martes, 25 de febrero de 2014

Disutopías visionarias





“Disutopías visionarias”

Aunque la palabra “disutopía” no existe oficialmente en el idioma español, es empleada acá para referirse a sociedades ficticias en el futuro, en las que la convivencia y el desarrollo humano son caóticos. Vienen a ser lo contrario a las utopías, que plantean sociedades idílicas.

La literatura, el cine y los cómics han creado historias en las que se exploran situaciones reales que se magnifican en un mundo futuro, o, buscan advertir sobre posibles problemáticas. Tienen en común que los creadores se basan o inspiran en temáticas que provocan un rechazo general, de ahí que la mayoría de disutopías sean planteadas como catástrofes que el propio ser humano ha creado. Las posibilidades para criticar son muchas, desde la política o la economía, hasta el papel de la tecnología o incluso el futuro de las relaciones interpersonales.

Un gran mérito que tienen aquellas obras que visionaron un futuro –que puede ser nuestro pasado o nuestro presente- es que se mantienen vigentes en el imaginario popular, son fuentes de referencias y aunque hayan fallado en predecir ciertos aspectos tecnológicos, la forma de los gobiernos o el contacto con seres de otros planetas, se pueden comprender como metáforas de aspectos actuales en nuestras sociedades, por lo que pasan de ser una fantasía de la ciencia ficción a elementos centrales de nuestra cotidianeidad.

Para el mes de marzo, VIVECINESCRUPULOS, ofrece revisar la historia de estas disutopías a través de cinco películas que exploran diferentes visiones de nuestra realidad.

 


Sábado 01 de marzo (6:30 pm)

La zona




Director: Andrei Tarkovski
URSS, 1979
Duración: 150 minutos
Para mayores de 15 años


Sinopsis: En un lugar de Rusia llamado "La Zona", hace algunos años se estrelló un meteoro. A pesar de que el acceso a este lugar está prohibido, los "stalkers" se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje.




Sábado 08 de marzo (6:30 pm)

1984



Director: Michael Radford
Reino Unido, 1984
Duración: 113
Para mayores de 15 años

Sinopsis: El futuro, año 1984. Winston Smith (John Hurt) soporta una abyecta existencia bajo la continua vigilancia de las autoridades en la Oceanía totalitaria. No obstante, su vida se convierte en una pesadilla cuando prueba el amor prohibido y comete el crimen de pensar libremente. Enviado al siniestro “Ministerio del Amor”, se encuentra a merced de O’Brien (Richard Burton), un cruel oficial decidido a dominar sus pensamientos... y a quebrantar su voluntad.




Sábado 15 de marzo (6:30 pm)

Blade Runner (Final cut)





Director: Ridley Scott
EE.UU., Hong Kong, UK; 1982
Duración: 112 minutos
Para mayors de 15 años

Sinopsis: A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba "retiro".




Sábado 22 de marzo (6:30 pm)

El congreso



Director: Ari Folman
Israel – Francia, 2013
Duración: 120 minutos
Para mayores de 15 años

Sinopsis: Necesitada del dinero, Robin Wright firma un contrato según el cual los estudios harán una copia de ella y la podrán utilizar como les plazca. La actriz volverá a escena como invitada para un congreso, en un mundo que ha cambiado completamente. Basada en una novela de Stanislaw Lem, se trata del retrato de un mundo que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad.




Sábado 29 de marzo (6:30 pm)

El castillo de la pureza


Director: Arturo Ripstein
México, 1973
Duración: 110 minutos
Para mayores de 15 años

Sinopsis: Convencido de que el mundo exterior es dañino para su familia, Gabriel Lima ha mantenido encerrados a su esposa y a sus hijos durante dieciocho años. Los días pasan melancólicos, mientras la familia se entretiene fabricando un raticida en polvo que Gabriel sale a vender en las tiendas del barrio. El frágil equilibrio emocional de la familia Lima se rompe el día en que Gabriel se da cuenta de que sus hijos están despertando a la adolescencia.




  

Después de cada película se hará el taller de apreciación, en el que se explicarán aspectos técnicos y formales de cada filme y se desarrollarán los contenidos expuestos

Lugar: Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados)
Fecha y hora: sábados de marzo a las 6:30 pm
Valor: ȼ2000 por persona por función



Fuego





Título original: Fire. Canadá - India (1996). Color
Directora: Deepa Mehta
Guion: Deepa Mehta
Cinematografía: Giles Nuttgens
Montaje: Barry Farrell
Diseño de producción: Aradhana Seth
Dirección de arte: Sunil Chhabra
Duración: 108 minutos

Elenco:

Nandita Das como Sita
Shabana Azmi como Radha
Javed Jaffrey como Jatin
Kulbhushan Kharbanda como Ashok
Ranjit Chowdhry como Mundu



Primera película de la trilogía de los elementos de la directora Deepa Mehta, en la que aborda el tema de los matrimonios arreglados y la conservadora sociedad hindú, específicamente aquellos que profesan el hinduismo.

Meehta escribe un guion arriesgado, en el que sobresale la intención de distanciarse del cine comercial de Bollywood (la industria cinematográfica más grande del mundo) y escarbar en la sociedad de su país, criticar las bases tradicionales en que se fundamenta la familia y advertir sobre la importancia del placer en las relaciones de pareja.

El filme fue muy controversial en la India y Pakistán, donde se hicieron protestas, se destruyeron afiches y varios manifestantes, principalmente fundamentalistas hinduistas, la emprendieron contra los cines que la exhibían y amenazaron de muerte a la directora, quien tuvo que recibir escolta armada. La principal razón por el descontento se debe a que la directora usó dos personajes femeninos, con nombres de diosas del panteón hinduista como sus protagonistas, estas tienen una relación lésbica ante la apatía de sus esposos y la falta de atención que reciben.

Realizada con gran sensualidad, la directora prefiere usar una iluminación más oscura para dejar a la imaginación gran parte de la intimidad de las mujeres, solo en una escena se ve un desnudo, pero queda claro que ellas se frecuentan tras la ausencia de sus respectivos esposos. 

Sita es una joven que es casada con Jatin, él mantiene un romance con una chica de Hong Kong, pero es obligado a casarse, por su hermano, para que tenga desendencia y la estirpe se prolongue. Por su parte, Ashok, hermano mayor de Jatin, está casado con Radha quien es infertil y por lo tanto no puede cumplir con las exigencias que manda la sociedad. Los otros personajes son la matriarca Biji, quien no puede hablar y censura todo lo que le parece degradante tocando una campanilla; y el criado de la casa, Mundu, quien ama secretamente a Radha.

La historia cambia delicadamente de contarnos la vida de la recién pareja (matrimonio arreglado) y se centra en mostrarnos el abandono sentimental y afectivo que sufren las dos mujeres por parte de sus esposos, la directora sin mostrarnos escenas explícitas, maneja muy bien el tema del lesbianismo y deja implícito el cariño que se genera entre ellas. En varios momentos, hay comparaciones con mitos hindúes que hacen referencia a un estereotipado modelo de sexualidad, que es inevitablemente heterosexual y que es utilizado como referente del predominio de una ideología patriarcal, a la cual Deepa Mehta critica con su filme.


En la mitología hinduista, Sita es una diosa hija del rey Janaka, su nacimiento se considera divino porque sucede en un campo que ha sido arado para un sacrificio, de uno de los surcos surge Sita. Su belleza es tal que es admirada y pretendida por varios hombres, por lo que su padre decide que quien tense el arco de Shiva que él posee, tendrá a su hija en matrimonio. El dios Rama (7° avatar de Vishnú) acepta el desafío y tensa con facilidad el arco y se casa con Sita. Esto es narrado en el Ramayana, texto que nos cuenta las historias de ese dios. Así como Rama se considera avatar de Vishnú, Sita se considera avatar de la diosa Lakhsmi (esposa de Vishnú). En un determinado momento, Rama tiene que hacer un exilio de varios años en el que Sita decide acompañarlo. Ante la insistencia de un pretendiente, Sita no comete infidelidad, pero Rama no la puede perdonar por sus celos, por lo que le impone la prueba del fuego (que vemos en la película), Sita supera sin problemas la prueba, pero Rama sigue celoso y le impone un exilio aparte; tras varios años, los hijos de ambos logran que Rama acepte de nuevo a Sita, pero para cuando esta es admitida de nuevo en el panteón de dioses, ella decide regresar a la tierra de la cual nació.

El otro mito presente en la película, hace referencia a Radha, joven pastora que fue esposa de Krishna (8° avatar de Vishnú), dios que se carecteriza por su fuerza e inteligencia. Radha es una entre miles de esposas que tiene Krishna, pero es a quien más se representa y menciona. El mito indica que Krishna se hacía pasar por la diosa Kali para que el esposo de Radha creyera que esta adoraba a la diosa, cuando en realidad estaba con Krishna.

Además de esos mitos, en el filme vemos la justificación ideológica de la sumisión de la mujer, cuando Radha explica en qué consiste la tradición del ayuno: la mujer tiene que demostrar que es devota y merecedora del afecto de su esposo.

Sita y Radha se expresan sentimientos de manera que sus esposos no sospechan la relación que tienen

Deepa Mehta traza una voraz crítica a todo el sistema patriarcal que de manera tradicionalista somete a la mujer a un plano de sirvienta del esposo, despojada de su afecto e incapaz de quejarse de su situación; sin embargo, la película nos muestra diferentes tipos de abusos: Biji (la abuela) es testigo de las faltas de los demás y está expuesta a una serie de condiciones denigrantes; Jatin, quien ama a otra mujer es obligado a casarse para mantener la tradición; Mundu, es despedido por la "vergüenza" que siente Ashok y lo deja indefenso ante la sociedad. "Fuego" es una advertencia sobre los diversos abusos que se comenten en la sociedad de la India, y no es una película que se limita a mostrarnos una relación lésbica.

La película se estrenó en la India dos años después de su filmación, y como se mencionó hubo muchas manifestaciones en contra, muchas organizadas por el partido Shiv Sena (de corte fundamentalista) quien exhortaba a los hinduistas a luchar contra lo que consideraban una ofensa a sus tradiciones. Tras varios conflictos que incluso llegaron a los juzgados, el comité de censura que en primera instancia había aprobado la película, no pudo evitar que se siguiera presentando en salas de cine, tras la petición del Shiv Sena. Sin embargo, el odio permaneció y para cuando la directora iba a empezar a filmar la última parte de la trilogía, Agua, varias personjas destruyeron el set y arrojaron partes de este al río Ganges. Mehta tuvo que retrasar la producción y terminó filmando en Sri Lanka con otro elenco, la película se estrenaría finalmente en el 2005. Agua trata sobre el suicidio, la misoginia y el papel de las viudas en la sociedad de su país.

Avance de la película:


domingo, 16 de febrero de 2014

Nube 9 - Nunca es tarde para amar




Título original: Wolke 9. Alemania (2008). Color.
Director: Andreas Dresen
Guion: Andreas Dresen, Jörg Hauschild, Laila Stieler y Cooky Ziesche
Cinematografía: Michael Hammon
Montaje: Jörg Hauschild
Duración: 98 minutos

Elenco:

Ursula Werner como Inge
Horst Rehberg como Werner
Horst Westphal como Karl

Premios:

Cannes: premio del jurado de la sección "Una cierta mirada"
Premios de la Academia Alemana: mejor película, mejor director, mejor actriz
Premios de Cine de Bavaria: mejor actriz, mejor cinematografía


El tema de la sexualidad en los adultos mayores suele ser tratado en el cine de forma jocosa, con situaciones graciosas y lugares comunes que reflejan estereotipos sociales. Sin embargo, "Wolke 9" nos ofrece una mirada diferente, una aproximación realista de una relación en concreto.

Andreas Dresen filma con una marcada influencia del austriaco Michael Haneke, pocos movimientos de cámara, una puesta en escena cercana al teatro, pocos diálogos, escenas largas y un naturalismo de la acción. 

El director no adopta una postura moral del fenómeno, solo nos muestra a Inge (Ursula Werner) una mujer mayor de 60, casada, quien en determinado momento siente que su esposo Werner no satisface sus necesidades sexuales y emocionales, por lo que decide iniciar una aventura -que se convierte en romance- con Karl, un hombre de 76 años.


De los encuentros sexuales, filmados con gran naturalidad y en los que los actores no tuvieron recelo para desnudarse ante la cámara, la película nos adentra en la esfera afectiva de los personajes. Así, la distancia que tiene el espectador debido a la posición de la cámara, varía cuando se nos muestra la relación entre Inge y Werner, adquiere un significado mayor, un matrimonio que se encuentra estancado en la monotonía y el tedio, la iluminación de las escenas de interiores también buscan reflejar este sentimieno; mientras que las escenas con Karl suelen ser en exteriores y con mayor colorido. Inge se encuentra ante la disyuntiva de elegir entre el estatismo de Werner (la posición pasiva de ver la vida desde la comodidad de un vagón de tren) o lo excitante que resulta Karl (posición activa reflejado en su afición por el ciclismo), pero sin poder evitar las consecuencias lógicas de sus decisiones. Esta parte es la más atractiva del filme, que se experimenta como una situación real y no como una fantasía o una ficción cinematográfica -aunque lo es-.


Gran mérito tienen los actores para transmitirnos toda la intensidad de sus actos. El filme no tenía un guion, por lo que ellos improvisaron en cada escena, acción y reacción constantes. El director trabajó junto a tres personas en el argumento, es decir, sobre lo que iba a tratar la película, sin embargo no escribieron diálogos, eso permite a los actores tener el reto de crear cada escena en el momento específico del rodaje.

Otro aspecto importante en la producción, es la ausencia de una banda sonora. La música innevitablemente implica un tono emocional ligado a la imagen, por lo que el director opta por usar solo sonidos ambiente de manera diegética (personajes y espectador escuchan lo mismo). Este elemento junto a las escenas largas y la cámara fija hacen que el filme tenga un estilo documental, que a su vez facilita la aceptación por parte de la audiencia como un hecho real.


La película es una excelente oportunidad para trabajar los mitos y estereotipos que se crean sobre los adultos mayores, a quienes la sociedad suele restarles su esfera sexual, erótica y de placer. No hay una obligación para estar con otra persona, depende del grado de satisfacción y reciprocidad, más allá de los bienes materiales o el criar hijos. También se puede trabajar aspectos de duelo, el manejo y expresión de sentimientos.


Avance de la película:


martes, 11 de febrero de 2014

Nebraska





Título original: Nebraska. EE.UU. (2013). B/N
Director: Alexander Payne
Guion: Bob Nelson
Cinematografía: Phedon Papamichael
Montaje: Kevin Tent
Música: Mark Orton
Dirección de arte: Sandy Veneziano
Diseño de producción: J. Dennis Washington
Duración: 113 minutos

Elenco:

Bruce Dern como Woody Grant
Will Forte como David Grant
June Squibb como Kate Grant
Bob Odenkirk como Ross Grant
Stacy Keach como Ed Pegram

Premios:

Cannes: mejor actor
Premios AFI: mejor película
Festival Internacional de Rotterdam: premio de la audiencia


Para el cineasta Alexander Payne no es novedoso hacer películas en las que los personajes realizan un tránsito físico (road movies), ni en las que la vida familiar de estos es examinada minuciosamente partiendo de lo afectivo. Recordemos "About Schmidt" (2002), "Sideways" (2004) y "The Descendants" (2011), aunque en esta última el tema del viaje no es lo principal.

Nebraska calza a la perfección en ese mundo particular que Payne goza filmando y el espectador disfruta observando. En este caso, vemos la historia de la familia Grant, encabezada por el patriarca, Woody (Bruce Dern) quien por su vejez y pasado alcóholico ve gravemente disminuida su capacidad cognoscitiva, pero esto no afecta su terquedad; así, una publicidad engañosa en la que se le promete un premio de un millón de dólares hace que sus días pasen intentando escapar de su esposa y hogar para viajar hasta Nebraska y conseguir el premio. Su hijo menor, David (Will Forte) es quien mejor entiende al anciano y decide darle una alegría, seguirle el juego, ante la desaprobación de su madre Kate (June Squibb) y de su hermano Ross (Bob Odenkirk). En el viaje conoceremos el pasado de ese anciano de blanca barba y mirada perdida.

Narrada con tono melancólico, la película se convierte en un estudio instrospectivo de la relación padre - hijo, de los problemas de alcoholismo y la particular vida familiar de los Grant. Para alguien que los ve desde el afuera, la familia es caótica y desunida, pero conforme conocemos su historia, entendemos los singulares lazos que los unen. El filme tampoco abusa del drama, Payne utiliza un fino humor para mantener la atención y dimensionar a los personajes de forma exquisita. 


Las actuaciones son fabulosas, pero sin dudas, Bruce Dern acapara los elogios. Costruye un personaje y le da vida con tal cariño que llegamos a ver con pasión a Woody. El guion de la película es original, por lo que hay un mayor mérito al momento de diseñar a los personajes y, por parte de los actores, a darles un rostro emocional, una dimensión factible para que el espectador se sienta seducido por la historia. Acá es donde apreciamos el gran talento de Dern, una actuación pausada, introspectiva, con fuerza en los movimientos corporales de un anciano que lucha por un sueño, aunque sea insignificante, y gesticulaciones que conmueven. De igual manera June Squibb crea un personaje hilarante, una señora con lengua viperina que no se reserva nada, demuestra afecto de forma singular y es contrapunto conceptual (marca un distanciamiento narrativo con respecto al personaje de Woody para que haya un balance en la historia) de Bruce Dern. El trío protagonista lo completa Will Forte, un rostro menos conocido, pero por eso efectivo. Una decisión en la que Payne insistió ante las insistencias de usar a un actor "reconocido". Forte tiene la particularidad de ser un tipo normal, lo que hace verosímil su situación; la película nos muestra lo justo sobre su vida, solo para saber que se encuentra impotente ante diversos hechos, razón de más para obviar su vida y pensar en la de su padre.


Nebraska adquiere ritmo poético a través de la magnífica fotografía a blanco y negro de Phedon Papamichael, los extensos paisajes se nos abren como el inexorable destino al que aspiran los protagonistas, con una fortaleza dramática que acentúa la soledad y la nostalgia. En algún momento, el horizonte se pierde entre lo oscuro del terreno y lo gris del cielo, una imagen preciosa que pone en perspectiva la existencia, la voluntad del ser humano ante un desafío o una meta. La ambientación está cuidadosamente preparada, árboles sin hojas, calles desiertas, cielos con ninguna o pocas nubes. El pueblo en el que se quedan y visitan a los familiares de Woody, es un pequeño lugar en el que el tiempo se detuvo, en el que el bar es el centro social y los domingos es el día para reunirse en familia a ver el partido de fútbol americano. El pasado parece estar más presente que nunca y eso acosa los recuerdos de Woody y Kate.

La banda sonora privilegia más las escenas en la carretera, para acelerar el ritmo y facilitar las trancisiones. También hay gran variedad de canciones que recrean la atmósfera de Nebraska, su estilo de vida y forma de ser de sus habitantes. En general, toda la dirección de arte es meticulosa, desde las camisas a cuadros (vestuario), los graneros y el tipo de casas (locaciones) hasta las carreteras amplias que parecen interminables con las montañas bordeando a lo lejos.

Un filme extraordinario para disfrutar y deleitarse con su fino humor, la nostalgia de la edad y la terquedad de un anciano que solo quiere sonreír una vez más.


Curiosidades


Otros actores considerados para el papel de Woody Grant fueron: Gene Hackman, Robert Forster, Jack Nicholson y Robert Duvall.

Por su parte, para el papel de David, se consideró a: Bryan Cranston, Matthew Modine, Paul Rudd y Casey Affleck.

La película inicia y termina con el logo de los años 50's y 60's de la Paramount.

Primera película en la que Alexander Payne filma a blanco y negro, también al usar cámaras digitales con lentes anamórficos; estos lentes distorsionan la imagen para aprovechar la totalidad de cuadro, la imagen regresa a su proporción original al proyectarse.

Entre las locaciones de filmación están Nebraska (varias ciudades), Montana (Billings), Wyoming (Buffalo) y Dakota del Sur (Rapid City).


Alexander Payne (derecha) dando indicaciones a Will Forte y Bruce Dern

Avance de la película:


Entrevista sobre la trayectoria de Bruce Dern (inglés):


Will Forte y Bruce Dern hablan sobre "Nebraska" (inglés):


Alexander Payne habla sobre "Nebraska" (inglés):