sábado, 30 de mayo de 2015

Voces acalladas. Cine y censura




Diálogo cinéfilo:


Desde hace varios años se vienen realizando actividades culturales en torno a la proyección de películas. Surgen por diferentes motivos, pero todas comparten el interés de presentar un cine alternativo que reúna a los cinéfilos. Aunque la falta de recursos y cobertura mediática ha hecho que estos espacios no se conozcan masivamente, ello no ha impedido que sigan funcionando. 

Por esta razón, para el mes de junio, dos de las propuestas más longevas en el país decidieron unir esfuerzos y poner a dialogar sus cineclubes y sus asistentes. Intrigados por el tema de la censura cinematográfica, los programadores Francisco Acuña (Alianza Francesa) y Yoshua Oviedo (Vivecinescrúpulos) desarrollaron un atractivo programa que permitirá apreciar la delicada relación que ha tenido el arte cinematográfico con las diferentes censuras. 

Los ‘Viernes cinéfilos’ es un espacio que se ha consolidado en el centro de la capital para quienes deseen terminar la semana con una excelente película. Con la premisa de acercar al costarricense a la cultura francófona, la Alianza Francesa ha desarrollado un constante esfuerzo de difusión cultural, con proyecciones todos los viernes desde hace 10 años en su sede central en Barrio Amón. 

Por su parte, Vivecinescrúpulos nació hace 6 años con el objetivo de promover la salud mental comunitaria a través de la cultura cinematográfica. Presentando filmes cada sábado en el Museo Joaquín García Monge (Desamparados centro). Concebido como un taller de apreciación de cine en el que se explican aspectos técnicos y en el que los participantes pueden comentar de manera más activa.


Cine y censura:


La curaduría de los filmes se hizo partiendo de temas que todavía hoy siguen siendo controversiales, que inciten la curiosidad del público. Acuña indicó que “se intentó que las razones de prohibición de las películas no fueran las usuales, como contener escenas sexuales fuertes o violencia excesiva, sino por motivos más difusos”. Así, no solo los cineclubes estarán dialogando entre sí, sino que las películas al ser de épocas diferentes también lo harán y, desde luego, los asistentes.

Las censuras cambian según el contexto y el momento en que aparezca una obra que resulte incómoda, por lo general para un grupo hegemónico, por lo que resulta importante conocer qué está siendo censurado en la actualidad y qué lo estuvo en el pasado. “De esta forma el visionado actual a películas clásicas pueden dar al espectador contemporáneo la sensación de ser narraciones inofensivas, cuando en su época de estreno se intentó sabotearlas por temor a las reacciones subversivas que podrían generar al público” comentó Acuña.

La programación en la Alianza Francesa inicia el viernes 5 de junio, con el filme de Jean Vigo, Cero en conducta (1933). Censurado al momento de su estreno por su crítica a las instituciones de enseñanza y reestrenada hasta 1945. Seguidamente, se mostrará el mediometraje Las estatuas también mueren (1953) dirigido por Chris Marker y Alain Resnais, “un notable manifiesto antiimperialista que denuncia la perspectiva francesa de la época con respecto al arte africano, convertido por los coleccionistas en una artesanía sometida a los requerimientos comerciales”, señaló Acuña. Y agregó: "Esta película nos dirige la mirada hacia cómo aquello que se intenta esconder a la mirada del espectador no obedece a un solo motivo, sino que deviene de una amplia ramificación de temas que son (y dejan de ser) tabú dependiendo de los intereses particulares de los entes censores, en donde juegan un papel fundamental la iglesia y el estado".

Para el viernes 12 se proyectará el filme de Henri-Georges Cluzot, El cuervo (1943). Producida por una compañía alemana, por lo que tras la finalización de la guerra, parte del elenco y el director fueron suspendidos. La película ejemplifica el clima de paranoia e inseguridad de la época, con una trama en la que la paz de un poblado se ve amenazada cuando empiezan a aparecer anónimos firmados por “El Cuervo”, lo que incrementa la desconfianza entre unos y otros. 

El viernes 19 será el turno de Yo te saludo, María (1984) del director Jean-Luc Godard. Una reinterpretación del embarazo de la Virgen en el que se examinan las relaciones de género y se cuestiona la fe. La obra fue condenada públicamente por Juan Pablo II y fue prohibida en varios países. 

El día 26 se presentará Ro.Go.Pa.G. (1963) filme dividido en cuatro segmentos: Virginidad de Roberto Rossellini, El nuevo mundo por Godard; La Ricotta de Pier Paolo Pasolini y El pollo de granja de Ugo Gregoretti. Este trabajo temático explora la visión de mundo apocalíptica que tenían sus directores como consecuencia de los conflictos políticos y sociales de los sesenta.

La cartelera en Desamparados tendrá una pequeña variante. Se exhibirán películas que se realizaron como respuesta ante una censura específica. El sábado 6 de junio con Ai Weiwei never sorry (Alison Klayman, 2012) se ejemplificará la importancia del arte como medio subversivo en una sociedad, siguiendo la obra del artista y activista chino Ai Weiwei contra el régimen político de su país. 

Para el día 13 se presentará Esta no es una película (2011), valiente testamento del director iraní Jafar Panahi y el documentalista Mojtaba Mirtahmasb; en el que desafían una sentencia en la que se le prohibió al primero filmar por 20 años y se le condenó a casa por cárcel. Panahi explora lo que significa crear a través del cine como forma de vida. 

El sábado 20, con la película Tierra (1998) de la realizadora india Deepa Mehta, se hablará sobre la censura de género en la industria cinematográfica. La directora había recibido amenazas de muerte debido al malestar que provocó su trabajo anterior (Fuego, 1996) pero, a pesar del boicot, pudo terminarla. El filme narra las luchas religiosas durante la partición de la India, en 1947, desde la perspectiva de una mujer parsi. 

El ciclo terminará el sábado 27 con la proyección de La imagen perdida (2013) coproducción entre Camboya y Francia del director Rithy Panh. Con este filme se evidencia la importancia del cine como testimonio, bastión fundamental para no olvidar la historia. La película denuncia el genocidio cometido durante la dictadura de Pol Pot y los Jemeres rojos durante la década de los setenta del siglo pasado, lo que significó la muerte de una cuarta parte de la población de Camboya. 

Los días viernes la función será a las 6 pm, entrada gratuita, en la Alianza Francesa en Barrio Amón, 200 metros oeste del INS, más información al 2257-1438. Mientras que los sábados la función es a las 6:30 pm en el Museo Joaquín García Monge, al costado norte del parque de Desamparados, con un valor de ¢2000 por función.



Viernes 05 (Alianza Francesa, 6 pm)

Cero en conducta




Director: Jean Vigo
Francia, 1933, 42 minutos

Sinopsis: Vuelta al colegio en una escuela de provincia. La vieja rutina comienza de nuevo: jaleo en el dormitorio, castigos tradicionales, los recreos, clases agitadas y conflictos con las autoridades del colegio. Una noche los internos deciden liberarse de la autoridad de los adultos y comenzar una rebelión.





Las estatuas también mueren

 

Directores: Chris Marker, Alain Resnais
Francia, 1953, 30 minutos
 
Sinopsis: "Cuando los hombres están muertos, entran en la historia. Cuando las estatuas están muertas, entran en el arte. Esta botánica de la muerte, es lo que nosotros llamamos la cultura”. Así comienza este controvertido documental que cuestiona las diferencias entre el arte africano y el arte occidental, pero sobre todo la relación de Occidente con ese arte. Un ensayo sobre la escultura africana permite a Chris Marker y Alain Resnais denunciar el colonialismo francés, el racismo y el declive de un arte que, por culpa de la demanda de los coleccionistas europeos, se convirtió en una artesanía sometida a exigencias comerciales.
 
 
 

Sábado 06 (Desamparados, 6:30 pm)

Ai Weiwei never sorry

 
 
Directora: Alison Klayman
EE.UU., 2012, 90 minutos
 
Sinopsis: Primer largometraje sobre el artista y activista chino de renombre internacional. Muestra la imagen de uno de los personajes más importantes de los primeros años del siglo XXI. Un artista que considera que el arte y la libertad humana son dos conceptos inseparables. Es la historia de un disidente de la era digital que inspira a las audiencias globales y desdibuja los límites entre arte y política.
 
 
 
 

Viernes 12 (Alianza Francesa, 6 pm)

El cuervo

 
 
Director: Henri-Georges Cluzot
Francia, 1943, 92 minutos
 
Sinopsis: Una genuina obra maestra del cine francés, 'El cuervo' es un oscuro y subversivo estudio de la naturaleza humana. Una ola de histeria sacude al pequeño pueblo de St. Robin cuando una serie de cartas envenenadas y firmadas como "Le Corbeau" denuncian a numerosos y prominentes miembros de la sociedad. Comenzando por el médico del pueblo, la siniestra cadena de cartas pronto se convierte en una epidemia en la que nadie queda a salvo de las misteriosas acusaciones.
 
 
 

Sábado 13 (Desamparados, 6:30 pm)

Esto no es una película


 
 
Directores: Jafar Panahi y Mojtaba Mirtahmasb
Irán, 2011, 75 minutos

Sinopsis: Tras recurrir judicialmente a una sentencia que lo condenaba seis años de cárcel y veinte de inhabilitación, el director iraní Jafar Panahi tuvo que esperar meses hasta que se hizo pública la sentencia. Filme que reproduce un día en la vida de Panahi y su antiguo ayudante de dirección y ofrece una visión general de la situación actual del cine iraní.




Viernes 19 (Alianza Francesa, 6 pm)

Yo te saludo, María


 
Director: Jean-Luc Godard
Francia-Suiza-Reino Unido, 1984, 106 minutos

Sinopsis: María, hija del propietari de un garaje, espera un hijo aunque todavía es virgen. Su sinceridad termina por vencer los celos de José, que deberá contentarse con contadas miradas a la desnudez de la joven. Después de revolverse verbalmente contra dios, María acepta asumir la natividad celeste y trae al mundo a Jesús, un niño bastante turbulento. Un poema cinematográfico de una belleza fulgurante.




Sábado 20 (Desamparados, 6:30 pm)

Tierra


 
Directora: Deepa Mehta
India-Canadá, 1998, 110 minutos

Sinopsis: Segunda película de la famosa trilogía de los elementos. En 1947 estallan las revueltas que conllevarán a la Partición de la India y la creación del Estado de Paquistán. La película refleja esta época de transición en un grupo de amigos paquistaníes e indios, en medio de disturbios entre miembros de las diferentes religiones.





Viernes 26 (Alianza Francesa, 6 pm)

Ro.Go.Pa.G.


Directores: Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard, Pier Paolo Pasolini y Ugo Gregoretti
Italia-Francia, 1963, 120 minutos

Sinopsis: Cuatro directores, cuatro historias. En 'Virginidad', Anna María, una azafata de Alitalia que sufre el acoso de un hombre de negocios norteamericano y que solo podrá detenerlo actuando de manera provocativa. 'La Ricotta' fue el motivo de que Pasolini fuera condenado a cuatro meses por haber ultrajado e insultado la religión del estado, al haber filmado a un Jesucristo en una zona paupérrima con hombres dispuestos a hacer cualquier cosa por un poco de comida. 'El nuevo mundo' narra el deambular por un París devastado e incongruente del único hombre que no se ha visto afectado por la destrucción nuclear. 'El pollo en la granja' muestra a un estereotipo del hombre italiano de clase media abrumado por los esloganes de los anuncios y que acaba siendo el conejillo de indias de una compleja y divertidísima teoría de un experto en marketing.


Sábado 27 (Desamparados, 6:30 pm)

La imagen perdida


Director: Rithy Panh
Camboya-Francia, 2013, 90 minutos

Sinopsis: Durante el régimen comunista de Pol Pot en Camboya, miles de personas fueron despojadas de sus tierras y forzadas a trabajar en campos agrícolas. La dictadura ejecutó y torturó a cualquiera que le pareciera sospechoso de sedición. Los familiares del director Rithy Panh, quien escapó en su adolescencia de su país, fueron desapareciendo uno a uno. Para contar la historia de esta época, Panh buscó imágenes de ese periodo atroz, pero no encontró nada. Entonces creó imágenes ausentes usando figuras de plastilina y dioramas. Con una belleza inusual, la narración retrata una pesadilla histórica, el trauma y memoria de una sociedad.
 

lunes, 25 de mayo de 2015

Dos aguas, mar de contrastes






Título original: Dos aguas. Costa Rica-Colombia (2015). Color
Directora: Patricia Velásquez
Guion: Óscar Herrera y Patricia Velásquez
Dirección de fotografía: Gustavo Brenes
Montaje:Patricia Velásquez
Dirección de arte: Olga Madrigal
Música original: Óscar Herrera
Duración: 70 minutos


Elenco

Ismael Brown como Nató
Andre Devoto como Jefferson
Ariel Arguedas como Klane
César Maurel como Sr. Bazin
Orlando Brown como Sr. Brown
Glenda Halgarson como Sr.a Brown
Gladys Alzate como Aurora



De la provincia de Limón es usual encontrar noticias sobre hechos de violencia y el impacto negativo que tiene para sus pobladores las condiciones de pobreza en las que muchos viven; sin embargo, el cine casi no se ha aproximado a esta región. Como antecedente principal tenemos el filme de Esteban Ramírez, "Caribe" (2004).

En esta ocasión, el primer largometraje de Patricia Velásquez busca rescatar las diferentes facetas que se encuentran en esa zona del país. Como consecuencia, se muestran una serie de imágenes que sirven para contextualizar y ambientar al espectador, estas van desde la exhuberancia de la vegetación hasta personas que se divierten en una playa; sin embargo, se agradece que el filme no se vuelva una postal turística, solo muestra diferentes aspectos de la cotidianeidad limonense, pero no tiene una finalidad publicitaria. Las dos únicas tomas en las que se podría caer en lo turístico ornamental, pertenecen a la mirada del extranjero (Sr. Bazin), aspecto lógico en una zona que es conocida como destino turístico.

En la búsqueda por un sello visual, el filme encuentra su mejor valía, una fotografía hermosa que seduce, en la que el nivel de producción es bastante ambicioso con tomas aéreas, acuáticas y terrestres. Una pluralidad de la mirada que no tienen los personajes, quienes se ubican desde lugares que les limitan: un pescador, una cocinera, adolescentes que van del colegio a sus casas, de la playa al pueblo. Lejos, en el aire, está la mirada noticiosa, aquella de la cual se hacen eco los medios de información y que suele ser la única que conocen quienes viven en otras partes del país. Una imagen que muestra el problema central en "Dos aguas": el narcotráfico.

El título viene dado por el fenómeno en alta mar en el que dos corrientes marinas producen una zona en la que los objetos flotan y no son arrastrados por la marea, situación propicia para arrojar paquetes desde una lancha, para que pescadores y otras personas del lugar, seducidos por la promesa de una recompensa monetaria, se arriesguen a burlar los controles policiales y recojan esos paquetes.

Aunque se muestran diferentes conflictos por los que atraviesan los personajes, la directora opta por mostrar un lado amable, humanitario y solidario de los pobladores, lejos de la imagen estereotipada que se tiene de la zona. Son personajes fuertes y decididos, que se quieren entre sí. Este trato afectivo hacia ellos hace que el filme no muestre la crudeza del narcotráfico y sus consecuencias.

Como una sombra que sigue a los personajes, ese elemento de fatalidad va a ir penetrando en sus vidas y provocará el drama familiar que el filme narra. Sin embargo, la falta de cohesión entre escenas y hechos hace que "Dos aguas" tenga carencias estructurales en el relato.

Son muchas las situaciones que quedan en el aire, que son sugeridas, pero no tienen una consecuencia, incluso la muerte de un personaje resulta conveniente para que la película tenga una razón de ser. En este mostrar y no explicar, no hay profundidad en ningún personaje, estos no pasan de ser anecdóticos, lo mismo sucede con el argumento. La linealidad cronológica de la historia impide que se conozcan hechos mostrados, mas no desarrollados.

Con un ritmo muy lento, en el que el trabajo de edición entrelaza secuencias por medio de imágenes de la naturaleza, que sirven para contextualizar, mientras la banda sonora hace énfasis en el aspecto emocional de los personajes; se van dilantando los sucesos. Estas transiciones incluso parecen pequeños videoclips musicales. Lo natural cobra mayor relevancia sobre el drama emocional de los personajes, o del pueblo, algo que no se explora.

La poca credibilidad de los actores, merced a diálogos poco verosímiles tampoco contribuye al fluir de la historia. El diseño de los personajes acierta en el apartado físico con los actores quienes los interpretan, pero no en el aspecto psicológico, ya que resultan planos, sin matices. Cuando hablan parece que recitan las líneas del guion, no que están actuando, en este sentido hay que exceptuar a César Maurel, buen actor cuyo trabajo se pierde en un guion que no logra enfatizar el nudo narrativo, el conflicto argumental.

Con esta nueva producción costarricense se confirma el buen talento que está apareciendo en los apartados técnicos, una fotografía apabullante de Gustavo Brenes, una música atractiva y pertinente por parte de Óscar Herrera, se unen a una muy buena edición y mezcla de sonido, elementos que no hace mucho eran muy cuestionados en la cinematografía nacional. Sin embargo, el aspecto medular de un filme, su estructura argumental sigue siendo el talón de Aquiles, algo que hay que mejorar.


domingo, 17 de mayo de 2015

Ex Machina o la moderna Prometea



 

Título original: Ex Machina. Reino Unido. (2015). Color y B/N
Director: Alex Garland
Guion: Alex Garland
Cinematografía: Rob Hardy
Montaje: Mark Day
Música: Geoff Barrow y Ben Salisbury
Diseño de producción: Mark Digby
Duración: 108 minutos



Elenco


Domhnall Gleeson como Caleb
Oscar Isaac como Nathan
Alicia Vikander como Ava
Sonoya Mizuno como Kyoko




En el 2013 otro filme británico de ciencia ficción y con un título casi idéntico (The Machine, Caradog James) sorprendió gratamente. Ahora, la opera prima de Garland, con un tratamiento muy diferente al filme de James sobre el clásico tema de la inteligencia artificial y la interacción ser humano-máquina; continúa el buen camino de este subgénero fantástico.

No se trata de un filme vertiginoso, de escenas de acción coreografiadas; sino que su premisa parte de un análisis filosófico sobre ese dilema del ser humano de querer crear una inteligencia que incluso le supere y así ser considerado un dios. Con extensos diálogos sobre esto, con referencias a científicos célebres o pintores, Oscar Isaac (Nathan) y Domhnall Gleeson (Caleb) brindan actuaciones disímiles, mientras que Isaac resulta convincente y usa su capacidad histriónica por todo el espacio disponible, Gleeson es más monótono con su accionar y no seduce, aunque está limitado por la puesta en escena tan "mecánica" que hace el director, tratando de encajar cada encuadre como si fuera parte de una pantalla de ordenador. En esto se nota la elección en la fotografía de basarse en una esala RGB. Así, el verde representa el afuera, el deseo de tener una libertad y ejecutar en ella decisiones conscientes; el azul, la falsa calma, el estudio de personalidades y la estratagema ajedricística de los diferentes personajes; y el rojo, la pulsión, el deseo, aquello que revela lo oculto.

Precisamente ese carácter de misterio que el guion plantea es lo que más seduce, un filme que teje su contenido y lo va revelando poco a poco. Nathan tiene que evaluar a Ava (Alicia Vikander) en una prueba (Test Turing) para medir su nivel de IA. Resulta imposible no comparar esta premisa con Blade Runner (Ridley Scott, 1982), sin embargo, el desarrollo en Ex Machina es más plano, merced a la actuación de Vikander y que desde el inicio sabemos que es una IA. La actuación de la sueca es acorde con la expresividad de la 'máquina' que debe ser, aunque su actuación corporal no debe ser pasada por alto. Ese conocimiento inicial es compensando a través del guion, por lo que el test consiste en siete sesiones, pero a lo largo de estas va creciendo la pregunta: ¿quién es el examinado?


Garland traza paralelismos con el Frankenstein de Mary Shelley, la criatura que desea acariciar su humanidad, víctima de un genio que la mantiene encerrada. La casa laboratorio de Nathan también es un laberinto, uno que muestra sus diferentes proyectos (los fallidos y los exitosos), pero en esa soledad, el genio y su criatura se aburren, necesitan de Caleb, un falso Teseo que juega en las redes laberínticas de ese moderno castillo de Frankenstein.

La atmósfera claustrofóbica es saboteada por el propio director en algunas escenas en las que filma fuera de la casa, en ellas se pierde el estado de tensión y los diálogos no alcanzan a cobrar mayor relevancia. De igual manera, la banda sonora no es muy elaborada y pasa desapercibida, no logra capturar la atención y angustiar, caso contrario a la fotografía, que sí permite contextualizar el agobiante espacio en el que se desarrollan los hechos.

Conforme se acerca el clímax, se agradece que la película no caiga en efectos banales, el director se mantiene fiel a su concepto original, mostrar un filme sobre ideas, más que un despligue coreográfico o un derroche de efectos visuales. Valga aclarar que los detalles visuales son muy buenos, pero estos se usan para ambientar la historia y no como un fin de la misma, por lo que su trabajo enriquece la valía de la película.

Una lectura más interpretativa, nos permite ver el filme como una fantasía sexista, en la que el hombre demiurgo (Nathan) controla todos los aspectos de la mujer (Ava), quien como la Eva bíblica existe a partir de la esencia masculina, una visión prometeica de la mujer que es construida con base a los modelos habituales de las fantasías eróticas sexistas. Los desnudos y la aproximación erótica de Caleb, buscan la satisfacción del deseo sexual de este, más que la salvación de ella; es decir, cambia el hombre, pero no la condición de encierro: el físico en la casa laboratorio de Nathan, o el psicológico afectivo en el marco de una relación con Caleb. Ante este panorama, Ava traza su propio plan, ejecución de una consciencia con lo que demuestra no solo que su IA es superior, sino que también reinvindica su condición de género, su independencia respecto al hombre. 

Otros filmes recientes de ciencia ficción que han reinvindicado el rol de la mujer en una sociedad que socializa con base en roles de género son Her (Spike Jonze, 2013) y Under the skin (Jonathan Glaze, 2013). Aún así, los tres filmes tienen un componente erótico que yace en las virtudes de sus actrices, gancho comercial que no se puede obviar.


lunes, 4 de mayo de 2015

Pasiones indómitas



Cuando se revisan listas sobre los mejores directores de cine de la historia, estas suelen estar dominadas por realizadores europeos y estadounidenses, incluso asiáticos; sin embargo, es difícil ver que entre ellos aparezcan nombres de latinoamericanos, salvo que la lista sea hecha en esa parte del mundo.

Tal ausencia no es gratuita, pero sí injustificada. ¿Qué conocemos por "Cine Latinoamericano"? ¿Cuál es su origen? ¿Tiene una estética que la defina?

En general existe una noción de que el cine de esta región se caracteriza por mostrar temas de denuncia social y, aunque hay mucho material de ese tipo, no es el único, ni tampoco ha sido el que ha dominado la producción cinematográfica latinoamericana durante toda su historia. Por otro lado, las grandes productoras argentinas, mexicanas y venezolanas optan por financiar comedias y dramas con las que el público se identifique fácilmente; sin embargo, siempre ha existido una propuesta más artística y de autor, que busca desprenderse de las propuestas comerciales. 

Este otro cine tampoco es idéntico en todo momento, ya que los filmes contemporáneos manejan lenguajes cinematográficos diferentes a los de una época clásica.

En esta ocasión, Vivecinescrúpulos, ofrece una mirada por cuatro producciones clásicas que representan lo que fue el cine latinoamericano en una determinada época. Películas que indagan con distintos simbolismos el contexto existencial de sus directores y los países en los que transcurren los hechos. Y sobretodo, que no envidian nada a los grandes filmes de otras zonas.

Los sábados de mayo su cita es a las 6:30 pm en el Museo Joaquín García Monge de Desamparados.
 



Sábado 09 de mayo (6:30 pm)

Dios y el Diablo en la tierra del Sol


Director: Glauber Rocha
Brasil, 1964, 120 minutos
Para mayores de 15 años

Sinopsis: La película se desarrolla en los años 40 y narra la historia de Manuel, un vaquero que cansado del maltrato que recibe a manos de su patrón, lo mata y huye con su esposa Rosa. Prófugos de la justicia, Manuel y Rosa recorren las baldías tierras norteñas combatiendo el terror físico y espiritual que parece haber poseído al país.





Sábado 16 de mayo (6:30 pm)

El Chacal de Nahueltoro


Director: Miguel Littín
Chile, 1969, 89 minutos
Para mayores de 15 años

Sinopsis: Basada en un hecho sucedido en Chile en 1960 en el que un campesino analfabeto asesinó a una mujer y sus cinco hijas, Littin basó todos los diálogos en las declaraciones efectuadas por el asesino a lo largo del juicio y a unos periodistas que lo entrevistaron antes de ser fusilado, a pesar de haber aprendido a leer y escribir en la cárcel. La fuerza descarnada de sus imágenes, el análisis de una sociedad que genera sucesos como ese y la, a menudo, absurda respuesta de la justicia, hicieron del filme uno de los más perseguidos por la dictadura de Pinochet.





Sábado 23 de mayo (6:30 pm)

La red



Director: Emilio "Indio" Fernández
México, 1953, 77 minutos
Para mayores de 15 años

Sinopsis:  Después de un atraco dos amigos se reúnen en una zona costera aislada, lejos de la policía. También está la novia de una de ellos, una mujer joven, bella y sensual... "...se trata de una de las empresas más monstruosamente barrocas del cine de la postguerra y que demuestra un talento poco ordinario" (André Bazin, 1953)





Sábado 30 de mayo (6:30 pm)

Las doce sillas


Director: Tomás Gutiérrez Alea
Cuba, 1962, 94 minutos
Para mayores de 13 años

Sinopsis: Un aristócrata venido a menos con el triunfo revolucionario y su exchofer buscan desesperadamente una silla donde están escondidos los brillantes de la familia. En abierta competencia con el cura del pueblo, enterado del secreto, los personajes atraviesan las más imprevistas situaciones ya que el juego de doce sillas ha sido subastado por el Ministerio de Recuperación de Valores y se encuentran en distintas manos.