miércoles, 31 de diciembre de 2014

25 Filmes destacados del 2014



Para este año la forma en que se realizó la selección final tuvo variaciones, en primer término, no se pensó en hacer una "lista de lo mejor", ya que a fin de cuentas eso parece no tener mayor importancia puesto que cada quien tiene su propia lista de lo que le pareció mejor. Por lo que se ofrece una sugerencia de títulos que resultaron gratamente enriquecedores, puede que hayan visto algunos o todos los filmes que se mencionarán, si no es el caso, valga la recomendación para que los busquen.

Nunca está de más decir que es imposible conseguir todas las películas que se desean, razón por la cual la selección cuenta con títulos del 2013, estrenados o que se consiguieron hasta este año. Igualmente, hay varias películas del 2014 que no se han podido visualizar y que se está a la espera de poder hacerlo.

Para no hacer tan extensa la entrada en el blog, esta solo consiste en las sugerencias sobre cine en general visto durante el año y no habrá categorizaciones como en el pasado (mejor director, mejor edición, etc.). Sin embargo, no hubo limitaciones de un top 10 o top 15; no se pensó en un número determinado de producciones, al final están las que se pensó fueron sobresalientes, entendiendo que otras grandes películas no están mencionadas.

Tampoco habrá una clasificación numérica ni se pretende ser tajante con la selección, véase que el título no dice "Los filmes sobresalientes del 2014", el artículo "los" no existe. Las películas están ordenadas alfabéticamente por el título como se conoce en español y la idea es poder compartir algunas impresiones sobre las razones por las que resultaron llamativas o sugerentes.


Adiós al lenguaje


Título original: Adieu au langage
Director: Jean-Luc Godard
Suiza - Francia (2014)

A los 83 años Godard sigue siendo revolucionario, un hombre comprometido con su afán de hacer preguntas existenciales a través de sus filmes, de incomodar, de ser distinto, su vida es el cine y nosotros le agradecemos. Adiós al lenguaje puede ser entendida como una "anti-película", algo que pretende no ser lo que es (o ser lo que no es). Para ello, el francés parte de una propuesta formal radical, planos cortados, una mezcla caprichosa de sonido que desconcentra hasta que se percibe la intencionalidad; cambios en la fotografía y la exposición lumínica, en el color y por su puesto en la forma en la que vemos (2D o 3D). El lenguaje cinematográfico es puesto aquí en duda, ¿existe realmente ese llamado lenguaje en el cine actual?, o se ha perdido, se ha simplificado, se ha pervertido como otras manifestaciones lingüísticas en la historia. El argumento es igual de caprichoso, una pareja de amantes se encuentran en diferentes momentos, mientras un perro llega a ocupar parte de la atención de los personajes y del espectador.


Bajo la piel


Título original: Under the skin
Director: Jonathan Glazer
Reino Unido - EE.UU. - Suiza (2013)

Uno de los títulos más sugerentes dentro del género de la ciencia ficción en los últimos años. Basada en la novela de Michel Faber, aunque se toma varias licencias, y esto es algo importante, el cine es otro medio, no hay necesidad de trasladar todo el texto a la pantalla, se puede jugar con los temas y proponer a raíz de eso.  La narración es dada por la ambigüedad del relato, se finaliza con más preguntas de las que se tenían al inicio, varias hipótesis sobre la condición de lo extraño (alien), lo diferente, aquello que hace a alguien depredador de otro. La incertidumbre se aúna con una banda sonora atmosférica, abstracta. Buena actuación de Scarlett Johansson. Varios de los secundarios no sabían que estaban siendo filmados para una película, por lo que las escenas fluyen con más naturalidad.


Balada de un hombre común


Título original: Inside Llewin Davis
Directores: Joel Coen y Ethan Coen
EE.UU. - Reino Unido - Francia (2013)

Nostálgica, agridulce, trágica, los hermanos Coen entregaron un filme espectacular. Aderezado con su tradicional humor negro, este moderno Ulises en la Nueva York de los años sesenta, busca encontrar un rumbo a su desprolija vida, en su recorrido una serie de extraños personajes le harán compañía o le impedirán llegar a buen puerto; aunque el principal problema es que el protagonista ni siquiera sabe a dónde quiere ir. Destaca la magestuosa fotografía de Bruno Delbonnel, usando los parajes fríos como extensión de los sentimientos de Llewyn, interpretado de manera superlativa por Oscar Isaac. El filme también presenta una de las mejores bandas sonoras del año. Hagan click si quieren leer más sobre el filme.


Boyhood: momentos de una vida


Título original: Boyhood
Director: Richard Linklater
EE.UU. (2014)

La última película de Richard Linklater es una extensión lógica de su filmografía, en ese sentido no debería sorprender a quien haya visto antes su cine. Planos secuencias, largas tomas con diálogos extensos, personajes que están en un constante viaje (interno y externo). Un cine en el que Linklater busca seducir al espectador con su visión de la vida, su existencialismo pragmático, no exento de juicios sobre la sociedad estadounidense. En términos de planos y estética narrativa el filme no aporta mucho, hay una intención de mezclar realidad con ficción, para ello el director filmó durante 12 años a las mismas personas, resultando en el envejecimiento paulatino de los niños (la niña es la hija de Linklater), una propuestas arriesgada y no falta quien la tacha de pretensiosa. Lo cierto es que no es novedosa, el mismo director lo hizo antes con su trilogía "Before...", aunque habían lapsos entre cada filme. Lo destacable en Boyhood es su guion, la forma en que narra con suma naturalidad el proceso de maduración del protagonista (típico de los filmes "comming of age") y sobretodo el montaje de Sandra Adair, un trabajo minucioso en el que establece cátedra de eso que se llama montaje en el tiempo, es decir, una escena en la que vemos una acción mínima, cobra relevancia más adelante. Los recuerdos funcionan de esta manera, se está en una situación determinada y de repente se recuerda algo del pasado, puede ser de hace una hora o de hace 10 años. A favor tiene que el tiempo se pasa rápidamente.


De tal padre, tal hijo


Título internacional: Like father, like son
Director: Hirokazu Koreeda
Japón (2013)

¿La paternidad la da la genética o la crianza? De esto parte el gran realizador japonés para contar una historia de intrincadas vueltas emocionales. Una pareja recibe una noticia del hospital en el que tuvieron a su hijo, les informan que hubo un error, un cambio de bebés, lo que sigue continuación es la cámara de Koreeda explorando los sentimientos de cada pareja y de los niños, mientras se busca una solución satisfactoria a los intereses de todas las partes. Queda claro que la forma en que manejan el problema tiene que ver mucho con la sociedad japonesa, en otras latitudes la actuación de los implicados cambiaría radicalmente; pero en esto consiste el cine, contar historias. Los cuestionamientos morales están perfilados con una gran sutileza del guion y el director saca provecho de los actores en su justa medida, logra que expresen las emociones que desea y a partir de ahí arma un argumento en el que el espectador se siente involucrado en todo momento. Lejos de clichés o resultados efectistas, Koreeda habla sobre la vida, sobre los vínculos que se hacen y lo que estos significan.


El cuento de la Princesa Kaguya


Título internacional: The tale of the Princess Kaguya
Director: Isao Takahata
Japón (2013)

Inspirada en una historia del folclor japonés que data del siglo X. El aclamado director de "La tumba de las luciérnagas" crea una de las más bellas películas de animación de la historia. Un relato que se nutre de un vigoroso dibujo que acompaña la acción y le imprime una emoción a cada escena. El trazo es vital en este filme, del mismo se desprende una escencia de la cultura japonesa, un respeto a sus tradiciones y un legado de su arte. En una secuencia la Princesa Kaguya sale corriendo y el trazo cambia inmediatamente, revelando la preocupación del personaje, el dibujo se vuelve menos depurado, las líneas gruesas emulan el carbón y el espectador se sintoniza con la protagonista: esta ya no es un dibujo, es alguien real, alguien que cobró vida a partir del trazo. Joe Hisaishi vuelve a ofrecer una banda sonora impecable, capaz de crear un universo emocional a partir de su música. Takahata-sama domo arigato gozaimasu!


El gigante egoísta


Título original: The selfish giant
Directora: Clio Barnard
Reino Unido (2013)

Adaptación libre del cuento de Oscar Wilde. La directora Clio Barnard ofrece un desgarrador relato, algo que viene siendo frecuente en el cine británico (por ejemplo "Tiranosaurio", 2011); sobre la sociedad contemporánea. Libre de una moraleja, la directora hace un retrato social, expone una serie de problemáticas y se apoya en el texto de Wilde para darles forma. Adolescentes con problemas de aprendizaje, con problemas de adicción, bullying escolar, familias pobres, menores trabajando en condiciones de explotación; un sistema que le falla a los ciudadanos y los deja a la libre, solo para castigarlos cuando ya es tarde, cuando no hay otra solución. Excelente fotografía de Mike Eley, quien retrata el paisaje urbano, el cableado de las torres de alta tensión que se yerguen como una red que atrapa a los personajes bajo un cielo londinense eternamente gris. Gran dirección de actores y un excelente trabajo del dúo protagonista: Conner Chapman y Shaun Thomas.


El gran hotel Budapest


Título original: The Grand Budapest Hotel
Director: Wes Anderson
EE.UU. - Alemania - Reino Unido (2014)

Una delicia de película. Anderson ofrece la película más lúdica de la temporada, un placer visual en el que el espectador se sumerge en esa fantasía de tonos pasteles. Una especie de tributo a la obra de Stefan Zweig. Un elenco en estado de gracia, todos al servicio de la historia. Comedia inteligente, que plantea una crítica solapada a ciertos momentos históricos. Una gran dirección de arte, fotografía y música. Anderson hace de lo complicado algo simple, llena de memorias la retina del espectador y le dibuja una sonrisa mientras disfruta de su película. La estética simétrica es una máxima en su cine al igual que las subtramas. En este enlace pueden leer más.


El hombre duplicado


Título original: Enemy
Director: Denis Villeneuve
Canadá - España (2013)

Villeneuve sigue haciendo cine de calidad, en esta ocasión toma prestados de Buñuel y Lynch elementos surrealistas para hacer su adaptación de la novela de José Saramago, El hombre duplicado. Del libro hay mucho y poco a la vez, no es una adaptación letra por letra, no es necesario, el canadiense captó la esencia de la novela y la hizo suya, para luego crear algo nuevo. Destaca el carácter hipnótico y absorvente del filme, pocos diálogos y mucha incertidumbre, dan ganas de verla varias veces y no solo por ese final que deja al espectador.... (mejor vean la película). La fotografía de Nicolás Bolduc es vital para dotar al filme de ese carácter misterioso, con un color amarillento que permea la vida de los personajes y los sumerge en otra realidad. También resaltar el gran trabajo de Jake Gyllenhaal, un gran año para él. En este enlace pueden leer más.


Ella


Título original: Her
Director: Spike Jonze
EE.UU. (2013)

Parábola moderna de las relaciones interpersonales reducidas al uso de la tecnología. Ciencia ficción que no dista mucho de la realidad. Jonze firma uno de los guiones más originales de este año para narrarnos una historia de amor, suena bastante cliché, pero si se piensa que el objeto amado es precisamente un objeto, un software con una voz melodiosa y con una inteligencia artificial que va adquiriendo conciencia y emociones, ya no resulta tan cliché. Joaquín Phoenix crea otro personaje memorable, hace creer que realmente está enamorado de esa voz. HER es el mejor ejemplo de lo que es el nuevo cine independiente, una rara mezcla entre lo más indie y un presupuesto importante, actores reconocidos, pero aún así, lejos de la hegemonía de Hollywood. También sirve para mostrarnos de la estética que se puede lograr con una filmación digital, un trabajo de fotografía que por sí solo nos traslada a un futuro incierto, una ficción probable. Pueden leer más en este enlace.


Güeros


Título original: Güeros
Director: Alonso Ruiz Palacios
México (2014)

México sigue haciendo un gran cine, tiene un talento enorme que se ve reflejado en muy buenos guiones y una interesante búsqueda estética. El primer largometraje de Ruiz Palacios elige el blanco y negro como distanciamiento estético, una propuesta que no teme trazar un diálogo entre la historia del cine mexicano, desde Buñuel hasta Reygadas, pasando por los estereotipos que tienen en el extranjero del mexicano, y los que los propios mexicanos han creado para vender un cine arte fuera de su país. Este desconcierto es el que atraviesan los jóvenes protagonistas, muchachos expectantes a que ocurra algo, pero indecisos de tomar una acción concreta, metáfora de un sentimiento generalizado entre la población joven. Resulta tan actual, que en el filme unos estudiantes universitarios están en huelga, tienen bloqueados los accesos al centro universitario, mientras que en la vida real, otros tantos jóvenes luchan en las calles por sus derechos, 43 de ellos ya no regresarán a sus casas, no podrán construir sus vidas, aunque no hayan estado seguros de cómo hacerlo.


Ida


Título original: Ida
Director: Pawel Pawlikowski
Polonia - Dinamarca - Francia - Reino Unido (2013)

Una de las películas que más comentarios ha generado. El director logra crear una historia sobre los judíos que resulta interesante e innovadora, no por el tema sino por la forma. Es una película aparentemente sencilla, como su protagonista, una huérfana criada como monja católica que va a descubrir un pasado que le hará tomar conciencia de quién es ella. Pero tras esa fachada, ese rostro sin maquillaje, yace un profundo significado sobre el origen y la memoria histórica. Filmada en un blanco y negro que recuerda a Dreyer y a Bergman, el director usa la profundidad de campo, la estación de invierno y el silencio como elementos narrativos para crear una historia humanista. La dirección de arte es magistral, así como la actuación de la tía (Agata Kulesza), quien es la encargada de mostrarle la verdad oculta a Anna (Agata Trzebuchowska). El contraste entre el monasterio y la vida fuera está bien logrado, principalmente con el personaje de la tía como intercesora; aunque algunas decisiones de guion puede no dejar satisfechos a todos, puede que resulten precipitadas.


La desaparición de Eleanor Rigby: Ellos


Título original: The disappearance of Eleanor Rigby: Them
Director: Ned Benson
EE.UU. (2014)

Tercer montaje del director del filme, estrenado en Cannes de este año. Anteriormente presentó bajo el subtítulo "Él" y "Ella". En realidad se trata de la historia de una pareja (Jéssica Chastain y James McAvoy) quienes atraviesan un duro momento en su relación, un montaje narra desde la perspectiva de él y el otro del de ella. Debido a inquietudes comerciales y personales, el director decidió hacer un tercer montaje, mostrando ambas visiones, creando un relato más dinámico y equitativo sobre los hechos; pero evita caer en la trampa de hacer valoraciones morales; el montaje solo sirve para mostrarnos hechos y los actores convencen de los mismos. La clave radica en que es un retrato realista de una relación de pareja, lejos de la moda hipster-caótica-idealizadora, y de las postales edulcoradas que venden asientos para que la gente llore y se abrace. Benson demuestra que con un buen guion se puede disfrutar de una historia básica de enamoramiento y caos, de goce y de pérdida. Si además se cuenta con una actriz como Jéssica Chastain, el resultado solo puede ser uno: ver la película. Por cierto, sí, el título se debe a la canción de The Beatles.


La imagen perdida


Título original: L'image manquante
Director: Rithy Panh
Camboya - Francia (2013)

¿Cómo se puede obtener una imagen de un recuerdo olvidado? O de un acto que impunemente fue borrado de la historia. Rithy Panh se hace esta pregunta y el cine y el patrimonio histórico cultural de Camboya se lo agradecen. Un valiente esfuerzo para narrar uno de los hechos más trágicos del siglo XX. El genocidio de parte de los Jemeres Rojos entre 1975 y 1979 en ese país. La esclavitud a la que sometieron a la población, los trabajos forzosos a los que eran obligados, la desnutrición, la muerte. Pero también la sobrevivencia y el recuerdo. Una fotografía mental que quedó en la mente de un individuo y que al no encontrarla en físico, decidió emprender una búsqueda a través del cine. Utilizando las pocas imágenes disponibles sobre lo sucedido, Panh recrea por medio de figuras de arcilla la memoria colectiva que por tantos años se había ocultado. Un trabajo titánico la de este artesano de la memoria. Una belleza desde la simpleza y la honestidad, un testimonio para reflexionar como seres humanos. 


La sal de la Tierra


Título original: The salt of the Earth
Directores: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
Francia - Brasil - Italia (2014)

Otro valioso legado histórico es el trabajo en conjunto de Wenders y Salgado, recuperando el trabajo fotográfico del padre de Juliano: Sebastião Salgado. ¿Cuán atroz puede llegar a ser el legado del ser humano? Basta con observar el trabajo fotográfico de Salgado, quien se sumergió en lo más oscuro de la humanidad, él capturó el rostro de la sombra junguiana y lo expuso al mundo, para que nadie olvidara cómo se veía. Desde los genocidios en Ruanda y África Central, los desastres naturales y la contaminación; el fuego en una tierra llena de petróleo que bloquea el sol con la humareda, volviendo el Golfo Pérsico un verdadero infierno. Pasando por el legado familiar, una tierra que sirve también de memoria y de sanación. Con un vibrante ritmo, una espectacular fotografía (de Hugo Barbier y Juliano Salgado) y una música mínima, pero esencial, el filme da paso a la creación, al Génesis, el último trabajo de Sebastião. La otra cara del planeta: el verde, la vida, la esperanza, la magnificencia de la naturaleza, fauna y flora gritando por la vida.


Las nubes de Sils María


Título original: Clouds of Sils Maria
Director: Olivier Assayas
Francia - Suiza - Alemania (2014)

A Juliette Binoche le queda bien interpretar roles duales, ya lo demostró en Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010) y ahora lo hace bajo la dirección del veterano Olivier Assayas. El parisino divide el filme en dos segmentos y un epílogo. La veterana actriz Maria Enders (Binoche) viaja junto a su asistente Valentine (Kristen Stewart) para homenajear al director que la hizo debutar, sin embargo, algo cambia los planes. En medio de todo, un joven director insiste en que Maria vuelva a las tablas con la obra en la que debutó, una historia de cómo una joven mujer seduce a otra de más edad; solo que ahora Maria ya no es joven, le piden que interprete el otro papel. Realidad y ficción se mezclan mientras Maria y Valentine están retiradas en las montañas de Sils Maria y ensayan la obra. La relación laboral se vuelve tensa. El filme toma otro giro con el personaje de Jo-Ann Ellis (Chloë Grace Moretz), quien hará de la joven seductora en la obra, ella es una actriz de moda, impetuosa; dista de la elegancia y clase de Maria. Assayas de manera sutil perfila la realidad cinematográfica en la actualidad, los contrastes entre los y las veteranas y las nuevas estrellas de cine; todo permeado a través de la era tecnológica: celulares, computadoras, tabletas, todo lo tecnológico adquiere una relevancia en el filme que contrasta con la quietud del pasaje de la serpiente en las montañas. El choque de egos, los miedos, las inseguridades, los celos, todo va a ir tomando su lugar en un relato construido armoniosamente. Assayas también sobresale como director de actrices, Moretz y en especial Stewart están irreconocibles de sus roles hollywoodenses, una grata sorpresa ver el talento que poseen.


Las vidas de Grace


Título original: Short Term 12
Director: Destin Daniel Cretton
EE.UU. (2013)

El título original hace referencia a una casa de cuido para jóvenes en riesgo psicosocial. El director había debutado en el 2009 con un cortometraje de mismo título y ahora lo hizo como largometraje, cambiando algunas cosas. Lo refrescante del filme es que la acción no se centra en la atención terapéutica ni en los conflictos familiares, sino que presenciamos el día a día tanto de los jóvenes internos como de aquellos quienes los cuidan. Conforme avanza la historia, se comprende que los cuidadores no están tan exentos de problemas, muchos guardan un pasado similar al de los muchachos en el centro. El tono realista del filme elude los moralismos, hay varias escenas dramáticas fuertes que se ven compensadas con otras de comedia, el final es intencionalmente feliz, así lo declaró el director, quien no quería crear una especie de estigma sobre esa población. La película también permite preguntarse sobre lo correcto o no del sistema y la manera en que atiende a chicos y chicas en riesgo, los -también- jóvenes cuidadores son las personas más idóneas para esa responsabilidad, esto se explora con el personaje de Grace (excelente actuación de Brie Larson), quien ve su mundo tambalearse cuando es ingresada Jayden (Kaitlyn Dever). Filme independiente, honesto, nada pretencioso, muy bien actuado y que permite reflexionar sobre el contexto humanista de la atención en estos casos. Pueden leer más en este enlace.


Nebraska


Título original: Nebraska
Director: Alexander Payne
EE.UU. (2013) 

Bruce Dern da vida a un senil Woody Grant, un quejumbroso adulto mayor que piensa que ha ganado la lotería y quiere viajar a su pueblo natal a cobrar el premio. La realidad es que no existe tal premio y el viaje es un dolor de cabeza para todos, menos para su hijo David (Will Forte), quien decide acompañarlo y dejar que su padre viva un sueño. Un road movie que nos muestra un paisaje desolado y un desfile de personajes secundarios cada uno más excéntrico que el otro, una familia que solo en una película puede existir, pero a la vez tan real que el espectador llega a tener cierta compasión por ese viejo amargado. Nebraska es un melancólico recuerdo de lo que implica envejecer, de las relaciones familiares rotas y de aquellas que pueden aguantar el paso del tiempo. Payne hace una introspección de los personajes, los examina, pero no los deja sin emociones. Con fino humor narra una historia llena de profundas reflexiones y de tono poético. Pueder leer más acá


Relatos salvajes


Título original: Relatos salvajes
Director: Daniel Szifrón
Argentina - España (2014) 

Seis historias sin conexión entre sí, con diferentes personajes y locaciones, pero todas hilvanadas hábilmente por Szifrón. Hay un tema en común: la violencia. Un estallido violento que es como un grito sofocado de angustia, un lamento presente en la vida de los protagonistas. No importa la edad o la clase socio-económica, todos tienen para quejarse, para reclamar, la sociedad no es un sitio tranquilo, es una sabana que se divide entre predadores y presas, de ahí en adelante es una lucha por la sobrevivencia. Relatos salvajes es profundamente argentina, pero a la vez, terriblemente universal. Las motivaciones están presentes en cada persona, en cada conflicto, un pasaje al acto y el resultado es una víctima, una serie de víctimas es un sistema, el sistema que legitima la violencia. El filme también es tramposo, muestra el acto, pero no la consecuencia, se interrumpe en vez de explorar lo que sigue, y pasa a un nuevo segmento, otra historia, mismo resultado. Hay un grado de complejidad técnica que Szifrón logra solventar de manera artística, con planos muy sugerentes, un guion sólido y una variedad de tomas que van desde el western, el crimen, la comedia de situaciones, hasta el drama y el suspenso. Pueden seguir leyendo en este enlace


Solo los amantes sobreviven


Título original: Only lovers left alive
Director: Jim Jarmusch
Reino Unido - Alemania - Francia - Grecia - Chipre 

Jarmusch en estado puro. Filme de género para entretenerse y disfrutar de la maestría del director detrás de cámaras. Un cuento moderno de vampiros que revitaliza el género, lo cual es ya de por sí difícil; y lo hace con una cuota de originalidad e irreverencia, alejándose de los presupuestos comunes del género; haciendo un filme pausado, meditado sobre unos seres eternos que han vivido por tanto tiempo que están cansados, que no encuentran un lugar en el mundo. No son monstruos, son seres filosóficos, llenos de recuerdos y críticos ante una sociedad que consideran decadente. La estupidez humana hace que se pongan en movimiento (concepto clave en el cine de Jarmusch), en una búsqueda incierta, críptica, pero anhelada. Adam y Eve (los nombres son dados por unos relatos de Mark Twain, no por referencias bíblicas) están contrastados por el exotismo de Tánger, donde ella vive; y el aire industrial y desolado de Detroit, hogar de él. Aún así se comunican y no soportan estar alejados. Ava (hermana menor de Eve) viene a revolver el orden en el que viven, una vampiro más joven, más irresponsable, más impetuosa. Dirigida con gran tino por Jarmusch, además se disfruta de una de las mejores bandas sonoras del año y de las deliciosas actuaciones de Tilda Swinton, Tom Hiddleston y Mia Wasikowska. Pueden leer más acá



Sr. Turner


Título original: Mr. Turner
Director: Mike Leigh
Reino Unido - Francia - Alemania (2014)

Brillante biopic del británico Mike Leigh, quien explora con acuciosidad en los entresijos del pintor Joseph Mallord William Turner (1775-1851), uno de los grandes paisajistas de la historia, antecesor al movimiento impresionista. Leigh no teme mostrarnos el carácter del pintor, sus excesos y su grandeza, la relación que tuvo con su criada y la forma en general con la que se relacionaba en su entorno. La dirección de arte de la película es motivo por sí solo para desear verla, una recreación de la época estupenda que junto al diseño de producción y fotografía trasladan al espectador a la misma. El estilo de Leigh es silencioso, deja que la historia y la película hablen por sí solas, filma largas secuencias y la cámara se mimetiza con el paisaje, creando una sensación de estar viendo no solo un filme sino también una pintura, uno de los tantos paisajes que harían famoso a William Turner. El trabajo de Timothy Spall es superlativo, con un tempo interno perfecto hace una caracterización estupenda, desde sus movimientos corporales, su acento y entonación hasta sus expresiones faciales.


Stockholm


Título original: Stockholm
Director: Rodrigo Sorogoyen 
España (2013)

No se dejen engañar, no es la típica película "chico conoce chica" o "vivieron felices para siempre". Sorogoyen filma una película honesta, aprovecha al máximo el presupuesto mínimo y con un buen guion nos muestra a un él y una ella, que podrían ser cualquiera; se encuentran una noche en una fiesta y caminan por Madrid; pero podría ser cualquier otra calle en cualquier otra noche. La película consta de dos partes, tan diferentes una de la otra como lo son los personajes, por la noche todo es romance, con tono cómico la pareja se va conociendo y acercando; por la mañana llega el drama, situaciones violentas y reclamos, ya no hay sonrisas. El tono aséptico del apartamente marca la distancia emocional de los personajes, un lugar vacío, inerte que contrasta con la vida que rodeada a la pareja mientras caminaba por Madrid en la noche. La música mínima es un acierto para que el espectador no desvíe la atención, igual que el manejo de la cámara, todo se centra en ellos, pero lo que más interesa es lo que el director no cuenta, quiénes son, por qué se encuentran, qué hay de cierto en lo que dicen y en su pasado, muchas preguntas, pocas respuestas; cine en estado puro, lleno de ideas, para todos los que piensen que no se puede hacer una buena película sin dinero o una gran producción, Stockholm demuestra que sí es posible.



Sueño de invierno


Título internacional: Winter sleep
Director: Nuri Bilge Ceylan
Turquía - Francia - Alemania (2014)

Inspirada en tres historias de Chéjov, aunque se desprende un realismo de otros grandes escritores rusos; Ceylan crea una historia llena de matices y contrastes que profundizan en el relato y la vida de los personajes. Un paraje remoto, un invierno siempre presente y el desértico terreno de Anatolia son el marco para una historia densa, y conflictiva. Un intelectual con vasta fortuna que vive en un hotel construido en las piedras de las montañas, un lugar esplendoroso, sitio obligado para turistas con no menos fortuna. Una familia que va revelando conflictos, una hermana recién divorciada con una culpa que la carcome, una esposa que ve marchitarse su juventud. A lo lejos, en varias ocasiones cubierto por la nieve, un exterior inhóspito, en él viven otras personas, no tan afortunadas como el protagonista, una familia que vive en penurias con una deuda (precisamente le deben al dueño del hotel el pago de la casa en la que viven) y un niño que con una piedra que lanza manifiesta la impotencia y la frustración de toda una población. Filme exquisito en temas morales, nada es simple. Una carta pidiendo colaboración económica encuentra eco en reuniones clandestinas para recaudar fondos para otro proyecto. Artículos escritos para un diario local en la que se juzga a los demás se vuelven palabras huecas, poco a poco las situaciones se vuelven más tensas, el director filma largas secuencias en las que las conversaciones suelen ser entre dos personajes, exponiendo sus puntos de vista, de esta manera el espectador va conformando el rompecabezas, el cuadro completo de lo que ocurre. La dirección de arte es magnífica al igual que la fotografía, primando los contrastes lumínicos con un exterior frío, con luz natural, cubierto de nieve; e interiores cálidos, oscuros, iluminados con candelas.



Un toque de violencia


Título internacional: A touch of sin
Director: Zhangke Jia
China - Japón - Francia (2013)

La película china más crítica de los últimos años con su propio sistema político-social, un retrato sin contemplaciones de la sociedad contemporánea. Cuatro historias vagamente interconectadas (y basadas en hechos reales) que muestran diferentes contextos en los que la violencia toma lugar, un manto que cubre las intenciones de los personajes. El título hace referencia irónica a una película de culto para China, "A touch of zen", una épica del género wuxia de artes marciales de 1971, dirigida por King Hu. Hay un interés del director en mostrarnos las diferentes relaciones de poder, un tema que marca la historia del gigante asiático; para ello no se contiene, hay una fortaleza en cada imagen que llega incluso a incomodar al espectador, una franqueza de Zhangke con lo que quiere contar en la que la indiferencia no es posible. El montaje brinda un ritmo idóneo, cada segmento está narrado con lo justo, es eficaz con el contenido y en la realización formal, y se pasa de una historia a otra con facilidad. Críticas hacia la religión, el abuso del poder, el capitalismo en China, permean una película que es contrapunto obligado de la otra historia, la que oficialmente retratan del país.



Vic + Flo vieron un oso


Título internacional: Vic + Flo saw a bear
Director: Denis Côté
Canadá (2013)

Victoria (Pierrette Robitaille) es una mujer mayor que ha salido de la cárcel, tiene todavía parte de la condena pendiente, pero se le otorga un beneficio y puede reintegrarse a la sociedad. De regreso a la casa de su tío, quien está enfermo y depende de asistencia constante, en un bosque alejada de la sociedad, ella intentará retomar su vida, su pareja, crear algo y vivir en paz. Sin embargo, como si se tratase de una plaga que se rehúsa a desaparecer, las desgracias la persiguen, el rehacer la vida no es tan sencillo, y una subtrama de venganza se va apoderando del relato. Côté filme con gran naturalidad esta historia, sin grandilocuencias ni pretensiones estilísticas, se concentra en narrar, en indagar en el caos emocional de los pesonajes y de paso permite reflexionar sobre la institucionalidad en estos casos, la resocialización (vital el personaje del psicólogo que hace visitas regulares) y la esperanza de continuar ajenos al pasado. Los colores opacos marcan el tono del filme, indicando que no hay una luz al final del camino, que el pasado siempre cobra las cuentas, ¿acaso siempre es así? No existe la expiación, la culpa siempre carcome a la persona. Preguntas que quedan en la mente del espectador al terminar. ¿No mencioné que la pareja sentimental de Victoria es otra mujer? Es porque no importa, son dos seres humanos en busca de redención.




Pueden leer otros artículos relacionados:

10 Películas latinas destacadas del 2014
16 actuaciones destacadas del 2014
8 Filmes de animación destacados del 2014

5 comentarios:

  1. Yoshua, Érick Fallas hizo este comentario en "La última fila": "Puta que dichoso Vivecinescrupulos Yoshua que puede hacer tantas listas. Yo hice una y porque me la pidieron. Están muy buenas de verdad, casi tanto como los Maritos de Oro."
    Eso me llevó a garrapatear estos apuntes al comenzar el 2015, que hasta pueden ser injustos, pero me atrevo a dejarlos aquí; dicen:

    "Vamos por partes, don Érick Fallas Vargas, amigo, sobre las listas de Vivecinescrupulos y lo que usted dice. Veamos. Concuerdo: dichoso de verdad Yoshua que puede hacer esas listas. Hay que estar de vago, digo yo, pero esto no es delito alguno. Comparar con los Maritos de Oro no cabe. Buena o mala la selección de Mario es sobre lo que se ha exhibido en el 2014 en el país comercialmente. La de Yoshua es otra cosa: fue lo que él vio y quiere recomendar, lo que al final es menos interesante (incluso con muchas películas del 2013).
    Se puede agradecer el trabajo de Yoshua como orientación hacia un tipo de cine que, como él lo confiesa, es parte de su excentricidad cinéfila. Gracias. Pero igual puede ir uno por lana y salir trasquilado. Lo cierto es que Yoshua anda viendo "otro cine" y él lo confiesa en su blog, aunque no puedo evitar sentirle, en su trabajo, cierta megalomanía tipo Jacques Sagot y bastante pedantería en lo que recoge en su blog: el afán de distinguirse. Pero tampoco le niego el derecho a hacerlo.
    Por útimo, Érick Fallas Vargas, ¿de verdad "es vacilando" lo que usted dijo? Creo que con ese vacilón usted quiso decir algo. Yo lo pongo en serio, no para que Yoshua se defienda, sino porque me da el sentir de expresar lo que me produjo la lectura de su "1974" tan personal. De frente."

    ResponderEliminar
    Respuestas
    1. William, es su opinión y listo. Cada quien opina y usted lo hace frecuentemente. Érik también opinó. Al tener un blog la gente puede leerlo, ignrorarlo, opinar, etc. Nada que no sea hablar de una película en específico me interesa.

      Eliminar
  2. Eso es. Es que lo aquí escribí es posible que, en algún momento, lo repita oralmente. Si alguien se lo cuenta, ya aquí está. No es más.

    ResponderEliminar
  3. Que clase de majadería la de este señor. Se mete aquí primero para "chismear" un comentario y segundo para descargar toda la envidia que se nota le tiene a usted Yoshua. No le haga caso, ni siquiera le responda. No vale la pena. Son ataques seniles. Por cierto, demasiado impresionada con la calidad de esa lista. Eso es asumir el cine como una pasión de vida.

    ResponderEliminar

Por favor indicar nombre y país de residencia cuando dejen un comentario. Los anónimos se borrarán. Si te gusta lo que leíste suscríbete al blog.