martes, 17 de septiembre de 2013

Julio Cortázar y el cine: parte 2



La década de los sesenta se completaría con adaptaciones europeas de textos cortazarianos; después de las películas argentinas que buscaron representar el mundo simbólico-fantasioso del escritor, dos directores reconocidos y de gran influencia deciden llevar al cine su particular visión, se trata de Michelangelo Antonioni y Jean-Luc Godard, y sus películas son Blow-up y Week-end; así en inglés y unidas por guión. También comparten el poco apego por la historia original, pero esto no les preocupaba, su intención era expresar un mensaje diferente al del cuento respectivo. Cada uno exploró en sus películas y significaron un giro en sus carreras como directores, Antonioni, porque encontró en el color una vía expresiva y Godard, porque su película fue la trancisión a una segunda etapa de su filmografía de experimentación radical.

Título original: Blow-up. Reino Unido - EE.UU. (1966). Color
Director:
Michelangelo Antonioni
Guión: M. Antonioni y Tonino Guerra inspirados en el cuento de Julio Cortázar "Las babas del diablo"
Cinematografía: Carlo Di Palma
Montaje: Frank Clarke
Dirección artística: Assheton Gorton
Diseño de vestuario: Jocelyn Rickards
Música: Herbert Hancock
Duración: 111 minutos

Elenco:

David Hemmings como Thomas (en la película no se dice su nombre)
Vanessa Redgrave como Jane
Veruschka von Lehndorff como ella misma
Sarah Miles como Patricia

Premios:

Festival Internacional de Cannes: Palma de Oro
Sindicato de Críticos de Cine de Francia: Mejor película extranjera
Sociedad de Críticos de Cine de Estados Unidos: Mejor director, Mejor película

Blow-up no es una adaptación como tal de "Las babas del diablo", sino que su historia sirve para que Antonioni tenga un marco dentro del cual contar su historia, una que le interesa explorar, desde lo argumentativo hasta la composición visual de la película, todo una obra de referencia para los amantes del estilo y la moda de la década de los sesenta. HAZ CLIC EN ESTAS LETRAS PARA LEER LA RESEÑA COMPLETA DE ESTA PELÍCULA




Título original: Week-end. Francia-Italia (1967). Color.
Director: Jean-Luc Godard
Guión: Jean-Luc Godard inspirado en el cuento "La autopista del sur" de Julio Cortázar y en la novela "Historia del ojo" de George Bataille
Cinematografía: Raoul Coutard
Montaje: Agnès Guillemot
Música original: Antoine Duhamel

Elenco:

Mireille Darc como Corinne Durand
Jean Yanne como Roland Durand

Al igual que en Blow-up; Week-end toma el argumento de un cuento cortazariano, pero este es el pretexto para contar otra historia, se trata de la visión del director sobre aspectos específicos, especialmente una crítica contra la burguesía.

Godard filma lo que podemos llamar "cine-autor", sus temáticas giran en torno a aspectos que llamaron la atención del francés, la propuesta visual y argumentativa también tienen una marca característica. Por lo tanto, sería inútil comparar el filme con el cuento, se trata de dos registros diferentes. Además, Godard también incluye pasajes de la novela erótica de George Bataille, "Historia del ojo".


Con respecto a la novela, el pasaje más representativo es el plano secuencia en el que Corinne narra un encuentro sexual que tuvo, la escena está filmada con baja iluminación, no podemos ver los rostros de los personajes, pero divisamos que la mujer se encuentra en ropa íntima, sentada sobre un escritorio, mientras que el hombre está vestido y sentado en una silla. Corinne narra un trío sexual que incluye algunas referencias fetichistas, específicamente el sentarse sobre un tazón de leche fría y la utilización de huevos. La edición de sonido en esta secuencia, solo interrumpida por uno (de tantos) letreros que Godard inserta; hace que el sonido ambiente sea más alto que las voces, creando una atmósfera inquietante que se complementa con el discurso de Corinne. Más adelante, en el campamento de los revolucionarios vemos otra escena alusiva a la novela de Bataille, se trata de una violación a una chica en la que le introducen huevos y un pez por la vagina.

En lo referente al cuento de Cortázar, Godard toma la idea básica de una pareja que va a realizar un viaje y se encuentra con un gran atasco en la carretera; sin embargo, se distancia del sentido que le dio el argentino al cuento, de las relaciones que se generan entre los pasajeros y la vida ficticia que empiezan a tener a raíz de la circunstancia. Para Godard, el automóvil es la expresión burguesa de la sofisticación y la película es un manifiesto anti burgués, en la línea buñueliana.

"Week-end" es un filme sobre la violencia, odio, racismo, incomunicación, individualismo, división de clases, entre otros; una historia sin guión fijo, se trata de un trabajo más experimental que se rige bajo una lógica interna y no le interesa ser aceptada o entendida por el espectador; simplemente es. En este sentido, el carácter revolucionario de Godard queda evidenciado. El director hace un análisis social centrado en la decadencia, visto en la actualidad, resulta casi premonitorio, la sociedad en vez de ser más solidaria y superar diferencias, se ha vuelto más caníbal, más destructura e individualista. El culto a una idea de la "belleza", a una ideología, a un producto desechable, etc. es la base de las sociedades actuales, en las que da lo mismo quién sufre o quién recibe un daño, no hay un intención genuina por cambiar las circunstancias. La división de clases se hace cada día más evidente, la repartición del poder y del dinero está lejos de ser equitativa y las personas son sumidas en la ignorancia de lo que se llama cultura popular.


Técnicamente, la película sobresale en el uso de planos secuencias, desde la interminable autopista con coches varados, gente accidentada y ese persistente ruido de bocinas; otros planos secuencias se dan en el segmento musical y hacia el final, en el bosque donde se encuentran los caníbales.  La cámara casi siempre hace movimientos horizontales, pero en algunas escenas el director nos muestra una verticalidad en la toma para ampliar el cuadro, por ejemplo, en el discurso de un revolucionario (de la época de la Revolución Francesa). La música también es caótica, por momentos cobra un protagonismo superlativo. El montaje es un reto para quienes estén acostumbrados a que todo tenga una lógica, acá la pareja protagonista "brinca" de escena a escena, de historia a historia, se encuentran con personajes de libros, de épocas pasadas; esto permite tener una mayor libertad creativa, aún así, existe esa historia central sobre la pareja que busca llegar a la casa de los padres de ella para cobrar una herencia. También llama la atención que no existen créditos iniciales o al final, no aparece la mención del director ni de los actores, solo el título del filme que se repite por toda la pantalla y juega con los colores de la bandera francesa. En otros momentos, Godard se nos muestra aún más cínico, cuando Roland dice "esta película es una mierda" o cuando se hace una trancisión de escena y los personajes que aparecen gritan "son los actores italianos de la coproducción", aludiendo al financiamiento italiano de la película. Como ven, Godard se burla de sí mismo, de su película y de quienes la produjeron. Como si se tratara de una declaración de intenciones, la película termina con un juego de palabra que indican "el fin del cine".

Existen errores en cuanto a la coreografía de ciertas escenas o, al menos, resultan risibles en la actualidad; por ejemplo, cuando son secuestrados por una pareja en la carretera o en casi todas las partes en las que hay una pelea. Sin embargo, no hay la intención en Godard de que la película sea realista, sino que se pretende exarcerbar a la audiencia con un mensaje visualmente agresivo y un argumento chocante por lo ilógico o mejor dicho, surreal.

Susan Sontag escribe: "En Weekend, Godard contrasta la barbarie mezquina de la burguesía urbana propietaria de automóviles con la violencia posiblemente catártica de una juventud reencontrada con la barbarie" (Sontag, S. (2005). Estilos radicales. Ed. Santillana, Buenos Aires). Uno de los intertítulos dice "lucha de clases", y eso aplica para toda la película, estamos ante una anarquía en la que la violencia permea todo tipo de relación. Existe una apatía por el otro, por el bienestar o la satisfacción del otro; en una escena vemos cómo se roba la ropa de aquellos que yacen muertos en la carretera, hay una crítica hacia la acumulación de bienes y objetos, en otra parte una escandalizada Corinne llora porque su bolso -de una reconocida marca- arde, pero no muestra ningún grado de empatía con otros seres humanos. Roland y Corinne no dudan en asesinar con tal de obtener una herencia, o ante la desesperación que les provoca una chica (Brontë) quien no responde como ellos desean o requieren. Al final, con la turba de caníbales se evidencia aún más el concepto de anarquía y rebeldía, una lucha encarnizada entre humanos en la que vencedores/depredadores se comen a los vencidos/presas.

Godard no pretende seducir con la imagen, como la creciente -en ese momento- industria publicitaria, que plantea escenarios idílicos y personas idealizadas para que el consumidor siempre desee un producto. El lenguaje visual en la publicidad es inmediato, fácil de aceptar, es primitivo, genera una necesidad y ofrece la solución, convirtiendo al público meta en un animal irracional, que responde a estímulos básicos y que está dispuesto a grados de violencia para defender su "derecho" a satisfacer esa pseudo necesidad, sin importar el costo en vidas humanas. Week-end es una fábula que advierte sobre este proceso, que en distintos aspectos se ha convertido en realidad, si nos ponemos a analizar las costumbres bajo las cuales el ser humano del siglo XXI se "entretiene".

Estrenada antes de los eventos del Mayo del 68, "Week-end" se anticipa a la que sería la segunda parte de la filmografía de Godard, cuando funda el grupo Dziga Vertov (en honor al cineasta soviético); estas películas se caracterizaron por el empleo de imágenes chocantes en vez de tomas "bellas", tampoco se busca crear una historia sino de plantear un manifiesto radical, revolucionario, cercano a las ideas maoístas y marxistas; la banda sonora se nutre de sonidos hipertrofiados y, en general, se buscaba hacer ensayos fílmicos radicales.

Además de la forma y técnica, la película también fue cuestionada por el contenido. Hay escenas en las que se matan animales (al pareceer fueron sacrificados realmente); también se hace referencia a violaciones, incluso al canibalismo que si bien son trucos -estos últimos- del lenguaje cinematográfico, las personas los experimentan de forma cercana y chocante. La revista "Premiere" incluyó este filme en su lista de las 25 películas más peligrosas, tal vez porque se sintieron ofendidos o por razones mediáticas, de todos modos no pasa de ser una lista más entre tantas.




Para la década de los setenta, otros directores realizaron más adaptaciones, acá hay un resumen de esas producciones:


Título original: La fin du jeu. Francia (1971). Cortometraje
Director: Walter Renaud
Basada en el cuento: Final del juego (Final del juego)
Elenco: Anne Laure Dizengremel, Nicolás Martín, Lorenne Rio, Barbara Warner

Título original: El río. Argentina (1972). Cortometraje. B/N
Director: Arturo Balassa
Basada en el cuento: El río (Final del juego)

Título original: Histoires insolites: Monsieur Bébé. Francia (1974). Color
Dirección: Claude Chabrol
Guión: Claude Chabrol y Roger Grenier
Cinematografía: Jean Rabier
Montaje: Monique Fardoulis
Música original: Pierre Jansen
Basada en el cuento: Los buenos servicios (Las armas secretas)
Elenco: Denise Gence, Marc Doelnitz, Sylvie Joly, François Perrot, Daniel Ollier

Chabrol filmó la miniserie de televisión "Historias insólitas" en 1974 con cuatro episodios, y en 1979 con un episodio. El capítulo titulado "Monsieur Bébé" está basado en el cuento Los buenos servicios de Cortázar.

Título original: Cartas de mamá. España (1978). Color
Director: Miguel Picazo
Basada en el cuento: Cartas de mamá (Las armas secretas)
Elenco: Mercedes Borqué, Guillermo Gentile, Susana Mara, Julio Núñez, Luisa Rodrigo

Parte de la teleserie española "Escrito en América" que estuvo al aire en 1978-1979, fue el episodio "Cartas de mamá" basado en el cuento homónimo de Julio Cortázar.


Título original: L'ingorgo (El gran atasco). Italia, Francia, Alemania Occidental y España (1979). Color.
Director: Luigi Comencini
Guión: Luigi Comencini, Ruggero Maccari y Bernardino Zapponi
Cinematografía: Ennio Guarnieri
Montaje: Nino Baragli
Música original: Fiorenzo Carpi
Basada en el cuento: La autopista del sur (Todos los fuegos el fuego)

Elenco:

Alberto Sordi como el abogado
Orazio Orlando como Ferreri (ayudante del abogado)
Ugo Tognazzi como el profesor
Gérard Depardieu como Franco
Miou-Miou como Angela
Marcello Mastroianni como Marco Montefoschi
Stefania Sandrelli como Teresa
Ángela Molina como Martina
Harry Baer como Mario
Anne Girardot como Irene
Fernando Rey como Carlo
 
A diferencia de la versión de Godard, Comencini filma una película más apegada al cuento de Cortázar; traslada las situaciones de la carretera París-Marsella a Roma; también los personajes tienen otros nombres (en el cuento se llaman por el vehículo que conducen) y los hechos duran menos que en el cuento. Sin embargo, el diseño de producción está bien logrado, la carretera donde filmaron cumple a cabalidad para transmitir la atmósfera agobiante y permite el desarrollo de personajes. Este punto es el más débil de la película, hay muchos personajes y las historias quedan inconclusas; Cortázar escribió más sobre situaciones que sobre personajes, eso permitía identificarse más con un hecho que con alguien del cuento; en cambio, en la película se nos habla mucho sobre ciertos personajes y es inevitable querer saber más sobre ellos.

Destaca la actuación de Alberto Sordi, como un abogado narcisista y el trabajo de Orazio Orlando como su ayudante; también las actuaciones de Ángela Molina como una chica hippie que es violada salvajemente y la de Harry Baer como el chico que es golpeado y que acompañaba a la muchacha hippie. Mastroianni hace un papel menor, cumple, pero no brilla, lo mismo podemos decir de Fernando Rey y Gérard Depardieu.

La fortaleza del relato está en las situaciones que vemos, la desesperación de los viajantes, la insatisfacción creciente y el grado de individualismo que hace que surjan conflictos, desde la muerte de un hombre quien iba transportado en ambulancia y no pudo llegar al hospital, hasta conflictos de pareja y la escena de la violación, que es particularmente violenta y repulsiva. Hay otras escenas de violaciones en el cine, pero esta resulta grotesca por el contexto y por la actitud de los cuatro hombres quienes observan morbosamente cómo una chica es violada por tres muchachos, sin hacer nada, incluso niegan haber visto algo cuando el joven acompañante de la mujer y que ha sido golpeado, ha recobrado la conciencia.

El director también se empeña en mostrarnos situaciones de parejas en las que se separan por algún motivo o al menos tienen conflictos, un matrimonio discute por unas llaves que no aparecen; otra pareja, ella le es infiel al marido con el acompañante; en otra situación, una mujer casada y embarazada se deja seducir por otro hombre, etc. En el cuento existe una historia que surje dentro de las circunstancias del embotellamiento, pero que culmina tan esporádicamente como empieza. En cambio, en la película sí se pretende abarcar este tema de las relaciones de pareja, pero no pasa de ser situaciones pintorescas y cómicas (exceptuando la violación). Hay otros momentos interesantes, de gran humor, cuando vemos a una persona que camina entre las filas de autos y otro que viaja en bicicleta, un llamado de atención de lo absurdo de la situación y la inutilidad de cierto estilo de vida.



En la década de los ochenta, la influencia del escritor argentino continuó, aunque ninguna película haya trascendido. Las obras fueron:


Título original: Cambio de luces. México (1981). Color. Cortometraje
Director: Leopoldo Best
Guión: Karin Albers, Leopoldo Best y Javier Rivera
Cinematografía: Karin Albers
Montaje: Leopoldo Best
Elenco: Dominique Guillimet y Ramiro Gómez
Basado en el cuento: Cambio de luces (Alguien que anda por ahí)
Duración: 12 minutos

Título original: Intramuros. México (1982). Color. Cortometraje
Directora: Cristina Gómez
Guión: Cristina Gómez
Elenco: Julián del Solar
Duración: 20 minutos

Título original: Instrucciones para John Howell. España. (1983). Color. Película para televisión
Director: José Antonio Páramo
Guión: Ángela Duerto
Cinematografía: Francisco Fraile
Montaje: José María Biurrún
Música: José Nieto
Basada en el cuento: Instrucciones para John Howell (Todos los fuegos el fuego)
Elenco: Héctor Alterio, Fernando Cebrián, Concha Leza, Carlos Lucena, Maribel Martín

Título original: La maga. México (1984). Color. Cortometraje
Directora: Marisa Pecanins
Guión: Marisa Pecanins
Cinematografía: Ciro Cabello
Montaje: Marisa Pecanins
Duración: 13 minutos
Basado en la novela: Rayuela
Elenco: Emiliano Buenfil, Bárbara Córcega, Virginia Gimeno, Pancho Lagos
 
 
Título original: Der gläserne Himmel (El cielo de cristal). Alemania (1987). Color
Directora: Nina Grosse
Guión: Nina Grosse
Cinematografía: Hans-Günther Bücking
Montaje: Patricia Rommel
Diseño de producción: Christine Pandelle y Rainer Schaper
Música original: Flora St. Loup
Basada en el cuento: El otro cielo (Todos los fuegos el fuego)
 
Elenco:

Helmut Berger como Julien Lemer
Sylvie Orcier como Bichette
Agnes Fink como la madre de Julien
Maria Hartmann como Irene
Tobias Engel como Cortez
Flora St. Loup como Kiki
 
Premios:

Premios de Cine de Bavaria: Mejor dirección novel
Premios de la Cámara Alemana: Promotional Award

No he visto la película, pero encontré este artículo en alemán: http://www.spiegel.de/spiegel/print/d-13529416.html

Título original: Sinfín. Argentina. (1988) Color.
Director: Cristian Pauls
Guión: Alan Pauls y Cristian Pauls
Cinematografía: Hugo Colace
Montaje: Pablo Mari
Música: Glenn Miller
Basada en el cuento: La casa tomada (Bestiario)
Elenco: Alberto Ure, Lorenzo Quinteros, Susana Tanco, Jorge Marrale, Cristina Banegas, Leal Rey

Título original: Manuscrito Achado num Bolso. Brasil. (1988). B/N
Director: Ricardo Carnelossi
Guión: Plínio Bariviera y Ricardo Carnelossi
Cinematografía: Murilo Rezende y Juliano Serra
Montaje: Ricardo Carnelossi
Duración: 20 minutos
Basado en el cuento: Manuscrito hallado en un bolsillo (Octaedro)
Elenco: Adriana Estitte, Clélia Guerreiro, Raul Marques, Lidia María Pía, Bel Temudo, Venâncio

Título original: End of game. (1988). Cortometraje
Directora: Michelle Bjornson
Basado en el cuento: Final del juego (Final del juego)



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