domingo, 26 de mayo de 2013

Ganadores Festival de Cannes 2013



La edición 66 del Festival Internacional de Cannes ha llegado a su final, en esta ocasión las críticas han estado divididas entre la Sección Oficial y la sección Una cierta mirada, esta última no ha convencido a la crítica ni al público; sin embargo, la Sección Oficial ha sido muy seguida, principalmente con la ganadora a mejor película "La vida de Adele", un drama que explora la sexualidad femenina de su protagonista. El director declaró tras recibir el premio ""Me gustaría recordar a un hombre que me ayudó a encontrar mi camino, al que quiero y añoro: Claude Berri. Quisiera dedicar este premio y esta película a esta hermosa juventud francesa que conocí durante la realización de esta película y que me descubrió la esperanza de libertad y de vivir en armonía. También a otra juventud, que no hace mucho tiempo ha vivido la revolución tunecina, para inspirarle cómo vivir en libertad, expresarse en libertad, amar en libertad".

El resto de la premiación ha tenido un especial tono multicultural: México repite a la mejor dirección con Amat Escalante (sucesor de Carlos Reygadas por Post Tenebras Lux); los hermanos Coen vuelven a subir al escenario con su último trabajo; Japón obtiene un galardón (premio del jurado), al igual que China (guión), Singapur (Cámara de oro) y Corea del Sur (cortometraje). Ninguna película de la Sección Oficial repite premio, lo que demuestra el gran nivel y la paridad entre las competidoras. La francesa de origen argentino Bérénice Bejo se queda al premio a mejor actriz por la película El pasado, dirigida por el iraní Asghar Farhadi; mientras que el estadounidense Bruce Dern se alzó con el premio en la categoría masculina por el filme de Alexander Payne, Nebraska.

La sección Una cierta mirada a pesar de haber sido criticada, premia un trabajo muy interesante, el fillme comboyiano "The missing picture" retrata a través de marionetas la convulsa y trágica vida de ese país. México también sorprende con el elenco de "La jaula de oro" y la ganadora de Sundance, Fruitvale Station, se lleva también otro reconocimiento.

Los premios de la prensa ya anticipaban a los ganadores de la noche de clausura. La vida de Adèle, El pasado y Like father, like son obtuvieron sendos reconocimientos, además del drama Miele.

La semana de la crítica fue cautivada con la producción ítalo-francesa Salvo y Argentina obtuvo una mención especial con Los Dueños.

La Quincena de los Realizadores también fue polémica por las propuestas que no entusiasmaron al público, el vencedor fue el filme francés Les Garçons et Guillaume!  Brasil obtuvo una mención especial con el cortometraje "Poco más de un mes".

A continuación pueden ver todos los galardones:



Sección oficial


Jurado: Steven Spielberg (presidente, director, EE.UU); Daniel Auteuil (actor, Francia), Vydia Balan (actriz, India), Naomi Kawase (directora, Japón), Nicole Kidman (actriz, Australia), Ang Lee (director, Taiwán), Cristian Mungiu (director, Rumanía), Lynne Ramsay (directora, Escocia), Christolph Waltz (actor, Austria)


Palma de Oro a mejor película
Blue is the warmest colour (La vie d'Adèle) de Abdellatif Kechiche (Francia)

 
 
Grand Prix
Inside Llewyn Davis de Ethan and Joel Coen (EE.UU. - Francia)

 
Premio del Jurado
Like father, like son de Kore-Eda Hirokazu (Japón)

Premio a mejor dirección
Amat Escalante por Heli

Premio al mejor actor
Bruce Dern por Nebraska 
Alexander Payne recibió el galardón

Premio a la mejor actriz
Bérénice Bejo por The Past
Premio al mejor guión
A touch of sin de Jia Zhangke (China)

Palma de Oro a mejor cortometraje
Safe de Byoung-gon Moon (Corea del sur)


Mención especial - cortometraje
Hvalfjordur de Gudmundur Arnar Gudmundsson (Dinamarca - Islandia)

Mención especial - cortometraje
37°4 S de – Adriano Valerio (Francia)

Cámara de Oro (mejor opera prima)
Ilo ilo de Anthony Chen (Singapur)


Premio Vulcain al artísta o técnico
Antoine Heberlé
Director de fotografía del filme Grigris


Sección Una Cierta Mirada


Jurado: Thomas Vinterberg (Presidente. Director, Dinamarca), Zhang Ziyi (actriz, China); Ludivine Sagnier (actriz, Francia); Ilda Santiago (directora del Festival de Río, Brasil) y Enrique González Macho (productor, España)


Una Cierta Mirada
The missing picture de Rithy Panh (Camboya-Francia)


 Premio del Jurado
Omar de Hany Abu-Assadm


Premio a la dirección
Alain Guiraudie por Stranger by the lake (Francia)



Premio Un Certain Talent
Elenco de la película La jaula de oro de Diego Quemada-Diez (México)


Premio del Futuro
Fruitvale Station de Ryan Coogler (EE.UU.)




Cinefondation


Jurado: Jane Campion (presidenta); Maji-da Abdi, Nicoletta Braschi, Nandita Das y SemihKaplanoglu.

Primer premio (15mil euros)
Needle de Anahita Ghazvinizadeh (EE.UU.)

Segundo premio (11mil euros)
En attendant le dégel de Sarah Hirrt (Bélgica)

Tercer premio (ex aequo) (7500 euros c/u)
In the fishbowl de Tudor Cristian Jurgiu (Rumanía)
Pandas de Matús Vizár (República Checa)



Premios de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica


Premio FIPRESCI de la Sección Oficial: 
La Vie d'Adèle, de Abdellatif Kechiche (Francia)


Premio FIPRESCI de Una Cierta Mirada:
Manuscripts don't burn, de Mohammad Rasoulof (Irán)

Premio FIPRESCI de la Quincena de Realizadores:
Blue Ruin, de Jeremy Saulnier (EE.UU.)



Premio del Jurado Ecuménico


Le Passé (The Past), de Asghar Fahardi (Francia)


Menciones especiales
Tel père, tel fils de Hirokazu Kore-Eda 


Miele de Valeria Golino (Italia)




45a Quincena de los Realizadores



Premio Art Cinema
Les Garçons et Guillaume! de Guillaume Galliene (Francia)


Label Europa Cinemas
The selfish giant de Clio Barnard (UK)

Prix SACD
Les Garçons et Guillaume! de Guillaume Galliene (Francia)


Cortometrajes
Gambozinos de Joao Nicolau (Portugal)


Mención especial
A pouco mais de um mes de André Novais (Brasil)



52a Semana de la Crítica



Largometrajes
Gran Premio de la Semana de la Crítica
Salvo de Fabio Grassadonia & Antonio Piazza (Italia-Francia)

Mención especial
Los Dueños de Ezequiel Radusky y Agustín Toscano (Argentina)

Premio France 4 Visionary
Salvo de Fabio Grassadonia & Antonio Piazza (Italia-Francia)

Prix SACD
Le démantèlement de Sebastien Pilote

Cortometrajes
Premio Discovery
Come and Play de Daria Belova

Premio Canal +
Pleasure de Ninja Thyberg

sábado, 25 de mayo de 2013

Taller - Cine Voyerista el placer de la mirada


Con gran placer comunico que este mes de junio VIVECINESCRUPULOS empezará un proyecto de difusión fílmica con talleres de apreciación, un espacio en el que todos vamos a meternos de lleno en el mundo cinematográfico, aprender sobre aspectos técnicos, anécdotas de las filmaciones y entre todos crear una cultura cinéfila. 

El cine como cualquier arte está sujeto a interpretaciones y cada espectador crea desde su subjetividad significados que enriquecen la obra. Bajo esta premisa, los talleres, más que ser una clase magistral van a ser un convivio entre cinéfilos, un diálogo vinculante en el que todos participen y aprendan sobre esta pasión que es el cine.


Y no hay mejor tema para iniciar una nueva etapa que el voyerismo... Leyeron bien, vamos a ponernos perversos y a jugar con la mirada desde el comienzo. Toda persona que guste de observar películas es un voyerista en tanto que siente placer al mirar una historia, unos personajes y sus vidas. Los directores son unos "perversos" que a través del lente nos muestran la intimidad ficticia de los personajes. La cámara crea la conexión entre el director, su obra y el público; una conexión que nos vincula con el arte de observar y sentir el goce de hacerlo. Si fuera aburrido o de poco interés, la mirada buscaría otro objetivo, pero al continuar observando el metraje somos cómplices.

Cuando observamos está implícito el morbo de ser testigos de un acto, una sala de cine es una cofradía de mirones quienes disfrutan de la experiencia a tal grado que la repiten. El psicoanálisis freudiano dio al voyeurismo el carácter de parafilia, asociándolo con una perturbación de la psique, una enfermedad; sin embargo, hoy sabemos que la personalidad se conforma por una serie de rasgos, unos más presentes que otros, y resulta reduccionista y arbitrario el limitar a una persona a una palabra que describe una acción. El acto de ver la intimidad de un otro (a) no constituye una enfermedad, el abuso y la pérdida de control son las claves para diagnosticarla; de lo contrario tendríamos que decir que todos los que asisten al cine son enfermos porque disfrutan observar una historia. No importa si consiste en algo real o ficticio (como en el caso del cine), se trata del acto en sí y del placer asociado al mismo. Sea que estemos solos, viendo un filme o compartiendo la experiencia, nuestra mente nos transporta a través de la mirada al universo fílmico que presenciamos, según el uso de cámaras el espectador puede tener mayor o menor grado de participación dentro de la película, pero inobjetablemente estamos siendo atraídos subjetivamente.


Así que no se diga más, acá tienen la programación del Primer Taller: Cine Voyerista, el placer de la mirada. Nos vamos a reunir todos los viernes a las 6:30 pm en la Filmoteca San Pedro, ubicada en la calle de la amargura  contiguo a la entrada principal de Policromía, edificio Walter, 2° piso. La entrada tendrá un valor de dos mil colones. Cada viernes después de la proyección, tendremos un conversatorio-taller sobre la película y el tema que desarrolla.

¡No sean egoístas y lleven a alguien! Para más información ver ACÁ


Cine Voyerista: el placer de la mirada



Viernes 7 de junio (6:30 pm) 

Peeping Tom


 

Director: Michael Powell
Año: 1960

País: Reino Unido

Duración: 97 minutos



Sinopsis: 

Los traumas de la infancia de Mark lo acompañarán en su obsesión por fotografiar el horror de la muerte, ¿quién sobrevivirá al fotógrafo del crimen?








Viernes 14 de junio (6:30 pm)

La ventana indiscreta



Director: Alfred Hitchcock
Año: 1954

País: EE. UU.

Duración: 112 minutos



Sinopsis: 

La imaginación de Jeff se desbordará en su habitación mientras observa la vida de sus vecinos, atrapado por un misterio no se detendrá hasta resolverlo, pero será real…







Viernes 21 de junio (6:30 pm)

Blowup



Director: Michelangelo Antonioni
Año: 1966

País: Reino Unido – EE. UU.

Duración: 111 minutos 



Sinopsis: 

Thomas es un fotógrafo profesional envuelto en el misterio de una fotografía en la que tendrá que resolver ¿qué es lo que ve, qué es lo que se oculta y qué refleja la cámara?








Viernes 28 de junio (6:30 pm)

No amarás

 

Director: Krzysztof Kieslowski
Año: 1988

País: Polonia

Duración 86 minutos



Sinopsis: 

Un joven arde en deseo por su vecina a quien espía a diario, pero para ella él es insignificante. Hasta dónde llegará el frenético impulso de Tomek…







Las coordenadas:

Lugar: Filmoteca San Pedro (en la calle de la amargura  contiguo a la entrada principal de Policromía, edificio Walter, 2° piso)

Fecha y hora: viernes a las 6:30 pm

Valor de la entrada: 2000

Después de cada película iniciará el taller para comentar y compartir las impresiones generadas por la misma. Un espacio para cinéfilos sin censura. 

Más información ACÁ

viernes, 24 de mayo de 2013

The grandmaster





Título original: Yi dai zong shi. Honk Kong - China - EE.UU. (2013) Color
Director: Wong Kar Wai
Guión: Wong Kar Wai, Haofeng Xu y Jingzhi Zou
Cinematografía: Philippe Le Sourd
Montaje: William Chang
Música: Nathaniel Méchaly y Shigeru Umebayashi
Duración: 123 minutos

Elenco:

Tony Leung Chiu Wai como Yip Man
Zhang Ziyi como Gong Er
Song Hye-kyo como Cheung Wing-sing
Jin Zhanf como Ma San
Wang Qingxiang como Gong Yutian
Chang Chen como Yixiantian



El cine de artes marciales se convirtió en subgénero desde hace varias décadas, en los países asiáticos tiene gran aceptación e incluso tiene categorías propias en los principales certámenes. Para occidente, el mercado para este subgénero se abrió en la década de los 70's del siglo pasado, gracias a Bruce Lee y principalmente a la película Enter the Dragon (Robert Clouse, 1973) los cinéfilos occidentales empezaron a ser adeptos a las artes marciales. En la actualidad, casi todas las producciones de cine de acción de Hollywood cuentan con entrenadores de artes marciales para realizar las secuencias de peleas, se ha convertido en un cánon.

Es importante señalar que las artes marciales son parte de una filosofía, una manera en que la persona está en contacto con el entorno, en este sentido la expresión física varía de acuerdo a la filosofía de quien la practica. Hay distintos tipos de lucha que definen características de pensamiento de acuerdo al país o región. El cine también tiene estas diferencias:

Wushu: significa arte marcial, por lo que se entiende también como cine de artes marciales.

Wuxia: "Expresión de la tradición de las artes marciales, cruzada con la figura del caballero errante". (Miguel Juan Payán. (2007). Las cien mejores películas de artes marciales. Ed. Cacitel, p. 10). Este subgénero se caracteriza por mostranos a un artista marcial que se rige por un código de honor.

El Wuxia ha tenido muchos avances que se han transformado en diferencias estéticas al momento de filmar. Puede variar desde películas con tono humorístico, sobrenatural o dramático. Sin embargo, el que más ha perdurado es el cine de kung fu, en el que típicamente vemos a un aprendiz ser vencido por el antagonista por lo que recurre a un maestro (sifu) para aprender nuevas técnicas y mejorar su entendimiento del kung fu y el climax llega cuando se vuelve a dar el enfrentamiento con el antagonista.

Chambara: mientras que China ha desarrollado el cine de Wuxia a través del kung fu, Japón hizo lo propio a través del chambara. El subgénero nace del teatro Kabuki (con personas) y el teatro Bunraku (con marionetas). "Esa narración del folclore japonés es el máximo exponente del chambara, género de espada japonés, cuyo nombre deriva del ruido de la katana al salir de la vaina" (Miguel Juan Payán. (2007). Las cien mejores películas de artes marciales. Ed. Cacitel, p. 18).

El chambara tiene dos subgéneros, el jidai geki o cine de época (usualmente ubicado entre el siglo XV y el XIX) y cuyo mayor exponente es Akira Kurosawa. En el jidai geki el conflicto nace cuando el samurái tiene que elegir entre el giri (obligaciones para con su señor feudal y su clan) y el ninjo (sentimientos). El otro subgénero es el gendai geki, cuya acción transcurre en el Japón contemporáneo y usualmente consisten en dramas.

Además de China y Japón, otros países han desarrollado su visión de las artes marciales en el cine, por ejemplo Tailandia con las películas de Ong-bak protagonizadas por Tony Jaa; Hong Kong (la región que más cine de artes marciales produce) y Hollywood también tiene lo suyo, Kill Bill o Matrix son claros ejemplos de la evolución del género.


Tras esa breve introducción al cine de artes marciales, cabe señalar que existen dos facetas del mismo, mientras que unas películas buscan la espectacularidad de las acciones de pelea, con grandes coreografías y menor sentido filosófico del Wushu o Bushido (código del samurái); otras producciones buscan indagar en las razones filosóficas y existenciales de los personajes. "El gran maestro" de Wong Kar Wai busca hacer un equilibrio entre esas dos tendencias, como antes lo hiciese Zhang Yimou (Héroe, 2002 y La casa de las cuchillas voladoras, 2004).

Kar Wai elige a Yip Man, artista marcial chino del siglo XX, reconocido por ser una de los Grandes Maestros (aunque él nunca quiso llevar ese título) del estilo Wing Chun (el kung fu tiene diferentes estilos de acuerdo a la filosofía de quien lo practica), tercero en el linaje de sucesión del estilo y quien empezó a enseñarlo de manera más abierta al público, entre sus alumnos destaca un joven Bruce Lee; Yip Man es el centro de la historia en esta película.

El reconocido director nos regala una maravilla visual como es habitual en él, para narrarnos la vida de Yip Man y los cambios sociopolíticos en la China del siglo XX. La fotografía es impresionante y permite reflexionar sobre los hechos y los personajes, hay gran atención por los detalles, especialmente en la escenografía y el vestuario que permiten recrear el país asiático con gran realismo. La paleta de colores y la iluminación también denotan un uso atinado, por momentos el filme es cálido y acogedor, en otros es gris y oscuro, de acuerdo a los momentos de la película y a la intención del director sobre lo que considera más relevante en cada escena.



La historia sigue la vida de Yip Man, su vida dentro de las artes marciales y su vida familiar; el primer giro consiste cuando un Gran Maestro (Yixiantian) decide retirarse y escoge un representante para la región del norte y otro para el sur. Yip Man será el representante de los pueblos del sur, para ser aceptado por Yixiantian deberá pasar por una serie de pruebas de combate con otros grandes maestros y la prueba final lo lleva a enfrentarse con Yinxiantiang en un debate filosófico. En este momento es cuando Yip Man conoce a Gong Er, hija de Yixiantiang y única heredera del estilo de kung fu de su padre; entre ellos empieza una atracción que no se consume. El siguiente giro que plantea la película es el inicio de la Segunda Guerra Chino-Japonesa, en este momento el filme se torna más dramático por cuanto vemos a Yip Man y su familia pasar por momentos de pobreza, hambruna y decadencia; el esplendor de la escuela de artes marciales queda en el pasado y la tragedia marca a Yip Man, quien busca refugio en Hong Kong. Paralelamente, se nos muestra el curse de venganza que toma Gong Er tras el asesinato de su padre.

Al tratarse de una película biográfica, parte del público conocerá de antemano el desenlace, máxime si han visto las adaptaciones previas de Yip Man protagonizadas por Donnie Yen (Yip Man, 2008 y Yip Man 2, 2010). Por lo que Wong Kar Wai decide darle un tratamiento más personal a la película, esto consiste en un punto alto y un punto bajo en la misma. Al permitir explorar los sentimientos de los protagonistas gana en profundidad dramática; sin embargo, deja de lado el resto del elenco, no están bien desarrollados y es una verdadera lástima, principalmente el personaje de Cheung Wing-sing (esposa de Yip Man), su papel es insignificante y desaparece rápidamente. Esta es la primera película de Kar Wai que veo en que no sabe desarrollar los personajes secundarios; el ritmo de la película también pudo ser mejor, la edición no es del todo atinada y al tratarse de un filme que busca abarcar gran parte de la historia china es fácil perder la atención y enredarse; eso sí, el trabajo de edición de las secuencias de lucha está muy bien realizado.


El director vuelve a utilizar temas recurrentes, el amor imposible, la separación, el uso de flashbacks y una banda sonora protagónica que marca el ritmo de la película, en esta ocasión la música es acorde al tipo de filme y no usa temas románticos como en trabajos anteriores; pocos directores tienen la maestría de Kar Wai para utilizar la música como elemento narrativo. También utiliza a su actor feticho Tony Leung y a Zhang Ziyi; ambos estuvieron al servicio del director en 2046 (2004). Las actuaciones de ambos están muy bien logradas, entienden a la perfección lo que el director quiere de ellos, Tony Leung es uno de los mejores actores asiáticos de los últimos 20 años, tiene una capacidad histriónica envidiable y logra adaptarse a diferentes roles. El resto de actores están bien, el problema como mencioné antes es que no son muy utilizados por el director y se pierden entre la escenografía.


La utilización de los planos por parte de Wong Kar Wai es ágil, algo vital en este tipo de género, permite apreciar toda la belleza de las coreografías de los enfrentamientos, usa primeros planos cuando es necesario mostrar el lado filosófico e intelectual de la confrontación y cambia a planos de cuerpo completo cuando la intención es mostrar la belleza del cuerpo al servicio del kung fu; también usa planos detalles para mostrarnos ciertos movimientos o elementos claves en la historia. Tony Leung se sometió a un intenso entrenamiento para poder estar a la altura del personaje; aunque él no se crió como artista marcial, lo hace bien; si quieren ver una aproximación más realista del estilo de pelea de Yip Man, les recomiendo los filmes homónimos protagonizados por Donnie Yen.


Filmes recomendados sobre artes marciales


1. La leyenda del Gran Judo (Akira Kurosawa, 1943. Arte marcial: judo)
2. Los siete samuráis (Akira Kurosawa, 1954. Arte marcial: chambera, jidai-geki)
3. Trilogía Samurái (Hiroshi Inagaki, 1954, 1955, 1956. Arte marcial: chambera, jidai-geki)
4. 47 Ronin (Hiroshi Inagaki, 1962. Arte marcial: chambera, jidai-geki)
5. El furor del Dragón (Bruce Lee, 1972. Arte marcial: kung fu)
6. Operación Dragón (Robert Clouse, 1973. Arte marcial: kung fu)
7. La casa de los cinco venenos (Cheh Chang, 1978. Arte marcial: wuxia)
8. Las 36 cámaras de Shaolin (Chia-Liang Liu, 1978. Arte marcial: wuxia)
9. El mono borracho en el ojo del tigre (Woo-ping Yuen, 1978. Arte marcial: wuxia)
10. La serpiente a la sombra del águila (Woo-ping Yuen, 1978. Arte marcial: wuxia)
11. Ashes of time (Wong Kar Wai, 1994. Arte marcial: wuxia)
12. Héroe (Zhang Yimou, 2002. Arte marcial: kung fu)
13. Zatoichi (Takeshi Kitano, 2003. Arte marcial: chambera, jidai-geki)
14. Kill Bill 1 y 2 (Quentin Tarantino, 2003-2004. Arte marcial: kung fu - karate)
15. La casa de las dagas voladoras (Zhang Yimou, 2004. Arte marcial: kung fu)
16. Fearless (Ronny Yu, 2006. Arte marcial: kung fu)


Avance de la película (subtitulado en inglés):


Entrevista con el actor Tony Leung (en inglés):

jueves, 23 de mayo de 2013

La vida precoz y breve de Sabina Rivas




Título original: La vida precoz y breve de Sabina Rivas. México (2012). Color.
Director: Luis Mandoki
Guión: Diana Cardozo basada en la novela "La Mara" de Rafael Ramírez Heredia
Cinematografía: Damián García
Montaje: Mariana Rodríguez
Música: Alejandro Castaños y Pablo Valero
Duración: 116 minutos

Elenco:

Greisy Mena como Sabina Rivas
Joaquín Cosio como Burrona
Fernando Moreno como Jovany
Angelina Peláez como Doña Lita
Mario Zaragoza como Sarabia
Nick Chinlund como Patrick
Argel Galindo como Poisson (líder marero)

Premios:

Festival Internacional de Valladolid: mejor actriz
Festival Latinoamericano de Lleida: premio de la Audiencia


En las notas de producción de esta película se menciona que se han hecho muchos filmes sobre la frontera norte de México, pero que los propios mexicanos desconocen lo que sucede al sur con la frontera centroamericana.

El mayor logro que tiene esta película es mostrarnos la atmósfera que querían representar. Sabina, es una joven hondureña de 16 años, su deseo es cruzar México y llegar hasta los Estados Unidos para ser cantante; para lograrlo decide prostituirse en el "Tijuanita" un antro avalado por las autoridades que funge como prostíbulo. La película se centra en su vida, sin embargo, también conocemos otros personajes, entre ellos Jovany, un joven hondureño que es iniciado por la Mara Salvatrucha y quien tiene un pasado que lo conecta con Sabina. El director Luis Mandoki ya había filmado una historia cuya acción transcurre en Centroamérica, se trata de Voces inocentes (2004) filme muy recomendable.

En esta nueva película sobre temas centroamericanos, específicamente en la frontera sur de México con Guatemala, el director explora el proceso migratorio, los riesgos que sufren las personas que cruzan la frontera y el ambiente en el que todo transcurre; el filme se centra en dos hondureños cuya historia está marcada por el contexto en el que viven, el narcotráfico, la corrupción de las autoridades, la prostitución, el vandalismo de las maras y la historia de miles de "desconocidos" que arriesgan su vida para cruzar una frontera política, pasar al otro lado de un río en el que dejan atrás sus historias y familias. Muchos mueren intentándolo.

En el 2009 se estrenó "Sin nombre", filme coproducido entre México y Estados Unidos y dirigido por Cary Fukunaga. Me pareció un intento fallido de mostrarnos la realidad de los indocumentados centroamericanos que viajan hacia el norte. La película se convierte en melodrama y pierde total credibilidad, se auto-complace y tiene fallos en la actuación.


Este nuevo filme sobre los mismos hechos es mucho mejor en su aproximación dramática, crea una ambientación cruda y realista, el director usa varias tomas panorámicas para comprender la geografía de la zona: la vegetación, el río, el calor y la humedad. También se preocupa por mostrarnos los lugares, el tren, la comisaría, el prostíbulo, etc.  Es un trabajo mejor detallado en el que las actuaciones también son buenas.

Curiosamente, Greisy Mena (Sabina) y Fernando Moreno (Jovany) son venezolanos, para algunos su pronunciación no se notará, para otros sí. El mayor peso actoral lo lleva Greisy quien asume un rol muy exigente, en el que tuvo que desnudarse y actuar ciertas secuencias que requerían gran profesionalismo; con su cara y principalmente con su mirada refleja el grado de inocencia que conserva (recuerden que el personaje tiene 16 años), en cambio, con su cuerpo se gana la vida. Está tan acostumbrada a ser un objeto sexual que en determinada escena para dar gracias solo opta por quitarse la ropa. Esperemos qué proyectos le esperan a esta joven actriz, ojalá no se encasille en este tipo de roles.


Fernando por su parte, tiene menos diálogos, él tiene que convencernos desde lo físico, la intimidación. Es el recién ingresado a la Mara y deberá ganarse un lugar, lamentablemente sabemos cómo se logra eso, mediante el asesinato. El filme nos muestra de a poco una relación entre Sabina y Jovany, existe un pasado común, pero en qué consiste....


También hay que destacar el gran trabajo de los veteranos Joaquín Cosio (Burrona) y Angelina Peláez (Doña Lita), están extraordinarios. Cosio es un viejo conocido en este tipo de películas, lo recordamos como el famoso Cochiloco (El infierno, de Luis Estrada, 2010), pero también trabajó en Rudo y Cursi (2008), Traspatio (2009), Una vida mejor (2011). Es un actor de reparto de lujo. Acá interpreta a un oficial de migración corrupto, una dimensión que la película aborda con gran tino, nos muestra las implicaciones que tiene la milicia y la policía con el narcotráfico; los pactos y la repartición del territorio que hacen con los mareros. 

Angelina Peláez también tiene una gran trayectoria, destaca en su filmografía El infierno (2010), Un mundo maravilloso (2006), Entre Pancho Villa y una mujer desnuda (1996), El evangelio de las maravillas (1998), entre otros trabajos. En esta nueva película, ella es la matrona del "Tijuanita", es quien controla a Sabina y la prostituye; su personaje sirve para mostrar otra característica de esta región y sus pobladores, la religión. Su personaje constantemente anda diciéndoles a sus chicas que dios tiene un plan para cada una y que ella solo quiere lo mejor para todos. La crítica que se hace a la falsedad del sistema de creencias es muy buena, no se dramatiza ni se convierte en melodrama (como ocurre en La virgen de los sicarios, 2000), es simplemente un aspecto más dentro de la configuración del personaje, es parte de su idiosincrasia; mas esto no significa que no se le vea desde un punto de vista cínico.

La película también cuenta con una buena fotografía que nos permite adentrarnos en la vida de los personajes y en las particularidades de la zona donde viven. Un fallo importante que sí tiene es su montaje, principalmente en la primera media hora; el filme busca abarcar diferentes ángulos del problema de la migración, las maras, el narcotráfico, la prostitución, etc. y el trabajo de edición no fue el mejor, esto afecta el ritmo de la película y se percibe como entrecortada en algunos pasajes. También se le puede achacar al director el querer abarcar tanto, acá es cuando hay que determinar qué es lo que se quiere mostrar y cómo se va a hacerlo. Al tratarse de una adaptación literaria hay que tomar decisiones para trasladar al lenguaje cinematográfico la historia, en ese proceso, se pierden muchos detalles de la fuente original (entiéndase el libro). Hay personajes cuyas historias se nos presentan desde lo mínimo, queda la sensación de querer saber más, en general, las situaciones de los personajes de reparto son más interesantes que la de los protagonistas; sin embargo, no todo es criticable, la manera en que va resolviendo el conflicto entre Sabina y Jovany está bien hilvanado y brinda una sorpresa al espectador.

Para aquellos que nos les gusta ver temas violentos, quedan advertidos; la película es explícita en ciertas escenas, principalmente las que tienen que ver con los mareros y la manera en que asaltan y abusan de los migrantes; también hay desnudos, aunque no se abusa hay que aclararlo. Muestra simplemente lo necesario para contextualizar la obra. Algo que hay que destacar es que se critica tanto la injerencia estadounidense como la mexicana en el tema de la corrupción, se muestra cómo la sociedad está viciada y muchos se aprovechan para explotar a personas con escasos recursos.



Avance de la película:


Programa mexicano de crítica de cine. No comparto algunas de las críticas que se le hacen a la película, sin embargo dejo el video para que puedan tener otro punto de vista:


Entrevista con la protagonista Greisy Mena:


Entrevista con el actor Fernando Moreno:


Rueda de prensa con el director Luis Mandoki:

miércoles, 22 de mayo de 2013

Una botella en el mar de Gaza





Título original: Une bouteille à la mer. Francia - Israel - Canadá (2011). Color
Director: Thierry Binisti
Guión: Thierry Binisti basado en la novela homónima de Valérie Zenatti
Cinematografía: Laurent Brunet
Edición: Jean-Paul Husson
Música original: Benoît Charest
Duración: 100 minutos


Elenco:

Agathe Bonitzer como Tal Levine
Mahmoud Shalabi como Naïm Al Fardjouki
Hiam Abass como Intessar
Riff Cohen como Efrat
Abraham Belaga como Eytan Levine




Una botella en el mar de Gaza es un filme interesante que permite adentrarnos en las vidas de sus personajes y evita caer en temas políticos con respecto al conflicto en la Franja de Gaza, en su lugar, busca explorar las vidas de dos jóvenes y las circunstancias en las que se desenvuelven.

Marcados por la guerra entre los dos territorios, Tal una adolescente que vive en Jerusalén, escribe una nota y mete dentro de una botella, su hermano la arrojará al mar; al otro lado Naïm recoje la botella, él vive en Gaza y sufre el bloqueo absoluto que tiene la región. Los habitantes de Gaza no pueden salir de su territorio, el comercio, transporte y cualquier actividad está limitada por los israelitas y por los continuos bombardeos. Como respuesta, Gaza se encuentra militarizada y responde igualmente con ataques. Aunque la trama no se centra en temas políticos, sí vemos la situación militar de ambos bandos, las péridadas humanas productos de los ataques y el sufrimiento de los involucrados.

En este contexto, Tal está cansada de tener miedo y pide respuestas; Naïm tratará de irlas respondiendo, pero primero se defenderá de cualquier acusación. La relación entre ambos se da a través de correos electrónicos, única forma de mantener contacto, aún así no está exenta de riesgos y pronto tendrán que rendir explicaciones.

Marcados por el odio y la intolerancia de sus familias y compatriotas, Tal y Naïm se refugian en sus conversaciones, él empieza a estudiar francés con la intención de salir de Gaza con una beca de estudios. Sus vidas son muy diferentes, él tiene que trabajar para ayudar a su madre, mientras ella vive cómodamente con su familia y solo estudia. Sus respectivas familias tienen importancia en la trama en medida que los apoyan o critican. Es interesante cómo se plantea el estudio como un medio para obtener una mejor vida, al poder optar por una beca a Francia, Naïm se alejaría de la guerra, pero conservaría el recuerdo de su madre (quien lo exhorta a viajar). La utilización de la Alianza Francesa como centro de estudio, aunque efectiva a manera de construir el relato, se siente como una obligación puesto que el filme cuenta con presupuesto francés (más allá de que el filme esté basado en una novela).


Mahmoud (Naïm) actúa mucho mejor que Agathe (Tal), ella es más plana en su actuación y no logra transmitir la intensidad que el personaje requería; sin embargo, Mahmoud hace un gran papel, se muestra frustrado, enojado, con esperanzas, tiene diferentes registros actorales y mantiene muy buena relación en escena con el resto del elenco. Destacan también la veterana actriz Hiam Abass (madre de Naïm) y Riff Cohen (primo de Naïm) ambos brindan mayor profundidad dramática al filme y en particular al personaje de Naïm.


Del lado de Tal, el familiar que más presente está en su vida es su hermano, un soldado israelí que está en territorio palestino. En unas escenas lo vemos usando transporte público con su rifle de asalto y la naturalidad del entorno ante esta situación. Desconozco qué tan veraz es esa representación, de ser cierta, llama la atención la manera en que la gente no se alarma porque alguien utiliza el autobús mientras cuelga de su brazo un rifle. Es una muestra de la preocupación del director por mostrarnos una atmósfera real; sus personajes no están en las trincheras, están en las calles, en las casas, inmersos en su cotidianeidad y la guerra llega a ellos, lo quieran o no. Obviamente hay diferencias entre el territorio israelita y el palestino; el primero goza de mayor avance tecnológico, urbanístico y comercial.

La fotografía también se esmera en mostrarnos la realidad, desde el inicio vemos una alambrada en la playa que impide al pueblo de Gaza cruzar al otro lado; igualmente es impresionante la muralla que divide los territorios y marca el destino de estos pueblos. Esta es la primera película que veo con bastante claridad el territorio de la Franja de Gaza y definitivamente acá el cine sirve como medio para exponer una realidad. Narrada con gran sensibilidad, con partes de humor, el director nos brinda un trabajo emotivo, que nos permite conocer más allá de las noticias (viciadas por intereses políticos) el día a día de las personas que viven ahí; les da rostros a lo que la mayoría solo conocemos por medio de algún periódico o noticiero.


Avance de la película (subtitulado en español):


Entrevista con el director y la escritora de la novela (subtitulado en inglés):

lunes, 20 de mayo de 2013

Los senderos de la vida




Título original: Namueopneum San. Corea del Sur - EE. UU. (2008). Color
Título internacional: Treeless Mountain
Directora: So Yong Kim
Guión: So Yong Kim
Cinematografía: Anne Misawa
Edición: Bradley Rust Gray y So Yong Kim
Música original: Asobi Seksu
Duración: 89 minutos

Elenco:

Hee Yeon Kim como Jin
Song Hee Kim como Bin
Soo Ah Lee como la madre de Jin y Bin
Mi Hyang Kim como la tía
Boon Tak Park como la abuela

Premios:

Festival Internacional de Berlín: premio del jurado ecuménico (sección Forum)
Festival Internacional de Dubai: mejor película
Festival Internacional de Pusan: premio Netpac


El cine asiático dramático suele caracterizarse por la simplicidad de sus acciones, el tiempo pausado con que transcurre el relato y la importancia del paisaje como elemento narrativo. Entendiendo esto, se puede apreciar "Los senderos de la vida" en su contexto cultural. Un filme que en su brevedad nos transmite una gama amplia de emociones a través de unas niñas que están fabulosas, muy bien dirigidas.

Jin y Bin son hermanas, viven en la ciudad junto a su madre, pronto se tienen que separar de ella y pasan a vivir con su tía, una mujer alcóholica que no siente apego por las niñas. El guión es muy sencillo, pero a la vez es efectivo, no pretende ser moralista ni melodramático, simplemente nos muestra las vicisitudes de dos hermanas quienes se tienen entre sí, pero que no saben que deparará el mañana. La mayor, quien tiene mayor conocimiento de la situación que viven, irá perdiendo su inocencia mientras protege y se hace cargo de su hermana menor.

Narrada con una gran fotografía, se nota la influencia de grandes cineastas asiáticos como Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi; la naturaleza es un elemento muy importante en la historia, principalmente los árboles sin flores y los celajes. Hay una escena en la que las niñas suben a un montículo de tierra y piedras y siembran un tronco seco, junto al tronco yacerá sus esperanzas de reencontrarse con su madre; el filme constantemente nos muestra este tipo de árboles como alegoría de las pequeñas, quienes aún no florecen, quienes tendrán que aprender a vivir para salir adelante, Jin abandona sus estudios mientras que Bin es muy joven para entender lo que sucede.  

Los celajes es una elegante forma de mostrarnos las dificultades por las que atraviesan las niñas, cielos nublados con colores grises se transforman en un paisaje más colorido conforme la historia avanza. Sin embargo, otro elemento por considerar son los tractores y maquinaria en la escena final, símbolo del contraste entre la vida rural y artesanal versus la modernidad y la tecnología.


La dirección de actores es muy buena, el trabajo de la directora sobresale por lo bien que están las niñas (y resto de elenco infantil), los diálogos y situaciones son acordes a sus edades, estas se muestran con gran naturalidad. La directora declaró que trabajó día a día con las niñas, ellas no tenían idea de lo que iban a filmar en cada momento y esto favoreció la espontaneidad propia de la infancia.

La película prácticamente no tiene banda sonora, escuchamos sonidos ambiente para contextualizar los hechos, pero no hay elementos musicales que enfaticen o distraigan al espectador; esto puede ser molesto para quien no esté acostumbrado al ritmo parsimonioso del cine asiático y prefiera la presencia de efectos sonoros y visuales del cine comercial.

Los senderos de la vida es cine para reflexionar, para valorar la vida y los esfuerzos que se hacen a diario. Historias como la de Jin y Bin hay miles en todo el mundo, son historias de antagonismos, de pérdida y resurgimiento, de abuelas que enseñan el valor del trabajo.

La señora Boon Tak Park (abuela) sobresale al realizar su primer filme, la abuela es un bastión en la vida de las niñas, quienes sienten el apego familiar, los valores del trabajo y la lucha por subsistir. Jin y Bin pasan de la inocencia de guardar monedas a compartir con su abuela el día a día.



Relájense y disfruten de una película sincera y bien realizada que les hará reflexionar...


Notas de la directora


"LOS SENDEROS DE LA VIDA está inspirada en eventos de mi infancia en Pusan, Corea del Sur. Mi madre se divorció de nuestro padre y nos dejó con nuestros abuelos en una granja de arroz. Ella emigró a Estados Unidos con el fin de encontrar una vida mejor para sí misma y a construir un futuro para sus hijos. En ese momento éramos demasiado jóvenes para comprender y nuestra madre no nos dijo lo que estaba sucediendo. Comencé a escribir la película para buscar ciertos recuerdos perdidos de este período de mi vida y también que representara una carta a mi madre. La historia comenzó a tomar forma: Jin, el personaje principal, tomó una personalidad propia y distintiva; y el progreso de la escritura, la historia y los personajes comenzaron a separarse de hechos reales de mi vida. El viaje emocional y físico de Jin se convirtió en la principal fuerza de la historia. Como en el caso de Aimi, la actriz de In Between Days. Fui utilizando mis recuerdos personales y experiencia como el punto de partida para desarrollar a Jin y luego dejé el personaje en libertad para que tomara su propio vuelo. LOS SENDEROS DE LA VIDA es una historia simple sobre una niña de seis años de edad, es la historia de su viaje a la madurez temprana. La sensibilidad de Jin y la complejidad de sus emociones derivan de su deseo de tener una vida familiar. Ella debe dejar de lado todo lo que ha conocido con el fin de perseverar. En este sentido LOS SENDEROS DE LA VIDA es un retrato íntimo de una joven y una historia clásica del crecimiento. Quería contar la historia de Jin para celebrar su resistencia en la vida".


Sobre la elección de actores


"La tarea más difícil e importante a la hora de hacer la película fue encontrar las dos protagonistas. Con el fin de encontrar a Jin, visitamos 14 escuelas primarias y jardines de infantes en la ciudad de Seúl. Cuando conocí a Hee Yeon Kim, que hace Jin en la película, tuve la sensación de que era ella. Cuando se acercó en la cafetería de la escuela, me dijo que era su sueño tener una hermana menor. En junio de 2007, nuestra asistente nos envió por correo una foto de Song Hee; ella estaba trabajando en un proyecto comunitario para su Universidad que involucraba visitar orfanatos en las afueras de Seúl. Cuando ví las fotografías, quería encontrar a Song Hee, debido a su sonrisa sorprendente. Nos llevó a tres horas de auto desde Seúl para reunirnos con ella en la casa de la infancia de Wonjoo. Tuvimos una audición con Song Hee junto a las compañeras de casa. Song Hee, a pesar de ser la más joven de un grupo de niñas, fue la más centrada e intuitiva. Ella no se inhibió ni intentó impresionarnos. Además de su sonrisa brillante, su rostro transmite una intensidad raramente vista en una niña cinco años de edad. Las dos chicas se reunieron por primera vez una semana antes de empezar el rodaje en Seúl en un restaurante. Se convirtieron rápidamente en hermanas, compartieron y pelearon a lo largo de toda la producción". So Yong Kim (directora)


Avance de la película (subtitulado en inglés):



Entrevista con la directora (en inglés):

sábado, 18 de mayo de 2013

The king of pigs




Título original: Dwae-ji-ui wang. Corea del Sur (2011). Color
Título en español: El rey de los cerdos
Director: Sang-ho Yeon
Guión: Sang-ho Yeon
Edición: Yeon-jeong Lee y Sang-ho Yeon
Música original: Been Eom
Productor: Young-kag Cho
Dirección de arte: Je-keun Woo
Duración: 97 minutos


Elenco:

Yang Ik-june como Jung Jong-suk
Oh JUng-se como Hwang Kyung-min
Kim Hye--na como Kim Chul
Kim Kkot-bi como Jong-suk de joven
Park Hee-bon como Kyung-min de joven

Premios:

Festival Internacional de Pusan: premio DGK, premio Netpac y premio Movie Collage
Se presentó en el Festival Internacional de Cannes 2012 en la sección Quincena de los realizadores


El rey de los cerdos es una película de animación surcoreana que demuestra que un presupuesto menor (150 mil dólares) se puede lograr un alto nivel artístico. Es un filme no apto para menores, hay que recordar que no toda película animada está dirigida para niños. Aunque hay muchas escenas violentas, no se trata de una apología a la violencia ni de mostrarla como una forma para atraer espectadores; al contrario, la película desnuda una realidad de ese país asiático y la muestra de manera tan real como cruel. La trama transcurre en Corea del Sur, pero por las vicisitudes que atraviesan los personajes bien podría situarse en cualquier otro lugar.

Fotograma de la película en el que se aprecia al joven que hace bullying, las dos víctimas en el suelo y el resto de la clase son testigos, no agreden físicamente, pero son cómplices de la situación

El guión es un punto muy alto en esta película, está tan bien hecho que fácilmente puede ser llevado al cine con personas reales. Cuenta con varios elementos perturbadores que se nos van mostrando de a poco, para así ir creando la historia conforme avanza el metraje, sabemos que algo grave va a pasar, pero dudamos sobre qué específicamente, eso hace que el público se mantenga atento y expectante.

Sang-ho Yeon hace un gran debut con su primer largometraje, además es el guionista y co-editor. Demuestra tener un gran sentido del desarrollo fílmico, así, la edición es bastante buena, juega con el uso del fashback para contarnos el pasado de Kyung-min y Jong-suk; quienes en el colegio eran conocidos como "cerdos", categoría que se basa en la popularidad de los jóvenes en el centro educativo; ellos son víctimas de bullying por parte de los "perros" (alumnos que se encargan de molestar a otros y perpetuar su supremacía, hay un ordenamiento escalonado de acuerdo a la edad que asemeja el orden interno de una mafia). En un momento dado, aparece un "rey de los cerdos", un alumno (Kim Chul) que se enfrenta contra sus abusadores y que protege a los otros dos. Una vez que conocemos ese pasado empezamos a entender el presente de cada uno, 15 años después se reencuentran, ambos cargan con un secreto de sus días de estudiantes y eso les ha llevado a tener una vida llena de desilución. Al momento de confrontarse, sabremos qué ocultan.

La película tiene un gran mérito al mostrarnos el contexto familiar de los personajes, no se queda en la institución educativa sino que busca dar una explicación del pasado de los tres muchachos víctimas de abusos. Abandono del padre, abuso de alcohol, pobreza, núcleo familiar numeroso (recuérdese que los hechos suceden en Corea del Sur y que gran parte de los problemas sociales de los países asiáticos se deben a su crecimiento demográfico), entre otros. El padre de uno de los jóvenes administra un club nocturno, esto tiene cierta relevancia en un momento. 

Con respecto a la animación, resalta el tipo de dibujo de los rostros y contextura física, está muy apegado al fenotipo coreano lo cual se agradece. La animación japonesa tiende a exagerar ciertos rasgos corporales e incluso los rostros suelen ser muy distantes a la realidad del fenotipo nipón. En cambio, "El rey de los cerdos" presenta desde su trazo una línea argumentativa más verosímil, más realista. Así mismo, la música no es estridente y busca complementar la acción con notas sutiles y agudas. Gran parte de la película transcurre de noche, metáfora de las intenciones ocultas de los personajes y del secreto que guardan y que ha ensombrecido sus vidas. Otra técnia que usa el director es la "voz en off" para brindarle mayor profundidad a los personajes, de esta manera conocemos su mundo interno tanto como el externo.

El filme nos muestra una sociedad llena de abusadores y abusados. La gestación de esta dinámica está en la etapa escolar y de manera elitista es continuada en la vida adulta, es un frío retrato de la sociedad coreana, en la que el director opta por mostrarnos la existencia perturbada de dos individuos y la manifestación de la violencia en diferentes contextos. Con gran sentido dramático, esta película es una excelente oportunidad para apreciar de buen cine de animación.



Avance de la película subtitulado en inglés:


Película completa subtitulada en inglés (tienen que activar el "close caption"):