miércoles, 31 de diciembre de 2014

25 Filmes destacados del 2014



Para este año la forma en que se realizó la selección final tuvo variaciones, en primer término, no se pensó en hacer una "lista de lo mejor", ya que a fin de cuentas eso parece no tener mayor importancia puesto que cada quien tiene su propia lista de lo que le pareció mejor. Por lo que se ofrece una sugerencia de títulos que resultaron gratamente enriquecedores, puede que hayan visto algunos o todos los filmes que se mencionarán, si no es el caso, valga la recomendación para que los busquen.

Nunca está de más decir que es imposible conseguir todas las películas que se desean, razón por la cual la selección cuenta con títulos del 2013, estrenados o que se consiguieron hasta este año. Igualmente, hay varias películas del 2014 que no se han podido visualizar y que se está a la espera de poder hacerlo.

Para no hacer tan extensa la entrada en el blog, esta solo consiste en las sugerencias sobre cine en general visto durante el año y no habrá categorizaciones como en el pasado (mejor director, mejor edición, etc.). Sin embargo, no hubo limitaciones de un top 10 o top 15; no se pensó en un número determinado de producciones, al final están las que se pensó fueron sobresalientes, entendiendo que otras grandes películas no están mencionadas.

Tampoco habrá una clasificación numérica ni se pretende ser tajante con la selección, véase que el título no dice "Los filmes sobresalientes del 2014", el artículo "los" no existe. Las películas están ordenadas alfabéticamente por el título como se conoce en español y la idea es poder compartir algunas impresiones sobre las razones por las que resultaron llamativas o sugerentes.


Adiós al lenguaje


Título original: Adieu au langage
Director: Jean-Luc Godard
Suiza - Francia (2014)

A los 83 años Godard sigue siendo revolucionario, un hombre comprometido con su afán de hacer preguntas existenciales a través de sus filmes, de incomodar, de ser distinto, su vida es el cine y nosotros le agradecemos. Adiós al lenguaje puede ser entendida como una "anti-película", algo que pretende no ser lo que es (o ser lo que no es). Para ello, el francés parte de una propuesta formal radical, planos cortados, una mezcla caprichosa de sonido que desconcentra hasta que se percibe la intencionalidad; cambios en la fotografía y la exposición lumínica, en el color y por su puesto en la forma en la que vemos (2D o 3D). El lenguaje cinematográfico es puesto aquí en duda, ¿existe realmente ese llamado lenguaje en el cine actual?, o se ha perdido, se ha simplificado, se ha pervertido como otras manifestaciones lingüísticas en la historia. El argumento es igual de caprichoso, una pareja de amantes se encuentran en diferentes momentos, mientras un perro llega a ocupar parte de la atención de los personajes y del espectador.


Bajo la piel


Título original: Under the skin
Director: Jonathan Glazer
Reino Unido - EE.UU. - Suiza (2013)

Uno de los títulos más sugerentes dentro del género de la ciencia ficción en los últimos años. Basada en la novela de Michel Faber, aunque se toma varias licencias, y esto es algo importante, el cine es otro medio, no hay necesidad de trasladar todo el texto a la pantalla, se puede jugar con los temas y proponer a raíz de eso.  La narración es dada por la ambigüedad del relato, se finaliza con más preguntas de las que se tenían al inicio, varias hipótesis sobre la condición de lo extraño (alien), lo diferente, aquello que hace a alguien depredador de otro. La incertidumbre se aúna con una banda sonora atmosférica, abstracta. Buena actuación de Scarlett Johansson. Varios de los secundarios no sabían que estaban siendo filmados para una película, por lo que las escenas fluyen con más naturalidad.


Balada de un hombre común


Título original: Inside Llewin Davis
Directores: Joel Coen y Ethan Coen
EE.UU. - Reino Unido - Francia (2013)

Nostálgica, agridulce, trágica, los hermanos Coen entregaron un filme espectacular. Aderezado con su tradicional humor negro, este moderno Ulises en la Nueva York de los años sesenta, busca encontrar un rumbo a su desprolija vida, en su recorrido una serie de extraños personajes le harán compañía o le impedirán llegar a buen puerto; aunque el principal problema es que el protagonista ni siquiera sabe a dónde quiere ir. Destaca la magestuosa fotografía de Bruno Delbonnel, usando los parajes fríos como extensión de los sentimientos de Llewyn, interpretado de manera superlativa por Oscar Isaac. El filme también presenta una de las mejores bandas sonoras del año. Hagan click si quieren leer más sobre el filme.


Boyhood: momentos de una vida


Título original: Boyhood
Director: Richard Linklater
EE.UU. (2014)

La última película de Richard Linklater es una extensión lógica de su filmografía, en ese sentido no debería sorprender a quien haya visto antes su cine. Planos secuencias, largas tomas con diálogos extensos, personajes que están en un constante viaje (interno y externo). Un cine en el que Linklater busca seducir al espectador con su visión de la vida, su existencialismo pragmático, no exento de juicios sobre la sociedad estadounidense. En términos de planos y estética narrativa el filme no aporta mucho, hay una intención de mezclar realidad con ficción, para ello el director filmó durante 12 años a las mismas personas, resultando en el envejecimiento paulatino de los niños (la niña es la hija de Linklater), una propuestas arriesgada y no falta quien la tacha de pretensiosa. Lo cierto es que no es novedosa, el mismo director lo hizo antes con su trilogía "Before...", aunque habían lapsos entre cada filme. Lo destacable en Boyhood es su guion, la forma en que narra con suma naturalidad el proceso de maduración del protagonista (típico de los filmes "comming of age") y sobretodo el montaje de Sandra Adair, un trabajo minucioso en el que establece cátedra de eso que se llama montaje en el tiempo, es decir, una escena en la que vemos una acción mínima, cobra relevancia más adelante. Los recuerdos funcionan de esta manera, se está en una situación determinada y de repente se recuerda algo del pasado, puede ser de hace una hora o de hace 10 años. A favor tiene que el tiempo se pasa rápidamente.


De tal padre, tal hijo


Título internacional: Like father, like son
Director: Hirokazu Koreeda
Japón (2013)

¿La paternidad la da la genética o la crianza? De esto parte el gran realizador japonés para contar una historia de intrincadas vueltas emocionales. Una pareja recibe una noticia del hospital en el que tuvieron a su hijo, les informan que hubo un error, un cambio de bebés, lo que sigue continuación es la cámara de Koreeda explorando los sentimientos de cada pareja y de los niños, mientras se busca una solución satisfactoria a los intereses de todas las partes. Queda claro que la forma en que manejan el problema tiene que ver mucho con la sociedad japonesa, en otras latitudes la actuación de los implicados cambiaría radicalmente; pero en esto consiste el cine, contar historias. Los cuestionamientos morales están perfilados con una gran sutileza del guion y el director saca provecho de los actores en su justa medida, logra que expresen las emociones que desea y a partir de ahí arma un argumento en el que el espectador se siente involucrado en todo momento. Lejos de clichés o resultados efectistas, Koreeda habla sobre la vida, sobre los vínculos que se hacen y lo que estos significan.


El cuento de la Princesa Kaguya


Título internacional: The tale of the Princess Kaguya
Director: Isao Takahata
Japón (2013)

Inspirada en una historia del folclor japonés que data del siglo X. El aclamado director de "La tumba de las luciérnagas" crea una de las más bellas películas de animación de la historia. Un relato que se nutre de un vigoroso dibujo que acompaña la acción y le imprime una emoción a cada escena. El trazo es vital en este filme, del mismo se desprende una escencia de la cultura japonesa, un respeto a sus tradiciones y un legado de su arte. En una secuencia la Princesa Kaguya sale corriendo y el trazo cambia inmediatamente, revelando la preocupación del personaje, el dibujo se vuelve menos depurado, las líneas gruesas emulan el carbón y el espectador se sintoniza con la protagonista: esta ya no es un dibujo, es alguien real, alguien que cobró vida a partir del trazo. Joe Hisaishi vuelve a ofrecer una banda sonora impecable, capaz de crear un universo emocional a partir de su música. Takahata-sama domo arigato gozaimasu!


El gigante egoísta


Título original: The selfish giant
Directora: Clio Barnard
Reino Unido (2013)

Adaptación libre del cuento de Oscar Wilde. La directora Clio Barnard ofrece un desgarrador relato, algo que viene siendo frecuente en el cine británico (por ejemplo "Tiranosaurio", 2011); sobre la sociedad contemporánea. Libre de una moraleja, la directora hace un retrato social, expone una serie de problemáticas y se apoya en el texto de Wilde para darles forma. Adolescentes con problemas de aprendizaje, con problemas de adicción, bullying escolar, familias pobres, menores trabajando en condiciones de explotación; un sistema que le falla a los ciudadanos y los deja a la libre, solo para castigarlos cuando ya es tarde, cuando no hay otra solución. Excelente fotografía de Mike Eley, quien retrata el paisaje urbano, el cableado de las torres de alta tensión que se yerguen como una red que atrapa a los personajes bajo un cielo londinense eternamente gris. Gran dirección de actores y un excelente trabajo del dúo protagonista: Conner Chapman y Shaun Thomas.


El gran hotel Budapest


Título original: The Grand Budapest Hotel
Director: Wes Anderson
EE.UU. - Alemania - Reino Unido (2014)

Una delicia de película. Anderson ofrece la película más lúdica de la temporada, un placer visual en el que el espectador se sumerge en esa fantasía de tonos pasteles. Una especie de tributo a la obra de Stefan Zweig. Un elenco en estado de gracia, todos al servicio de la historia. Comedia inteligente, que plantea una crítica solapada a ciertos momentos históricos. Una gran dirección de arte, fotografía y música. Anderson hace de lo complicado algo simple, llena de memorias la retina del espectador y le dibuja una sonrisa mientras disfruta de su película. La estética simétrica es una máxima en su cine al igual que las subtramas. En este enlace pueden leer más.


El hombre duplicado


Título original: Enemy
Director: Denis Villeneuve
Canadá - España (2013)

Villeneuve sigue haciendo cine de calidad, en esta ocasión toma prestados de Buñuel y Lynch elementos surrealistas para hacer su adaptación de la novela de José Saramago, El hombre duplicado. Del libro hay mucho y poco a la vez, no es una adaptación letra por letra, no es necesario, el canadiense captó la esencia de la novela y la hizo suya, para luego crear algo nuevo. Destaca el carácter hipnótico y absorvente del filme, pocos diálogos y mucha incertidumbre, dan ganas de verla varias veces y no solo por ese final que deja al espectador.... (mejor vean la película). La fotografía de Nicolás Bolduc es vital para dotar al filme de ese carácter misterioso, con un color amarillento que permea la vida de los personajes y los sumerge en otra realidad. También resaltar el gran trabajo de Jake Gyllenhaal, un gran año para él. En este enlace pueden leer más.


Ella


Título original: Her
Director: Spike Jonze
EE.UU. (2013)

Parábola moderna de las relaciones interpersonales reducidas al uso de la tecnología. Ciencia ficción que no dista mucho de la realidad. Jonze firma uno de los guiones más originales de este año para narrarnos una historia de amor, suena bastante cliché, pero si se piensa que el objeto amado es precisamente un objeto, un software con una voz melodiosa y con una inteligencia artificial que va adquiriendo conciencia y emociones, ya no resulta tan cliché. Joaquín Phoenix crea otro personaje memorable, hace creer que realmente está enamorado de esa voz. HER es el mejor ejemplo de lo que es el nuevo cine independiente, una rara mezcla entre lo más indie y un presupuesto importante, actores reconocidos, pero aún así, lejos de la hegemonía de Hollywood. También sirve para mostrarnos de la estética que se puede lograr con una filmación digital, un trabajo de fotografía que por sí solo nos traslada a un futuro incierto, una ficción probable. Pueden leer más en este enlace.


Güeros


Título original: Güeros
Director: Alonso Ruiz Palacios
México (2014)

México sigue haciendo un gran cine, tiene un talento enorme que se ve reflejado en muy buenos guiones y una interesante búsqueda estética. El primer largometraje de Ruiz Palacios elige el blanco y negro como distanciamiento estético, una propuesta que no teme trazar un diálogo entre la historia del cine mexicano, desde Buñuel hasta Reygadas, pasando por los estereotipos que tienen en el extranjero del mexicano, y los que los propios mexicanos han creado para vender un cine arte fuera de su país. Este desconcierto es el que atraviesan los jóvenes protagonistas, muchachos expectantes a que ocurra algo, pero indecisos de tomar una acción concreta, metáfora de un sentimiento generalizado entre la población joven. Resulta tan actual, que en el filme unos estudiantes universitarios están en huelga, tienen bloqueados los accesos al centro universitario, mientras que en la vida real, otros tantos jóvenes luchan en las calles por sus derechos, 43 de ellos ya no regresarán a sus casas, no podrán construir sus vidas, aunque no hayan estado seguros de cómo hacerlo.


Ida


Título original: Ida
Director: Pawel Pawlikowski
Polonia - Dinamarca - Francia - Reino Unido (2013)

Una de las películas que más comentarios ha generado. El director logra crear una historia sobre los judíos que resulta interesante e innovadora, no por el tema sino por la forma. Es una película aparentemente sencilla, como su protagonista, una huérfana criada como monja católica que va a descubrir un pasado que le hará tomar conciencia de quién es ella. Pero tras esa fachada, ese rostro sin maquillaje, yace un profundo significado sobre el origen y la memoria histórica. Filmada en un blanco y negro que recuerda a Dreyer y a Bergman, el director usa la profundidad de campo, la estación de invierno y el silencio como elementos narrativos para crear una historia humanista. La dirección de arte es magistral, así como la actuación de la tía (Agata Kulesza), quien es la encargada de mostrarle la verdad oculta a Anna (Agata Trzebuchowska). El contraste entre el monasterio y la vida fuera está bien logrado, principalmente con el personaje de la tía como intercesora; aunque algunas decisiones de guion puede no dejar satisfechos a todos, puede que resulten precipitadas.


La desaparición de Eleanor Rigby: Ellos


Título original: The disappearance of Eleanor Rigby: Them
Director: Ned Benson
EE.UU. (2014)

Tercer montaje del director del filme, estrenado en Cannes de este año. Anteriormente presentó bajo el subtítulo "Él" y "Ella". En realidad se trata de la historia de una pareja (Jéssica Chastain y James McAvoy) quienes atraviesan un duro momento en su relación, un montaje narra desde la perspectiva de él y el otro del de ella. Debido a inquietudes comerciales y personales, el director decidió hacer un tercer montaje, mostrando ambas visiones, creando un relato más dinámico y equitativo sobre los hechos; pero evita caer en la trampa de hacer valoraciones morales; el montaje solo sirve para mostrarnos hechos y los actores convencen de los mismos. La clave radica en que es un retrato realista de una relación de pareja, lejos de la moda hipster-caótica-idealizadora, y de las postales edulcoradas que venden asientos para que la gente llore y se abrace. Benson demuestra que con un buen guion se puede disfrutar de una historia básica de enamoramiento y caos, de goce y de pérdida. Si además se cuenta con una actriz como Jéssica Chastain, el resultado solo puede ser uno: ver la película. Por cierto, sí, el título se debe a la canción de The Beatles.


La imagen perdida


Título original: L'image manquante
Director: Rithy Panh
Camboya - Francia (2013)

¿Cómo se puede obtener una imagen de un recuerdo olvidado? O de un acto que impunemente fue borrado de la historia. Rithy Panh se hace esta pregunta y el cine y el patrimonio histórico cultural de Camboya se lo agradecen. Un valiente esfuerzo para narrar uno de los hechos más trágicos del siglo XX. El genocidio de parte de los Jemeres Rojos entre 1975 y 1979 en ese país. La esclavitud a la que sometieron a la población, los trabajos forzosos a los que eran obligados, la desnutrición, la muerte. Pero también la sobrevivencia y el recuerdo. Una fotografía mental que quedó en la mente de un individuo y que al no encontrarla en físico, decidió emprender una búsqueda a través del cine. Utilizando las pocas imágenes disponibles sobre lo sucedido, Panh recrea por medio de figuras de arcilla la memoria colectiva que por tantos años se había ocultado. Un trabajo titánico la de este artesano de la memoria. Una belleza desde la simpleza y la honestidad, un testimonio para reflexionar como seres humanos. 


La sal de la Tierra


Título original: The salt of the Earth
Directores: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
Francia - Brasil - Italia (2014)

Otro valioso legado histórico es el trabajo en conjunto de Wenders y Salgado, recuperando el trabajo fotográfico del padre de Juliano: Sebastião Salgado. ¿Cuán atroz puede llegar a ser el legado del ser humano? Basta con observar el trabajo fotográfico de Salgado, quien se sumergió en lo más oscuro de la humanidad, él capturó el rostro de la sombra junguiana y lo expuso al mundo, para que nadie olvidara cómo se veía. Desde los genocidios en Ruanda y África Central, los desastres naturales y la contaminación; el fuego en una tierra llena de petróleo que bloquea el sol con la humareda, volviendo el Golfo Pérsico un verdadero infierno. Pasando por el legado familiar, una tierra que sirve también de memoria y de sanación. Con un vibrante ritmo, una espectacular fotografía (de Hugo Barbier y Juliano Salgado) y una música mínima, pero esencial, el filme da paso a la creación, al Génesis, el último trabajo de Sebastião. La otra cara del planeta: el verde, la vida, la esperanza, la magnificencia de la naturaleza, fauna y flora gritando por la vida.


Las nubes de Sils María


Título original: Clouds of Sils Maria
Director: Olivier Assayas
Francia - Suiza - Alemania (2014)

A Juliette Binoche le queda bien interpretar roles duales, ya lo demostró en Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010) y ahora lo hace bajo la dirección del veterano Olivier Assayas. El parisino divide el filme en dos segmentos y un epílogo. La veterana actriz Maria Enders (Binoche) viaja junto a su asistente Valentine (Kristen Stewart) para homenajear al director que la hizo debutar, sin embargo, algo cambia los planes. En medio de todo, un joven director insiste en que Maria vuelva a las tablas con la obra en la que debutó, una historia de cómo una joven mujer seduce a otra de más edad; solo que ahora Maria ya no es joven, le piden que interprete el otro papel. Realidad y ficción se mezclan mientras Maria y Valentine están retiradas en las montañas de Sils Maria y ensayan la obra. La relación laboral se vuelve tensa. El filme toma otro giro con el personaje de Jo-Ann Ellis (Chloë Grace Moretz), quien hará de la joven seductora en la obra, ella es una actriz de moda, impetuosa; dista de la elegancia y clase de Maria. Assayas de manera sutil perfila la realidad cinematográfica en la actualidad, los contrastes entre los y las veteranas y las nuevas estrellas de cine; todo permeado a través de la era tecnológica: celulares, computadoras, tabletas, todo lo tecnológico adquiere una relevancia en el filme que contrasta con la quietud del pasaje de la serpiente en las montañas. El choque de egos, los miedos, las inseguridades, los celos, todo va a ir tomando su lugar en un relato construido armoniosamente. Assayas también sobresale como director de actrices, Moretz y en especial Stewart están irreconocibles de sus roles hollywoodenses, una grata sorpresa ver el talento que poseen.


Las vidas de Grace


Título original: Short Term 12
Director: Destin Daniel Cretton
EE.UU. (2013)

El título original hace referencia a una casa de cuido para jóvenes en riesgo psicosocial. El director había debutado en el 2009 con un cortometraje de mismo título y ahora lo hizo como largometraje, cambiando algunas cosas. Lo refrescante del filme es que la acción no se centra en la atención terapéutica ni en los conflictos familiares, sino que presenciamos el día a día tanto de los jóvenes internos como de aquellos quienes los cuidan. Conforme avanza la historia, se comprende que los cuidadores no están tan exentos de problemas, muchos guardan un pasado similar al de los muchachos en el centro. El tono realista del filme elude los moralismos, hay varias escenas dramáticas fuertes que se ven compensadas con otras de comedia, el final es intencionalmente feliz, así lo declaró el director, quien no quería crear una especie de estigma sobre esa población. La película también permite preguntarse sobre lo correcto o no del sistema y la manera en que atiende a chicos y chicas en riesgo, los -también- jóvenes cuidadores son las personas más idóneas para esa responsabilidad, esto se explora con el personaje de Grace (excelente actuación de Brie Larson), quien ve su mundo tambalearse cuando es ingresada Jayden (Kaitlyn Dever). Filme independiente, honesto, nada pretencioso, muy bien actuado y que permite reflexionar sobre el contexto humanista de la atención en estos casos. Pueden leer más en este enlace.


Nebraska


Título original: Nebraska
Director: Alexander Payne
EE.UU. (2013) 

Bruce Dern da vida a un senil Woody Grant, un quejumbroso adulto mayor que piensa que ha ganado la lotería y quiere viajar a su pueblo natal a cobrar el premio. La realidad es que no existe tal premio y el viaje es un dolor de cabeza para todos, menos para su hijo David (Will Forte), quien decide acompañarlo y dejar que su padre viva un sueño. Un road movie que nos muestra un paisaje desolado y un desfile de personajes secundarios cada uno más excéntrico que el otro, una familia que solo en una película puede existir, pero a la vez tan real que el espectador llega a tener cierta compasión por ese viejo amargado. Nebraska es un melancólico recuerdo de lo que implica envejecer, de las relaciones familiares rotas y de aquellas que pueden aguantar el paso del tiempo. Payne hace una introspección de los personajes, los examina, pero no los deja sin emociones. Con fino humor narra una historia llena de profundas reflexiones y de tono poético. Pueder leer más acá


Relatos salvajes


Título original: Relatos salvajes
Director: Daniel Szifrón
Argentina - España (2014) 

Seis historias sin conexión entre sí, con diferentes personajes y locaciones, pero todas hilvanadas hábilmente por Szifrón. Hay un tema en común: la violencia. Un estallido violento que es como un grito sofocado de angustia, un lamento presente en la vida de los protagonistas. No importa la edad o la clase socio-económica, todos tienen para quejarse, para reclamar, la sociedad no es un sitio tranquilo, es una sabana que se divide entre predadores y presas, de ahí en adelante es una lucha por la sobrevivencia. Relatos salvajes es profundamente argentina, pero a la vez, terriblemente universal. Las motivaciones están presentes en cada persona, en cada conflicto, un pasaje al acto y el resultado es una víctima, una serie de víctimas es un sistema, el sistema que legitima la violencia. El filme también es tramposo, muestra el acto, pero no la consecuencia, se interrumpe en vez de explorar lo que sigue, y pasa a un nuevo segmento, otra historia, mismo resultado. Hay un grado de complejidad técnica que Szifrón logra solventar de manera artística, con planos muy sugerentes, un guion sólido y una variedad de tomas que van desde el western, el crimen, la comedia de situaciones, hasta el drama y el suspenso. Pueden seguir leyendo en este enlace


Solo los amantes sobreviven


Título original: Only lovers left alive
Director: Jim Jarmusch
Reino Unido - Alemania - Francia - Grecia - Chipre 

Jarmusch en estado puro. Filme de género para entretenerse y disfrutar de la maestría del director detrás de cámaras. Un cuento moderno de vampiros que revitaliza el género, lo cual es ya de por sí difícil; y lo hace con una cuota de originalidad e irreverencia, alejándose de los presupuestos comunes del género; haciendo un filme pausado, meditado sobre unos seres eternos que han vivido por tanto tiempo que están cansados, que no encuentran un lugar en el mundo. No son monstruos, son seres filosóficos, llenos de recuerdos y críticos ante una sociedad que consideran decadente. La estupidez humana hace que se pongan en movimiento (concepto clave en el cine de Jarmusch), en una búsqueda incierta, críptica, pero anhelada. Adam y Eve (los nombres son dados por unos relatos de Mark Twain, no por referencias bíblicas) están contrastados por el exotismo de Tánger, donde ella vive; y el aire industrial y desolado de Detroit, hogar de él. Aún así se comunican y no soportan estar alejados. Ava (hermana menor de Eve) viene a revolver el orden en el que viven, una vampiro más joven, más irresponsable, más impetuosa. Dirigida con gran tino por Jarmusch, además se disfruta de una de las mejores bandas sonoras del año y de las deliciosas actuaciones de Tilda Swinton, Tom Hiddleston y Mia Wasikowska. Pueden leer más acá



Sr. Turner


Título original: Mr. Turner
Director: Mike Leigh
Reino Unido - Francia - Alemania (2014)

Brillante biopic del británico Mike Leigh, quien explora con acuciosidad en los entresijos del pintor Joseph Mallord William Turner (1775-1851), uno de los grandes paisajistas de la historia, antecesor al movimiento impresionista. Leigh no teme mostrarnos el carácter del pintor, sus excesos y su grandeza, la relación que tuvo con su criada y la forma en general con la que se relacionaba en su entorno. La dirección de arte de la película es motivo por sí solo para desear verla, una recreación de la época estupenda que junto al diseño de producción y fotografía trasladan al espectador a la misma. El estilo de Leigh es silencioso, deja que la historia y la película hablen por sí solas, filma largas secuencias y la cámara se mimetiza con el paisaje, creando una sensación de estar viendo no solo un filme sino también una pintura, uno de los tantos paisajes que harían famoso a William Turner. El trabajo de Timothy Spall es superlativo, con un tempo interno perfecto hace una caracterización estupenda, desde sus movimientos corporales, su acento y entonación hasta sus expresiones faciales.


Stockholm


Título original: Stockholm
Director: Rodrigo Sorogoyen 
España (2013)

No se dejen engañar, no es la típica película "chico conoce chica" o "vivieron felices para siempre". Sorogoyen filma una película honesta, aprovecha al máximo el presupuesto mínimo y con un buen guion nos muestra a un él y una ella, que podrían ser cualquiera; se encuentran una noche en una fiesta y caminan por Madrid; pero podría ser cualquier otra calle en cualquier otra noche. La película consta de dos partes, tan diferentes una de la otra como lo son los personajes, por la noche todo es romance, con tono cómico la pareja se va conociendo y acercando; por la mañana llega el drama, situaciones violentas y reclamos, ya no hay sonrisas. El tono aséptico del apartamente marca la distancia emocional de los personajes, un lugar vacío, inerte que contrasta con la vida que rodeada a la pareja mientras caminaba por Madrid en la noche. La música mínima es un acierto para que el espectador no desvíe la atención, igual que el manejo de la cámara, todo se centra en ellos, pero lo que más interesa es lo que el director no cuenta, quiénes son, por qué se encuentran, qué hay de cierto en lo que dicen y en su pasado, muchas preguntas, pocas respuestas; cine en estado puro, lleno de ideas, para todos los que piensen que no se puede hacer una buena película sin dinero o una gran producción, Stockholm demuestra que sí es posible.



Sueño de invierno


Título internacional: Winter sleep
Director: Nuri Bilge Ceylan
Turquía - Francia - Alemania (2014)

Inspirada en tres historias de Chéjov, aunque se desprende un realismo de otros grandes escritores rusos; Ceylan crea una historia llena de matices y contrastes que profundizan en el relato y la vida de los personajes. Un paraje remoto, un invierno siempre presente y el desértico terreno de Anatolia son el marco para una historia densa, y conflictiva. Un intelectual con vasta fortuna que vive en un hotel construido en las piedras de las montañas, un lugar esplendoroso, sitio obligado para turistas con no menos fortuna. Una familia que va revelando conflictos, una hermana recién divorciada con una culpa que la carcome, una esposa que ve marchitarse su juventud. A lo lejos, en varias ocasiones cubierto por la nieve, un exterior inhóspito, en él viven otras personas, no tan afortunadas como el protagonista, una familia que vive en penurias con una deuda (precisamente le deben al dueño del hotel el pago de la casa en la que viven) y un niño que con una piedra que lanza manifiesta la impotencia y la frustración de toda una población. Filme exquisito en temas morales, nada es simple. Una carta pidiendo colaboración económica encuentra eco en reuniones clandestinas para recaudar fondos para otro proyecto. Artículos escritos para un diario local en la que se juzga a los demás se vuelven palabras huecas, poco a poco las situaciones se vuelven más tensas, el director filma largas secuencias en las que las conversaciones suelen ser entre dos personajes, exponiendo sus puntos de vista, de esta manera el espectador va conformando el rompecabezas, el cuadro completo de lo que ocurre. La dirección de arte es magnífica al igual que la fotografía, primando los contrastes lumínicos con un exterior frío, con luz natural, cubierto de nieve; e interiores cálidos, oscuros, iluminados con candelas.



Un toque de violencia


Título internacional: A touch of sin
Director: Zhangke Jia
China - Japón - Francia (2013)

La película china más crítica de los últimos años con su propio sistema político-social, un retrato sin contemplaciones de la sociedad contemporánea. Cuatro historias vagamente interconectadas (y basadas en hechos reales) que muestran diferentes contextos en los que la violencia toma lugar, un manto que cubre las intenciones de los personajes. El título hace referencia irónica a una película de culto para China, "A touch of zen", una épica del género wuxia de artes marciales de 1971, dirigida por King Hu. Hay un interés del director en mostrarnos las diferentes relaciones de poder, un tema que marca la historia del gigante asiático; para ello no se contiene, hay una fortaleza en cada imagen que llega incluso a incomodar al espectador, una franqueza de Zhangke con lo que quiere contar en la que la indiferencia no es posible. El montaje brinda un ritmo idóneo, cada segmento está narrado con lo justo, es eficaz con el contenido y en la realización formal, y se pasa de una historia a otra con facilidad. Críticas hacia la religión, el abuso del poder, el capitalismo en China, permean una película que es contrapunto obligado de la otra historia, la que oficialmente retratan del país.



Vic + Flo vieron un oso


Título internacional: Vic + Flo saw a bear
Director: Denis Côté
Canadá (2013)

Victoria (Pierrette Robitaille) es una mujer mayor que ha salido de la cárcel, tiene todavía parte de la condena pendiente, pero se le otorga un beneficio y puede reintegrarse a la sociedad. De regreso a la casa de su tío, quien está enfermo y depende de asistencia constante, en un bosque alejada de la sociedad, ella intentará retomar su vida, su pareja, crear algo y vivir en paz. Sin embargo, como si se tratase de una plaga que se rehúsa a desaparecer, las desgracias la persiguen, el rehacer la vida no es tan sencillo, y una subtrama de venganza se va apoderando del relato. Côté filme con gran naturalidad esta historia, sin grandilocuencias ni pretensiones estilísticas, se concentra en narrar, en indagar en el caos emocional de los pesonajes y de paso permite reflexionar sobre la institucionalidad en estos casos, la resocialización (vital el personaje del psicólogo que hace visitas regulares) y la esperanza de continuar ajenos al pasado. Los colores opacos marcan el tono del filme, indicando que no hay una luz al final del camino, que el pasado siempre cobra las cuentas, ¿acaso siempre es así? No existe la expiación, la culpa siempre carcome a la persona. Preguntas que quedan en la mente del espectador al terminar. ¿No mencioné que la pareja sentimental de Victoria es otra mujer? Es porque no importa, son dos seres humanos en busca de redención.




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Un año lleno de actuaciones memorables, acá se sugieren 16 por si no las han apreciado y disfrutado. Las primeras 8 son de actrices y las restantes de actores. Cabe señalar que se toma en cuenta los filmes estrenados o conseguidos durante el año, por lo que hay algunas referencias a películas estrenadas comercialmente durante el 2013. No hay clasificación de "la mejor del año", todas son destacables, están ordenadas alfabéticamente por el nombre.


Agata Kulesza por su interpretación de Wanda en el filme IDA de Pawel Pawlikowski; 2013.

Brit Marling por su rol de Grace en SHORT TERM 12 de Destin Daniel Cretton; 2013.

Cate Blanchett por su trabajo como Jasmine en BLUE JASMINE de Woody Allen; 2013.

Jessica Chastain por su papel de Eleanor Rigby en THE DISAPPEARANCE OF ELEANOR RIGBY: THEM de Ned Benson; 2014.

Julianne Moore por su rol de Alice Howland en STILL ALICE de Richard Glatzer y Wash Westmoreland; 2014.

Juliette Binoche por su interpretación de María Anders en CLOUDS OF SILS MARIA de Olivier Assayas; 2014.

Marion Cotillard por su trabajo como Sandra en TWO DAYS, ONE NIGHT de Jean-Pierre y Luc Dardenne; 2014.

Pierrette Robitaille por su actuación de Victoria Champagne en VIC + FLO SAW A BEAR de Denis Côté; 2013.



Bruce Dern por su interpretación de Woody Grant en NEBRASKA de Alexander Payne; 2013.

Jake Gyllenhaal por su trabajo como de Adam y Anthony en ENEMY de Denis Villeneuve; 2013. Y también por Louis Bloom en NIGHTCRAWLER de Dan Gilroy; 2014.

Joaquín Phoenix por su rol de Theodore en HER de Spike Jonze; 2013.

Matthew McConaughey por su papel de Ron Woodroof en DALLAS BUYERS CLUB de Jean-Marc Vallée; 2013.

Oscar Isaac por su rol de Llewyn Davis en INSIDE LLEWYN DAVIS de Joel y Ethan Coen; 2013.

Ralph Fiennes por su papel como M. Gustave en THE GRAND BUDAPEST HOTEL de Wes Anderson; 2014.

Timothy Spall por su trabajo como J. M. W. Turner en MR TURNER de Mike Leigh; 2014.

Tom Hardy por su interpretación de Ivan Locke en LOCKE de Steven Knight; 2013.




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Entre todas las películas latinas vistas durante este año, queda la sensación de que se logró ver lo mejor, muchas propuestas que tuvieron buenos canales de comunicación, aunque no todas sorprendentes. Eso sí, hay un buen nivel de las producciones en general. Cabe señalar que se toma en cuenta los filmes estrenados o conseguidos durante el año, por lo que hay algunas referencias a películas estrenadas comercialmente durante el 2013.

Este año se seleccionaron dos filmes brasileños, tres mexicanos, dos argentinos, uno chileno y, por primera vez, dos costarricenses, que si bien pertenecen a una industria que está en construcción y crecimiento, plantearon una ruptura con lo que se venía haciendo en el país y brinda un buen augurio de lo que vendrá.

La selección no está numerada, está ordenada alfabéticamente.



El lobo detrás de la puerta


Título original: O Lobo atrás da Porta
Director: Fernando Coimbra
Brasil (2013)

Una historia de mentiras, en el que un mal acecha a la espaldas de los personajes. Bien llevado el ritmo y las actuaciones, narrada desde un tiempo psicológico, a partir de la reconstrucción de la historia hecha por cada uno de los personajes, de acuerdo a su versión de los hechos. Con un final impactante.


Güeros


Título original: Güeros
Director: Alonso Ruiz Palacios
México (2014)


México sigue haciendo un gran cine, tiene un talento enorme que se ve reflejado en muy buenos guiones y una interesante búsqueda estética. El primer largometraje de Ruiz Palacios elige el blanco y negro como distanciamiento estético, una propuesta que no teme trazar un diálogo entre la historia del cine mexicano, desde Buñuel hasta Reygadas, pasando por los estereotipos que tienen en el extranjero del mexicano, y los que los propios mexicanos han creado para vender un cine arte fuera de su país. Este desconcierto es el que atraviesan los jóvenes protagonistas, muchachos expectantes a que ocurra algo, pero indecisos de tomar una acción concreta, metáfora de un sentimiento generalizado entre la población joven. Resulta tan actual, que en el filme unos estudiantes universitarios están en huelga, tienen bloqueados los accesos al centro universitario, mientras que en la vida real, otros tantos jóvenes luchan en las calles por sus derechos, 43 de ellos ya no regresarán a sus casas, no podrán construir sus vidas, aunque no hayan estado seguros de cómo hacerlo.


Hoy quiero viajar solo


Título original: Hoje eu quero voltar sozinho
Director: Daniel Ribeiro
Brasil (2014)

Entretenida historia sobre la vida de tres adolescentes, sus preocupaciones, su amistad y problemas. Gabriel es un chico que está cansado de la educación estricta de sus padres quienes no le dejan hacer nada solo, él piensa en irse de intercambio a Estados Unidos, pero para ello necesita la aprobación de sus padres. Su vida transcurre entre el colegio, la casa y la compañía eterna de Giovana. Pero todo cambia cuando un nuevo chico llega al colegio, Leonardo, por la que las jóvenes suspiran y pondrá en riesgo la amistad entre Gabriel y Giovana. Filme narrado con soltura, aprovecha una banda sonora juvenil para dotar de ritmo y marcar emociones. ¡Ah! Hay dos elementos que dan un vuelco completo a la historia, pero para saberlos mejor consigan la película...


Jauja


Título original: Jauja
Director: Lisandro Alonso
Argentina - Dinamarca - Francia - México - EE.UU. - Alemania - Brasil - Holanda (2014)

Si se ve la larga países que hicieron posible esta coproducción, se puede preveer que el último filme de Lisandro Alonso no tiene ninguna concesión comercial. Ambientada en una suerte de lugar mitológico que da nombre a la película, en lo que aparenta ser el siglo XIX. Ahí en una tierra abandonada, en el confín del mundo un grupo de soldados pasa los días, a la espera de una fiesta de la que todos hablan. Viggo Mortensen encarna a un general que se nota fatigado y quien emprende una búsqueda frenética cuando su hija adolescente escapa con uno de los soldados. Narrada con un riguroso minimalismo por parte de Alonso y usando el despoblado paisaje a suerte de western, el director va introduciéndonos a la decadencia del protagonista, su afán lo lleva a ver mermadas sus fuerzas, se empieza a convertir también en un ser mitológico, del cual el mundo ya no le necesita. En lo formal, el director se atreve a romper la relación de aspecto tradicional en el cine, y con una proporción 4:3 (más angosta) plantea una relación con la película singular, en la que desde lo visual manipula a la audiencia en su particular fábula.



La jaula de oro


Título original: La jaula de oro
Director: Diego Quemada-Díez
México - Guatemala - España (2013)

América Central es una región olvidada para gran parte del resto del mundo, en ocasiones solo es recordada por los desastres naturales que azotan el área o por noticias relacionadas al narcotráfico y lavado de dinero; tampoco hay que olvidar su conveniente estatus de destino paradisíaco para excéntricos vacacionistas. Sin embargo, pocos conocen los pesares y las maravillas diarias de esta zona. Uno de los temas que más dolor causa es el de la migración, las relaciones políticas entre los países del istmo siempre tienen en mente la defensa de las fronteras, se ha creado cierta antipatía hacia el "extranjero" centroamericano, no se le ve como un hermano o como un vecino, se le trata como un invasor, un delincuente. "La jaula de oro" es la historia de tres jóvenes quienes aspiran a una vida mejor cruzando múltiples fronteras. Narrada de manera rigurosa, con un realismo que impacta, es una película obligatoria para los latinoamericanos. Para seguir leyendo la reseña hacer clic en el enlace.



Las horas muertas


Título original: Las horas muertas
Director: Aarón Fernández Lesur
México - España - Francia (2013)

Interesante filme mexicano que explora la vida de Sebastián (Krystian Ferrer), un joven quien viaja a Veracruz para hacerse cargo de una motel que su tío posee, pero que debido a una enfermedad debe ausentarse. El estilo y la estética nos remiten a otras producciones mexicanas recientes, cámara estática, largos planos en los que los personajes entran y salen del cuadro, un mimetismo entre realidad y ficción, y una sugerente historia que no lo cuenta todo. Entre los clientes del lugar, Sebastián se fija en Miranda, una joven vendedora de bienes raíces, que suele frecuentar el lugar con su amante. Entre ellos se va formando un vínculo, como tantos otros que se pueden formar, pero que por un lapso, les sirve para distraerse de las horas muertas en ese motel en el que parece que el tiempo se ha detenido.



Matar a un hombre


Título original: Matar a un hombre
Director: Alejandro Fernández Almendras
Chile - Francia (2014)

Este título viene a confirmar el gran momento que atraviesa el cine chileno, cada vez son más los directores que se suman (gracias a los incentivos estatales) a realizar películas. Lo mejor es que cada uno busca contar algo diferente. "Matar a un hombre" es un thriller que atrapa al espectador quien supone lo que va a pasar a continuación, pero el director siempre plantea un giro narrativo que vuelve más interesante la acción. Con ritmo pausado, poco a poco va tejiendo un misterio, un caos en el que una familia se ve envuelta: un vecino los acosa constantemente. Tras un tiempo en la cárcel, este hombre sale más convencido de hacerles pasar un infierno a esa familia de clase media. Se trata también de una fuerte crítica social, un Estado que no atiende las necesidades, que no protege, el crecimientos de la criminalidad, todo va sumando ante la desesperación de Jorge, un hombre tranquilo que a raíz de los eventos ha perdido a su familia hasta que un día decide que es momento de terminar con todo.



Muñecas rusas


Título original: Muñecas Rusas
Director: Jurgen Ureña
Costa Rica - Guatemala (2014)

"Muñecas rusas" se puede entender como un ejercicio de arquitectura emocional -aunque también se puede percibir de muchas otras maneras-, en el que la trama, los personajes y la estética se desdoblan, se multiplican, para mostrarnos una serie de posibilidades a través de la imagen. No cabe duda de que estamos ante lo que se llama "cine autor", es decir, una obra que refleja la visión de mundo del director, sus inquietudes existenciales y su propuesta artística, enmarcados bajo códigos personales que desafían, en lo formal, el nicho en el que se asienta la novel cinematografía costarricense. Película experimental que se plantea como un ensayo sobre lo que significa hacer y ver cine. Para seguir leyendo hacer clic en el enlace.



Relatos salvajes


Título original: Relatos salvajes
Director: Damián Szifrón
Argentina - España (2014)


Seis historias sin conexión entre sí, con diferentes personajes y locaciones, pero todas hilvanadas hábilmente por Szifrón. Hay un tema en común: la violencia. Un estallido violento que es como un grito sofocado de angustia, un lamento presente en la vida de los protagonistas. No importa la edad o la clase socio-económica, todos tienen para quejarse, para reclamar, la sociedad no es un sitio tranquilo, es una sabana que se divide entre predadores y presas, de ahí en adelante es una lucha por la sobrevivencia. Relatos salvajes es profundamente argentina, pero a la vez, terriblemente universal. Las motivaciones están presentes en cada persona, en cada conflicto, un pasaje al acto y el resultado es una víctima, una serie de víctimas es un sistema, el sistema que legitima la violencia. El filme también es tramposo, muestra el acto, pero no la consecuencia, se interrumpe en vez de explorar lo que sigue, y pasa a un nuevo segmento, otra historia, mismo resultado. Hay un grado de complejidad técnica que Szifrón logra solventar de manera artística, con planos muy sugerentes, un guion sólido y una variedad de tomas que van desde el western, el crimen, la comedia de situaciones, hasta el drama y el suspenso. Pueden seguir leyendo en este enlace



Rosado furia


Título original: Knockout Pout
Director: Nicolás Pacheco
Costa Rica - Singapur (2014)

¿Puede una película filmada en Singapur, con actores locales y hablada en inglés, identificarse con el costarricense o la realidad nacional? La respuesta es sí. Rosado Furia, primer largometraje de Nicolás Pacheco extiende puentes entre los dos países. Otra propuesta que viene a romper estructuras en el cine costarricense. Usando una estética muy actual (de videoclip) y con una narración entrecortada, surge una historia interesante, íntima, con la que se es fácil de identificar, merced a que cuenta algo universal. Pueden seguir leyendo haciendo clic en el enlace.




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Momento de repasar el cine de animación, dominado hegemónicamente por Disney. Cada vez son más los mercados que se aventuran a realizar cine animado, este año destacan dos producciones latinoamericanas. 

Debido a su difícil distribución, se seleccionaron películas vistas o conseguidas durante este año, mientras se espera poder conseguir subtítulos para otros filmes europeos que difícilmente lleguen a salas comerciales.

La lista la encabeza "El cuento de la Princesa Kaguya", una obra maestra que puede ser considerada de las mejores películas de animación de la historia. Se sigue en orden alfabético con los otros filmes.


El cuento de la Princesa Kaguya


Título internacional: The tale of the Princess Kaguya
Director: Isao Takahata
Japón (2013)

Inspirada en una historia del folclor japonés que data del siglo X. El aclamado director de "La tumba de las luciérnagas" crea una de las más bellas películas de animación de la historia. Un relato que se nutre de un vigoroso dibujo que acompaña la acción y le imprime una emoción a cada escena. El trazo es vital en este filme, del mismo se desprende una escencia de la cultura japonesa, un respeto a sus tradiciones y un legado de su arte. En una secuencia la Princesa Kaguya sale corriendo y el trazo cambia inmediatamente, revelando la preocupación del personaje, el dibujo se vuelve menos depurado, las líneas gruesas emulan el carbón y el espectador se sintoniza con la protagonista: esta ya no es un dibujo, es alguien real, alguien que cobró vida a partir del trazo. Joe Hisaishi vuelve a ofrecer una banda sonora impecable, capaz de crear un universo emocional a partir de su música. Takahata-sama domo arigato gozaimasu!


Ánima Buenos Aires


Título original: Ánima Buenos Aires
Directora general: María Verónica Ramírez
Argentina - España (2012)

Relatos salvajes no fue la única película argentina -ni la primera- en plantear una serie de historias segmentadas como parte de un todo. En este caso los grafitis animados de una pareja de tango atraviesan la ciudad bonaerense para mostrarnos una serie de personajes e historias que viven a ritmo de tango. De claro contenido social, esta propuesta hace un balance entre la crítica y la expresión artística, con un hermoso trabajo de animación, se nota la autenticidad del trabajo, el diseño de los gráficos, los trazos de línea, los diferentes tipos de animación y un humor netamente argentino. Esto es cine de calidad, comprometido artísticamente y que viene a demostrar que no solo en Estados Unidos se hace cine de animació.



Arjún el príncipe guerrero


Título internacional: Arjun: the warrior prince
Director: Arnab Chaudhuri
India (2012)

Animación por computadora sobre el héroe más grande de la tradición de la India. Muy buenos gráficos que permiten movimientos fluidos y un excelente diseño de los paisajes, exteriores e interiores que dotan de un sentido cultural esta propuesta. Abusa en el uso de canciones, aunque esto es algo típico del cine de Bollywood y tiene que ver con la estructura interna del mercado. Narra las aventuras del joven Arjún quien tiene que vengar a su familia tras sufrir un período de exilio, contado al estilo de las Mil y una noche, se aprecia el surgimiento del héroe en sus diferentes facetas. 



Cómo entrenar a tu dragón 2


Título original: How to train your dragon 2
Director: Dean Deblois
EE.UU. (2014)

Mantiene el nivel de la primera parte, lo primordial es que sigue evitando caer en estereotipos sexistas. Explora con madurez narrativa el conflicto central del protagonista y emplea de manera eficaz a los personajes secundarios. Esta saga de películas hay que entenderlas como "a comming of age story", es decir, como un relato de transición en el que el protagonista y sus amigos pasan de la adolescencia a la adultez. Hiccup tiene que encontrar su propio camino, no el de su padre o el de su tribu, por eso Astrid le indica que la respuesta la tiene dentro de sí -señalándole el corazón-. Junto a él, sus compañeros también tienen que tomar decisiones trascendentales, como el salvar -nuevamente- a la aldea, en una escena muy representativa, los jóvenes son ayudados por dragones bebés, indicando el relevo generacional. De lo mejor del cine de animación comercial estadounidense. Pueden leer más en este enlace.



El libro de la vida


Título original: The Book of Life
Director: Jorge Gutiérrez
EE.UU. (2014)

Filme estadounidense con mucho sabor latino, los hechos ocurren durante la celebración del Día de Muertos en México, el filme es rico en lo visual, un colorido impresionante que acapara la atención. La historia es sobre tres amigos que desde niños juran estar juntos y acompañarse, pero conforme van creciendo, los varones compiten por el amor de la joven. Algo que se agradece mucho es que el director evita caer en estereotipos de género, así, la mujer regresa estudiada de Europa, es una protagonista activa, no una dama en peligro o que necesite ser rescatada o amada por alguien; los jóvenes tardarán en ir entendiendo eso. Además, los tres luchan por ser algo diferente a lo que sus padres les imponen, hay un discurso generacional de fondo. Falla en el empleo de los temas musicales que se sienten forzados en varios segmentos, pero lo compensa con buen humor y un diseño de personajes bastante original y que respeta las tradiciones mexicanas. Pueden seguir leyendo en este enlace.



El viento se levanta


Título internacional: The wind rises
Director: Hayao Miyazaki
Japón (2013)

"El viento se levanta" ha sido anunciada como la última película del aclamado director japonés, pero no es la primera vez que Miyazaki dice que se retira, por lo que tendremos que esperar. Uno de los personajes dice "Este es mi último vuelo antes de retirarme. Las personas creativas lo somos como mucho durante una década", y es leer la despedida de quien llevó el anime a ser reconocido internacionalmente. La historia nos cuenta de manera libre, la vida de Jiro Horikoshi (1903-1982), ingeniero aeronáutico creador de varios diseños que revolucionaron el diseño de aviones, el más recordado, el caza Zero. Miyazaki escribió un manga homónimo (2009-2010) del cual basa su película, en la que su protagonista también adquiere connotaciones de alter ego del propio director. Una película madura que se aleja del tono fantasioso que caracteriza al director, una obra con una excelente animación que narra la vida de un joven soñador. Muchos la han criticado tanto por no ser nacionalista, como por no criticar el papel de Japón durante la II Guerra Mundial. Más allá de la temática y su controversia, el filme es un claro ejemplo del porqué Miyazaki es un genio de la animación. Pueden leer más en este enlace.



Los niños lobo


Título internacional: Wolf Children
Director: Mamoru Hosoda
Japón (2012)

El tercer anime de la lista es una sentida obra, metáfora de las relaciones familiares y la crianza de los hijos. La forma en que estos van creciendo e independizándose. Tiene un buen diseño de personajes y una banda sonora sobresaliente. Hay cierto tono fabulado con clara intención de dejar una moraleja, pero esto no evita que el desarrollo de la trama sea fluido o pierda interés. La idea del cambio (humano-lobo) funciona también como metáfora de los cambios que los seres humanos tienen, sus gustos y decisiones los definen, no siempre se es la misma persona y mientras unas veces se sigue el instinto, en otras se opta por una transformación y emprender otros rumbos.


Una historia de amor y furia


Título original: Uma história de amor e fúria
Director: Luiz Bolognesi
Brasil (2013)

Gran película de animación. Primero de dos filmes brasileños que en años consecutivos ganaron el Festival de Annecy. Una ambiciosa historia que parte de lo singular para expresar un concepto universal, la lucha de clases, el continuo enfrentamiento entre los abusadores y los sometidos. Ubicada en diferentes períodos de la historia brasileña, desde la época de la conquista, la colonia, los años sesenta y ochenta, hasta un Río en el 2096. En todo momento el protagonista es el mismo, un indígena al que le ha sido concedido un don de inmortalidad para que sea el que dirija la lucha contra el "mal" (los abusadores en sus diferentes representaciones). Sin embargo, ello conlleva una maldición que le irá hacer vagar por los siglos, con aire melancólico y un destino en apariencia inexorable. La animación es grata visualmente, ágil de gráficos y movimientos, la estructura narrativa implica una madurez cinematográfica, a la vez que es comprometida políticamente, denunciando sin reserva hechos de violencia perpetuados por los colonizadores, la policía, empresarios o la dictadura militar, dependiendo del momento histórico. Amor y furia van de la mano en este cuento que significa un grito por la libertad.



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