lunes, 13 de mayo de 2013

Sed de vivir




Título original: Lust for life. EE.UU. (1956) Color.
Director: Vincente Minnelli
Guión: Norman Corwin basado en la novela de Irving Stone
Cinematografía: Russell Harlan y Freddy Young
Edición: Adrienne Fazan
Música: Miklos Rozsa
Duración: 122 minutos

Elenco:

Kirk Douglas como Vincent Van Gogh
Anthony Quinn como Paul Gauguin
James Donald como Theo Van Gogh

Premios:

Oscar a mejor actor de reparto.
Globo de oro a mejor actor


Lust for life, también conocida como "El loco del pelo rojo" es una película atípica en la filmografía de Minelli, realizador que alcanzó la fama a través del cine musical en los años 50; y quien recibió su único Oscar a mejor director por Gigi (1958).

El proyecto de Lust for life fue una ambición personal por la que luchó por contar con John Houseman como productor y Kirk Douglas en el papel protagónico. La gestación de filme nace con la novela homónima de Irving Stone publicada en 1934. El propio Stone fue quien hizo el primer guión, sin embargo por cuestión de tiempo y porque la MGM no quería comprometerse la película no se realizaba. El gran empuje lo tuvo con la competencia, en 1952, la United Artists estrena Moulin Rouge de John Huston, película que fue bien recibida por la crítica y el público y animó a la MGM a encargarle a Minnelli "Lust for life" a cambio de que el director filmase otro musical: "Kismet" (Un extraño en el paraíso, 1955).

Vincente Minnelli en el set dando instrucciones

Como en la película de Huston, Toulouse Lautrec era el eje del relato; en Lust for life, Van Gogh es el protagonista, pero filmada con una visión diferente, se trata de una ficción histórica lo que va a constituir el inicio del moderno cine biográfico, en el que la acción se centra en la vida del personaje y sus dramas personales.

La película tiene una estructura narrativa episódica, dividida en cinco partes, cada una representada por un color que simboliza un período específico en la vida del pintor. Los episodios serían los siguientes:

  • Negro: son las escenas iniciales, en las que el negro y el gris son predominantes desde los vestuarios hasta los decorados. Representa las experiencias de Van Gogh en la mina, el trabajo y el contexto social).
  • Verde oscuro: cuando el pintor regresa a Holanda a la casa de sus padres, hay un predominio de las escenas campestres, pinta en exteriores; también es el momento en que pasa una temporada con una mujer y su niña.
  • Rojos brillantes: representa todo el glamour de París, las nueveas tendencias lideradas por los impresionistas y la fortaleza en el trazo de Van Gogh. La vida bohemia y el choque cultural.
  • Amarillos: la casa de reclusión en Arles donde Van Gogh deja salir todo su desenfreno artístico, pero también sus demonios internos, está caracterizado por la preponderancia de tonos amarillos en los campos exteriores, mientras que en las pinturas con escenas en interiores predomina los rojos y azules. En este período Van Gogh estrecha amistad con Paul Gauguin.
  • Multicolor: tras el percance con la oreja, Van Gogh regresa a París, acá el matiz del filme es más variado, vemos cuadros de las diferentes etapas del pintor y no hay un color definido, todo es importante; se nota también en los vestuarios y en los decorados (fijarse en el cambio de escenografía en el apartamento de Theo Van Gogh).

Minnelli fue muy detallista a la hora de filmar y logró imponerse ante los ejecutivos de la MGM en aspectos escenciales. Primero, la película está rodada principalmente en exteriores (Minnelli era conocido por filmar en estudios), las locaciones fueron en Europa en los mismos lugares en los que Van Gogh vivió, así el equipo de producción se trasladó a Holando, Bélgica y Francia donde se filmó la mayoría del metraje. Esto brindó un mayor realismo a la historia y abrió el camino a los mercados europeos, los cuales tras la Segunda Guerra Mundial no tenían mucho presupuesto para filmar grandes producciones.

A través del productor John Houseman, se negoció con diferentes museos que albergan la obra pictórica de Van Gogh para que prestasen los cuadros, así un equipo de especialistas realizó las reproducciones lo más fiel posible; esto fue un requerimiento explícito de Minnelli, quien no quería caricaturizar al pintor ni menospreciar su trabajo. Por ejemplo, se puede apreciar la escena final en la que observamos un plano con varios cuadros de Van Gogh, un tributo a su obra y trayectoria.

Otro de los puntos vitales en la producción fue la filmación en Cinemascope, lo cual provee de un mayor ancho al fotograma y le permitió al director aprovechar el espacio en el cuadro. Es decir, podía utilizar en una misma escena a varios personajes y colocarlos de acuerdo a la estética de los cuadros del pintor, así lograba una mayor profundidad, un mayor detalle en el relato y dotaba de mayor realismo a la historia. También filmó usando pocos cortes, Minnelli creó planos secuencias en los que confiaba en el trabajo de sus actores, estas secuencias de mayor duración crean un efecto psicológico en el espectador quien interpreta lo visto como real.

En este fotograma se puede apreciar la profundidad del cuadro, lo que permite al director filmar secuencias largas sin tener que cortar la escena

El mayor cambio en el metraje fue la no utilización del Technicolor, debido a razones presupuestarias y artísticas, Minnelli prefirió filmar con Anscolor. Este negativo era mucho más barato, pero se producía poco, la MGM tuvo que comprar todo el negativo que tenía la Kodak para filmar la película e instauró un estudio de revelado para que pudieran hacer el montaje. Minnelli tampoco quiso filmar con Eastcolor debido a que los colores de este negativo no se correspondían con la paleta de colores de Van Gogh, por lo que el filme no sería verosímil. El problema que tiene el Anscolor es que es muy difícil de conservar, razón por la cual las copias se deterioran con mayor rapidez y se pierde el brillo original. Hay que recordar que en la década de los 50 se posiciona la televisión en el mercado casero, pero esta era en blanco y negro, así que el mayor incentivo que podia ofrecer las salas de cine era la magnificencia de la pantalla y el color, a su vez, las filmaciones en exteriores brindaban mayor realismo con respecto a las producciones hechas en un estudio.

Kirk Douglas hace una de sus mejores interpretaciones, desde joven alardeaba con su parecido físico con el pintor y fue el candidato ideal para interpretarlo. Se llegó a teñir el cabello para dar con la tonalidad justa. El vigor que le imprime a sus movimientos y la mirada penetrante son su sello para este filme, para el que investigó bastante y buscó distanciarse de la visión romántica de las biografías de la época. El objetivo era representar el tormento interno del pintor, sus dramas existenciales y su visión creativa. La película abarca 12 años en la vida de Van Gogh, desde los 25 hasta los 37 (año de su muerte). El carácter atormentado del protagonista fue clave para la aceptación de la película por parte del público, quien más que ver al pintor del siglo XIX, se veía reflejado en lo que era la sociedad de postguerra, tras la culminación de la Segunda Guerra Mundial, las diferentes personas involucradas en el conflicto empezaron a experimentar diversas consecuencias, desde estrés postraumático, vacío existencial, depresión, angustia, entre otras. Hay una fuerte conexión entre la lucha por encontrar un sentido a su creatividad por parte de Van Gogh y la lucha de gran parte de la población por encontrarle sentido a sus vidas, especialmente en el tema de la masculinidad. Van Gogh se aisla, deja salir su mundo interno, transforma la realidad según su subjetividad y la representa en sus cuadros, de igual manera, los excombatientes regresaban a sus hogares buscando intimidad, promoviendo valores morales que les permitieran distanciarse del mundo, optaban por el miedo y la indiferencia.


El resto de actuaciones son muy buenas, permiten largas secuencias y una facilidad en las transiciones. Destaca Anthony Quinn como Gauguin una especie de antítesis de Van Gogh, otro genio de la pintura que envidiaba la facilidad de trazo del holandés, pero que a su vez era envidiado por Van Gogh por la forma en que interpretaba la realidad. Quinn ganó el Oscar por su interpretación, fueron cerca de 22 minutos por lo que se convirtió en el actor con menor tiempo en escena en ganar un Oscar.

Hay que destacar el trabajo del director para la planificación de las escenas y la posterior edición. Se puede apreciar cómo cada parte del filme está concebido como si fuera parte de una pintura de Van Gogh, incluso vemos a Kirk Douglas en ciertos momentos interactuar con alguien y más adelante vemos el cuadro, por ejemplo la escena en un salón rojo con unos hombres jugando pool y Van Gogh tomando. También hay elementos que el director extrae de la obra pictórica y los traduce a lenguaje cinematográfico, tal es el caso de las lámparas, muy presentes en los cuadros de Van Gogh y que vemos en varias transiciones de escenas. Sin embargo, el elemento que otorga de unidad al filme como un todo, son las cartas que Van Gogh escribía a su hermano, desde el comienzo del filme, sabemos que la relación entre ellos es buena y cómo Vincent trata de explicarle y adevertirle a Theo su mundo interno, lleno de ensoñaciones y traumas. Los estilos y los colores cambian en la vida de Vincent y lo vemos reflejado en la película, pero las cartas siempre están presenten y siempre tienen un tono que refleja confianza.

Por último, comentar que en el apartado musical, el trabajo de Rozsa no me pareció el mejor, la melodía se vuelve muy melodramática en ciertas escenas, principalmente aquellas que son claves para mostrar el tormento interno del pintor, la música es excesiva y desentona con el filme en esas secuencias.

Avance promocional de la película:


Escena de la película, en la que podemos apreciar el uso de la lámpara como elemento narrativo; también la forma en que el actor sale de cuadro en un momento de clímax mientras el director nos narra mediante la música y la imagen reflejada en el espejo.

14 comentarios:

  1. Yoshua:
    usted lo menciona por ahí: el vigor (creo que usted lo dice a propósito del actor Douglas), pero ello es eje en el tratamiento del filme, lo que sorprende más cuando su director Minnelli lo fue más de musicales o cine por el estilo.

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    1. Ciertamente el filme tiene una gran intensidad y vigor; la banda sonora creo que resulta excesiva en algunos pasajes. Y comparto en lo de Minnelli, en lo personal no he visto mucho cine de él, porque los musicales no son mi predilección, pero Lust for life, es una gran película.

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  2. Increíble.
    No me había dado cuenta que no estaba de seguidor.
    Listo.
    Ahora sí, como debe ser.

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  3. Esta película sí la vi de jovencita imagínate tú que en VH.............
    Escribes muy bien Yoshuita sin ser hesuita.

    MilindoYoshuita: puse entradita nuevita, ¿vienes?

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    1. Ahorita paso por tu blog Niña! Gracias por el comentario, también me recuerdo de aquellos adelantos tecnológicos de los 80's

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  4. Yoshua, puse este comentario en Facebook:

    "Para quienes gustan del mejor cine y, ante todo, DE LAS MEJORES CRÍTICAS, recomiendo leer a Yoshua Oviedo, ¡costarricense!, quien escribe en su blog. Dejo el enlace:
    http://vivecinescrupulos.blogspot.com/ "

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    1. ¡Muchas gracias por el apoyo DW! Es probable que regrese al "cara-de-libro" en estos días

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    2. Hágalo, aunque se solo para darle gloria a su blog, que su blog se la merece.

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    3. Me imagino que la Niña Pochita quiso decir "jesuita", donde escribió "hesuita". Imagino.

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    4. Es probable, habrá que preguntarle a la Niña... Con lo del blog y la proyección del mismo, voy a tener en cuenta sus recomendaciones; muchas gracias

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  5. alguien me puede decir donde puedo ver esta pelicula de Van Gogh sed de vivir

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  6. Saludos Elyaz, la película se puede comprar a través de Amazon, depende del lugar en el que vivas, puede ser que en algún video se encuentre. Sino también está buscarla por internet donde seguramente se encontrará

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  7. esta pelicula es muy buena! la interpretacion de los personajes es sublime y uno se adentra en aquellos tiempos ademas de conocer a van gogh que era un pintor maravilloso.

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