sábado, 17 de enero de 2015

Espejismo: cicatrices de la mente




Título original: Espejismo. Costa Rica (2014). Color
Director: José Miguel González
Guion: José Miguel González
Cinematografía: Luis Salas
Montaje: José Miguel González
Música original: Edín Solís
Duración: 80 minutos


Elenco

Abelardo Vladich como Daniel
María Bonilla como la abuela
Luis Andrés Solano como Andrés
Liz Rojas como Liz



Cuando el cuerpo de una persona sufre una herida, con el pasar del tiempo y según los cuidados obtenidos, empieza un proceso en el que los tejidos se restituyen, a manera de recuerdo de la herida se forma una cicatriz. Al ser un nuevo tejido, la cicatriz se hace evidente por tener una textura distinta al del resto de la epidermis. Sin embargo, existen otras heridas cuyas huellas no san tan fáciles de identificar.

'Espejismo', nueva producción de ficción costarricense, explora las heridas internas que sufre su protagonista tras un evento traumático en su niñez. Las cicatrices de la mente, causadas por perturbaciones emocionales que marcan a un individuo, no se componen de nuevo tejido que cubre la piel; tampoco dejan huella física, por lo que es difícil distinguir la magnitud de la herida.

El joven director José Miguel González decide narrar este proceso de curación del protagonista en clave de drama psicológico, incluso, por momentos el filme adopta un ritmo de thriller psicológico, principalmente en las escenas en las que hay poca iluminación y lo oscuro revela ser parte integral del dilema interno del personaje.

La película no recurre al surrealismo ni a un efectismo gratuito. La narración parte de un tiempo psicológico, el de Daniel (Abelardo Vladich), el protagonista. Su equilibrio emocional se ve amenazado al reexperimentar un proceso de duelo que le abre viejas heridas, las que no habían cicatrizado del todo. González va mostrando la realidad del personaje a la vez que inserta flashbacks evidenciando la memoria confusa de Daniel sobre lo sucedido. En esto también es vital la fotografía con varios desenfoques, metáfora de los espejismos en los que vive el personaje.

Lo inconsciente va tomando fuerza en la vida emocional de Daniel, quien, a manera de fuga, recrea toda una ilusión que le permita sobrellevar el dolor. Acá es cuando la trama se vuelve más enigmática y por momentos juega a ser un falso thriller. ¿El filme se trata de eventos sobrenaturales? ¿Hay una explicación lógica de lo que se observa? Son preguntas que se hace el espectador mientras presta atención al drama en pantalla. Una elegante secuencia muestra un travelling paralelo en el que se intercalan imágenes de lo consciente y lo inconsciente, a la vez que el director juega con los tiempos, pasado y presente se empiezan a mezclar. 

La esmerada fotografía brinda una pauta interpretativa y guía al espectador. Las escenas del pasado y aquellas que son producto del inconsciente de Daniel tienen un tono diferente al del resto de la película. Por un lado, Luis Salas (director de fotografía) opta por una tonalidad pastel para secuencias en la playa y en el cementerio, ambas en exteriores y contrastando el cielo con lo que sucede en el suelo. Mientras que el figurado romance entre Daniel y Liz adquiere un mayor brillo, hay una paleta de colores más cálida y las escenas suelen estar filmadas en interiores, de noche y sin otro personaje presente: una sala de cine o un carrusel que destaca por sus luces. Los momentos más realistas y que se encuentran en el presente son realizados con un tono más neutro, usando la iluminación para establecer contrastes o remarcar cierto estado depresivo o angustiante.


La fragmentación está presente no solo en la estructura narrativa, sino que se observa en las tomas abiertas con un cielo lleno de nubes, las que simulan un camino empedrado. Mientras que otras escenas muestran construcciones rocosas con varios tipos de sedimentación y que no siguen una forma regular, justo como el personaje va evidenciando distintas capas a través de sus recuerdos.

Resulta llamativo que tres de las últimas producciones nacionales hayan optado por fragmentar la narración como recurso estilístico en sus propuestas: Muñecas rusas (Jurgen Ureña, 2014), Rosado furia (Nicolás Pachecho, 2014) y ahora Espejismo. Evidencia de una maduración en el quehacer cinematográfico y la necesidad de nuevos directores de distanciarse de los lugares comunes y la lógica aristotélica que ha marcado el cine costarricense desde sus inicios.

Otro elemento de gran valía en 'Espejismo' es su trabajada banda sonora, música compuesta específicamente para la película por Edín Solís, que logra por sí sola describir con acierto y destreza las emociones y acciones que los actores no siempre logran reflejar. Aún así, la música está presente en casi todos los pasajes y se pudo haber narrado desde el silencio por momentos. 

Junto a la banda sonora, el diseño de sonido y mezcla es de alta calidad. Los sonidos ambiente son finamente arreglados para dotar de mayor verosimilitud al universo dramático de la película. Un esfuerzo que vale rescatar y que refleja el profesionalismo, en todos los detalles, por parte del equipo de producción.

Si los aspectos técnicos son muy buenos, los elementos histriónicos no lo son tanto. La falta de una escuela de actuación, especializada en cine, en el país se hace necesaria cuando se avanza en otras áreas y el tema de la interpretación sigue estando presente. No es un mal trabajo, hay que aclarar eso, pero la película pudo cobrar una dimensión diferente con otro estilo de actuaciones. 

Parte de la debilidad en este apartado se debe a los diálogos. Estos resultan poco creíbles en algunas conversaciones y la interacción entre actores se ve afectada. El registro del habla también desentona, principalmente entre Daniel y Andrés (Luis Andrés Solano), quienes en varias secuencias no parece que se conozcan de años y que tengan una familiaridad y confianza en el trato. El doblaje de las voces tampoco ayuda en este sentido.

Más allá de las carencias que la película tiene, González demuestra tener paciencia y criterio como realizador, como muestra en los sugerentes tipos de planos con los que va construyendo su filme. Otro director que se suma a una generación que quiere romper estructuras dentro de la producción nacional, con lo cual se puede contemplar un nuevo auge creativo en el país.

lunes, 5 de enero de 2015

Tributo al Estudio Ghibli



El 2015 inicia con un sentido homenaje al estudio de animación japonés GHIBLI, que por años ha ofrecido un trabajo de calidad suprema y elevado el cine de animación como arte, tanto por sus historias como por el desarrollo técnico y artístico.

Vivecinescrupulos en su 24° taller de apreciación de cine, les lleva por un recorrido a través de la historia de GHIBLI. Sus personajes, su crítica social, la manera en que combinan fantasía y realidad, su esmerada técnica artesanal de animación y, sobre todo, la dedicación con la que hacen películas, todo eso estará presente en este taller que contará con siete proyecciones. Partiendo de sus grandes genios, Isao Takahata y Hayao Miyazaki, además de otra propuesta de uno de sus discípulos.

Como es costumbre, el taller consta de dos partes, la explicación de elementos cinematográficos y el análisis de contenidos. Durante los miércoles y sábados de enero, su cita es en el Museo Joaquín García Monge, costado norte del parque de Desamparados. El valor para cada función es de ȼ2000 por persona. Las películas se presentarán en su idioma original con subtítulos en español.


 Tributo al Estudio Ghibli



Sábado 10 de enero (6:30 pm)

Se levanta el viento


Director: Hayao Miyazaki
Japón, 2013
Para mayores de 13 años

Sinopsis: Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. 


Miércoles 14 de enero (7:00 pm)

Haru en el reino de los gatos


Director: Hiroyuki Morita
Japón, 2002
Para todo público

Sinopsis: Esta es la historia de Haru, una joven cuya suerte cambiará cuando un día, al volver del instituto, salva a un gato de ser atropellado por un camión. Pero no es un gato común, es Lune, el Príncipe del Reino de los Gatos. En recompensa por su acción, Haru es invitada a pasar un tiempo en el Reino de los Gatos.




Sábado 17 de enero (6:30 pm)

Recuerdos del ayer


Director: Isao Takahata 
Japón, 1991
Para mayores de 12 años

Sinopsis: Taeko Okajima es una joven que pide permiso de vacaciones para poder regresar a casa en Yamagata, el pueblo de su cuñada, y donde de niña vivió los momentos más felices de toda su vida. En el transcurso de su viaje a la granja de sus familiares y a su posterior residencia, Taeko irá recordando su pasado en el colegio, mientras vive intensamente su presente, sin saber bien qué hacer con su vida y si acceder a las presiones de la familia para casarse con el granjero Toshio con el que le une un poderoso afecto.


Miércoles 21 de enero (7:00 pm)

Porco Rosso


Director: Hayao Miyazaki
Japón, 1992
Para mayores de 12 años

Sinopsis: Periodo de entreguerras. En un extravío de la historia, donde todo es a la usanza de los años 20, el piloto aviador conocido como Porco Rosso tiene una misión eterna: cazar recompensas y enfrentar los embates de otros mercenarios del aire. Él es libre; acaso los aires y su hidroplano le representan un refugio contra la maldición que ha convertido su rostro en el de un cerdo, pero sabe, en el fondo, que pronto todo cambiará...


Sábado 24 de enero (6:30 pm)

Nausicaä, del Valle del Viento 


Director: Hayao Miyazaki
Japón, 1984
Para mayores de 13 años

Sinopsis: En un futuro lejano, mil años después de una guerra de carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva, tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa Kushana, invade El Valle del Viento e intenta emular a un cruel "Dios de la guerra".


Miércoles 28 de enero (7:00 pm)

La tumba de las luciérnagas



Director: Isao Takahata
Japón, 1988
Para mayores de 15 años

Sinopsis: Dos hermanos padecerán los horrores más crueles de la guerra; la inocencia y la ilusión son sus únicas armas. Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Seita y Setsuko son hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después buscan a su madre, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia. Huérfanos y sin hogar, se ven forzados a sobrevivir sin recursos en una sociedad donde apenas llegan raciones de comida y la esperanza se convierte en desesperación.


Sábado 31 de enero (6:30 pm)

El cuento de la Princesa Kaguya


Director: Isao Takahata
Japón, 2013
Mayores de 13 años

Sinopsis: Basada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, "El cortador de bambú". La historia comienza cuando una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú, y deciden adoptarla como si fuera su hija. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, es pretendida por muchos hombres. Ella les promete que se casará con el hombre que le consiga el mejor regalo; los pretendientes se ponen en marcha, pero ninguno consigue satisfacer a la joven Kaguya. Al llegar a los oídos del Emperador de Japón, la existencia de la princesa, decide proponerle matrimonio. ¿Aceptará la Princesa del Bambú al Emperador de Japón como esposo?


domingo, 4 de enero de 2015

La tercera orilla



 
Título original: La tercera orilla. Argentina-Alemania-Holanda (2014). Color

Directora: Celina Murga
Guion: Celina Murga y Gabriel Medina
Cinematografía: Diego Poleri
Montaje: Eliane Katz
Productor ejecutivo: Martin Scorsese
Duración: 92 minutos

Elenco

Alian Devetac como Nicolás 
Daniel Veronese como Jorge
Gabriela Ferrero como Nilda (madre)
Irina Wetzel como Andrea
Tomás Omacini como Esteban
Dylan Agostini como Lautaro

Cuarto largometraje de ficción de Murga, en el que sigue expandiendo su universo fílmico, si en 'Una semana solos' (2007) exploró la vida de niños y adolescentes en una comunidad privada de Buenos Aires, en el que sus vidas y actos ocurren ajenos a los adultos; en 'La tercera orilla' busca establecer las conexiones y puntos de desencuentro entre la adolescencia y la adultez (esa tercera orilla en la que se encuentra el protagonista).

Un doctor con dos familias, una reconocida socialmente, la otra no. Aquella que solo ve al 'padre' en contadas ocasiones está conformada por la madre y tres hijos; Nicolás es el mayor y el filme transcurre desde su perspectiva. Un joven que está dividido entre las exigencias de su padre, quien quiere hacer de él un hombre respetable, para ello lo lleva a trabajar a una clínica, le enseña cómo administrar su hacienda e incluso quiere iniciarlo sexualmente en un prostíbulo.

Por su parte Nicolás se muestra cada vez más perdido, cansado de la situación, inconforme y molesto; muy buena actuación de Alian Devetac (su debut) para reflejar todos esos estados de ánimo. Su apoyo hacia su familia (quien se prepara para celebrar los 15 años de la hija) y la manera en que defiende a su medio hermano de unos niños que le molestan en la escuela van forjando su carácter, solo le falta hacerle frente a su padre, pero ¿lo hará?

Murga no cambia su forma de filmar, ficción y realidad se mezclan gracias a una cámara que sigue íntimamente a los personajes por donde caminan, por momentos el tono documental hace olvidar que se está observando una ficción, la ausencia de una banda sonora (el espectador solo escucha sonidos ambiente o la misma música que escuchan los personajes en un determinado contexto) también refuerza esa 'mirada de la realidad' que le interesa mostrar a la directora, quien en esta ocasión logra profundizar en las situaciones que minan la relación entre padre e hijo.

El uso de planos estáticos, movimientos ligeros de cámara y primeros planos forman una narrativa natural, una obsesión de la directora en capturar la realidad o en este caso hacer pasar una ficción como si se tratara de un hecho real. En este sentido hay una influencia en su trabajo del neorrealismo italiano, además de contar con el apoyo de Martin Scorsese (productor ejecutivo).

Nicolás como tantos otros adolescentes se encuentra ante un mundo en el que debe empezar a tomar decisiones, las mismas pueden distanciarlo de su familia y su pasado, o puede reafirmar el legado que los mayores quieren que siga.

Celina Murga junto a Martin Scorsese quien fue el productor del filme de la argentina