miércoles, 30 de enero de 2013

Django sin cadenas




Título original: Django Unchained. EE.UU. (2012). Color.
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Cinematografía: Robert Richardson
Edición: Fred Raskin
Diseño de producción: J. Michael Riva

Productores: The Weinstein Company, Columbia Pictures, Brown 26 Productions
Duración: 165 minutos


Elenco:

Jamie Foxx como Django
Christoph Waltz como Dr King Schultz
Leonardo Di Caprio como Calvin Candie
Kerry Washington como Broomhilda
Samuel L Jacksom como Stephen
Franco Nero como Amerigo Vessepi
Jonah Hill como miembro de los Reguladores
Quentin Tarantino como empleado de la Minera LeQuint Dickey


Premios:

Globos de Oro: mejor actor de reparto y mejor guión original
Tiene varias nominaciones pendientes a los Oscar y los BAFTA



El cine de Tarantino siempre ha generado ambivalencias, mientras que algunos lo consideran de culto otros critican el grado de violencia y sangre de sus filmes. Django Unchained no escapa de esta controversia, sin embargo, al propio director nunca le ha importado nada de esto. Él hace películas para divertirse y para entretener al público y eso es precisamente lo que logra con Django, un filme lleno de acción, momentos hilarantes y tributos con el sello de Tarantino.

También estamos ante un filme inclasificable, no se puede decir que es Western, pretende homenajear al subgénero Spaguetti Western, pero también brinda güiños al cine de Blaxploitation de los 70's. Finalmente, tiene secuencias muy bien coreografiadas que son el sello distintivo del director.


Tarantino tiene la gran capacidad de escribir guiones y dotarles de una plasticidad y originalidad espectaculares; no importa si se trata de un filme de más de dos horas y media, él va a encontrar la forma de que se disfrute el contenido; los pequeños detalles son su clave, la más pequeña escena tiene una razón de ser; ora porque aparecerá más adelante en la película revelándose su importancia, ora porque es un tributo a algún filme o escena que gira dentro de la cabeza de este gran director.

Al estadounidense no le interesa ser histórica ni políticamente correcto, él busca crear relatos entretenidos, pero en sus dos últimas películas ha elegido "corregir" ciertos eventos históricos. Si en Bastardos sin gloria (2009) ajustició a los nazis, en Django sin cadenas castigará a los esclavistas sureños.

La mayor virtud que tiene esta película es la fortaleza visual, un logro del director de fotografía Robert Richardson junto a un Tarantino que dentro de su aparente desorden, canaliza la historia a partir de la imagen, precisamente el cine se creó con ese objetivo. Así, la historia nos remonta a la segunda mitad del siglo XIX y nos va introduciendo a los personajes con una maestría envidiable. 


A lo largo de la historia, podemos apreciar tomas panorámicas de los Estados Unidos, lugares paradisiácos que nunca terminan de cobrar el protagonismo con que lo hacen en los Westerns clásicos, Django sin cadenas tiene un ritmo mucho más rápido, fiel representante del cine de Tarantino y en esto se aleja del momento reflexivo de los lugares inhóspitos o magnificentes de los Westerns y la idea del hombre vs el destino inexorable. Aún así, el espectáculo visual está garantizado.

En el apartado musical, Django también se toma sus libertades. Tarantino es de los mejores directores en cuanto al uso de la música en sus filmes, en esta ocasión hay una mezcla entre música original y canciones que ya existían. La banda sonora sigue el ritmo trepidante del filme incluyendo una canción con ritmo de hip hop que lejos de afectar el filme, lo potencia en intesidad. Django, el personaje, es una especie de antihéroe de las praderas hasta los guetos y por esto es que la canción funciona, nos hace recordar que si bien se trata de una historia ficticia, la esclavitud existió y sigue existiendo, con variantes de grado y de forma. En una escena Django dice que el Dr. Schultz no está acostumbrado a la barbarie de los estadounidenses, y en cierto aspecto implícito entendemos que el país no ha cambiado mucho desde entonces; ya no coloca grilletes, pero usa el poder económico para controlar de igual o peor manera.


Es cierto que Django Unchained es violenta, al igual que el uso de sangre es abundante; sin embargo, para eso existe la oficina de censura (que en Costa Rica insisten en llamarla de otra manera y que no hay censura, pero todos sabemos que ni ellos se engañan a sí mismos). La película está dirigida a un público adulto, es responsabilidad de cada uno la elección que tomemos; Django Unchained creo que es la única película de Tarantino en mostrar algún desnudo. Mucho se dice de que el cine de Tarantino es violencia sin sentido, no comparto para nada tal afirmación. En su cine la violencia no ocupa el protagonismo, ni tampoco es el centro de la historia ni lo que hace que esta se desarrolle; al contrario de otros filmes mucho más banales, que casi en su mayoría pertenecen al género del terror, en los que la sevicia es la razón de ser, la promesa de espectáculo gira en torno a la misma y el guión se estructura para presentar simplemente la acción más grotesca posible. Esto no ocurre en los filmes de Tarantino; quien se encarga de crear una historia que atrapa al espectador mientras lo conduce y lo confunde. Con Tarantino el misterio se conoce temprano en el relato, lo que importa son los medios con los que se resuelve y los personajes involucrados; la violencia es coreografiada en secuencias que nos permiten gozar la pericia de este director. Django Unchained es la afirmación de lo anterior, es la exageración consciente del hecho real (esclavitud y explotación), y como mencioné antes, es la cruzada personal del director de corregir, al menos en la ficción, hechos trágicos. 

Django es un esclavo que no busca venganza per se, él quiere recuperar a su esposa y vivir libre con ella. No entra al oficio de cazarrecompensas por gusto, sino como un medio para alcanzar su objetivo. Es un antihéroe puesto que su motivación no es altruista, sino egoísta. El otro antihéroe del filme es el Dr. Schultz, un alemán que encuentra en el negocio de cazarrecompensas la forma de subsistir; tiene un peculiar sentido de la moral que lo lleva a asesinar sin sentir remordimiento; sin embargo, se siente culpable por Django y por el esclavo muerto por los perros (D'Artagnan). Tarantino invierte el rol arquetípico de estos personajes. Tenemos al alemán que siente remordimientos de conciencia y culpa por sus acciones, a un esclavo negro que es el epítome del héroe del folclor alemán Siegfried que lucha contra el dragón Fafner (Leonardo Di Caprio como Calvin Candie) en la montaña (la propiedad Candyland) para liberar a su versión criolla de Brunilda (la esposa de Django se llama Broomhilda y habla alemán). Quiero hacer la aclaración que Tarantino se basa en el Ciclo del Anillo de Wagner para recordarnos el mito de Siegfrid. La ópera de Wagner es una variante del poema anónimo El cantar de los Nibelungos, que de hecho consiste sobre la cristianización de los pueblos en el Norte de Europa y tiene otros personajes y un desarrollo muy diferente al de la ópera.

Para completar la re-escritura fantástica; los estadounidenses, representados por los esclavistas y en primer lugar Calvin Candie, son los monstruos / bárbaros de la hisoria quienes cometen atrocidades; acá la burla de Tarantino es extraordinaria cuando ridiculiza a un incipiente grupo de blancos que quieren matar a negros utilizando capuchas blancas...


Para redondear la historia, tenemos una serie de tributos que empiezan desde el título, que hace alusión al filme Django (Sergio Corbucci, 1966) con Franco Nero en el papel principal. Tarantino le da un pequeño papel a Nero en esta nueva versión y el momento en que los Django comparten líneas es un tributo magnífico. También hay referencias a Mandingo (Richard Fleischer, 1975) donde un gran James Mason es el amo esclavista que somete a sus esclavos a luchas terribles. Otra alusión es Hércules sin cadenas (título con que se conoce al filme italiano Ercole e la regina di Lidia, dirigida por Pietro Francisci en 1959); el Dr. Schultz menciona la posibilidad de renombrar al mandingo que quiere comprar como el "Hércules Negro". Las canciones utilizadas en la banda sonora son tributo a muchos westerns, aunque también hay alusiones a Kubrick, el personaje del Dr. Schultz tiene flashbacks violentos al escuchar a Beethoven; y hasta de Kurosawa, la escena de los Reguladores cuando cabalgan por una colina es un homenaje a Los Siete Samuráis.

Si Tarantino es un gran director de actores o los actores se sienten tan a gusto trabajando para él que hacen interpretaciones muy buenas es algo que al final no importa. El hecho es que desde sus primeras películas, ha rescatado del olvido a algunos y les ha ayudado a otros a mostrarse internacionalmente. Christoph Waltz ganó el Oscar con su anterior colaboración con el director; ahora se perfila nuevamente a lograrlo. Creo que sería el único alemán con dos Oscares... eso le sacaría una sonrisa a Tarantino la noche de la ceremonia.


Waltz está inmenso, es un gran actor con una versatilidad única, capaz de hablar diferentes idiomas con gran facilidad y con acento perfecto; además, tiene la capacidad para hacernos reír en la situación más inverosímil o de causarnos angustia y sosiego. Se entiende a la perfección con Tarantino y se relaciona en escena con sus compañeros de manera fluida. Jamie Foxx hace un gran trabajo, es carismático, capaz de transmitir poderosos sentimientos con su mirada y de crear un Django digno de los antihéroes del western.  Leonardo Di Caprio hace una actuación sólida, me recordó con algunos ademanes al papel que hace Brat Pitt en Bastardos sin gloria, curiosamente, la Academia no los quiere a ninguno. Como anécdota, en la escena en la que Calvin Candie golpea la mesa mientras amenaza al Dr. Schultz y a Django, el actor en verdad quebró un vaso y se cortó, siguió actuando para terminar la escena (que fue la que Tarantino usó en el corte final); eso en sí mismo no significa que merecía la nominación, pero sí para que se deje de dudar de su compromiso y de su calidad como actor. Samuel L. Jackson es de esos actores fetiches de Tarantino y acá le dio un pequeño papel con gran peso al final. El resto del elenco está muy bien, con actuaciones sólidas en cada uno de sus roles, exceptuando al pobre Tarantino, que una vez más nos demuestra que lo suyo es dirigir mas no actuar. Se le perdonan esas escenas de más y su efímero protagonismo.


Cabe señalar que esta es la primera película en la que el director no trabaja con Sally Menke (falleció en el 2010), la editora de todas sus películas anteriores. La edición fue buena, no se sintió forzada y permitió la fluidez propia de las películas de Tarantino. Salvo dos escenas cuyos cortes me parecieron muy abruptos y que no calzaron del todo bien con la música, el trabajo de Fred Raskin fue muy digno.


Django Unchained es una película entretenida, violenta, no es apta para chicos, está muy bien estructurada, tiene planos maravillosos y el uso de la música es perfecto. A Tarantino le gusta divertirse mientras hace las películas y no busca ser un director preciso o riguroso con los hechos históricos, él crea un universo donde sus personajes se desarrollan, por eso no hay que tomarse en serio ciertos anacronismos que la película tiene, por ejemplo, escuchamos Para Elisa de Beethoven aunque la obra no se dio a conocer hasta 1865, o vemos el uso de dinamita cuando se inventó en 1867, también se narra la historia base de la ópera de Wagner El anillo de los Nibelungos, cuyo ciclo completo se estrenó hasta 1869; e incluso errores lingüísticos, se usa la palabra "motherfucker", cuya primera utilización el Diccionario de Oxford la sitúa en 1918; entre otros. Recordemos que la acción de la película sucede en 1858. Al final nada de eso importa, porque Django Unchained es una excelente película, muy bien actuada, entretenida y que te hace querer verla varias veces.




Curiosidades



El papel de Django iba a ser para Will Smith quien no quiso asumir el rol. Otros actores que fueron considerados fueron: Idris Elba, Chris Tucker, Terrence Howard, Tyrese Gibson.

Kevin Costner y Kurt Russell fueron considerados, pero al final no los contrataron y los personajes a quienes iban a representar fueron eliminados del guión.

Django Unchained es la sexta colaboración entre Samuel L. Jackson y Quentin Tarantino.

Lady Gaga fue considerada para el papel de Lara Lee Candie.

Christoph  Waltz se dislocó un hueso de la pelvis durante el rodaje al caerse de un caballo durante uno de los ensayos. Por eso en las escenas iniciales su personaje aparece sentado en una carreta-vagón.

Tarantino tuvo que convencer a Leonardo Di Caprio para que llevara al extremo su actuación como un esclavista y aficionado a las peleas de mandingos.

El traje de valet que usa Django se inspiró en la pintura "The blue boy", que también influenció el filme de F. W. Murnau "The boy in blue" (1919), creador de la técnica "cámara desencadenada" (unchained en inglés).

The blue boy de Thomas Gainsborrough

Los hombres con capuchas blancas liderados por Big Daddy son los "Reguladores", antecesores del Ku Klux Klan formado en 1865.

El apellido del Dr. Schultz es una referencia a la tumba de Paula Schultz donde fue enterrada La Novia en Kill Bill vol 2.

Aunque puede parecer difícil de creer (no imposible) que en Estados Unidos se conociera Los tres mosqueteros; lo cierto es que el libro se publicó en 1844 y los hechos en Django transcurren en 1858. El escritor de la novela, Alexandre Dumas, fue hijo del marqués Alexandre Antoine Davy y de la esclava afrocaribeña Marie Cessette. Nació en la colonia francesa Saint-Domingue, actual Haití.





Avance de la película subtitulado:


Avance de la película Django 1966:


Entrevista con Tarantino y parte de elenco:



Rueda de prensa con el director y el elenco:



Entrevista con el actor Christoph Waltz:



Avance de la película Mandingo (1975):



Una selección de los 10 mejores Spaguetti Westerns:



Documental de TVE "Sin piedad" sobre el Spaguetti Western (9 partes):













domingo, 27 de enero de 2013

Ganadores Festival Sundance 2013



El 29 Festival de Sundance terminó y los ganadores ya se conocen. En esta ocasión la premiación estuvo muy variada y como es característico de este festival, se premiaron historias con un marcado sentido social, brindando la oportunidad de que se conozcan en una mayor escala. Latinoamérica estuvo presente con el chileno Sebastián Silva (mejor director) y el documental ¿Quién es Dayani Cristal? (mejor cinematografía). El certamen también contó con la participación igualitaria de mujeres y hombres (dirección). Acá están los ganadores:



Gran Premio del Jurado (US - Drama)

Fruitvale de Ryan Coogler





Gran Premio del Jurado (US- Documental)

Blood Brother de Steve Hoover





Gran Premio del Jurado (World Cinema - Drama)

Jiseul de Muel O (Corea del Sur)





Gran Premio del Jurado (World Cinema - Documental)

A river change course de Kalyanee Mam (Camboya)









Premio de la Audiencia (US - Drama)

Fruitvale de Ryan Coogler



Premio de la Audiencia (US - Documental)

Blood Brother de Steve Hoover



Premio de la Audiencia (World Cinema - Drama)

Metro Manila de Sean Ellis (UK - Filipinas)






Premio de la Audiencia (World Cinema - Documental)

The square de Jehane Noujaim (Egipto)





Premio de la Audiencia (Best of Next)

This is Martin Bonner de Chad Hartigan





Mejor Director (US - Drama)

Afternoon Delight de Jill Soloway



Mejor Director (US - Documental)

Cutie and the boxer de Zachary Heinzerling



Mejor Director (World Cinema - Drama)

Crystal Fairy de Sebastián Silva (Chile)



Mejor Director (World Cinema - Documental)

The machine which makes everything disappear de Tinatin Gurchiani (Georgia y Alemania)



Mejor Cinematografía (US - Drama)

Ain't them bodies saints de David Lowery

Mother of George de Andrew Dosunmu



Mejor Cinematografía (US - Documental)

Dirty Wars de Richard Rowley



Mejor Cinematografía (World Cinema - Drama)

Lasting de Jacek Borcuch (Polonia y España)



Mejor Cinematografía (World Cinema - Documental)

Who is Dayani Cristal? de Marc Silver (UK)



Premio Especial del Jurado (US - Documental)

Inequality for all de Jacob Kornbluth

American Promise de Joe Brewster y Michèle Stephenson



Premio Especial del Jurado (US - Actuación)

Miles Teller & Shailene Woodley (The spectacular now)



Premio Especial del Jurado (Us - Diseño sonido)

Shane Carruth & Johnny Marshall (Upstream Color)



Premio Especial del Jurado (World Cinema - Drama)

Circles de Srdan Golubovic (Serbia, Alemania, Francia, Croacia, Eslovenia)



Premio Especial del Jurado (World Cinema - Documental)

Pussy Riot - A Punk Prayer de Mike Lerner y Maxim Pozdorovkin (Rusia - UK)



Mejor Edición (US - Documental)

Gideon's Army de Dawn Porter



Mejor Edición (World Cinema - Documental)

The summit de Nick Ryan (Irlanda - UK)



Mejor Guión (US - Drama)

In a World... de Lake Bell



Mejor Guión (World Cinema - Drama)

Wajma (An afghan love story) de Barmak Akram (Afganistán)



Premio Alfred P. Sloan

Computer Chess de Andrew Bujalski



Gran Premio del Jurado (Cortometraje)

The Whistle de Grzegorz Zariczny (Polonia)



Premio del Jurado (Cortometraje ficción - US)

Whiplash de Damien Chazelle



Premio del Jurado (Cortometraje ficción - Internacional)
The Date de Jenni Toivoniemi (Finlandia)



Premio del Jurado (Cortometraje no ficción)
Skinningrove de Michael Almereyda



Premio del Jurado (Cortometraje animación)
Irish Folk Furniture de Tony Donoghue




Premio Especial del Jurado (Cortometraje - actuación)

Joel Nagle (Palimpsest)



Premio Especial del Jurado (Cortometraje)

Kahlil Joseph (Until the quiet comes)







Premio de la audiencia (Cortometraje - Youtube)
Catnip: Egress to Oblivion de Jason Willis



lunes, 21 de enero de 2013

Las sesiones




Título original: The sessions. EE.UU. (2012) Color.
Director: Ben Lewin
Guión: Ben Lewin
Cinematografía: Geoffrey Simpson
Edición: Lisa Bromwell
Diseño de producción: John Mott
Música: Marco Beltrami
Productora: Such Much Films, Rhino Films
Duración: 95 minutos

Elenco:

John Hawkes como Mark O'Brien
Helen Hunt como Cheryl
William H. Macy como Padre Brendan
Moon Bloodgood como Vera
Annika Marks como Amanda
Robin Weigert como Susan


Premios:

Festival Internacional de San Sebastián: Premio de la Audiencia
Festivan de Cine de Sundance: Premio de la Audiencia y Premio Especial del Jurado (elenco)
Está nominada al Oscar y al BAFTA a mejor actriz de reparto


Hay ocasiones en las que se ve una película y se tiene la imperiosa necesidad de comentar, recomendar, difundir, etc., se hace por dos razones, primero por que se cree vital dichas acciones, segundo porque se busca interlocutores para crear un diálogo sobre lo visto. The sessions inspira justamente todo eso.

Basada en hechos reales, específicamente en el artículo publicado en 1990 por el periódico The Sun "On seeing a sex surrogate"; la película aborda la vida de Mark O'Brien una persona que perdió la capacidad motora muscular del cuello hacia abajo, debido a que sufrió de polio en su infancia. Mark necesita estar conectado a un respirador artificial y no es capaz de mover su cuerpo a voluntad, exceptuando su cabeza; él no tiene ningún impedimento cognoscitivo; al contrario, es periodista y poeta. Tampoco tiene ninguna dificultad en sentir contacto con su cuerpo, es decir, su sentido del tacto funciona normalmente (en todo su cuerpo).

Mark O'Brien con su pareja Susan Fernbach

El artículo que escribió versa sobre las dificultades que tienen personas como él para tener hábitos sexuales, intimidad, relaciones de pareja y salud emocional. Para superar sus propias carencias, él decidió contratar a una "sustituta sexual" (en inglés Sexual Surrogate).  No hay que confundir con una prostituta.

Las sustitutas y los sustitutos sexuales son personas acreditadas como terapistas sexuales (depende del país pueden conocerse como sexólogos o sexólogas). Se tratan de profesionales que se dedican a trabajar en el ámbito sexual ciertas patologías que pueden tener origen fisiológico o psicológico; es frecuente que estos profesionales tengan estudios en otras áreas como consejería, psicología, enfermería, etc. Los pacientes suelen ser personas con alguna limitante de movilidad o emocional que les obstaculiza y dificulta las relaciones sexuales y coitales. Es común que dentro de las prácticas terapéuticas, el o la profesional mantenga relaciones coitales con el o la paciente, con el objetivo de hacerle conocer el propio cuerpo y el cuerpo de la otra persona, adquirir habilidades para la interacción coital, desmitificar conceptos y en general para ayudarles a tener una vida sexual sana y satisfactoria.

Ben Lewin

Con respecto a la película cabe mencionar que el director Ben Lewin es sobreviviente de polio, por lo que se interesó de manera especial en este proyecto. Su trabajo detrás de cámara denota una sensibilidad extraordinaria para mostrarnos la perspectiva de O'Brien y no se confundan, no se trata de una película sobre sexo; Las sesiones es una profunda reflexión sobre el miedo a la soledad, las dificultades para intimar a nivel físico, emocional y afectivo con otras personas y lo satisfactorio que significa sentirse querido por alguien.

Lewin tiene particular cuidado en no exhibir lo innecesario (vemos desnudos, pero no el acto coital en sí) ni en denigrar al ser humano en sus dimensiones físicas, biológicas, psicológicas ni ideológicas. Realizó una película honesta que de manera directa y sin tabúes nos adentra en la vida de Mark, sus traumas y esperazas, sus miedos y sus deseos.

El filme necesitaba de una pareja de actores que pudieran hacernos sentir lo que el guión indicaba, que supieran darle vida a estos personajes y dotarles de una sensibilidad extrema. El trabajo de John Hawkes y Helen Hunt es soberbio, más allá de que logran un nivel de franqueza actoral en sus desnudos, nos transmiten una gama de emociones a través de sus interpretaciones que nos conmueven, o lo que es lo mismo, logran movilizarnos desde nuestras emociones y afectos. 


Hawkes, particularmente, logra con su rostro transmitirnos una serie de estados anímicos increíbles. Es un gran actor, con una tremenda capacidad para adoptar roles de cualquier índole (les recomiendo Winter's Bone, 2010; Martha Marcy May Marlene, 2011; y tiene un papel de reparto en Lincoln, 2012). A través de su mirada y sus gestos configura una actuación magistral, en ningún momento resulta sensiblera ni superflua y brinda hasta momentos cómicos con una naturalidad asombrante. Para ciertas escenas en las que estaba acostado, usó un balón de fútbol en su espalda para poder arquear su postura corporal y se basó en videos de Mark O'Brien para su actuación.

El resto del elenco está bastante bien, destacándose William H. Macy, un gran actor que tiene poco reconocimiento. Interpreta al sacerdote Brendan, cuyo rol es vital en la vida de O'Brien, puesto que es católico y como cualquier creyente tiene dudas acerca de diferentes temas. Macy hace una actuación sobria, natural, su rol es el del confidente de Mark y en sus palabras este buscará consejo y amistad. Es interesante cómo se aborda el tema religioso en este filme, se respeta la individualidad y las creencias, incluso se propone una visión más moderna del catoliscismo que contrasta con la postura del actual Papa Benedicto XVI, un retrógrado que recientemente condenó a la Teoría de Género "La falacia profunda de esta teoría y de la revolución antropológica que subyace en ella es evidente” (leer nota completa aquí). 


La edición del filme es muy buena, principalmente en las escenas de desnudos en las que se evita el morbo y por el contrario, se busca que el espectador descubra la sexualidad a través de los ojos de Mark quien es virgen. En una época en la que constantemente se usan los desnudos y las escenas sexuales para rellenar guiones faltos de ideas, es refrescante apreciar una obra con una intencionalidad educativa y desmitificadora al respecto.

Ben Lewin, John Hawkes, Helen Hunt y William H Macy (orden usual)

La película también tiene una gran valía para todos aquellos que trabajan con personas con alguna dificultad de movimiento, sensorial (que tienen disminuidas las capacidades de algún sentido), emocional, psicológica, entre otras. Se hace una aproximación honesta y sin estereotipos del tema, sirve para comprender la multidimensionalidad que todos tenemos y la importancia de sentirnos satisfechos y luchar por conseguir metas. Es imposible alcanzarlas todas, pero es igual de imposible no alcanzar ninguna.

Como anécdota, cabe señalar que la vida de Mark O'Brien ya había sido llevada al cine. Jessica Yu en 1996 realizó el corto documental "Breathing Lessons: The life and work of Mark O'Brien"; trabajo que ganó el Oscar en la categoría en 1997.


Acá tienen el avance de la película (en inglés):


Entrevista con el director Ben Lewin y la productora Judi Levine (en inglés):


Entrevistas con John Hawkes, Helen Hunt y William H. Macy (en inglés):



lunes, 14 de enero de 2013

Ganadores Globos de Oro 2013








Mejor Película - Drama


Argo




Mejor Película - Musical o Comedia


Los miserables




Mejor actor película - Drama


Daniel Day-Lewis (Lincoln)




Mejor actriz película - Drama


Jessica Chastain (Zero Dark Thirty)




Mejor actor película - Musical o Comedia


Hugh Jackman (Los Miserables)




Mejor actriz película - Musical o Comedia


Jennifer Lawrence (Silver Lining Playbook)




Mejor actor reparto película


Christoph Waltz (Django Unchained)




Mejor actriz reparto película


Anne Hathaway (Los Miserables)




Mejor Director


Ben Affleck - Argo




Mejor guión


Quentin Tarantino (Django Unchained)




Mejor película extranjera


Amour (Michael Haneke)




Mejor película animada


Brave (Mark Andrews)




Mejor banda sonora original


Mychael Danna por Life of Pi




Mejor canción original


Adele por Skyfall




Mejor miniserie o película para televisión


Game Change (HBO)




Mejor actor en una miniserie o película de televisión


Kevin Costner por Hatfields & McCoys




Mejor actriz en una miniserie o película de televisión


Julianne Moore (Game Change)




Mejor serie de televisión dramática


Homeland (Showtime)




Mejor serie de televisión comedia o musical


Girls (HBO)





Mejor actor en serie dramática de televisión


Damian Lewis (Homeland)





Mejor actriz en serie dramática de televisión


Claire Danes por Homeland




Mejor actor en serie de televisón comedia o musical


Don Cheadle (House of lies)




Mejor actriz en serie de televisión comedia o musical


Lena Dunham (Girls)




Mejor actriz de reparto - show, miniserie o película de televisión


Maggie Smith (Downtown Abbey)






Mejor actor de reparto - show, miniserie o película de televisión


Ed Harris (Game Change)





Premio honorífico Cecil B. DeMille


Jodie Foster

domingo, 13 de enero de 2013

Tabú





Título original: Tabu. Portugal-Alemania-Brasil-Francia (2012). B/N
Director: Miguel Gomes
Guión: Miguel Gomez y Mariana Ricardo
Cinematografía: Rui Poças

Edición: Telmo Churro y Miguel Gomes
Diseño de producción: Bruno Duarte

Productora: O Som e a Fúria, Komplizen Film, Gullane Filmes,
Duración: 118 minutos

Elenco:

Laura Soveral como Aurora anciana
Ana Moreira como Aurora joven
Henrique Espírito Santo como Ventura anciano
Carlotto Cota como Ventura joven
Teresa Madruga como Pilar
Isabel Muñoz Cardoso como Santa
Ivo Müller como el esposo de Aurora
Manuel Mesquita como Mário

Premios:

Festival Internacional de Berlín: Premio Alfred Bauer y Premio FIPRESCI



En 1930 el director germano F. W. Murnau filma su última película, Tabú. Dividida en dos capítulos, Paraíso y Paraíso perdido. La primera parte nos muestra la vida de dos amantes en los mares del Pacífico Sur (Bora Bora) hasta que deciden escapar de las tradiciones locales; en la segunda parte, los vemos en otra isla mientras sobreviven la explotación de los colonizadores.


En el 2012, el cineasta portugués Miguel Gomes, decide rendir un sentido tributo a Murnau y realiza una profunda obra que nos muestra las coyunturas sociales de unos personajes quienes los sentimos muy cercanos.

La nueva versión cuenta con la misma estructura narrativa (solo que la primera parte se llama "Paraíso perdido" y la segunda "Paraíso") y también está filmada con una hermosa fotografía a blanco y negro.

La clave de la película es entenderla desde las sensaciones, dejar que nuestros sentidos se deleiten de lo que ven y escuchan y se conmuevan por la historia. Desde la escena inicial narrada en voz en off (Miguel Gomes) en la que nos enteramos de una historia-leyenda de alguna zona de África, en la que un hombre se suicida por un amor al que no puede acanzar; acompañado en sus últimos momentos por un cocodrilo que comparte su tristeza; esta introducción es una maravilla porque nos indica las pautas de la película y los elementos que vamos a empezar a apreciar a través de un relato circular y enigmático.


Pocas veces me he encontrado con emociones tan disímiles frente a un mismo personaje como en esta película. La primera parte nos muestra a Aurora anciana, que divaría con negros, cocodrilos, música de tambores y recuerdos de un pasado remoto que intuimos falso. Es grosera, mezquina, excéntrica, supersticiosa y manipuladora, tanto con la señora que la cuida como con su vecina. Su hija está ausente y solo envía dinero que Aurora dilapida rápidamente.  Esta parte la vemos desde la perspectiva de Pilar, la vecina, quien con su mirada nos permite observar el declive físico y mental de Aurora, hasta que llega el momento en la que Pilar debe encontrar a un hombre...

En Paraíso perdido la acción sucede en Lisboa, estamos en el presente; las tres protagonistas comparten escena en unos apartamentos cómodos. El lente nos muestra la perspectiva femenina en todo momento, una anciana adinerada, una analfabeta con conocimientos de vudú y una católica convivirán con sus creencias y sus limitaciones.


La segunda parte, Paraíso, empieza poco después que Pilar realiza el encargo de Aurora y encuentra a Gian-Luca Ventura. La acción se traslada ahora a Mozambique y el tiempo es el pasado. El director ahora usa el flashback para seguir la historia y también cambia la perspectiva: el narrador ahora es Ventura, por lo que la mirada masculina ahora es la principal.

En la África colonizada por portugueses, Ventura es una especie de Livingston que vive según dicta sus deseos, entre sus aventuras llega a conocer a Aurora y a su esposo. En esta parte empezamos a unir las piezas que Gomes nos adelantaba en el prólogo. Con gran maestría el tono del filme cambia, el ritmo pausado de la narración y la sensualidad a través de la imagen (fotografía) y la música (extraordinaria utilización de este recurso para darle profundidad argumentativa al filme) cobran mayor protagonismos.


El título hace una triple referencia, por un lado mencioné el tributo que hace el director al filme de Murnau; también se refiere al nombre de la Montaña Tabú donde transcurre la historia y finalmente, al amor prohibido según los cánones culturales de la joven pareja. 

Rui Poças saca enorme provecho de la naturaleza africana, sus vastas llanuras, su celaje y en general del precioso escenario para engalanar una historia romántica con aire de fábula, pero con un desenlace trágico. El uso de la iluminación es maravilloso, las sombras brindan una profundidad psicológica a los personajes permitiendo identificarnos con su historia.



Gomes explica sobre su intención con el cambio de ritmo entre las partes: "As everything in life, we run the risk of seeing our goals frustrated if we follow a strict plan. Often we’ll be able to reach them improvising. Like in films, life is a game".

Filme extraordinario con gran sentido estético, con maravillosos cuadros y planos, una historia incompleta de amor, traición, música y cocodrilos, con grandes actuaciones cargadas de nostalgia. Curiosamente, ignorada para los Oscar de este año, lamentable.



Avance de la película con subtítulos:

 

Miguel Gomes y Carlotto Cota hablan de la película:


Entrevista en inglés al director:


Entrevista completa en inglés con el director, para la serie Seventh Art:


Parte de la estupenda banda sonora de la película: