miércoles, 11 de junio de 2014

Repulsión




Título original: Repulsion. Reino Unido (1965). B/N
Director: Roman Polanski
Guion: Roman Polanski y Gerard Brach
Diálogos adicionales: David Stone
Cinematografía: Gilbert Taylor
Montaje: Alastair McIntyre
Música: Chico Hamilton
Dirección de arte: Seamus Flannery
Duración: 105 minutos


Elenco

Catherine Deneuve como Carol
Yvonne Furneaux como Helen
Ian Hendry como Michael
John Fraser como Colin


Premios

Berlinale: Oso de Plata y premio FIPRESCI


Tras salir de Polonia y radicarse en Francia, el director Roman Polanski filmaría "Repulsión", película que mezcla el aspecto desenfrenado del autor con las claves del cine comercial: un filme de género, con una actriz del momento (Catherine Deneuve) y elementos visuales atractivos. No tenía mucho presupuesto, pero se las ingenió para crear un filme que encantó a la crítica y al público. El propio Polanski y el coguionista Gerard Brach confiaron en el éxito económico de "Repulsión" para poder hacer "Callejón sin salida", una película más de autor y personal.

Polanski dando instrucciones a Catherine Deneuve y John Fraser

Aún así, "Repulsión" es un excelente thriller que merece atención propia. Desde el inicio Polanski nos advierte -como lo hizo Buñuel en "Un perro andaluz"- con un primerísimo primer plano de un ojo, por el que vemos pasar los créditos, que la historia transcurre en el interior de la protagonista, es decir, en su mente. La cámara se alejará para mostrarnos a Carol (Catherine Deneuve) y el contexto en el que se encuentra, pero siempre tendremos elementos que nos recordarán sus inquietudes personales.

La atmósfera claustrofóbica y el manejo del suspenso al estilo de Hitchcock hace que muchos comparen la película con Psicosis. Lo cierto es que el cineasta iba a desarrollar una filmografía en el que el espacio físico y mental es importante para la evolución de la trama y el conocimiento de los personajes.

Polanski declaró a la revista Cahier du Cinéma “I like to shut myself up. I remember: when I was twelve, fourteen, I liked atmospheres that came from . . . what do I know? Ultimately enclosed atmospheres, stifling . . . and [I] liked films like [Billy Wilder’s] The Lost Weekend . . .”. Basándose en esto, Michael Sragow en su ensayo sobre el filme compara el deterioro mental de Carol con el de Don Birnam (Roy Milland) en la obra de Wilder, la primera sufre de esquizofrenia y el segundo de delirium tremens por el síndrome de abstinencia al alcohol, y se ven abandonados a su enfermedad en la soledad. Sin embargo, la película de Wilder explora el conficto desde un nivel dramático-realista, mientras que Polanski lo hace desde el género de horror.

El arte de narrar del director se hace presente con un gusto extraordinario, estableciendo primero el contexto en el que transcurre la historia y mostrándonos a una joven mujer con conductas algo extrañas, pero de la que conocemos poco. Solo sabemos que tiene un pretendiente y ella no le hace mucha gracia, que vive con su hermana y esta tiene un amorío con un hombre casado, lo otro relevante es que es una extranjera en Londres. A parte de esto, desconocemos todo, la cámara nos lleva por la historia de Carol y descubrimos al mismo tiempo que ella los horrores que se avecinan.

A diferencia de las películas de horror de la época, la fotografía a blanco y negro de Gilbert Taylor busca generar una estética realista -se puede notar la influencia que esta fotografía tendrá posteriormente en el filme de George Romero "La noche de los muertos vivientes", 1968-, esto coloca al espectador desde una perspectiva psicológica específica, permitiendo adentrarse en la locura de la protagonista y distanciándose de una explicación fantasiosa de los eventos.

Mediante la iluminación se crea la noción de un estado mental disfuncional

El trabajo de iluminación es impecable, permitiendo un contraste entre claridad y sombras que comunican el deterioro mental de Carol y la lucha interna en que ella se debate, ceder ante los síntomas o mantenerse en control, en contacto con la realidad.

Polanski vuelve a usar un encuadre cerrado, generando un ambiente opresivo y claustrofóbico, nuevamente juega con la noción de estar atrapado en un lugar, en este caso la casa; pero también el tipo de plano con el que filma las escenas del salón donde trabaja Carol, hacen ver que es otro tipo de encierro, solo interrumpido por los breves paseos -y siempre en la misma ruta- que hace la protagonista por las calles londinenses. También empieza a usar la toma de un pasadizo que se extiende y que algún personaje tiene que atravesar, él regresará sobre esta imagen en futuras películas.


El gran montaje de Alastair McIntyre da una fluidez a las escenas más intensas, cortes abruptos, cámara desencadenada y primeros planos crean la sensación de tensión y terror, que, junto a la buena actuación de Catherine Deneuve transmiten al espectador las emociones de la protagonista. El director también juega modificando el escenario, creando a través de la escenografía y el tipo de lente una sensación de profundidad en ciertas escenas, por ejemplo cuando Carol abre la puerta del baño y se ve todo más lejano de lo que en realidad se encuentra, esa variación del espacio físico permite entender el trastorno esquizofrénico de la protagonista, se trata de un recurso visual para narrar sin diálogo. En una época en la que los efectos digitales no eran posibles, se tenía que recurrir a trucos fotográficos, ilusiones ópticas o cambio de lentes (cámara) para lograr diferentes efectos.

La edición de sonido también es vital para crear una atmósfera que, junto a la iluminación, la fotografía, el montaje y el tipo de plano se configuran en una herramienta narrativa al servicio del espectador. La banda sonora marca el ritmo, con su aceleración, la protagonista entre en un frenesí psicótico; con el silencio, el filme se vuelve misterioso y facilita que el público quede intrigado con lo que seguirá. Bill Horrigan describe el diseño de sonido como "...essential in our experience of Carol’s decline; the overriding acoustic effect is one of invasiveness, of unwelcome sounds overheard...", continúa "Bells, too, are classically enlisted to echo the onset of madness [...] also in such domestic varieties as ringing telephones and doorbells, both alarming indicators of the world outside trying to get in...".

El aspecto físico de Catherine Deneuve (Carol) contrasta con el resto de personajes. Su rostro abúlico, mirada desconcertada y cabellera rubia se diferencia del resto.

La película no busca hacer una explicación diagnóstica de lo que le sucede a Carol, por eso Polanski siempre rechazó referirse en términos psiquiátricos o psicoanalíticos. Como bien señala Bill Horrigan en su análisis de "Repulsión", el director crea imágenes y explora el deterioro mental de la protagonista, no hay simpatía hacia el personaje, solo describe los hechos. La narración es lineal, ya que todo transcurre secuencialmente, sin embargo, el tiempo cronológico pasa a segundo plano por el tiempo psicológico de Carol. El espectador no tiene noción clara de cuánto tiempo ha transcurrido y solo algunos elementos como el viaje de la hermana y principalmente el conejo nos dan pistas de ello.

Una lectura psicológica nos permite analizar a Carol como un caso clínico, en ella vemos desde el inicio del filme una sensación de extrañeza por lo que le rodea, suele perder la noción del lugar y el tiempo en el que se encuentra. Parece fatigada y no come; tiene una relación dependiente con la hermana y algunos comportamientos obsesivos como la olicofagia (comerse las uñas). Conforme su estado mental se va deteriorando, debido al viaje que hace la hermana con su amante, Carol empieza a tener síntomas más activos: alucinaciones, pesadillas en las que un hombre la viola, sentimientos de irrealidad; además de descuido de su aseo personal, también rompe contacto con el exterior (desconecta el teléfono, hace una barricada en la puerta), no percibe los olores de pudredumbre en el apartamento. Su situación se debe a una crisis sobre la sexualidad, el título hace referencia a la repulsión hacia el sexo que tiene la protagonista, intensificada por las continuas visitas que un hombre le hace a su hermana y el interés que tiene otro en ella. Todo lo que le recuerda al acto sexual le causa ansiedad y descontrol, por lo que la sintomatología aumenta como forma psicótica de evadir la realidad. El director solo plantea una pista sobre el origen de su estado, la fotografía familiar que vemos en una de las habitaciones y con las que el filme termina, tras un paneo en primer plano sobre diferentes objetos y un acercamiento al rostro de una niña, quien suponemos que es Carol, por lo que queda la incógnita de qué fue lo que le sucedió de joven, ¿acaso fue víctima de una violación o algún tipo de abuso? La película no lo explica y solo queda conjeturar.


Otra lectura, simbólica, nos permite trazar un paralelismo entre la casa y la mente de Carol, tras el viaje de la hermana, queda sola en la casa y su deterioro se hace más evidente, merced a los efectos visuales que el director nos muestra. La mente enferma es una cárcel para la propia persona quien no puede desarrollarse libremente debido a los síntomas que presenta. La casa se agrieta así como lo hace la realidad para Carol, quien pierde el control. Un lugar que debería representar seguridad como el hogar se convierte en un sitio desprolijo, sucio, oscuro, atemorizante. Ella tapa los contactos con el exterior: cortinas cerradas, puerta principal bloqueada, la puerta de su habitación también, corta el cable del teléfono; ensimismándose en su delirio. Su mente es un lugar igual de oscuro y agobiante, no puede escapar de sus pensamientos, de ahí el simbolismo de las manos que salen de las paredes y la aprisionan. Polanski eleva la angustia en estas escenas con el sonido de un reloj que irrumpe el silencio y algunos tonos agudos que aumentan la adrenalina.

La dirección de arte potencializa el filme en un nivel estético y argumentativo


Entrevista con el director (inglés):


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