sábado, 27 de abril de 2013

Redención




Título original: Tyrannosaur. Reino Unido (2011). Color
Director: Paddy Considine
Guión: Paddy Considine
Cinematografía: Erik Wilson
Edición: Pia Di Ciaula
Música original: Dan Baker y Chris Baldwin
Duración: 92 minutos


Elenco:

Peter Mullan como Joseph
Olivia Colman como Hannah
Eddie Marsan como James
Paul Popplewell como Bod

Premios:

BAFTA a mejor debut (director y productor)
Premios del Cine Independiente Británico: mejor actriz, mejor película
Festival Internacional de Sundance: premio a mejor dirección dramática y premio especial del jurado
Festival Internacional de Chicago: mejor actriz


Tiranosaurio es de los títulos más inquietantes que me he encontrado en los últimos años, es una propuesta transparente que pretende mostrarnos una realidad, no busca diagnosticar ni formar juicios de valor sobre la misma, tampoco propone una explicación ni una solución. Es cine fenomenológico, simplemente nos describe una serie de hechos. Aunque no se trata de un documental, por el contrario, estamos ante una obra de ficción escrita y dirigida por Paddy Considine, actor que debuta con su primer largometraje. El hecho de que sea una ficción no implica que sea irreal ni desmerita la forma en que está filmada. Toda película, sin importar el género, es una visión que tiene el director sobre algo, se nos puede mostrar a través de una fantasía o de una aproximación más realista, es cuestión de estilo, se trata de la forma, de la técnica empleada para narrar la historia. El contenido es otra dimensión del quehacer artístico, este puede ser tanto verídico como ficticio, basarse en situaciones reales o ser producto de la imaginación, no importa si la historia transcurre en el espacio o en un pueblo en la Tierra.

En la literatura el realismo es un movimiento que se caracteriza por representar el mundo (y quienes lo habitan) como es, sin permearlo. Del realismo surge otro movimiento que se conoce como el naturalismo, cuyo interés es intensificar las características propias del realismo y reflejar el contexto determinista en el que se desenvuelven los personajes.

El cine como arte sigue otros caminos, así, realismo y naturalismo se encuentran mezclados. Está la escuela neorrealista, que acentúa la pobreza, la situación de vida precaria de sus personajes, sin embargo lejos de ser parcial, busca crear un estado de ánimo en el espectador para que reflexione y sienta compasión por los desfavorecidos (por ejemplo El ladrón de bicicletas, 1948 ó Umberto D, 1952, ambas de Vittorio de Sica), es un género que pretende hacer cohesión social (nacionalismo) a partir de la imagen.

En el género documental podemos encontrar propuestas más imparciales, en las que el director simplemente muestra hechos, incluso puede que no los describa, solo los vemos. Es en la labor de edición donde se manipula a la audiencia, el orden de las secuencias y el cómo se nos muestran van a activar estados anímicos que determinarán la opinión.

Tiranosaurio busca desde una aproximación realista contarnos un momento en la vida de Joseph y Hannah, no vamos a saber todo de ellos. Sus actos y las razones de los mismos no son ajenos, el director opta por una descripción fenomenológica de la trama, de ahí que la secuencia sea lineal, salvo un pequeño desvío (recurso cinematográfico) para comprender un hecho vital en el relato y que sirve para hacer la transición hacia el clímax.


Jean Mitry describe como realista "a cualquier obra que no solo aprehenda el mundo conocido, sino que describa hechos concretos y se limite a una determinada inmanencia, esforzándose por expresar o captar su sentido profundo, por ello ese sentido tiene que desembocar en una trascendecia eventual" (J. Mitry (2006). Estética y psicología del cine: 2- Las formas. Editorial Siglo XXI: México DF, p. 499-500).

En la definición de Mitry tenemos la diferencia entre Tiranosaurio y las películas de De Sica antes mencionadas. Considine no busca transformar la realidad, ni generar una opinión favorable o desfavorable sobre lo que vemos, contrario al italiano quien manipula al espectador para que aprecie a los protagonistas y sus motivaciones, sea en el caso de Antonio (Ladrón de bicicletas) o de Umberto (Umberto D). También vemos el grave error que se hace en la traducción del filme al español como Redención. El título en español predispone a la audiencia, indica que sin importar lo que se vaya a ver habrá espacio para la redención, se comete el error de formar una expectativa previa en el espectador echando a perder cualquier sentido estético y artístico que conlleva el título original: Tiranosaurio. Incluso imposibilita realizar un símil entre el dinosaurio extinto y el protagonista (Joseph).

Esta película debe ser entendida como una propuesta realista, libre de moralismos. Eso no quiere decir que nosotros como espectadores no tengamos nuestras opiniones ni juicios de valor, la diferencia radica en entender que esas opiniones son nuestras, producto de la idiosincracia, cultura y experiencia de cada uno y no son parte intrínseca de la obra, no son la finalidad de la misma.


La historia es cruda y simple, dos personas que se encuentran en un momento determinado, cada uno arrastra una especie de flagelo personal. Joseph es un alcohólico con serios problemas de control de impulsos que lo llevan a situaciones cada vez más violentas en las que su vida peligra; él es viudo, vive solo y está entregado a la soledad y a la bebida. Hannah, es una mujer casada, trabaja como voluntario en un centro de caridad, se refugia en la fe para soportar las dificutades de su matrimonio. Un día al abrir el negocio se encuentra a Joseph y este es el catalizador de la trama. Ambos van a reconocer en el otro algún aspecto que los moviliza internamente, no les va ser posible seguir indiferentes. Conforme conocemos sobre sus vidas, el diretor muy acertadamente nos muestra el contexto social en el que viven. Joseph pertenece a un suburbio en el norte de Inglaterra, casas viejas, deterioradas, conflictos recurrentes con los vecinos, una ciudad con bares y estos con personas que cargan historias. Hannah, por su parte, vive en una zona más adinerada (clase media), su esposo tiene un buen trabajo; las casas son amplias y bonitas, el lugar está ordenado, pero nunca vemos movimiento, todo está en silencio, no sabemos qué pasa al interior de cada vivienda, salvo en la de Hannah y lo que sucede ahí no deja de ser tan impactante como lo es en la casa de Joseph.

La película tiene un grado de violencia que puede herir a espectadores suceptibles, sin embargo la violencia no es gratuita ni desproporcionada, simplemente está presente en la vida de los personajes (en la de todos, no solo en la de Joseph y Hannah). El director filma con planos medios y primeros planos para dotarle de vitalidad a la historia, las secuencias son limpias, muy bien filmadas para denotar naturalidad. La fotografía en tonos grises y opacos es austera, con poca iluminación en ciertas escenas, hay concordancia entre lo que viven los personajes con el ambiente o clima que se nos muestra. La música es justa, no distrae, es utilizada con tino.


Las actuaciones son fantásticas, tanto Mullan (Joseph) como Colman (Hannah) hacen un trabajo sobresaliente, tienen gran presencia escénica, interactúan perfectamente. Son interpretaciones que desgastan mucho debido a la exigencia emocional, tienen que representar personajes que atraviesan mucho dolor y desesperación, sumidos en la apatía de no poder ver una salida a su situación. El maquillaje también es digno de elogiar, principalmente en el caso de Colman, muy realista. Mientras que Joseph refleja soledad, apatía y una ira incontrolable, su mirada cansada, su caminar inseguro, su tenacidad en destruirse y alejarse de todos, ha erigido una barrera emocional que no se permite quitar; Hannah refleja una temerosa esperanza, su mirada tierna y amable se transforma en el rostro del terror, de la angustia y el sufrimiento cuando llega a su hogar, la sonrisa se le va erosionando al igual que su fe. Ambos combaten la desidia en sus vidas con el alcohol, prefieren intoxicarse a estar conscientes de su realidad. Si la naturaleza violenta de Joseph es manifiesta, la de Hannah está latente. Pero el filme ahonda en la cultura de la violencia, el esposo de Hannah, el vecino de Joseph..., constantemente el director nos muestra un contexto determinista, los personajes están sumergidos en ese mundo, les tapa las cabezas, consume sus vidas, todos recurren a impulsos violentos en determinados momentos, es tanta la agonía interior de cada personaje que no pueden sobrevivir si no es a través de golpes, vejaciones, intimidaciones, etc. Conceptos como "malo" o "bueno" no entran acá en consideración, son ajenos a la realidad, la crudeza de sus vidas determinadas por su contexto no les permite el lujo de hacer valoraciones morales. El conflicto seguirá presente entre todos hasta que la muerte llegue. Como anécdota, cabe señalar que varios de los actores usados son habitantes de los pueblos donde se filmó (Leeds, Wakefield), incluso se usó a un cantante local Chris Wheat (escena después del funeral); entre los extras se contó con parte del equipo de producción y con ayudantes de la tienda de caridad de San Vicente.

El final debe ser entendido como un hecho más dentro de la cotidianeidad de los personajes, no como ejercicio valorativo, nos podrá parecer correcto o incorrecto, pero eso no viene al caso; los protagonistas siguen con sus vidas mientras aparecen los títulos finales, recordamos que son elementos ficticios dentro de la obra y nos dejamos los paralelismos posibles con nuestras propias cotidianeidades. El filme no plantea una moraleja ni pretende mandar un mensaje, solo muestra una realidad.

¡Cómo me hubiese gustado que presentaran esta película en el funeral de Margaret Thatcher! Una líder narcisista con trajes de alta costura que vivió cómodamente, mientras miles de personas vivían en la pobreza, ocultos por la apatía social de esa señora y los gobiernos respectivos. El filme no infiere que la situación de Joseph y Hannah se deba a políticas específicas, sino que es mi lectura personal, dado el recién fallecimiento de la ex-primera ministra, la que me hace cuestionar las decisiones tomadas por ella y su gobierno y su impacto en la vida de miles de personas, entonces, me surgió la interrogante ¿cuántos Josephs y Hannahs surgen debido a que se presentan ciertas condiciones sociales, económicas y políticas?



Avance subtitulado de la película:


Entrevista al director (Paddy Considine) y a la protagonista (Olivia Colman):

El Capital



Título original: Le Capital. Francia. (2012). Color
Director: Costa-Gavras
Guión: Costa-Gavras, Karim Boukercha, Jean-Claude Grumberg basados en la obra homónima de Stéphane Osmont
Cinematografía: Eric Gautier
Edición: Yannick Kergoat y Yorgos Lamprinos
Diseño de producción: Birchler 
Música: Armand Amar
Duración: 114 minutos


Elenco:

Gad Elmaleh como Marc Tourneuil
Gabriel Byrne como Dittmar Rigule
Natacha Régnier como Diane Tourneuil
Céline Sallette como Maud Baron
Liya Kebede como Nassim


La última película del griego Constantinos Costa-Gavras se encuadra dentro del boom de películas que buscan representar la esfera financiera tras la crisis del 2008. Temática que Oliver Stone visionó en 1986 cuando filmó Wall Street.

Se trata de un cine sincero que busca denunciar actos de corrupción, manejo indiscriminado de vidas humanas y las razones detrás de la avaricia económica del ser humano. Se sitúa en Francia lo cual se agradece, teniendo en cuenta que la mayoría de estas películas denuncian los mercados estadounidenses. Gavras entiende que el control de un país lo ejercen los grupos financieros, es decir, aquellos que poseen el capital, no los grupos políticos; por esto decide adaptar la novela de Osmont y plasmar las turbias relaciones entre altos ejecutivos y accionistas de la banca, quienes juegan con las vidas de millones de personas.

En un momento del filme, la acción se centra en discutir a cuántas personas hay que despedir, a mayor despidos mayor rentabilidad de las acciones bancarias, en otras palabras, mientras miles se quedan sin empleo, un grupito se enriquece desproporcionadamente con ello. Este es el tono de la película, constantemente el director nos muestra la avaricia y el esfuerzo por enriquecerse sin el menor grado de compasión hacia el resto de mortales que viven en la ignorancia.


La fotografía y la escenografía busca representar un contexto frío y estéril, salvo algunas escenas en las que se muestra el mundo familiar del protagonista. Se trata de la ambivalencia de un hombre de clase media, quien repentinamente tiene la posibilidad de presidir uno de los bancos más importantes del mundo, de inmediato, empieza la transformación conforme su voracidad por el dinero no encuentra límites. Obtiene el ascenso como parte de una estrategia de la junta directiva quienes lo ven como un testaferro, un rey sin trono; por su parte, un grupo de accionistas buscan hacerse con el control de la entidad financiera, tras las falsas alianzas y promesas vacías, la trama se desarrolla en torno al capital, a ese papel moneda que el ser humano ha convertido en razón non plus ultra de su existencia. Pero el simple testaferro se revela, calculador e hipócrita, manipula a todos a su alrededor con el único fin de enriquecerse, su esposa deja de ser importante y su atención pasa hacia una modelo (bien fea, pero acorde con los estándares de "belleza" anoréxica de la actualidad).


Gad Elmaleh es el encargado de interpretar a este voraz banquero. Reconocido por ser un actor de comedias (La doublure, Francis Veber, 2006; Hors de prix, Pierre Salvadori, 2006) hace una buena transición al drama, está bien dirigido y tiene buena presencia en pantalla. El resto del elenco está bien elegido, no destaca nadie en particular, todos están a tono con su respectivo papel, Régnier interpreta a la esposa de Marc, es una mujer inteligente, sensible, pero que tiene claro hasta dónde le va a permitir a su esposo que la ignore. Hay un contraste entre los personajes masculinos y los femeninos. Los primeros están en plena competencia por el control, por el poder, no escatiman esfuerzos para enriquecerse. Mientras que las mujeres son vistas como objeto, son utilizadas por los hombres, reducidas a una esfera sexual o apartadas de la toma de decisiones. Con excepción de Maud (Céline Sallette) y de Diane (Régnier) no son representada como inteligentes, sin embargo, ambas son utilizadas. Esto no quiere decir que el filme o el director sean machistas, sino que Gavras está ejemplificando una realidad.

El filme es entretenido aunque por momentos el ritmo decae, se pierde intensidad, mientras que algunos diálogos son filosas críticas, otros no conducen a nada. Otro problema es el humor, este no será bien recibido por algunos, creo que ciertas escenas aunque satíricas desvían la atención y resultan innecesarias; especialmente las secuencias entre el protagonista y la modelo objeto de su deseo, bien podría haber eliminado ese personaje. Aún así, es película recomendable. No se extrañen si terminan amargados (as), después de todo es el mundo en el que vivimos, el mismo en el que en ficción y en la realidad "el lujo es un derecho". Parece que a mayor cantidad de objetos, lujos, pertenencias, dinero que una persona posea, mayor es su distanciamiento con el resto de personas, será que ¿el dinero deshumaniza o revela cuán humanos somos?



Avance de la película (audio español):


Entrevista al director (las imágenes de fondo son ilustrativas):


Hacia la maravilla



Título original: To the wonder. EE.UU. (2012). Color
Director: Terrence Malick
Guión: Terrence Malick
Cinematografía: Emmanuel Lubezki
Edición: A. J. Edwards, Keith Fraase, Shane Hazen, Christopher Roldan, Mark Yoshikawa
Música original: Hanan Townshend
Diseño de producción: Jack Fisk
Duración: 112 minutos



Elenco:

Ben Affleck como Neil
Olga Kurylenko como Marina
Rachel McAdams como Jane
Javier Bardem como Padre Quintana



En el 2011 Terrence Malick estrenó El árbol de la vida, una maravillosa obra poética que usaba un lenguaje metafórico para narrarnos la historia. En el 2012 el director continúa su particular búsqueda existencial y estrena To the wonder. Se trata pues, de una misma idea plasmada en dos películas, habrá más....

El filme de Malick dista mucho del cine comercial y palomitero que cansa con sus fórmulas repetidas hasta la saciedad. Sin embargo, por esta característica, hace que sus películas sean bien recibidas por muy poco público. Es cierto que hay que tener un mayor acerbo cultural para interpretar la obra de Malick, eso, interpretar. Malick plantea preguntas, no nos da las respuestas. Para ello utiliza la abstracción para mostrarnos un concepto, una idea, una situación.

To the wonder no sorprende desde su puesta en escena, debido a la similitud formal con su antecesora El árbol de la vida, por lo que pierde en frescura e innovación. Lo que sí ofrece es un simbolismo abstracto mayor. En esta ocasión hay incluso menos diálogo y estos se caracterizan por presentársenos mediante la técnica de la voz en off. La película bien podría ser muda, mas no silente, porque cuenta con una estupenda musicalización, mezcla de un trabajo original de Hanan Townshend y partituras clásicas de Rachmaninoff (The isle of the dead, op. 29), Gorecki (Sinfonía No 3, op 36); Berliotz (Harold en Italia, op 16); Wagner (Parsifal); Haydn, Tchaikovski, Francesco Lupica, entre otros.

Malick ha demostrado constantemente su dominio de la música clásica y la utiliza de manera muy certera en sus filmes, la música se convierte en bastión narrativo para indicarnos las pautas emocionales de los personajes, sus incertidumbres, deseos, miedos, etc. To the wonder es un collage musical que nos permite apreciar el universo más íntimo de este director, que se nos muestra como un ser profundamente espiritual y lleno de preguntas existenciales.


En los fotogramas de arriba vemos a Neil (Affleck) junto a Jane (McAdams), el cuadro es paradisíaco, simboliza la unión del ser humano (pareja) con la naturaleza, un estado de armonía

Junto a la estupenda música, destaca la esmerada labor del Maestro Lubezki en la cinematografía. Compañero habitual de Malick, Lubezki es quien mejor entiende lo que el director quiere plasmar en la pantalla, para ello utiliza tomas de la naturaleza como punto de arranque de la historia, siempre hay elementos naturales que entrelazan la vida de los personajes: celajes, el mar, bisontes, praderas, la playa, nubes, ocasos, etc. En este filme más que en ningún otro de Malick, el espectador debe encontrar las claves de la historia en las imágenes y no en los diálogos, por ejemplo: las escenas iniciales donde vemos a Neil (Affleck) y Marina (Kurylenko) caminando por una costa, las sinuosas marcas que vemos en la arena y cómo estas son tapadas por el oleaje son un preámbulo de lo que veremos, de la historia de ellos como pareja. La fotografía cobra un papel preponderante como método de narración experimental, la iluminación nos revela un mundo lleno de colorido y de sombras, de felicidad y de tristeza. Lubezki explica su trabajo como "less tied to theatrical conventions and more purely cinematic than any prior film Terry has made".


En los fotogramas de arriba vemos a Neil (Affleck) y Marina (Kurylenko), en esta ocasión el director los coloca opuestos, la iluminación es más oscura, simboliza el distanciamiento que la pareja está experimentando, las sombras son reflejo de las dudas internas de los personajes. En la imagen de abajo, vemos cómo cada personaje tiene cerca una puerta con mayor iluminación, representa la salida que tiene cada uno, pero los lleva a lugares distintos

Malick siempre busca la manera de innovar y en este film decidió trabajar sin guión, es decir, los actores llegaban al set sin saber de qué iba a tratar el filme, sin haber ensayado y sin saber lo que tenían que decir. El director simplemente les explicaba en términos emocionales lo que se requería de cada personaje y dejaba a los actores trabajar desde la intuición. Con respecto a esta forma de trabajar Bardem declaró: "It’s going to be hard for me to get back to a normal, orthodox set [...] It's chaotic in a good way working on a Malick set because you are alive all the time, like you are really discovering the world, discovering the other through your eyes because you don’t know what’s going to happen next, and that’s beautiful. It’s one of the main goals of performing".

El desempeño de los actores es vital para que la película adquiera significado y no pierda el balance entre la fotografía, la música y la actuación. El trabajo de McAdams (Jane) y Kurylenko (Marina) es bastante bueno, ambas son las amantes (en épocas diferentes) de Neil (Affleck). Ellas se muestran como una fuerza de la naturaleza, ambiciosas, sensuales, dubitativas, confrontadas por las decisiones que hicieron en su pasado. Por su parte, Affleck es lo más flojo del filme, nunca convence en su interpretación y divaga entre caras compungidas y risas. El mayor fallo de Affleck es no ser capaz de transmitir el apego hacia sus parejas. Javier Bardem resulta un personaje muy interesante, es un sacerdote que tiene dudas en su fe con respecto a si su labor es efectiva o no. Si en El árbol de la vida, Malick presenta una visión de mundo con personas de clase media-alta y su posición en el universo; en To the wonder, el director se centra en un plano más mundano y a través del personaje de Quintana (Bardem) nos muestra diversos escenarios de exclusión social: barrios marginales, personajes drogadictos, cárceles. El trabajo de español es sólido, al igual que sus compañeros de reparto, la mayor parte de sus diálogos son en voz en off; lo que indica que sus gesticulaciones son escenciales para mostrarnos las dudas que tiene su personaje.

En este fotograma vemos al padre Quintana (Bardem) meditando sobre sus dudas, al fondo una vivienda de clase media, simboliza el distanciamiento que el personaje siente entre su fe y las personas a quien está para servir

Terrence vuelve a usar una cámara inquietante en la mayoría de las escenas, gusta de imprimirle vitalidad al relato mediante ángulos diversos, planos detalles, constantemente nos muestra a los actores, pero no necesariamente sus rostros. Él entiende la cámara como un elemento más de la naturaleza dentro de sus películas y así lo refleja. La historia es autobiográfica y por eso Malick decide "desnudar" sus recuerdos y sus emociones. Cada toma tiene el sello personal del director, quien no da respuestas a los enigmas que plantea, simplemente busca penetrar las profundidades del alma humana, exponerla ante el propio universo; para Malick el ser humano es uno con la naturaleza y eso queda reflejado en este filme a la perfección.

Filme experimental con atrevido lenguaje narrativo que desafía los cánones actuales, muchos evitarán ver esta película por las razones ya expuestas, sin embargo, les insto a sumergirse en una experiencia sensorial, revisen la filmografía de este gran director que desde Badlands (1973) busca hacer cine diferente.


Curiosidades


Terrence Malick eliminó del corte final las escenas rodadas con Jessica Chastain, Amanda Peet, Rachel Weisz, Michael Sheen y Barry Pepper.

Christian Bale había sido elegido para el rol de Neil, pero dejó el proyecto y su lugar lo tomó Ben Affleck.

El personaje de Neil está inspirado en el propio Malick, quien conoció en Francia a Michèle Morette, con quien se casó en 1985 y se mudaron a Texas. Se divorciaron en 1998 y Malick empezó otra relación con una excompañera del colegio.

Avance subtitulado de la película:


Entrevistas con el elenco:





Detrás de cámara que muestra el rodaje del filme:

lunes, 15 de abril de 2013

La educación prohibida





Título original: La educación prohibida. Argentina (2012). Color. 
Director: German Doin
Guión: Julieta Canicoba, German Doin, Verónica Guzzo y Juan Vaustista
Directora de fotografía: Sandra Grossi
Duración: 121 minutos

Elenco:

Gastón Pauls como el profesor Javier
Santiago Magariños como Martín
Amira Adre como Micaela
Alejandra Figueroa como la directora Alicia



La educación prohibida es un trabajo experimental, independiente, que mezcla el estilo documental con el de la ficción, esto último puede llevar a confusiones sobre el contenido, porque el mensaje final puede diluirse entre las actuaciones forzadas de una experiencia estudiantil.

Los jóvenes que interpretan a los estudiantes no son profesionales, se nota, el guión en estas secciones es deficiente. La figura de Gastón Pauls como uno de los profesores es un aliciente comercial y publicitario para el filme, al ser un actor reconocido posibilita un mayor alcance y más difusión de la película.

El otro gran fallo que tiene esta propuesta es la falta de documentación que respalde visualmente las aseveraciones. Al buscar hacer una denuncia, el texto queda como un ensayo argumentativo, lo cual es válido, pero pierde fortaleza al no contar con estadísticas u otra información que permita al público constatar los postulados con hechos.

Aún así, "La educación prohibida" es una propuesta que hay que tomar en cuenta, incluso aprovechar que su licencia de reproducción es libre, el filme se puede descargar de manera gratuita en el sitio oficial en internet: http://www.educacionprohibida.com/

El hablar de las carencias del filme, no le quita el valioso aporte que hace para abrir un diálogo sobre los grandes fracasos de la educación. En la primera parte se nos explica la manera en que se constituyó la noción de una educación gratuita y obligatoria. Es claro que alguien tenía que inventarla y que tenía un objetivo para hacerlo.


La propuesta busca, además del diálogo, fomentar un cambio en el paradigma educativo, este cambio tienen que ser a nivel epistemológico y ontológico para que adquiera sentido, de lo contrario no pasaría de ser otra moda o propuesta teórica que no logre revolucionar el sistema.

Aunque no se explica a fondo, la película indica que la educación debe ser entendida de manera holística en todas sus partes, esto quiere decir que educar no está adscrito exclusivamente a la escuela, la familia, la comunidad, la sociedad en su totalidad son espacios educativos. Los niños van a reproducir las conductas que su entorno le proporcione, de la misma manera la cultura se adquiere por los mismos medios.

Entonces, ¿cuáles son los objetivos de la educación actual? ¿Qué tipo de personas se educan?  Las sociedadas actuales experimentan un vacío social enorme, la calidad humana de las interacciones sociales se está deteriorando, debido a los sistemas políticos y económicos que se han implantado. Las brechas entre clases sociales es cada vez más grande y miles de seres humanos están muriendo al no tener acceso a las condiciones más básicas y los recursos mínimos para subsistir. El capitalismo y la sociedad de consumo han puesto un precio a todo, incluso a la vida. Vivir con dignidad es cada vez más caro y en el proceso millones han muerto o si se quiere los hemos asesinado.


La educación es una forma más para socializar a las personas desde edades tempranas, los currículos educativos buscan reglamentar el conocimiento, estandarizar al individuo y evitar que las personas piensen diferente. No se educa seres críticos, analíticos, se gradúan autómatas que reproducen un conocimiento vacío porque no es puesto en práctica, porque no se analiza al mismo y no se entiende su razón de ser. En la actualidad los niños entran a un sistema educativo desde antes de haber nacido, muchos padres programan la futura educación e inscriben a sus hijos en pre-escolares y jardínes de niños (kindergarten), les depositan a otros la responsabilidad de la crianza y educación. Este modelo continúa hasta la edad adulta, los padres mandan a sus hijos a las universidades de la misma forma en que lo hacían cuando infantes. No importa si es un pre-escolar o una universidad, son instituciones-guardería, un lugar que administra personas por unas cuantas horas cada día.

La educación privada se configura como un gran negocio, se lucra con el conocimiento, este es el tipo de sociedad en la que vivimos, donde para aprehender hay que hacerlo a través de una transacción económica. Un ejemplo de esto es la dinámica que se vive hoy en Costa Rica, en la que las personas graduadas de colegios privados entran a universidades estatales en mayor proporción que los que estudiaron en colegios públicos, quienes tendrán que invertir mayor tiempo, dinero y esfuerzo en universidades privadas.

Los modelos humanistas de educación carecen de espacios donde sean puestos en práctica, la educación sigue sometida a un paradigma positivista, partidario de una visión científica del mundo. ¿Quién dice que la única forma válida de conocimiento es la científica? El alumno es deshumanizado y se convierte en un número, su esfuerzo y conocimiento es igualmente cuantificado, esto propicia la división entre las personas, la noción de competencia se instaura y esto generará una serie de frustraciones y una dinámica agotadora que produce personas enfermas. Solo basta observar el aumento en enfermedades de orígen ansioso y depresivo; el aumento de los índices de violencia en todas las esferas de la sociedad, el aumento de suicidios. El mundo es visto como un campo de guerra en el que hay que competir por tener la mejor calificación, por ser el "mejor", por tener un "buen" trabajo, por ser "exitoso", etc. Qué hemos logrado como humanidad al perpetuar este modelo... mayor pobreza, hambruna y desigualdad a nivel mundial.

¿Quién se detiene a enseñar cómo sentir y cómo expresar los sentimientos? El paradigma científico, proclamado como el único válido, no se preocupa por el aspecto emocional y afectivo de un ser humano, es una variable cualitativa de menor importancia, no se le destinan recursos. ¡Cómo es posible que un ser humano crezca de manera integral si no se conoce a sí mismo, si ignora sus propios sentimientos y carece de herramientas básicas para expresarlos! El grado máximo del cinismo capitalista es el vender la idea de la felicidad, para alcanzarla la sociedad crea una serie de necesidades, todas con un valor, se sigue una lógica de que si no sos feliz es porque te hace falta algo, tienes que comprarlo.


La educación dejó de ser algo liberador y se convirtió en una herramienta para esclavizar, para eliminar la creatividad innata del ser humano y hacerle creer lo que el sistema desea que se conozca. Nuevamente pongo como ejemplo mi país, Costa Rica, el examen de bachillerato marca el estándar nacional para poder entrar a una universidad, se realiza el mismo examen para estudiantes de centros privados que pueden tener tutores individuales, alumnos de instituciones públicas, alumnos que trabajan para poder estudiar y tienen responsabilidades en sus hogares; indígenas que ni siquiera tienen el español como su primera lengua, entre otros. Es claro que el examen de bachillerato es una herramienta discriminatoria, desigual e injusta. Mide conocimientos con una finalidad arbitraria. Se genera un negocio, se comercializa con los resultados, instituciones privadas que lucran con las personas. Sea desde el individuo que opta pagar para tener clases particulares, los fármacos que se venden como consecuencia de los estados depresivos y estresantes que se generan por cumplir las expectativas, el consumo de drogas para huir del estado alienante del sistema, y así se puede seguir con otras instancias. Esto sirve para entender la dinámica pluridimensional que tiene el fenómeno de la educación, las consecuencias que genera entrar en el sistema y permanecer en el mismo.

"La educación prohibida" critica a través de personas quienes trabajan directamente en ámbitos educativos, quienes están familiarizados con las técnicas y teorías establecidas, pero que asumen una labor ardua para brindar amor y libertad a sus educandos. Profesionales de distintos países latinoamericanos y de España, quienes promueven una educación sinérgica, holística, integradora, no solo entre los individuos, sino que también entre las personas y su ambiente, el contexto integral en el que se desarrolla. Es una visión que se fundamente en teorías educativas que tienen décadas de existir, pero que el sistema político rechaza porque no sirve a sus intereses. Las propuestas de Pablo Freire, María Montessori, Jean Piaget, entre otros nos son explicadas en la práctica, en la cotidianeidad por parte de estos profesionales quienes no teorizan, sino que se comprometen y trabajan a diario por facilitar el proceso en enseñaje (enseñanza y aprendijaze). Es importante reconocer que no basta con brindar una educación en la infancia mediante modelos alternativos, en Costa Rica existen pre-escolares y algunas escuelas de corte montessorianas, pero no existe ningún colegio de este tipo, por lo que la educación de esos chicos (as) se verá limitada en un momento determinado. También en el país, no importa si la institución educativa es privada, tiene que trabajar bajo el currículo que exige el Ministerio de Educación, desconozco si esto es igual en otros países latinoamericanos.


Utiliza diversas técnicas para brindar un mensaje claro, desde entrevistas hasta animaciones que facilitan la comprensión de los significados, es una propuesta didáctica que usa un lenguaje fácil de entender, que abre espacios para continuar el diálogo, fácilmente se puede leer las instituciones para las cuales trabajan los entrevistados y en la página oficial (arriba puse el enlace) se puede formar parte de la REEVO, red de educación viva. También nos muestra frases de grandes pensadores como Einstein, Krishnamurti, Freire, entre otros. La película fue estrenada simultáneamente en 151 salas de cine, en 119 ciudades de 13 países. Es un ejemplo de lo que se puede lograr con esfuerzo y compromiso, no es casualidad que el filme inicie con una alegoría a la Caverna de Platón, es una forma de abrirnos los ojos, de permitirnos hacer la diferencia y no ser cómplices de gobiernos alienadores, tenemos la opción de elegir cómo educarnos, de ser creativos, de explorar, de sentir, de nada sirve coleccionar pedazos de cartón que digan bachiller,  licenciado (a), doctor (a), etc. como si se tratasen de electrodomésticos o postales de recuerdo. El conocimiento no está en la institución, ni en los libros, está en la práctica en la experimentación: "Me lo contaron y lo olvidé, lo vi y lo entendí, lo hice y lo aprendí" (Confucio).


El trabajo de German Doin y su grupo de colaboradores es de agradecer, es un esfuerzo enorme haber creado este documento audiovisual, permitirnos reflexionar sobre aquello que damos por garantizado, muchas gracias a todas aquellas personas que participaron en este proyecto, me encantó ver maestras y maestros de diferentes nacionalidades, algunos vestidos orgullosamente con trajes propios de su región, todos conscientes de la necesidad de hacer un cambio en el paradigma educativo.

Acá pueden leer un comunicado del propio directo explicando las razones de su filme y contestando algunas críticas que se le han hecho, a la vez, pueden leer los mensajes que le han escrito y sumarse y compartir sus impresiones: http://www.liberandolaeducacion.com/que-no-es-la-educacion-prohibida/



Acá pueden ver la película completa o pueden buscar la página oficial si desean descargarla (es gratis):


Entrevista al director:

En la casa




Título original: Dans la maison. Francia (2012). Color. 
Director: François Ozon
Guión: François Ozon basado en la obra teatral "El chico de la última fila" de Juan Mayorga
Cinematografía: Jérôme Alméras
Edición: Laure Gardette
Dirección artística: Pascal Leguellec
Música: Philippe Rombi
Duración: 105 minutos

Elenco:

Fabrice Luchini como Germain
Ernst Umhauer como Claude
Kristin Scott Thomas como Jeanne Germain
Emmanuelle Seigner como Esther
Denis Ménochet como Rapha Artole padre
Bastien Ughetto como Rapha Artole hijo
Yolande Moreau como las gemelas Rosalie y Eugenia

Premios:

Festival Internacional de San Sebastián: Concha de Oro y Premio del Jurado (guión)
Premios San Jordi: Mejor película extranjera
Festival Internacional de Toronto: Premio FIPRESCI de los críticos internacionales

François Ozon con la Concha de Oro a mejor película


"En la casa" es una obligación para cualquier cinéfilo, es una extraordinaria película filmada impecablemente. Es de esos filmes en los que se piensa durante días. Un thriller sin una sola gota de sangre que mantiene la atención del espectador en todo momento, cada giro solo hace que el público se sienta cada vez más inmerso en una apasionante historia.

Amantes de la literatura, de la mente humana y por supuesto del cine arte, deberían ver esta película y gozar de la genial creatividad del cineasta francés François Ozon. Para el director "En la casa" trata sobre "el proceso creativo", la manera en la que se construye una historia, pero para contarnos esa historia manipula a los personajes y al espectador.

La premisa es sencilla, en un momento del filme, Germain le explica a su alumno Claude las claves para escribir una gran novela. Existe el protagonista que desea alcanzar una determinada meta, pero ante él hay una serie de obstáculos, estos pueden ser físicos o mentales; la clave del asunto es cómo hace el protagonista para solventar cada problema y alcanzar la meta... La instrucción funciona también para el espectador, quien observa cómo se desarrolla la trama y se deja seducir por el misterio de la misma.


Germain es un profesor de literatura amargado, casado con Jeanne quien trabaja en una galería de arte moderno, no tienen hijos. Él desaprueba cada redacción que lee de sus nuevos estudiantes, hasta que llega una sorprendente revelación, un escrito que le llama la atención, tanto por estar bien redactado como por tratarse de las confidencias que le hace un alumno sobre otro estudiante de la misma clase. Germain duda sobre si reprimir a Claude por su falta moral o alentarlo a seguir escribiendo, el problema es que Claude solo quiere escribir sobre la familia de su nuevo amigo Rapha.

Entramos entonces a la casa, el espacio en donde se desarrolla la historia de Claude y a la vez donde transcurre la mayor parte de la película. Mientras Claude, Germain y Jeanne conforman un triángulo al conocer los detalles de la historia, la familia de Rapha (Esther, Rapha padre y Rapha hijo) viven en el desconocimiento.

El guión nos da pinceladas de una sociedad de clases, dividida, fracturada, es un manifiesto de la vida real. Al inicio del filme se da la noticia al profesorado de que el colegio ha decidido implementar un uniforme a sus estudiantes, se trata de la homegenización de los alumnos, tapar con la ropa las diferencias que entre ellos existen, Germain es enfático en lo tonto que resulta la decisión. Cuando conocemos el trasfondo del escrito de Claude, es evidente el recelo hacia la clase media alta a la que pertenece la familia de su amigo. Antes solo podía ver la casa desde el parque de enfrente, ahora está adentro.


Pero ¿cuáles son las razones por las que Claude se involucra con esa familia? Quiere realmente ayudar a su amigo con los estudios, busca solo una fuente de inspiración para su relato o tiene algo más en mente... Y ¿qué papel juega Germain en todo esto?  Profesor y alumno cruzan una delgada línea moral, ambos objetivizan a la familia en cuestión, dejan de ser personas para convertirse en personajes de ficción. La voracidad de Germain por hacer que Claude siga escribiendo se retroalimenta con la ambición de este de desnudar a sus queridos personajes.


En este punto, realidad y ficción se mezclan inexorablemente. La única voz sensata es la de Jeanne, ella advierte sobre los excesos que devela las cada vez más sospechosas redacciones de Claude, sin embargo su esposo no le presta mayor atención. Entre ellos empieza a haber un distanciamiento, él no respeta el trabajo de ella, para él el arte moderno es una basura y es evidente el distanciamiento físico y emocional, para Germain su esposa existe solo para que lea las redacciones y compartir impresiones, las salidas al cine, las cenas son tan falsas como lo serían en una novela.

Por su parte la interacción entre Germain y Claude adquiere dimensiones peligrosas, será que Germain se ve en el propio Claude, habrá una envidia implícita, o es que lo considera como un hijo, o será que tiene alguna fijación sexual... Esto lo aprovecha Claude para complicar la trama de su relato, empieza a incluir a su profesor como parte de la historia, el espacio se desdobla nuevamente y mientras vemos escenas repetirse con ligeras variaciones conforme el relato ficticio de Claude es corregido por su profesor, afloran las intenciones subrepticias. Estamos ante una mirada inquietante del ser humano, el director nos está indicando que las personas se utilizan unas a otras y juegan entre sí como si se tratase de un simple personaje de un libro, hay un distanciamiento emocional y moral con respecto al otro. El otro es solo un medio para un fin, no es un ser humano, de ahí las analogías que se hacen con la profesión de Rapha padre, quien no se siente satisfecho en su trabajo y las alusiones a un mercado chino que se caracteriza por copiar mercancías de otros países para empezar a confeccionarlas de manera más barata. Las relaciones humanas son reducidas a relaciones de poder.


Ozon hábilmente dirige con un uso ágil de la cámara, tomas rápidas se intercalan, se juega con la noción del espacio, filma con tomas amplias aún a lo interno de la casa, usa espejos para lograr una mayor amplitud del cuadro, de esta manera vemos más de lo que los personajes pueden hacerlo, nos involucra voyeurísticamente en esa casa donde el relato y la película transcurren. La banda sonora ayuda enormemente, es una partitura inquietante, vibrante, llena de estímulos que propician el suspenso. Es maravilloso apreciar este filme, dejarse llevar por ese suspenso y esperar el giro final. La creatividad con que está realizado es digna de elogiar, más en tiempos en los que las fórmulas cinematográficas parecen estar ya establecidas de antemano.

Junto con la buena dirección, música y fotografía, hay que mencionar las actuaciones superlativas de todo el reparto, un elenco coral que se entregó a la perfección, cada papel aunque sea breve es actuado con gran profundidad, los personajes son interesantes, llenos de secretos y emociones que los actores logran transmitir al espectador. Ernst Umhauer (Claude) hace un gran trabajo al mostrarnos un rostro con gesticulaciones contenidas, una mirada aguda y penetrante, acompañada con una sonrisa inocente. Fabrice Luchini (Germain) también nos convence desde la pasión hasta la obsesión, su hablar rápido y su mirada desafiante y autoritaria. Kristin Scott Thomas (Jeanne) también está fabulosa, es la contraparte de Luchini, le imprime una dosis de ironía a su personaje que facilita la interacción y suaviza los momentos de suspenso, en su personaje, la película y la historia ficticia dentro de la misma, adquiere otro ritmo, es la única mirada externa de lo que sucede.

Filme apasionante, obsesivo, recurrente en imágenes, espacios y tiempos; cine autor hecho con creatividad, que nos permite disfrutar de un thriller sin necesidad de caer en situaciones absurdas, con una propuesta inquietante en la que realidad y ficción se mezclan, pero ¿seremos capaces de distinguirlas? 


Curiosidades


La gestación del filme no deja de ser llamativo. Ozon se basó en la obra teatral "El chico de la última fila" del español Juan Mayorga, pero este se inspiró en un hecho real que le sucedió cuando era profesor de matemáticas. Cuando un alumno le contestó en un examen que no sabía cómo resolver el examen porque había pasado jugando tenis, Mayorga entendió que ese espacio de comunicación entre alumno y profesor tenía material para convertirse en una historia. De ahí en adelante, esa anécdota ha llegado a convertirse en la ganadora de la Concha de Oro a mejor película en el Festival Internacional de San Sebastián.

Pueden conocer más detalles de la película pueden ver el videoclip que Días de Cine realizó: http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/casa-fue-pelicula-ganadora-concha-oro-san-sebastian/1574934/

La MPAA (Motion Picture Association of America) calificó la película como R (menores de 17 años solo pueden ver la película acompañados por un adulto) debido a una escena de sexo en la que solo se ve parte de un seno de una de las actrices y a que en la galería de arte moderno había cuadros con representaciones de penes (dibujados) y muñecas inflables desnudas. Además de mostrar un golpe entre los personajes (categoría de violencia), uso de las palabras fuck y shit, y porque el padre de Rapha bebe cerveza. Es increíble el puritanismo de los estadounidenses y su falsa moral, censuran los senos de una muñeca de plástico y dibujos de penes con la misma severidad con que lo hacen con películas donde se mata de forma cruenta y en la que se explota la imagen de la mujer de manera peyorativa y sexista.


La película que van a ver al cine Germain y Jeanne es Match Point (Woody Allen, 2005), thriller cuya trama también gira en torno a secretos, pasiones y manipulaciones.


Avance de la película subtitulado:


La puesta en escena de la obra teatral "El chico de la última fila":


Entrevista con François Ozon (espero que puedan entender su inglés con marcado acento francés):




Conferencia de prensa con el director, parte del elenco y el productor:

domingo, 14 de abril de 2013

Después de Lucía




Título original: Después de Lucía. México - Francia (2012). Color.

Director: Michel Franco
Guión: Michel Franco
Cinematografía: Chuy Chávez
Edición: Antonio Bribiesca Ayala
Duración: 93 minutos

Elenco:

Tessa Ía como Alejandra
Hernán Mendoza como Roberto
Gonzalo Vega Sisto como José
Tamara Yazbek como Tamara
Paloma Cervantes como Irene
Juan Carlos Barranco como Manuel


Premios:

Festival Internacional de Cannes: ganadora de la sección Una cierta mirada
Festival Internacional de San Sebastián: mención especial sección Horizontes
Festival Internacional de Chicago: Hugo de Plata mención especial del Jurado



Después de Lucía consiste en un drama que cautiva desde el tratamiento del tema. La película está dividida en dos momentos, el primero nos muestra la relación entre Roberto y su hija Alejandra, entendemos que ambos experimentan una pérdida, pero desconocemos los detalles, a raíz de la misma deciden trasladarse de Puerto Vallarta al Distrito Federal (México).


Esta primera parte tiene un tempo pausado, es la manera en la que el espectador se involucra con estos personajes y empieza a armar la historia según las claves que el director brinda. Consiste por lo tanto en un ejercicio activo del espectador que deberá reflexionar conforme observa las imágenes. La propuesta por sus características de ritmo me recordó otros filmes mexicanos, principalmente los de Carlos Reygadas y a la película argentina Las Acacias (Pablo Giorgelli, 2011). Particularmente, destaca lo poco que conocemos de los personajes, el poco diálogo, incluso la cámara en los primeros minutos no nos muestra los rostros con claridad; el espactador es un testigo de la acción, acompaña a Roberto y a Alejandra, principalmente en las tomas dentro de vehículos, donde el ángulo de la cámara simboliza el momento en que se encuentran padre e hija, ambos con una pérdida que tratan de dejar atrás y rehacer sus vidas. Contrario a otras críticas, que se centran en que esta parte es aburrida, resulta de lo más atrayente, con una gran fotografía y sonido ambiente, el director nos sumerge en el mundo de duelo que viven los personajes. Cuando alguien experimenta un duelo, el tiempo psicológico a su alrededor es percibido de manera más lenta, la persona lucha dentro de sí entre negar o aceptar el hecho, los eventos se sienten extraños y las situaciones, aún las cotidianas, resultan una carga pesada. Esta atmósfera es representada de manera extraordinaria por el director, de allí que el ritmo sea pausado.


Para el segundo momento, el director y guionista, Michel Franco, nos sorprende con el giro que toma la película. Si en la primera parte sentimos que Roberto es el protagónico, en la segunda lo es Alejandra. Ella ingresa a un nuevo centro educativo y empieza a hacer amistades, sin embargo, su vida pronto se vuelve un calvario conforme es víctima de distintos tipos de abusos y hostigamientos por parte de sus compañeros. De acá en adelante, el filme adquiere otra velocidad, acorde con el momento interno de Alejandra. El clímax está bien desarrollado y se recurre a las elipsis para ir conformando el relato. El final aunque abrupto, no deja de ser interesante, la película narra lo que le interesa al director, no aquello que podría tornar el relato en violencia gratuita o un melodrama, también evita caer en sermones. El título nos recuerda que los hechos transcurren "Después de Lucía", por lo tanto, no se trata de conocer que sucede "Después de Alejandra"; las consecuencias de los abusos y las acciones resultantes no son discutidas acá; la película conserva el tono reflexivo y exige del espectador que tenga una mirada abierta.

El guión es bastante bueno, puede ser que algunos esperen acciones más trepidantes o un conflicto mayor en términos de personajes, pero esto no es cine hollywoodense. Es una excelente propuesta latinoamericana, reconocida en dos de los cuatro festivales de cine más importantes de Europa (Cannes y San Sebastián). El guión mantiene la atención en los hechos, resulta críptico al inicio y más lineal en la segunda parte, sin embargo mantiene el interés en el espectador. Las acciones son verosímiles, el elenco está bien escogido, la mayoría de los estudiantes que aparecen no son actores profesionales, lo que permite tener  una aproximación más fidedigna del fenómeno del bullying o acoso escolar. Hay algunas escenas en que las actuaciones no están tan depuradas, pero se compensa con la fuerza dramática de los eventos que representan y la honestidad del relato. Esto último es clave para que la película resulte entretenida a la vez que impacta a la audiencia. Tim Roth jurado del festival de Cannes declaró sobre este filme "La razón por la que vengo a Cannes y acepto ser jurado es para descubrir cosas extraordinarias, y esta película lo tiene todo. La premiamos por el desempeño de sus actores, técnica, guión y visión".

Mención especial merece la fotografía, trabajo de Chuy Chávez que logra plasmar la atmósfera en la que viven los personajes. Estos son de clase alta que asisten a un colegio privado y tienen fácil acceso a drogas, alcohol y tecnología. En las primeras tomas la fotografía se siente más fría, pero con el traslado de los personajes se vuelve más cálida. Las escenas de noche en la playa están bien logradas, con una iluminación correcta. 


El trabajo del director destaca desde el manejo de los actores, muchos de ellos no profesionales, hasta la utilización de cámara fija en varias secuencias, donde la sensación de movimiento la brinda el vehículo en el que se encuentran los personajes, mientras en otros casos son los actores quienes lo hacen. En el caso de las tomas dentro de automóviles, simbolizan el aspecto estático de los personajes con respecto a un mundo externo que se mueve, que no se detiene ante el dolor. Las secuencias con planos más abiertos permiten contextualizar a los personajes; mientras ocurre algo en escena, podemos apreciar con detenimiento el tipo de espacio y contexto en que se desenvuelven. La Ópera Prima de Michel Franco resulta un trabajo muy intimista, él se entrevistó con decenas de jóvenes quienes han sufrido diversos tipos de violencia en sus centros educativos, pero también indagó sobre aquellos quienes la practican, los victimarios. Varias de las personas entrevistadas son amigos personales del director, de los cuales se basó para hacer el guión. A su vez, la actriz Tessa Ía conversó con varios amigos víctimas de bullying para entender los sentimientos que les provocaban los abusos.

Después de Lucía consiste en una excelente oportunidad para ver buen cine latinoamericano, es una propuesta muy interesante que permite al espectador entretenerse y reflexionar sobre temas cotidianos.


Perspectiva psicológica del filme


Advertencia, a continuación se analizará la película y se comentará situaciones puntuales de la misma, por si no la han visto y no desean spoilers, leer con discreción.
Dentro de las mayores virtudes que tiene esta película es el realismo con que muestran las situaciones concernientes al duelo y al abuso escolar. La interpretación de Hernán Mendoza (Roberto) es muy buena, vemos síntomas típicos en personas que atraviesan duelos, llora cuando está solo, constantemente duerme (distanciamiento con la realidad, la persona no quiere estar despierta para no tener que recordar, por lo que opta por dormir), renuncia al trabajo (aunque su hija le ayuda a recuperarlo) y mantiene una actitud pasivo-agresiva. Esto es muy importante para el desarrollo de la película.


Tessa Ía (Alejandra), es de las pocas actrices con experiencia que participan en el filme. Fue una buena escogencia de casting, hace un gran trabajo. Al inicio, la percibimos como alguien fuerte que está sobrellevando un duelo; pero hay algunos indicios que nos muestran la actitud que está teniendo, por ejemplo cuando usa el vestido de su madre o cuando ayuda al empleado de su padre en el trabajo. Todo esto cambia, cuando ella empieza a ser víctima de bullying.

Aunque los hechos se suceden en poco tiempo, es claro que Alejandra es victimizada por varios compañeros, otro aspecto relevante que retrata muy bien el filme es el papel de los testigos, aquellas personas que tienen conocimiento de los abusos, pero no ayudan a la víctima, ni denuncian a los victimarios.


Entre los tipos de abusos, podemos observar el hostigamiento, abusos físicos (le cortan el pelo, empujones), un posible abuso sexual (escena del baño), humillaciones públicas, ciberacoso (por medio de mensajes de texto y la difusión de un video), aislamiento y exclusión social. La práctica de tomarse fotos o grabar video en situaciones eróticas o sexuales implícitas se conoce como sexting, el filme también muestra esto, inclusive es el catalizador para el resto de abusos. La gran mayoría de países no tienen una legislatura que sancionen estas prácticas y ese vacío legal pone en una situación de mayor desventaja a la víctima, quien ve vulnerada su privacidad y es expuesta ante una gran cantidad de personas a través de las redes sociales o medios tecnológicos.

El círculo de violencia en casos de bullying es muy similar al que experimentan las víctimas de violencia doméstica, razón por la cual se entiende el estado de indefensión que desarrolla Alejandra. Las personas abusadas suelen culpabilizarse por lo que les sucede y es muy típico que evitan pedir ayuda y reaccionen con total sumisión ante las exigencias del grupo de abusadores. El guardar silencio y asumir las humillaciones se vuelve algo diario, esto está muy bien representado en la película. También podemos apreciar cómo en este caso no hay un líder definido, el papel del victimario es representado por varias personas, hombres y mujeres.


Un aspecto que se puede trabajar bastante es el papel que tiene el centro educativo y sus funcionarios. La película no explora sus razones, vemos en algunas escenas al director y escuchamos a alguna que otra profesora, pero en líneas generales desconocen lo que ocurre entre los estudiantes. Sí está bien representado el careo que hace el director con las personas involucradas, esto no quiere decir que la acción esté correcta. Es demasiado peligroso exponer y mezclar a las partes involucradas. La directriz desde el centro educativo debe ser el trabajar por separado con las víctimas y con los victimarios, tampoco es recomendable que se entrevisten a la vez a los padres de los chicos involucrados.

En el caso concreto de la película, sabemos que Roberto está pasando por un duelo por el fallecimiento de su esposa (esto lo sabe también el director del colegio), también que tuvo un conflicto que llegó a los golpes, lo que indica que alberga cólera, frustración e impotencia por los hechos vividos, también conocemos que no quiso ayuda terapéutica. Los funcionarios de un centro educativo deben evitar cualquier situación conflictiva entre los involucrados, también deben entender la situación de indefensión de la víctima y que la misma se extiende aún si los abusadores no están presentes y también, evitar problemas entre los padres o representantes de los jóvenes. Tras recabar la información sobre lo que sucede, su labor es informar a los padres y/o encargados y la mejor manera para hacer un cambio a lo interno de la institución es mediante intervenciones grupales que abarquen la totalidad de la escuela o colegio; el culpabilizar o castigar a una sola persona o grupo, no necesariamente dará resultados satisfactorios, como se mencionó antes, existen muchos testigos que pueden convertirse en abusadores potenciales. La intervención tiene que estar dirigida a modificar la cultura estudiantil y a involucrar a la comunidad educativa (estudiantes, profesores, administrativos y familiares).

Algunos podrán considerar como poco creíble la actitud final de Alejandra, quien huye a su ciudad natal y no contacta a su padre. Sin embargo, las actitudes de huída son comunes en casos de victimización. No toda persona que sufre de acoso llega al suicidio. A su vez, es típico en los jóvenes creer que sus progenitores o encargados los van a regañar o castigar si hablan de lo sucedido, entran en una visión de túnel en el que no ven salida de su situación. Además, el hecho de que ella regresara a su casa está relacionado con la madre fallecida, finalmente, el tiempo que transcurre según lo muestra la película (mediante montaje paralelo) es de un par de días, tiempo que Alejandra usa para dormir más que nada, mientras la investigación policial por su desaparición se lleva a cabo y su padre resuelve hacer justicia por sus manos.

El contar con un elenco de jóvenes hace que la película se pueda trabajar con adolescentes, puesto que se pueden identificar con los hechos y con un profesional a cargo se puede plantear un buen programa anti-bullying. El filme también tiene su valía para trabajar con población universitaria, familia y personal docente.


Avance de la película:


 Entrevista con el director y parte del elenco: