entre tanta violencia, la esperanza de miles de personas que desean vivir en paz. La abrumadora fotografía de Sofian El Fani y el uso del color como elemento meta narrativo hacen de Timbuktu una profunda obra con varios significados, pero sin importar cuál se le de, cala hondo en quien la vea.



Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia


Título original:  En duva satt på en gren och funderade på tillvaron
Dirección: Roy Andersson
Suecia, Alemania, Noruega, Francia, Dinamarca; 2014

Fin de la trilogía sobre la existencia humana. Igual de cínica, mordaz y cruel que sus antecesoras, aunque conducida por un par de protagonistas que acopañan cada situación, a diferencia de las anteriores películas. Ellos son dos payasos tristes, un Quijote y un Sancho, un Laurel y un Hardy. Trabajan vendiendo pequeñas ofertas destinadas a hacer reír, pero el mundo Bruegeliano en el que viven es triste, enfatizado por la paleta de colores en tonos grises y marrones y en la falta de emotividad de los personajes. Andersson conecta el desolado presente con un pasado también sombrío en el que el Rey Carlos XII acaba con la moral de su pueblo. Otra escena muestra a aristócratas tomar vino mientras una maquinaria quema vivos a unos obreros. El mortecino maquillaje es reflejo del estado interno de los personajes, quienes se conducen por la vida con desgano y apatía. El director quiere que el público no tenga opción de mirar a otro lado, de ahí la razón estética del plano secuencia y el encuadre rígido, la miseria hay que verla de frente y asumirla.


 

6 Películas de animación destacadas del 2015




Se acabó el 2015, pero desde Vivecinescrúpulos les traemos la valoración subjetiva del año. En este caso sobre cine de animación. Al igual que el año pasado, la dificultad para conseguir versiones subtituladas o el hecho de que algunas películas no se puedan conseguir todavía en dvd, hace que siempre queden películas por fuera.

En este caso los filmes que todavía no se han podido ver son: Last Hijack, Miss Hokusai, The Prophet, Avril et le Monde Truqué, Tout en haut du monde...

La favorita del año fue la brasileña O Menino e o Mundo, un hermoso trabajo que mezcla diferentes técnicas. El resto de filmes aparecen en orden alfabético



El niño y el mundo


Título original: O menino e o Mundo
Director: Alê Abreu
Brasil, 2013 

Un trabajo artesanal maravilloso, el filme es una mezcla de diferentes tipo de animación y técnicas artísticas que van desde el dibujo, acuarelas, tintas pastel hasta el óleo. Los fondos están también están hechos de diferentes materiales: recortes de periódico, ilustraciones, collages. La exhuberancia de color es solo el telón de fondo para la entrañable historia de un niño quien ante la ausencia de un padre decide irse de su hogar y conocer el mundo. En su viaje irá observando un hábitat mecanizado, industrializado que dista mucho del colororido y la tranquilidad de su hogar. Una reflexión sobre lo que la humanidad se ha convertido, un triste reflejo del día a día de muchas personas, que ven sus sueños desaparecer o, peor aún, se vuelven esclavos de un sistema de producción que aniquila las esperanzas. Por destacar también su excelente banda sonora que enfatiza las emociones a falta de diálogos, los pocos diálogos que hay son frases en portugués habladas al revés. Las atrapantes imágenes son suficientes para ir entendiendo la historia. Apta para todo público.



Anomalisa


Título original: Anomalisa
Directores: Charlie Kaufman y Duke Johnson
Estados Unidos, 2015

De la mente creativa de Charlie Kaufman nace esta historia que dialoga estrechamente con el resto de su filmografía, tanto como guionista como director. Con ecos de Being John Malkovich (Spike Jonze, 1999), Anomalisa vuelve sobre el tema de la identidad, los conflictos existenciales de ser reconocido por un Otro, mientras se lucha por sobrevivir en un mundo anodino. Por ello, el protagonista es un conferencista, un motivador personal que no tiene palabras de apoyo para sí mismo, que ha perdido el gusto por vivir y se ha encerrado en su propia voz, tanto, que esa voz la proyecta a todo lado al que va, escuchándola en cada persona a la que encuentra, reforzando su sentimiento de soledad. En un hotel, espacio que expresa a la perfección la situación de alienación que vive el protagonista, encontrará a una mujer que parece le regresará el interés por vivir... Filmada con un extraordinario stop-motion, con un trabajo de iluminación y fotografía espectaculares, el espectador pronto se olvida de que está viendo unas marionetas y se deja atrapar por la humanidad que estas desprenden. Recomendada para mayores de 16 años.



Cheatin'


Título original: Cheatin'
Director: Bill Plympton
Estados Unidos, 2013

El último trabajo del laureado realizador estadounidense, que además recibió un premio por su trayectoria en el Festival de Annecy. Los trazos libres que desafían las constricciones del cuerpo con líneas que adquieren diferentes formas. Una historia de amor, un amor que se vuelve obsesivo y la sospecha de infidelidad que atenta contra la pareja. Un filme maduro, sin diálogos, apenas algunas vocalizaciones que se mezclan con la delicada banda sonora y los tonos pastel del dibujo a mano de Plympton. Es importante destacar que parte del estilo de animación del director es relativizar los conceptos de perspectiva y proporción, por eso los fondos y objetos adquieren una función de acuerdo a la posición del personaje y la intención emocional que quiere transmitir el director. Recomendada para mayores de 15 años.



Cuando Marnie estaba allí


Título original: Omoide no Mani
Director: Hiromasa Yonebayashi
Japón, 2014

Último trabajo del estudio Ghibli, distante de las sendas obras de arte con las que se despidieron Takahata y Miyazaki; pero valiosa en su concepción y estilo. Pocos estudios en la historia del cine pueden hacer que se vea un fotograma o una secuencia de cualquier película e inmediatamente se reconozca su estilo, su sello, su firma. Eso es lo que ha logrado Ghibli y el filme de Yonebayashi, basado en la novela homónima de Joan G. Robinson, lo alcanza por virtud propia. Animación tradicional con gran atención a los detalles de los fondos, los bosques, plantas, objetos cotidianos y el mar. Como sucedió con El viento se levanta y La historia de la Princesa Kaguya, este filme muestra una historia menos infantil, se trata de la vida de Anna, una adolescente huérfana que padece de asma y tiene poco contacto social, ella se odia a sí misma y su madre adoptiva la envía con unos parientes para que su hija se recupere. Aunque la historia resulte fácilmente predecible, la forma en que está filmada demuestra el grado de madurez del estudio, que terminó realizando tres filmes que perfectamente se pueden pensar como acción real. Recomendada para mayores de 12 años.



La canción del mar


Título original: Song of the sea
Director: Tomm Moore
Irlanda-Dinamarca-Bélgica-Luxemburgo-Francia, 2014

Mejor elaborada que su antecesor filme El secreto del libro de Kells (2009), el director irlandés da muestra de su inmensa imaginación y creatividad; así, una historia de carácter mitológico que encuentra su equivalente en casi cualquier cultura y, por lo tanto, es harto conocida; adquiere en su tratamiento una distinción especial. Con una forma de trabajo y animación más tradicional, lejos de las grandes producciones por computadora, este filme resulta refrescante en el panorama actual del cine de animación. Con una magnífica banda sonora, con notas alegres y folclóricas, y un trazo, que aunque infantil en su diseño, se complementa con las tonalidades oscuras que adquieren tanto el dibujo de los fondos como la historia en sí. Además, para todos los amantes del gran actor Brendan Gleeson, no pueden dejar escapar la oportunidad de escucha su imponente voz. Apta para todo público.



La isla de Giovanni


Título original: Giovanni no Shima
Director: Mizuho Nishikubo
Japón, 2014

Inspirada en hechos reales y aderezada con el clásico de la literatura nipona Night on the galactic railroad (1934) de Kenji Miyazawa, este filme se hace de visionado obligatorio para conocer una de las etapas de la historia japonesa que menos atención se le ha dado en el cine, la ocupación soviética de algunas islas tras la conclusión de la Segunda Guerra Mundial. Por momentos recuerda el clásico La tumba de las luciérnagas de Isao Takahata, sin embargo, la virtud del director es crear una historia con voz propia y un estilo muy atractivo. Como es usual en el anime, los protagonistas son niños, estos se verán sometidos a un cambio en sus rutinas cuando Japón pierde la guerra, sin embargo, dentro de la esclavitud y la expropiación, el joven Giovanni encontrará la amistad de Tanya. Los trenes metafóricos los conducirán a un viaje de sobrevivencia que concluirá 50 años después de iniciado. Gran técnica de animación, con un lenguaje cinematográfico sofisticado, con diferentes perspectivas y un montaje muy dinámico. Recomendada para mayores de 13 años.

 

miércoles, 30 de diciembre de 2015

Primero de enero: 10 días para crecer



Título original: Primero de enero. República Dominicana (2014). Color
Directora: Erika Bagnarello
Guion: Erika Bagnarello
Cinematografía: Mario Araya
Edición: Raúl Merchand Sánchez y Alberto Amieva
Diseño de producción: Rafi Mercado
Dirección de arte: Adria Mejía
Música: Usman Riaz
Productores: José Miguel Bonetti y Eduardo Najri
Duración: 85 minutos



Elenco

Víctor Pintor como Sebastián
Paula Sánchez Ferry como Laura
Ximena Duque como Carmen
Manuel Chapuseaux como el abuelo
Carlos Báez como Josué
Dominique Telemaque como Francis
Hemky Madera como Beto


Tras la realización de los documentales Luces de esperanza: Hibakusha viajando por el mundo (2009) y de Maras, ninis y malandros: una guerra no oficial (2011), la directora costarricense Érika Bagnarello presenta su primer largometraje de ficción: Primero de enero.

Se trata de un filme que transcurre durante diez días, del 23 de diciembre al mencionado inicio de año en el título. En esos días la familia de Sebastián enfrenta cambios importantes tras la separación de los padres, el joven quien no acepta la situación pronto verá que sus decisiones no son las más acertadas y en su intento por resolver los problemas que ha causado, se verá en medio de un viaje en el que le acompañarán amigos y su hermana mayor.

La historia se presenta con un estilo fabulado, en la que el protagonista atraviesa diferentes adversidades, a la vez que cuenta con amigos que le ayudan. El proceso de crecimiento y maduración del joven Sebastián es evidente, por ello el tono del filme y su moraleja. Cada acción tiene una reacción, una consecuencia, por momentos más grave que la situación que la origina, pero la trama se va organizando conforme transcurren los días; aunque el ansia de plantear una enseñanza hace que ciertas situaciones se sientan forzadas.

La cantidad de personajes y su diseño conservador impiden que haya un desarrollo profundo para cada uno, aunque la directora evita caer en la caricaturización de sus personajes. Las acciones se presentan ambivalentes, algunas poco creíbles, en las que se apela al carácter fabulado de la narración y al humor para no adentrarse en las motivaciones que las originan ni en las consecuencias; mientras que otras se perciben más naturales, principalmente las que involucran a los dos niños, el buen uso del registro del habla que emplean ayuda a esto: los insultos están acorde con la volatilidad de las emociones que van experimentando y el trato cotidiano entre jóvenes. Esto no quiere decir que todo el lenguaje sea soez, solo en momentos en que la trama lo justifica.

Visualmente el filme resulta atractivo, con una paleta de colores más brillante para las escenas en la playa, de tonos cálidos y mucha luz, que contrasta con las escenas en Santo Domingo, lugar en el que se desarrollará la aventura y el protagonista tendrá su momento de revelación. La dirección de arte saca provecho de los espacios naturales de la isla para embellecer el filme, sin caer en la estampa turística. De esta manera, el lugar natal de Sebastián resulta más atractivo en su riqueza cromática y en lo pintoresco de sus habitantes, en detrimento de la capital que se muestra más fría, distante y llena de trampas, tanto para Sebastián, su hermana Laura, el joven amigo que les acompaña y el haitiano; cada uno enfrentará alguna dificultad.

La banda sonora se siente algo cargada, hay musicalización en casi todas las escenas, lo que llega a saturar el cuadro; las canciones son mejor empleadas en momentos específicos del filme. Los sonidos diegéticos están bien amalgamados gracias a la mezcla y edición de audio, estas se realizaron en Nueva York y es de lo mejor de la película. También se agradece la buena dicción de todos los personajes y lo claro que se escuchan sus voces.

En el cine de Bagnarello no sorprende encontrar a niños actuando, desde el corto El hijo de la 40 (2009), ella ha mostrado tener tacto para la dirección de actores jóvenes. La directora indica que "siente que es más fácil trabajar con niños, siempre y cuando se haga un buen casting, tanto de los niños como de los padres"; también menciona que el cine que más le gusta es aquel cuya historia involucre niños, como Estación central (Walter Salles, 1998) o Cinema Paraíso (Giuseppe Tornatore, 1989).

Primero de enero no aspira a emular ni el filme de Salles o el de Tornatore; pero su historia tiene la cualidad de ser universal, esto le permitió poder trasladar la acción a República Dominicana, tras no poder filmar en Costa Rica. En el país caribeño encuentra a su elenco, encabezado por el joven Víctor Pintor, quien lleva el peso actoral del largometraje. Pintor es un joven carismático que fácilmente se gana al público, su padre trabaja en la indutria del cine como director, por lo que tiene experiencia de cómo comportarse en un set, esto facilitó su adaptación en el rodaje. Las ocurrencias de su personaje distraen sobre algún fallo actoral.

El montaje también ayuda a disfrazar otras actuaciones, cuando algún corte rápido hace pasar a la siguiente escena; el poco uso de primeros planos también va en esta línea, constantemente la directora coloca la cámara a cierta distancia de los personajes, usa principalmente planos medios, con los que el espectador está constantemente al tanto de la relación de los personajes con el entorno, en otras secuencias, principalmente aéreas, el cuadro se abre todavía más.

Si los niños resultan refrescantes con su accionar, no pasa lo mismo con los adultos, principalmente con la madre, quien tiene una postura corporal muy rígida y su trabajo no es fluido. En general, los adultos fungen como un medio para que la historia de los jóvenes transcurra y aunque Bagnarello muestra por encima algunas temáticas sociales: xenofobia contra los haitianos, separación de los padres, delincuencia; no se profundiza en las implicaciones que estas tienen sobre los personajes. El filme mantiene la mirada desde la óptica juvenil de Sebastián.

Primero de enero es cine agradable, entretenido, con una bella fotografía, una historia sencilla bien narrada, con algunos problemas en las actuaciones, pero cuyo tono humorístico funciona con el público al que pretende llegar. Además, permite repensar lo que se considera "cine nacional", ya que aunque tenga una bandera de exportación dominicana, la directora y parte del equipo de producción son costarricenses, nuevo ejemplo de cómo el cine expande las fronteras.



martes, 29 de diciembre de 2015

Annecy Retrospectiva



El 2016 inicia con un ciclo muy especial, una retrospectiva al festival de cine de animación más importante del mundo: Annecy.

Inicialmente fue parte de una categoría en el Festival de Cannes en 1957, que premiaba trabajos de animación, pero su pronta popularidad hizo que desde 1960 tuviera su propio festival en la ciudad francesa que le da nombre. Así, en ediciones bianuales se premiaban los mejores cortos de animación. Para 1985 se empiezan a premiar también largometrajes y desde 1998 el festival pasó a celebrarse cada año.

En el panorama mundial en que la industria de Disney ha tomado el control y pervertido el cine de animación, el Festival de Annecy se ha mantenido como un bastión para artistas y creadores de extraordinarias historias que experimentan y desafían la tradicionalidad de este tipo de cine.

Vivecinescrúpulos siempre ha tenido la meta de diversificar el cine de animación para su público, mediante críticas y presentaciones de películas que no se exhiben en ningún otro lado del país.

A propósito de la maquinaria adoctrinante de Disney, legitimada por los premios Oscar, que han reducido el cine de animación a contenidos para un público infantil y, peor aún, han monopolizado el mercado e instaurado la animación digital como estándar; esta página publicó un pequeño estudio sobre las diferencias principales entre los filmes que ganan el Cristal de Annecy y aquellos que se dejan la estatuilla dorada: Cine de animación del Oscar a Annecy.

Pero como sabemos que no hay nada como la evidencia empírica, por eso hemos decidido celebrar el más grande festival de animación del mundo durante todo enero con un mega ciclo, dos funciones semanales, un recorrido histórico por diferentes escuelas de animación, técnicas, estilos e historias. Todas las películas están dirigidas para un público adulto, por lo que se presentan en su idioma original con subtítulos en español.

Las funciones se presentarán en el Museo Joaquín García Monge en Desamparados. Los días miércoles iniciaremos a las 7 pm y los sábados a las 6:30 pm. Y si gustan todavía de más, pueden llenar de comentarios el facebook de la página y les prometemos hacer presión en la Municipalidad para hacer matiné los sábados, con funciones en la tarde y en la noche. El valor para cada función es de ¢2000 por persona y después de cada proyección se hará el taller de apreciación de cine en el que se explicarán aspectos sobre las técnicas empleadas en cada filme y entre todos comentaremos sobre las temáticas.


Sábado 02 de enero (6:30 pm)

Akira


Título original: Akira
Director: Katsuhiro Ôtomo
Japón, 1988, 124 min.
En competencia Annecy 1989 

Sinopsis: Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada "la energía absoluta". Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido.



Miércoles 06 de enero (7 pm)

Cuando el viento sopla


Título original: Whe the wind blows
Director: Jimmy Murakami
Reino Unido, 1986, 80 min.
Ganadora de Annecy 1987

Sinopsis: Jim y Hilda Bloggs son una pareja de jubilados que viven en una remota zona rural de Gran Bretaña poco antes del inicio de una guerra nuclear. Profundamente patriotas, tienen absoluta confianza en su gobierno y se han informado sobre todo de qué es necesario hacer en caso de que el enemigo ataque su país. Jim ha leído los folletines oficiales sobre la la bomba atómica, e inicia la construcción de un refugio que les protegerá en caso de una explosión nuclear. La banda sonora fue hecha por Roger Waters y la canción principal por David Bowie.



Sábado 09 de enero (6:30 pm)

Una historia de amor y de furia


Título original: Uma História de amor e furia
Director: Luiz Bolognesi
Brasil, 2013, 98 min.
Ganadora de Annecy 2013

Sinopsis: Película estructurada en cuatro episodios cruciales de la historia de Brasil, desde la llegada de los europeos hasta el año 2096.  La historia gira en torno al amor entre Janaína y un guerrero indígena, quien al morir, toma la forma de un ave. Por más de 600 años, la historia de la pareja crece, pasando por cuatro etapas de la historia del Brasil: la época de la colonización, la etapa de la esclavitud, el régimen militar y el futuro, cuando una guerra del agua toma lugar en Río de Janeiro. A través de estos períodos, los amantes lucharán contra la opresión. El filme puede ser considerado como una biografía no oficial de Río de Janeiro. 



Sábado 16 de enero (5 pm)

El flautista de Hamelin


Título original: Krysar
Director: Jirí Barta
Checoslovaquia, 1986, 53 min.
En competencia Annecy 1987

Sinopsis: El título original en checo significa "El cazador de ratas". Versión oscura del famoso cuento del flautista de Hamelin, un cuento de hadas originario de la Alemania Medieval. Uno de los proyectos más ambiciosos de la animación checa, el filme es una mezcla diferentes técnicas de animación, especialmente stop-motion (marionetas) y diferentes estilos que van desde el arte medieval al expresionismo alemán; además de tener un idioma ficticio.



Sábado 16 de enero (6:30 pm)

Sita canta el blues


Título original: Sita sings the blues
Directora: Nina Paley
Estados Unidos, 2008, 82 min.
Ganadora de Annecy 2008

Sinopsis: Ramayana: epopeya hindú en torno al dios Rama, cuya esposa Sita fue raptada hasta que él la salvó con la ayuda de unos monos. Sita Sings the Blues: la historia de Nina, una mujer moderna cuyo marido la abandona vía e-mail, contada en paralelo a la leyenda de Sita. Esta colorista y emotiva cinta de animación combina distintos artes del 2D para narrar sendos relatos separados por el tiempo y unidos por un parecido. Un musical en el que monos voladores, dioses y una artista con el corazón roto se mueven al ritmo jazzístico de baladas de los años veinte.



Sábado 23 de enero (5 pm)

El niño y el mundo


Título original: O Menino e o Mundo
Director: Alê Abreu
Brasil, 2013, 80 min.
Gadanora de Annecy 2014

Sinopsis: Un niño que sufre por la falta de su padre sale de su aldea y descubre un mundo fantástico, dominado por animales-máquina y seres extraños. Película de animación extraordinaria e inusual, realizada con diferentes técnicas artísticas, que retrata los problemas del mundo moderno a través de la mirada de un niño.




Sábado 23 de enero (7 pm)

La isla de Giovanni


Título original: Giovanni no Shima
Director: Mizuho Nishikubo
Japón, 2014, 100 min.
Premio especial del jurado Annecy 2014

Sinopsis: "El 15 de agosto nos dijeron que habíamos perdido la guerra. En aquel momento, no lo comprendimos realmente. Entonces, un día, todo cambió. Muchos soldados, vistiendo uniformes que nunca antes habíamos visto, llegaron a la isla. Ese fue el día que conocí a Tanya". Basada en hechos reales, La isla de Giovanni nos cuenta cómo en las fechas posteriores al conflicto más devastador que jamás ha vivido la humanidad, la pequeña isla japonesa de Shikotan pasó a formar parte del Óblast de Sajalin de la Unión Soviética. Y en esta frontera con heridas aun abiertas, en un rincón remoto del mundo, surge tímidamente la amistad entre niños de dos países diferentes, deseosos de superar las barreras lingüísticas y las olas de la historia.



Miércoles 27 de enero (7 pm)

Cheatin'


Título original: Cheatin'
Director: Bill Plympton
Estados Unidos, 2013, 72 min.
Premio especial del jurado Annecy 2014

Sinopsis: Séptimo largometraje animado de Bill Plympton, inconfundible e incombustible animador norteamericano de estética y personalidad inmediatamente reconocibles, que demuestra seguir en plenitud de facultades tras casi cincuenta años de profesión. Esta vez se inspira en una obra del escritor James M. Cain para traernos la historia de Jake y Ella, que tras un accidente de coche terminan por convertirse en la pareja más unida que se pueda imaginar. Un universo de dos en perfecta armonía que comienza a desmoronarse cuando la aparición de una misteriosa mujer hace que surjan los celos y las inseguridades...


martes, 22 de diciembre de 2015

Un buen crítico debe saber la diferencia entre reseñar y hacer crítica de una película



Por Kattia Barrientos.



Para un crítico es vital conocer la diferencia entre reseñar y hacer crítica, mientras la primera obedece más a un recuento de los rasgos más distintivos de una película: el guion, música, montaje, actuaciones, vestuario, etc.; la segunda corresponde a hacer un re-visionado de la película, es decir, profundizar en la reseña para analizar y argumentar en torno al filme o algún aspecto concreto de este.

Ahora bien, es importante aclarar que no es que una sea mejor o más apropiada que la otra, la elección entre una y otra se debe más al contexto y propósito donde se vaya a publicar. De esta forma, generalmente la reseña es la primera aproximación del espectador al filme y la crítica cuando el espectador, una vez visto el filme, desea formar parte del diálogo propuesto entre el crítico y la película.

Sin embargo, no está de más enfatizar que para ambos casos el crítico debe desprenderse del lugar común de me gusta / no me gusta, es buena / es mala, pues estas son apreciaciones subjetivas que si no se argumentan no contribuyen a nada. Claro está, entre mejor sustentados estén los puntos a mencionar, en ambos casos el resultado será más óptimo, por un lado, una reseña más crítica (valga la repetición) y por otro, una crítica que realmente obligue al espectador a repasar esa película con miras a darle una nueva lectura. Por último, también vale hacer énfasis que el lector puede estar en desacuerdo o no con lo expuesto por el crítico, lo que no puede pasar es que la crítica/reseña esté mal elaborada.

Así, para este tercer punto utilizaré como ejemplo la película El Apóstata (2015) del director uruguayo Federico Veiroj, el cual nos presenta la historia de Tamayo, un treintañero quien decide apostatar: renunciar públicamente a su religión por medio de la solicitud formal de la eliminación de su registro como católico. Una vez que Tamayo pide su acta de bautismo y descubre a partir de esto las enormes complicaciones burocráticas al respecto, comienza una introspectiva sobre sus renuncias y culpas al respecto y cómo estas afectan su círculo familiar, especialmente a su madre.

Y mientras el mismo Tamayo, interpretado por el español Álvaro Ogalla, nos cuenta lo acostumbrado que está a renunciar a todo y no terminar nada, a lo largo del filme lo vemos más y más decidido a no darse por vencido con la apostasía sin importar los obstáculos en su camino.

Con un guion co-autoría de Veiroj y el mismo Ogalla sobre su propia experiencia tratando de apostatar, no resulta difícil para el espectador identificarse y hasta reírse con los episodios cómicos de Tamayo, pues hasta sus particulares sueños son un obstáculo a superar.

Como gran acierto del presente Festival, la mayoría de los filmes contó con un talento invitado para cada función; para El Apóstata, Ogalla fue el invitado y él  aprovechó el espacio  para revelar aspectos curiosos del guion como que su personaje y él tenían tanto en común que inicialmente incluso se llamaba Álvaro. Si el nombre no cambiaba, el plan era que Ogalla apostatara de sí mismo, es decir, legalmente iba a cambiar su nombre para evitar complicaciones después del estreno, claramente, esto no ocurrió y así con otro nombre, pudieron incorporar otros aspectos para diferenciar el personaje del actor, entre estos, las relaciones íntimas que mantenía con su prima.

Sumado al guion, Ogalla aprovechó para explicar el uso de la música, pues a lo largo del filme es casi ausente excepto por escenas donde se busca que la música esté tan presente que llega incluso a ensordecer como parte de una atmósfera aplastante donde Tamayo se ve envuelto.

Por último, y ante la consulta del público por la metáfora de la apostasía, Ogalla explicó que en realidad la renuncia constante de Tamayo a sus estudios, relaciones interpersonales y trabajo en contraposición con la tenacidad de apostatar se debe a un cambio generacional ocurrido en España donde particularmente los hombres tardan más en “resolverse” como adultos, pues los roles masculinos ya no se limitan a ser el proveedor por lo que no existe una presión por corresponder a lo esperado socialmente, por tanto, la apostasía de Tamayo es una forma de renunciar a lo que su familia y la sociedad esperan para él.

Con esta explicación ofrecida por Ogalla y posterior a visionar la película, se abrió la posibilidad de establecer una relación entre El Apóstata y El Proceso (1925) de Franz Kafka, donde ambos personajes se ven envueltos en un aparato burocrático que los supera al punto de hacerlos dudar de sí mismos, y efectivamente, la obra de Kafka también fue un claro referente tanto para Veiroj y Ogalla a la hora de crear el guion, tal y como comentó el actor en el foro ofrecido al final de la función.

Empero, y aquí espero que quienes hayan visto esta película se unan al diálogo, el problema de El Apóstata como filme se debe justo al guion, pues el personaje de Tamayo resulta tibio dentro del planteamiento porque sus problemas nunca se profundizan de tal manera que realmente impliquen un problema para él: con sus estudios en eterno terminar su madre siempre lo cubre ante su familia, su prima no demuestra mayor problema por la relación con él y su trabajo como tutor del vecino nunca es valorado de manera negativa, al contrario, la madre del niño considera positiva esta relación entre ambos. Entonces ¿contra quién se revela realmente?

Quizás el objetivo del filme no es claro debido a que no todo funciona en pantalla, pero sus planteamientos y referencias sí logran dejar en el espectador la satisfacción de la victoria ante pequeñas luchas, no sé si al final este sería el propósito de Veiroj, pero sin duda es lo que conecta con el público.

Les recuerdo pueden participar de la discusión, ojalá si tuvieron la oportunidad de ver esta película cuenten qué les pareció. Y una serie de eventos desafortunados en contra de mi pierna izquierda retrasó un poco el decálogo, pero tal como mi pierna, vamos lentos pero a paso firme. No olviden etiquetarme con mi perfil personal Kattia Barrientos.