domingo, 26 de enero de 2014

El desconocido del lago




Título original: L'inconnu du lac. Francia. (2013). Color
Director: Alain Guiraudie
Guion: Alain Guiraudie
Cinematografía: Claire Mathon
Montaje: Jean-Christophe Hym
Duración: 100 minutos

Elenco:

Pierre Deladonchamps como Frank
Christophe Paou como Michel
Patrick D'Assumçao como Henri
Jérôme Chappatte como inspector Damroder

Premios:

Cannes: mejor director (sección Una cierta mirada) y Queer Palm
Festival de Nuevos Cines de Montreal: mención especial
Revista de Cine Cahiers du Cinema: mejor película del 2013


El director francés Alain Guiraudie nos entrega un interesante thriller, pausado, meditado desde los más pequeños detalles y minimalista en cuanto escenario y sucesos, aún así, se las ingenia para filmar una atractiva película.

El argumento gira en torno a un lago, ahí, en un verano sin que sepamos el año, vemos cómo se reúnen diferentes hombres de variada edad, el lugar se presta para el nudismo y los encuentros sexuales. Ahí es donde aparece Frank, un joven idealista en el amor que busca alguien de quien enamorarse, en el panorama aparece Henri, un hombre bondadoso y Michel, un adonis que llama la atención del joven Frank.

Mientras la cámara nos muestra en planos generales el lugar en el que transcurre toda la acción, un hermoso lago con un bosque, el director nos mete de lleno en la historia con planos medios, en los que no resulta extraño que alguna parte del cuerpo de los actores quede fuera de cuadro, hay una intención para esto, el director busca colocarnos desde una posición voyeurista desde la cual no vemos el cuadro en su totalidad. También hay un interés por mostrarnos casi fenomenológicamente las actividades sexuales de los hombres en el filme, de ahí el poco movimiento de cámaras y la falta de una posición ética por parte del director, quien solo nos muestra los hechos, no nos indica si son buenos o malos. También se usa la cámara subjetiva en una escena, cuando Frank está nadando y vuelve a ver hacia la orilla, el director nos coloca desde su perspectiva y es el único momento en el que la cámara tiene un movimiento indiscreto, esta oscila para darnos a entender la posición de Frank quien se encuentran flotando en el lago.

La homosexualidad es vista como algo natural, así como el paradisíaco lugar en que está filmada la película, contrario a otros filmes en los que se busca dar una explicación a la misma o al porqué los personajes son homosexuales; se trata de un thriller en el que no se cuestiona la identidad sexual, esta es aceptada desde sus orígenes, el argumento gira en torno a la misteriosa relación entre Frank, Michel Henri, y la aparición de un cadáver.


El espacio abierto se convierte en escenario del suspenso, no importa la posibilidad de huida, la "trampa" inicia desde el funcionamiento psicológico de los personajes, se trata pues, de un thriller psicológico, al mejor estilo clásico de Hitchcock. Las barreras naturales se mezclan con las emocionales, con personajes empeñados en ver algo que no existe, llevados por sus deseos. En caso de haberse filmado en una playa cerca del mar, la línea del horizonte sería más amplia y se pierde esa noción de estar encerrado. El trabajo de fotografía de Claire Mathon es tremendamente eficaz para generar un estado de tensión paulatino, a la vez que muestra la belleza natural del lago y sus alrededores. Cabe mencionar que toda la película está filmada en exteriores y se usó al máximo la luz natural, por lo que el trabajo es más complicado al depender de la situación climática de cada día. El tiempo de la película es de 10 días, esto se puede notar en la transición de día a noche durante el metraje y las tomas que indican un nuevo día al mostrarnos el parqueo y el inicio de actividades de los concurrentes al lago.

El cine ha sido una vitrina en la que se ha mal informado sobre la homosexualidad, en la mayoría de las películas los personajes son hombres, mientras que las mujeres han tenido menor espacio. Los primeros filmes de esta temática son cortometrajes de la era muda del cine, en 1895 un corto experimental de Thomas Edison mostraba una escena en la que dos mujeres bailaban juntas y dos hombres hacían lo mismo. Posteriormente, aparecen las primeras producciones de Hollywood, "The Florida Enchantament" (1914) o "Detrás de la pantalla" (1916), cabe señalar que estos trabajos solo presentaban algunos personajes homosexuales en gags cómicos, por lo que eran representados como afeminados o en caso de las mujeres con facciones masculinas. En estas primeras décadas del cine, los homosexuales eran utilizados como personajes cómicos para resaltar la masculinidad del protagonista heterosexual quien se queda con la mujer al final; luego surge la figura del "sissy" (mariquita) personaje amanerado, con maquillaje estrambótico que pretendía ser cómico. Para 1933, aparece "Lot in Sodom", un cortometraje de 28 minutos en el que los homosexuales son retratados como sádicos sexuales. Desde entonces el cine ha seguido una línea errónea al mostrar al homosexual como un enfermo, un sádico o alguien que padece de algún tipo de mal. En décadas posteriores, el homosexual iba a convertirse en el villano, el antagonista del héroe heterosexual. El código Hays de censura ayudó a perpetuar estos estereotipos, y el tema de la homosexualidad fue el último en ser aceptado -en su momento ni siquiera se podía mencionar las palabras homosexual o lesbiana en una película-.

Es usual que los filmes de temática homosexual terminen de forma trágica, como si los finales felices fueran exclusivadad de los heterosexuales. Se pueden tomar por ejemplo, filmes galardonados como Filadelfia (Jonathan Demme, 1993) o It's my party (Randal Kleiser, 1996), en los que se habla del tema de las enfermedades, concretamente el sida, asociando para el gran público (la masa) el tema de la homosexualidad con el de la enfermedad y la muerte. La otra forma de caracterizar la homosexualidad, guarda relación con sus orígenes en el cine, es decir, reproduciendo situaciones supuestamente cómicas en las que los personajes son ridiculizados y sus gestos y facciones son exagerados; nuevamente, esto genera una perspectiva distorsionada para el público que ve esas producciones. Los problemas de comunicación se acrecentan cuando se han censurado películas que buscaron retratar el tema de forma más seria, tal es el caso de "La gata sobre el tejado de zinc" (1958), que fue censurada para "disimular" la sexualidad del protagonista.

Regresando a "El desconocido del lago", el tema de la homosexualidad no se cuestiona, ni tiene que serlo, simplemente se presenta de la misma manera en que no se explica la heterosexualidad en un filme sobre parejas heterosexuales. La acción no se desvía sobre ese tema y transcurre de manera fluida con las relaciones confusas entre Frank, Henri y Michel.

Hay que destacar la ausencia total de música en la película, lo que crea una atmósfera más fidedigna, transporta al espectador de manera voyeurista al lugar de los hechos. Lo único que se escucha son sonidos ambientes, que fueron grabados en el propio lugar.


Para las escenas de sexo explícito, el director contrató a dobles, esto para no someter a más presión a los protagonistas y también para poder mostrar las erecciones de forma más prolongada, los actores de doblaje son de la industria pornográfica. Incluso Guiraudie consideró filmar toda la película con actores porno, pero desisitió porque ninguno le convenció. 

El metraje original era de dos horas con dieciocho minutos, pero el director decidió cortarlo hasta la hora con cuarenta minutos para evitar distraer la atención del público; las escenas eliminadas eran casi en su totalidad escenas de contenido sexual. Tampoco se muestran escenas de penetración debido a que el director pretendía que se hiciesen sin condón, con el afán de mostrar un mayor realismo de la situación; pero los actores de doblaje se negaron a hacer dichas escenas sin protección.

El guion responde a inquietudes personales de Alain Guiraudie, el lago en donde transcurren los hechos existe, aunque se prefirió rodar el filme en otro lugar; así mismo, los personajes de Henri y Frank están inspirados en personas que Alain conoció, mientras que Michel es producto de su imaginación y fantasías. El director también admitió que hay algo de él en el personaje de Frank. El trabajo con los actores no permitió la improvisación, todo lo que se ve en la película estaba escrito en el guion, para ello se ensayó varias veces con el fin de representar de la manera más casual y normal las escenas de sexo, todos los actores desde la etapa de casting sabían que iban a tener que actuar completamente desnudos durante la mayor parte del rodaje.


Avance de la película (subtítulos en inglés):


viernes, 24 de enero de 2014

Philomena





Título original: Philomena. UK - EE.UU. - Francia. (2013). Color
Director: Stephen Frears
Guion: Steve Coogan y Jeff Pope basados en el libro "The lost child of Philomena Lee" de Martin Sixsmith
Cinematografía: Robbie Ryan
Montaje: Valerio Bonelli
Música: Alexandre Desplat
Duración: 98 minutos

Elenco:

Judi Dench como Philomena Lee
Steve Coogan como Martin Sixsmith
Sophie Kennedy Clark como Philomena de joven
Mare Winningham como Mary
Barbara Jefford como la Hermana Hildegarde



El cine de Stephen Frears suele mezclar situaciones controversiales con un esmerado trabajo del aspecto emocional de sus personajes para no hacer de estos una exposición burda, por lo que su filmografía se presta para hacer denuncias sociales, pero guardando la sensibilidad al mostrarnos historias humanas. Así, podemos recordar "Dangerous liaisons" (1988) drama en el que se ahonda en una decadente Francia del siglo XVIII a través de las conductas sexuales de la aristocracia; "Liam" (2000), filme que se ubica en la depresión de los años 30 en Liverpool, donde el joven Liam es criado en un hogar católico que pasa penurias, mientras es testigo de los conflictos de los adultos por sus diversas creencias. Con "Dirty pretty things" (2002) exploró el mundo de los inmigrantes en Inglaterra y el tráfico de órganos; y con "The Queen" (2006), retrató la vida de la monarca Elizabeth II.

En su afán por mostrarnos diferentes momentos de la historia del Reino Unido, Frears ahora nos lleva a Irlanda, lugar en el que la iglesia católica cometió violaciones a los derechos humanos, con las llamadas lavanderías, conventos administrados por monjas ortodoxas quienes recibían a jóvenes mujeres embarazadas; el cruel trato que recibían bien las podía llevar a la tumba o a ser esclavas -en las labores de lavandería- mientras sus hijos eran vendidos a otras familias. Tal es el caso de Philomena Lee, mujer en quien se basa la presente película, quien, ya anciana, decide romper el secreto y buscar a su hijo; para lograrlo, cuenta con el apoyo del periodista Martin Sixsmith, excorresponsal de la BBC quien está pasando por problemas laborales y decide buscar una historia qué contar.

El cine, recientemente, ya ha denunciado los horrores de esas lavanderías y los abusos que en ellas se cometieron. Recordemos el filme "The Magdalene sisters" (2002) de Peter Mullan; sin embargo, tal vez por este antecedente, Frears decide hacer su película con un tono más humorístico, balanceando más el drama. Mientras que la película de Mullan nos muestra los castigos y abusos sufridos por las mujeres encerradas en las lavanderías, Philomena se centra en la búsqueda -tras 50 años de silencio- de una madre por su hijo.

Judi Dench junto a Philomena Lee, en cuya vida se basa la película

La película se nutre narrativamente de una fuerte crítica hacia el catolicismo, algo que le ha valido varias críticas de diferentes sectores. El pesonaje de Coogan (Martin) es un ateo que no teme decir lo que piensa, mientras que Philomena, aún cuando ha sufrido por culpa de las acciones de las monjas, es una fiel creyente. Este contrapunto resulta muy interesante, ya que ambos emprenden un viaje juntos, aprenden uno del otro, pero se mantienen fieles a sus creencias. Aún así, es claro el tono sarcástico con el que el filme retrata a la iglesia católica, ya que de qué sirven tantos valores morales que proponen si al fin y al cabo terminan haciendo un negocio con el sufrimiento de otros, jugando con las vidas, en este caso de jóvenes confundidas y niños y niñas inocentes.

El guion es del propio Steve Coogan junto a Jeff Pope, quienes hacen un gran trabajo para sintetizar la historia, usando diálogos punzantes al igual que hilarantes, parte de ese balance que permite al espectador reír y llorar, pero difícilmente permanecer aburrido ante este filme. El diseño de personajes también es un punto alto, haciendo la salvedad de la manera fortuita, casi milagrosa en que se llegan a conocer los protagonistas, estos resultan bien diagramados. Eso sí, era necesario contar con grandes actores para que esos diálogos cobraran pleno sentido, ahí es donde entra un Steve Coogan que se comporta más serio que en otros filmes, pero manteniendo una presencia de pícaro bonachón, y una extraordinaria Judi Dench (quien ya había trabajado para Frears en "Mrs. Henderson presents", 2005), que brilla por todo lo alto. Lo suyo es magnífico, hace una actuación muy natural, tanto divertida como desgarradora según el momento; su mirada se puede perder en el pasado o su sonrisa nos puede conmover con sus ocurrencias, una tremenda actriz que se luce, pare beneficio de todos los que amamos el cine.  La película prácticamente solo nos muestra a estas dos personajes, el resto vienen y van y tienen pocos minutos, lo hacen bien según los requerimientos. Destacan las monjas, mujeres inflexibles sin importar la edad con quienes el público generará fuertes emociones.


El trabajo de edición de Valerio Bonelli permite que Philomena transcurra con mucha fluidez, encontrado el tiempo adecuado para cada transición, en esto hay que elogiar también el buen trabajo de Alexandre Desplat con la banda sonora, una musicalización que eleva los momentos claves del filme evitando notas que vuelvan melodramática o superflua la acción. La fotografía, por su parte, procura generar un ambiente cálido para presentarnos a los personajes, que contrasta con los colores fríos cuando vemos el convento Roscrea en Irlanda, lugar en el que vivió Philomena de joven.

También destacan algunas tomas de cuando el hijo de Philomena, Anthony (Michael, como fue nombrado después por la familia que lo adoptó) era niño y luego ya grande cuando está con su pareja. Algunas de esas tomas son verdaderas, mientras que otras fueron hechas para la película. Se puede apreciar cómo fueron filmadas con una cámara Súper 8 y otras con cámara de vídeo casera.

Philomena es una película que nos habla de no darnos por vencido, de seguir adelante y aprender a perdonarnos. Exquisita historia de la que el espectador aprenderá y saldrá reconfortado, se ríe y se llora, pero al final queda el sentimiento de haber visto una gran obra sobre una gran mujer. El filme también plantea otras aristas que en vez de contarlas les animo a descubrirlas en el cine.



Avance de la película:


Entrevista con Steve Coogan y Martin Sixsmith:


Entrevista con Stephen Frears y Steve Coogan:


martes, 14 de enero de 2014

Jazmín azul





Título original: Blue Jasmine. EE.UU. (2013). Color
Director: Woody Allen
Guion: Woody Allen
Cinematografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: Alisa Lepselter
Duración: 98 minutos

Elenco:

Cate Blanchett como Jasmine
Alec Baldwin como Hal
Sally Hawkins como Ginger
Bobby Cannavale como Chili


La historia de una mujer (Cate Blanchett) quien gozaba de la gran riqueza de su esposo, hasta que todo se viene abajo y depende de la hospitalidad de su hermana (ambas de padres diferentes, pero adoptadas por la misma familia) para rehacer su vida y evitar otra crisis nerviosa.

Se trata de un drama con ciertos pasajes humorísticos que recuerda películas previas de Allen como Sweet and Lowdown, Another woman, Alice, y en general se nota el estilo de Allen de complicar la situación sentimental de sus personajes.

Por ese lado, la película no resulta fresca, lo cual es difícil para el neoyorquino debido a su gran filmografía; por otro lado, el regreso a EE.UU. sí es interesante; como si se tratase de un anti-Manhattan, aquella película que idealizaba -con la excelente fotografía- esa ciudad; acá Nueva York representa el pasado, lo doloroso, el glamour que trae tristes recuerdos y, en su lugar, aparece San Francisco, una ciudad que tanto en cine como en literatura se ha asociado a las nuevas oportunidades. El argumento plantea una tibia crítica hacia la crisis económica y la diferencias entre clases, pero se mantiene conservador en su desarrollo.

El inicio del filme cuenta con un ritmo más acelerado, con abundantes diálogos -típico de Allen-, pero conforme avanza el metraje el ritmo baja el ímpetu y permite desarrollar más a los personajes aunque sin profundizar mucho. Esto se logra con el trabajo de edición (trabajo de Alisa Lepselter, quinceava colaboración juntos y que inició con el filme Sweet and lowdown).

La cámara aprovecha para mostrarnos el paisaje y crear una atmósfera natural para la escena

Contrario a otras películas de Allen, en el que la acción es más importante que los personajes, en este caso Jasmine (Cate Blanchett) es el eje estructural de la película, todo gira alrededor de ella y el trabajo de la australiana es tremendo, con diferentes registros y momentos, particularmente me gustó la secuencia en la que le explica a los hijos de su hermana su situación; ese nivel de abstracción que su personaje tiene y por el que no se percata de los demás ni de sus reacciones es brillante.

La banda sonora acompaña bien, aunque no destaca; sigue el ritmo del jazz tan querido por el director. La fotografía busca mostrar a los personajes en espacios abiertos -salvo las escenas en interiores en la casa de la hermana-, en un intento de lograr el realismo de los hechos.

De seguro a los fans incondicionales de Woody les gustará la película, para otros, no será un filme de culto; sin embargo, vale la pena recomendarlo por la estupenda actuación de Cate Blanchett y porque el cine de Woody es honesto, al neoyorquino no sigue modas, sigue haciendo películas con las mismas inquietudes que tenía en sus inicios, una película con estilo clásico dentro de la cargada programación a base de efectos especiales.



Avance de la película:


Entrevista a Woody Allen:


Entrevistas a Cate Blanchett:



domingo, 12 de enero de 2014

A propósito de Llewyn Davis




Título original: Inside Llewyn Davis. EE.UU.-Francia (2013). Color
Directores: Ethan y Joel Coen
Guion: Ethan y Joel Coen
Cinematografía: Bruno Delbonnel
Montaje: Roderick Jaynes (pseudónimo de los hermanos Coen)
Dirección de arte: Deborah Jensen
Duración: 104 minutos

Elenco:

Oscar Isaac como Llewyn Davis
Carey Mulligan como Jean
Justin Timberlake como Jim
Adam Driver como Al Cody
Max Casella como Pappi Corsicato
Ethan Phillips como Mitch Gorfein
Robin Bartlett como Lillian Gorfein
John Goodman como Roland Turner
F Murray Abraham como Bud Grossman


Tres años después de la incursión en el género western con True Grit, los hermanos Coen regresan con una de sus mejores películas, un filme que resume lo que ha sido su filmografía.

En esta ocasión la acción transcurre a inicios de la década de los 60's, nos ubicamos en un frío invierno en Nueva York, como es recurrente en el cine de los Coen, la historia estadounidense del siglo XX es retratada por su cámara y con un humor irreverente, anteriormente habían situado sus peliculas en los años 30 (Miller's crossing, Oh hermano ¿dónde estás?), los 40 (Barton Fink, El hombre que nunca estuvo ahí); los 50 (The hudsucker proxy); los 60 (A serious man) y los 80 (Fargo, No country for old men).

En "Inside Llewyn Davis" los directores nos narran el anti sueño americano desde la óptica de un músico callejero quien lucha por sobrevivir, vagando de casa en casa en busca de un sofá en el que pueda dormir, es un gato callejero a la espera de la bondad de sus amigos. Sin embargo, sus decisiones y el entorno hacen de él un ser errante a la deriva del destino. La estructura circular del filme recuerda la novela de Joyce, Ulises; pero también guarda similitud con la Odisea de Homero. Llewyn es un moderno Ulises joyceano, el inicio y final de la película lo ubican en la misma posición, tras una semana de peregrinaje sin ningún avance interno o externo, es un personaje acabado. Y por otro lado, tenemos al gato (que en el filme le llaman Ulises), que se acerca al Odiseo homérico y quien en la misma semana logra regresar a su casa, así como Odiseo regresa a Ítaca.


Esta estructura que a priori parece enredada y confusa, deja de serlo en manos del talento de los Coen, quienes con sapiencia hilvanan su obra con la maestría de los grandes. Cual titiriteros, llevan a Llewyn a través de diversas situaciones cada cual más absurda, cruel y desmotivante que la anterior; aún así, tratan al personaje con más delicadeza que a otros en su filmografía.

La dirección de arte es uno de los puntos más altos del filme, vemos un Nueva York frío, de tonos grises y cafés, árboles con ramas sin hojas, la nieve y la lluvia son constantes, el mundo externo devora al protagonista, lo limita tal como lo hace el determinismo en la literatura. Llewyn dice al iniciar una canción "Si nunca fue nueva y nunca envejece, es una canción folk"; esa atemporalidad de su música, es la misma de su persona, su viaje es hacia ningún lado y sin ningún propósito, esa la forma en que sobrevive.

El ritmo del filme está estrechamente ligado al tempo de una canción de bluegrass, de forma cadenciosa música y película se desarrollan, los directores no se apuran para narrar, al contrario, se toman su tiempo, lo disfrutan y hacen que el espectador disfrute de esas pausas, tan necesarias ante las producciones comerciales de ritmo acelerado y vacuo de ideas. A través de la música el protagonista expresa su mundo interno, aquel que está oculto tras su pobre abrigo y su bufanda.


Aunque en esta película los Coen no contaron con su colaborador usual, Roger Deakins (fotografía); el trabajo de Bruno Delbonnel es sobresaliente, sin él, la película no tendría ese nivel de ironía visual, de pragmatismo narrativo por momentos (escenas de interiores en las habitaciones) y de misticismo en otros, principalmente cuando el filme adquiere elementos del cine noir, tan usual en la carrera de los directores; la niebla en escenas de exteriores y la iluminación en las escenas del bar -atinadamente llamado The Gaslight- son ejemplo de ello.

Filme completo, agridulce, con diálogos excelentes y de humor fino. Todo esto no se hubiese logrado sin la enorme actuación de Oscar Isaac, el guatemalteco que está conquistando elogios por todos lados, lo suyo es un trabajo concienzudo, adopta al personaje y lo introyecta, su mirada es una mezcla de nostalgia con incredulidad; su voz un canto desde el alma, desgarrado. Toda la película está sobre sus hombros, cual gigante y no tuvo problemas para hacerlo. Sus coprotagonistas no tienen la habitual prescencia que los Coen les otorgan, acá rotan al servicio de la historia y funciona por el compromiso de estos. Escenas absurdas como la de la compañía de discos con una secretaria anciana y un ejecutivo sordo; en otra todos los presentes llevan anteojos menos el protagonista. Una fuerte conexión entre Mulligan e Isaac (previamente habían trabajado en Drive de Nicolas Winding Refn), muy bien ella, convincente, capaz de mostrarnos diferentes rostros y de hacerlos creíbles. Timberlake sale poco, lo hace bien, hay una dirección de actores precisa y le saca justo lo que quieren, no importa si es un joven cantante o consumados actores (John Goodman, F. M. Abraham).

La banda sonora es nota aparte, exquisita, un placer para cualquier melómano. Llewyn Davis es un personaje ficticio, aún así, los directores tomaron referencias del cantante Dave Van Ronk y la escena musical de los 60's como punto de partida para la historia, un país estancado en el que la música se alzaba para pedir una revolución; similar a como lo hizo Jack Kerouac en 1957 con su novela "En el camino", con la cual el filme guarda algunas semejanzas, pero de forma más cruel, si en la novela Dean y Sal encuentran en el camino una forma para combatir su aburrimiento y observan las diferencias sociales del país, tienen dificultades, pero también encuentran momentos de regocijo; en la película, el único viaje que hace Llewyn (de Nueva York a Chicago) está marcado por una nueva desilución, el clima también es representativo, pasa del viento y el frío neoyorquino, a la lluvia y la oscuridad de Chicago; para al final regresar más abatido de cómo se fue.


Avance de la película:


Entrevistas con los directores y el elenco:





lunes, 6 de enero de 2014

Taller de cine: "Panoramas de la sexualidad"

La temporada 2014 de cine en Desamparados inicia el próximo 11 de enero, en esta ocasión, VIVECINESCRUPULOS, trae el taller "Panoramas de la sexualidad", una mirada desde el cine a ese aspecto de las relaciones humanas que está cargado de mitos y prejuicios. El taller abarcará los meses de enero y febrero.

El objetivo es plantear diferentes escenarios sobre cómo se experimenta la sexualidad, promoviendo la comprensión, el respeto y la tolerancia a las distintas manifestaciones que esta pueda tener a lo largo de la vida.

Al finalizar cada película, se realizará un taller de análisis cinematográfico para explicar aspectos formales sobre la realización del filme y se analizará el contenido, además, se hará un foro, conducido por un especialista en salud, para explicar y debatir lo concerniente al tema de la sexualidad. Las películas se exhiben en su idioma original con subtítulos en español en caso de ser necesarios. Todas las películas son recomendadas para mayores de 18 años.



"Panoramas de la sexualidad"




Sábado 11 de enero. (6:30 pm)

Joven y Alocada



Directora: Marialy Rivas
País: Chile, 2011
Duración: 96 minutos
Recomendada para mayores de edad


Sinopsis: Daniela es una chica de 18 años criada en el seno de una conservadora familia evangélica. Partida entre la culpa cristiana y su innata rebeldía, Daniela vive una traumática noche de excesos que le traerá el castigo de sus padres y su propio cuestionamiento existencial. En ese forzado paso a la edad adulta, Daniela intentará redimirse frente a su tórrido pasado adolescente, encontrando, sin embargo, un nuevo obstáculo: la irrupción de su primer amor homosexual.






Sábado 18 de enero. (6:30 pm)

Las sesiones




 
Director: Ben Lewin
País: EE.UU., 2012
Duración: 95 minutos
Recomendada para mayores de edad


Sinopsis: Mark O'Brien (John Hawkes), un poeta y periodista tetrapléjico y con un pulmón de acero que decide que, a sus 38 años, ya es hora de perder la virginidad. Con la ayuda de su terapeuta y la orientación de un sacerdote (William H. Macy), Mark se pone en contacto con Cheryl Cohen-Greene (Helen Hunt), una profesional del sexo.







Sábado 25 de enero. (6:30 pm)

El desconocido del lago



 
Director: Alain Guiraudie
País: Francia, 2013
Duración: 100 minutos
Recomendada para mayores de edad


Sinopsis: Verano. Un lago de aguas azul turquesa en torno al cual se congrega un grupo de bañistas. Hombres que encuentran placer en su orilla o en el bosque contiguo. Franck pasa el tiempo entre la amistad (o amor platónico) con el orondo Henri y los escarceos con Michel, adonis oscuro y peligroso.








Sábado 08 de febrero. (6:30 pm)

XXY




 
Directora: Lucía Puenzo
País: Argentina, 2007
Duración: 86 minutos
Recomendada para mayores de 15 años


Sinopsis: Álex (Inés Efron) es una singular adolescente de quince años que esconde un secreto. Poco después de su nacimiento, sus padres, Kraken (Ricardo Darín) y Suli (Valeria Bertuccelli), decidieron dejar Buenos Aires para vivir, aislados del mundo, en una cabaña de madera a orillas del mar. Lo que pretendían era que su hija creciera libre de cualquier tipo de prejuicios, protegida y feliz, hasta que llegara el momento de decidir qué camino debía seguir.





Sábado 15 de febrero. (6:30 pm)

Nube 9 - Nunca es tarde para amar



Director: Andreas Dresen
País: Alemania, 2008
Duración: 98 minutos
Recomendada para mayores de edad


Sinopsis: Ella no lo buscó. Ocurrió. Primero fueron miradas de soslayo, una atracción. Pero nada de eso debía pasar. Inge tiene unos sesenta y pico años. Lleva 30 años casada y quiere a su marido. Pero se siente irresistiblemente atraída por Karl, un hombre mayor que ella, de 76 años. Hay pasión. Sexo. De pronto, vuelve a sentirse joven otra vez.








Sábado 22 de febrero. (6:00 pm)

Película SORPRESA



Director: ???
País: ???
-----ESTÉN ATENTOS -----






Coordenadas



Lugar: Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados)


Fecha y hora: Sábados de enero y febrero a las 6:30. El sábado 1° de febrero no habrá función debido a que son las vísperas de las elecciones nacionales.

Valor de la entrada: ȼ2000 por persona por función

sábado, 4 de enero de 2014

La postura del hijo




Título original: Pozitia copilului. Rumanía. (2013). Color
Director: Calin Peter Netzer
Guion: Calin Peter Netzer y Razvan Radulescu
Cinematografía: Andrei Butica
Montaje: Dana Bunescu
Duración: 112 minutos

Elenco:

Luminita Gheorghiu como Cornelia Keneres
Bogdan Dumitrache como Bardu
Vlad Ivanov como Dinu Laurentiu
Florin Zamfirescu como Domnul Fagarasanu
Ilinca Goia como Carmen
Natasa Raab como Olga Cerchez
Adrian Titiene como el padre

Premios:

Festival Internacional de Berlín: Oso de oro mejor película y premio FIPRESCI



Drama intenso en el que dos familias se encuentran tras un hecho trágico. Un accidente automovilístico hace que la adinerada familia de Bardu mueva sus influencias para evitar que este sea llevado a la cárcel, del otro lado, una familia de clase media quien no puede costear abogados.

El director narra con destreza los dos ambientes familiares, durante la primera parte conocimos a la madre de Bardu, Cornelia, maravillosamente interpretado por Luminita Gheorghiu, una de las mejores actuaciones del año; ella es la matriarca de la familia y quien mueve los hilos de la misma. Nada sucede sin que ella se dé cuenta, por eso cuando contesta la llamada telefónica indicándole sobre el accidente, lo primero que hace es ver cómo soluciona el "problema", para eso recurre a su larga lista de influencias.


Por el otro lado, encontramos una familia en luto, la impotencia y el dolor les han caído encima. Netzer aprovecha para hacer una radiografía de la sociedad rumana, la división de clases sociales y las desigualdades políticas. 

La postura del hijo no es una película dramática sobre la pérdida de un hijo, tampoco es un melodrama sensiblero, es una descarnada crítica de las acciones humanas, esa sentimiento es representado por Cornelia, quien se valerá de sobornos, trucos y mentiras para hacer ver a su hijo -y a su familia, por añadidura- como la víctima. Resulta chocante los momentos en que se reúne con la otra familia para ofrecerles una "solución", su cinismo no tiene límites.

Y lo que el espectador -y tal vez el lector- se pregunta es ¿qué hace el hijo? El título lleva implícita su presencia, pero el filme lo tiene como una figura entre las sombras, poco a poco conocemos la situación con su esposa, sin embargo es tanta la influencia de su posesiva madre que él difícilmente puede hacer algo sin la supervisión materna, su esposa, por otro lado, tiene sus propios planes.

La fotografía también juega con esa mezcla de ambientes, pasando de los colores cálidos de las primeras escenas a colores fríos conforme el desenlace se aproxima. 

El cine rumano de hace una década atrás viene explorando las marcadas diferencias de su sociedad, es un cine comprometido, ideológico, de denuncia y finamente representado, vale la pena seguirlo.





 Avance de la película:

Heli



 
Título original: Heli. México - Francia - Alemania - Holanda. (2013). Color
Director: Amat Escalante
Guion: Amat Escalante y Gabriel Reyes
Cinematografía: Lorenzo Hagerman
Montaje: Natalia López
Música: Lasse Marhaug
Duración: 105 minutos

Elenco:

Armando Espitia como Heli
Andrea Vergara como Estela
Linda González como Sabrina
Juan Eduardo Palacios como Alberto

Premios:

Festival Internacional de Cannes: mejor director
Festival de Cine Nuevo de Montreal: mejor película
Festival Internacional de Lima: premio del jurado a mejor película


En su tercer largometraje el director mexicano logra lo que muchos no han logrado en una vida de cine, ganar el premio a mejor director en Cannes.

La película viene a confirmar el buen momento que atraviesa el cine mexicano, con un estilo definido que ha permitido a varios directores desarrollar una visión de autor, podríamos considerarlos como pertenecientes a un movimiento, ya que tienen similitudes en cuanto a forma y contenido. En este caso, uno de los coproductores es Carlos Reygadas, quien ha sido la punta de lanza de este movimiento.

Entre el filme "Batalla en el cielo" de Reygadas y "Heli" de Escalante, se pueden trazar varias similitudes, pero en general lo que llama la atención es la crítica fuerte y sin consentimientos a tres componentes de la sociedad mexicana: la familia, el ejército y la religión; aunque en el caso de "Heli" la crítica hacia la religión es menor y el director nos muestra, además, la inutilidad de los medios de comunicación. Una de las escenas más impactantes nos muestra a un menor torturando a un hombre, el director filma el encuadre de tal manera que podamos ver al menor y también un televisor en el que se aprecia un juego de video, trazando el paralelismo entre el juego y la vida real.

Con ritmo pausado, Amat Escalante nos narra mediante encuadre fijo las desgracias que sufre Heli (Armando Espitia) tras verse involucrado sin quererlo en un robo de cocaína. La violencia de los grupos armados y la ambivalencia de las autoridades está manejada con buen tino, con algunas escenas de mayor crudeza (que harán que el filme sea permitido solo para mayores de edad) y desnudos -muchos resultan innecesarios- el guion está bien desarrollado, se puede criticar un poco el final en relación a la manera en que se resuelve el conflicto, pero en general, es un muy buen filme.

Las actuaciones resultan naturales, hay una muy buena dirección de actores. Resulta importante, para este tipo de cine, contar con actores que se distancien del cine mexicano comercial y hay que darle gran mérito a quien escogió al elenco, puesto que para la mayoría fue su debut profesional.

El filme ahonda en la deteriorada sociedad mexicana, una niña -supuestamente- enamorada de un joven mayor de edad, quien lleva entrenamiento militar, el abuso es constante durante la película, todos los personajes lo sufren de alguna manera. Un trabajo que no genera satisfacción a una familia y la idea de querer dejar ese pueblo para buscar una mejor calidad de vida. El narcotráfico y los asesinatos se suceden de manera natural, narcos y milicia se confunden en una clara crítica a lo viciado del sistema de seguridad mexicano. Las torturas que se ven chocan no tanto por la violencia gráfica, sino por la naturalidad y realismo con que son llevadas a cabo, por momentos la dirección se asemeja al estilo documental y se olvida que se trata de una ficción que narra una realidad, ese mérito es del director.

La edición y la música se destacan por sobre el resto de películas que he visto de este movimiento, aunque el ritmo es pausado, resulta más ágil que el resto; y la banda sonora de Lasse Marhaug es fluida y ayuda a la narración (ritmo).
 


Avance de la película:


Entrevista con el director y actores:
 
 
Entrevista con el director y el productor:
 


El pasado




Título original: Le passé. Francia - Irán - Italia. (2013). Color
Director: Asghar Farhadi
Guion: Asghar Farhadi y Massoumeh Lahidji
Cinematografía: Mahmoud Kalari
Montaje: Juliette Welfling
Diseño de producción: Claude Lenoir
Música: Evgueni Galperine y Youli Galperine 
Duración: 130 minutos

Elenco:

Bérénice Bejo como Marie Brisson
Tahar Rahim como Samir
Ali Mosaffa como Ahmad
Pauline Burlet como Lucie
Elyes Aguis como Fouad

Premios:

Festival Internacional de Cannes: mejor actriz y Premio del Jurado Ecuménico
 
Despupes de "La separación" Farhadi continúa con el tema de los conflictos de pareja y familiares, con esta nueva película mantiene un alto nivel, principalmente en lo que se refiere al guion, es maravilloso ver cómo el filme se va abriendo y nos muestra diferentes aspectos en torno al tema central: una pareja se reencuentra 4 años después para que él firme el divorcio y ella pueda casarse con su nueva pareja. Los actores están muy bien dirigidos y su trabajo es sobresaliente, destaca el gran trabajo de Farhadi para dirigir niños.

El nudo dramático enfrenta a tres personajes: Marie (Bérénice), Samir (Tahar) y Ahmad (Ali); los dos primeros buscan casarse y así darle un hogar más unido a sus respectivos hijos, de matrimonios anteriores, para ello precisan de que Ahmad, todavía el esposo legar de Marie firme el divorcio. Brillantemente, el director nos muestra una primera secuencia en la que Marie va en busca de Ahmad al aeropuerto, mientras creemos que son una pareja unida, poco a poco vamos conociendo el verdadero motivo del encuentro, es cuando la tensión empieza a aumentar, otro acierto de Farhadi es no decirle al espectador todo, sino que permite que la acción se suceda de manera natural, la cámara también refleja esa naturalidad y, por supuesto, los actores hacen un gran trabajo para hacérnoslo sentir.


Si la acción central parte de la relación de ese trío, el director nos da una segunda historia, paralela a la primera. En ella, la hija mayor de Marie guarda un secreto que le impide aceptar la nueva relación de su madre, Ahmand es quien empieza a comprender a Lucie, para descubrir lo sucedido con la primera esposa de Samir. Este cuadro que se lee complicado, adquiere una simpleza asombrante gracias a la maestría de Farhadi para narrar, usando tomas sutiles que expresan más que el diálogo y dirigiendo a los actores para que logren los estados emocionales que él desea lograr.

La película no sorprende tanto como "La separación", ni es tan impactante, sin embargo, logra mantener el ritmo y la atención del espectador. Destacan los segmentos en los que el director opta por no usar sonido ambiente, el silencio nos comunica mucho más que las palabras. Al igual que la casa está siendo pintada, sea para decorarla, para tapar lo viejo -el pasado- y la pintura está fresca, las relaciones entre los personajes también están frescas, no han "secado", así, conforme avanza el metraje vemos situaciones conflictivas que atañen a los mismos. Un manejo de la historia encomiable.

La banda sonora es sutil, no distrae, acentúa con tino las acciones. Bella fotografía con interesantes tomas, que varían la posición en la que vemos a los personajes y cómo el director nos involucra en su drama.


Avance de la película:
 

Oh boy




Título original: Oh Boy. Alemania. (2012) B/N
Director: Jan Ole Gerster
Guion: Jan Ole Gerster
Cinematografía: Philipp Kirsamer
Montaje: Anja Siemens
Música: Cherilyn MacNeil, The Major Minors
Duración: 83 minutos

Elenco:

Tom Schilling como Niko Fisher
Marc Hosemann como Matze
Friederike Kempter como  Julika Hoffmann

Premios:

Premios Europeos de Cine: Descubrimiento del Año
Premios alemanes de cine: Mejor película, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor director, mejor guion, mejor música
Asociación de críticos de cine alemanes: mejor ópera prima, mejor música


Sorprendente descubrimiento resultó ser "Oh boy", la ópera prima de Jan Ole Gerster y además su proyecto de tesis de la Academia de Cine y Televisión Alemana. Un filme más cercano al cine independiente estadounidense o la Nueva Ola Francesa de directores de culto, que al actual cine alemán.

Con un poder visual merced a la excelente fotografía en blanco y negro, el director nos muestra una ciudad alemana que bien podría situarse en cualquier parte del mundo, el personaje principal, Niko, es una rara mezcla godardiana y jarmuschiana; con el desapego del primero y la libertad de expresión del segundo. La ciudad es retrata como una gran masa, espacio en el que se sucede la historia, pero ajena en todo momento al personaje, no se trata de la Manhattan de Woody Allen, siempre presente en el relato con una finalidad ulterior, acá es más bien testigo ominoso de un joven que está evitando el colapso total.

Jan Ole Gerster, amalgama lo clásico del cine francés (Nueva Ola) con propuestas independientes estadounidense, como si se tratase de un filme de Cassavettes o de Jarmusch, el director nos conduce a través de Niko a diferentes espacios: un café, una estación de metro, un bar, un servicio sanitario dentro de un teatro, etc.; existe una vorágine en la expresión visual de esta película que se traduce en una incesante búsqueda de Niko por algo que ni él mismo sabe qué es. Hay también un humor fino que hilvana la acción, durante el metraje el protagonista intenta evitar el alcohol y busca tomar una taza de café, mas le es imposible por las razones más absurdas, pero aún así versosímiles.


También están presenten los compañeros en este viaje no planificado, desde un amigo actor que no actúa, un vecino que insiste en contarle su vida privada, hasta una excompañera de los años de estudio, antes obesa y ahora delgada, que intenta acercarse a Niko; personajes que se encuentran en las antípodas de un espectro emocional que refleja la visión de mundo del director; un universo nostálgico, en el que se siente que falta algo, pero no se sabe qué es ni cómo encontrarlo.

Tom Schiling hace un muy buen trabajo, actor con trayectoria principalmente en la televisión de su país. Logra reflejar ese vacío motivacional que tiene Niko, el filme nos indica que durante su vida ha ido abandonando diferentes actividades, su padre, harto porque dejó la universidad decide quitarle la subvención económica, por lo que Niko, un adulto joven sin trabajo ni nadie que lo mantenga tendrá que decidir qué hace. Sin embargo, la película tampoco busca abarcar mucho, el metraje se reduce a un día en la vida de Niko, lo justo para contarnos su historia.

Otro aspecto por destacar es la banda sonora, ritmos de jazz acompañan a Niko por las calles de Berlín -que repito, pueden ser las calles de cualquier ciudad-, esa melodía vitalista llena de tonos tanto nostálgicos como alegres, irrepetibles y azarosos como la vida del propio Niko.

Una película con una estética muy trabajada, filme nuevo que huele a viejo, con fino humor, ironía y momentos reflexivos, en la revista Cine invisible, Carlos Loureda describe una escena: "...(una interesante conversación con un compañero de barra de bar que aborda el pasado del país, hecho poco habitual en el reciente cine alemán), a primera vista, ligero, pero que aporta mucho más de lo que promete" (entrada del 4 de noviembre del 2013).




Avance de la película:


viernes, 3 de enero de 2014

The act of killing






Título original: The act of killing. Dinamarca - Noruega - UK - Finlandia (2012). Color
Dirección: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn y un "anónimo"
Cinematografía: Anónimo, Carlos Arango de Montis y Lars Skree
Montaje: Nils Pagh Andersen, Erik Andersson, Charlotte Munch, Janus Billeskov, Ariadna Fatjó-Vilas y Mariko Montpetit
Música: Elin Øyen Vister, Simon Thamdrup Jensen y Karsten Fundal
Duración: 122 minutos (versión de cine), 159 minutos (versión del director)
 
Premios:
 
Premios Asia Pacific: mejor documental
Festival Internacional de Berlín: Premio de la Audiencia y Premio del Jurado Ecuménico
Premios Europeos de Cine: mejor documental

Creo que nunca antes había tenido tanto problema para calificar un documental, la mayoría de los trabajos de este género que he visto son muy claros en su propuesta, esto no significa que "The act of killing" no lo sea, sino que es tal la maestría para adentrarnos en la retorcida mente y psicología de asesinos en masa que resulta chocante, por momentos desagradable de ver y repulsiva. Y es que el guion nos permite observar cómo se perpetraron crímenes en Indonesia durante 1965-1966, contrario a otros documentales en los que veríamos entrevistas e imágenes de archivo; acá los protagonistas recrean una película porque se sienten orgullosos de los asesinatos y quieren que los jóvenes recuerden la historia, sobre el cómo mataron a miles de comunistas; en este punto la película adquiere tintes políticos impresionantes, máxime cuando Anwar Congo explica que no le importan los organismos internacionales ni las sanciones, más que cinismo, sus declaraciones demuestran el grado de psicopatía que tiene, en absoluto considera que ha hecho algún mal, simplemente era algo que "se tenía que hacer".

La fotografía a cargo de Carlos Arango de Montis, Anónimo y Lars Skree, es vital para el desarrollo del filme. Los hermosos escenarios contrastan con la retorcida mentalidad de sus protagonistas quienes en su afán por realizar un documento fílmico (The act of killing es una especie de cine dentro del cine) buscan el mayor grado de realismo, sin importar las secuelas psicoafectivas para las mujeres y niños que "convencieron" para que fueran extras (media el terror que ejercen entre la sociedad civil).
 

La versión extendida (2 horas con 39 minutos) puede resultar cansada, máxime porque se repite temáticamente y las escenas que representan el cómo torturaban se extienden mucho.

Los directores no son vistos durante el metraje, pero sí los oímos en algunos momentos, principalmente al recibir indicaciones de los protagonistas sobre cómo deben filmar o representar una escena. Resulta interesante esta variante de la técnica documental, en la que los protagonistas parecen tener todo el control, como si se tratara de un filme propagandístico, pero que en realidad demostró al mundo y en particular a los habitantes de Indonesia la crueldad y la barbarie de sus dirigentes políticos. El documental también sirve como lección de historia, no de la manera en la que los miembros de las Juventudes Pancasila (que por cierto, no distinguí ningún joven en la organización) querían, sino para desnudar cómo toda una élite política del presente, logró su posición a base de matanzas y utilizando a personas que solo destacaban por su crueldad.

Werner Herzog (coproductor del filme) declaró "No he visto una película tan potente, surreal y terrorífica en al menos una década"
 
Anwar Congo mostrándole parte de la película a sus nietos
 
Avance del documental:
 
 
Entrevista con el director Joshua Oppenheimer (inglés):

 

Gloria




Título original: Gloria. Chile - España (2013). Color
Director: Sebastián Lelio
Guion: Sebastian Lelio y Gonzalo Maza
Cinematografía: Benjamín Echazarreta
Montaje: Sebastián Lelio y Soledad Salfate
Dirección de arte: Marcela Uribi
Duración: 110 minutos

Elenco:

Paulina García como Gloria
Sergio Hernández como Rodolfo


Premios:

Oso de plata en la Berlinale a mejor actriz
Premio del Jurado Ecuménico en la Berlinale
Premio Cine en Construcción: Festival Internacional de San Sebastián
Premios Pedro Sienna: mejor película, mejor actriz, mejor guion


Gloria es una mujer de 58 años, soltera, sus hijos se han independizado y no la necesitan, sus días de trabajo los consume la monotonía, entonces queda la noche.... ahí se transforma, se libera, el desenfreno, las bebidas y la música -sobre todo la música pop- marcan la pauta de un desesperado grito que se ahoga con cada desilusión.

Estamos ante un filme completo, narrado sutilmente con una cámara que nos muestra la intimidad de ese personaje femenino que como lo dice el director "es universal", su situación trasciende las fronteras. No se trata de una mujer joven, como abundan en el cine actual, ni de una anciana cuya historia sería otra; es una mujer que quiere exprimirle a la vida todo lo que esta le pueda dar antes de que ya no pueda disfrutar, sin embargo, todo pasa factura y esa sociedad santiagüeña que el director nos revela es triste, es de una falsa fiesta, son solterones de situación económica acomodada, pero que tienen cargas emocionales que les impiden desarrollarse.

En uno de esos encuentros, con alcohol, música y baile, Gloria encuentra a Rodolfo, un hombre algo mayor que ella, separado y disponible, pronto emprenden un romance cual si fueran adolescentes, hasta que los problemas surgen. Ahí es cuando la protagonista tendrá que enfrentar su soledad de manera diferente, levantarse y encontrarse nuevamente.

El director no es condescendiente con la historia ni con el espectador, quien sigue de cerca a la protagonista mercer a los primeros planos y a secuencias que muestran sus estados emocionales. Sebastián Lelio se preocupa por mostrarnos una etapa de la vida que pocas veces se retrata en el cine, parte de una posición sociológica en la que expresa: "... no solo la sociedad chilena, sino que en el mundo general se está enfrentando a una nueva situación sociológica, que es que la vida se alargó; y la vida se alargó no para ser 20 años más aburrida, sino que se alargó para seguir siendo vida y ahí viene la vida con todo lo que la vida trae..." (Entrevista para el programa "Días de cine" de TVE, programa emitido el 4 de octubre del 2013).

Mención aparte merece el gran trabajo de Paulina García, quien no teme desnudar a su personaje en sus afectos y debilidades, como no teme desnudarse ante la cámara, al fin de cuentas la vida es muy corta para tener vergüenza de vivirla y experimentar. Fácilmente se puede categorizar sus decisiones como anacrónicas, como si temiese asumir su edad y pretendiese ser joven de nuevo; ahí está el talento de Paulina, porque esa interpretación la haría algún joven que no ha llegado a esa edad; la actriz se desenvuelve con una soltura extraordinaria y hace pasar como la situación más común aquella que hasta a un adolescente le causaría recelo. Y es que si no se intenta no se sabe.

La fotografía logra mostranos ese universo personal que el director quería transmitir, íntimo, emotivo, por momentos doloroso, en otros alegre y esperanzador. La banda sonora también meten de lleno al espectador en la historia, no por nada la canción de Umberto Tozzi da nombre a la película:

"Gloria, faltas en el aire falta tu presencia,
cálida inocencia faltas en mi boca que sin querer te nombra
y escribiré mi historia con la palabra Gloria..."


Aún así no a todos les gustó la película, para el/la crítico (a) de este sitio: http://www.krisiskritica.com/2013/10/gloria-y-la-gloria-de-la-frivolidad-en-el-novisimo-cine-chileno/ la película muestra la decadencia ideológica y temática del cine chileno con respecto a lo que se hacía en la década de los sesenta y setenta. No comparto sus argumentos, el nuevo cine chileno (novísimo como él/ella lo califica) es de lo mejor en latinoamérica, encontrando nuevos canales de expresión, con creatividad formal y con una identidad.


Avance de la película:


Entrevista con el director Sebastián Lelio:


Entrevista a la protagonista Paulina García: