domingo, 30 de diciembre de 2012

Lo mejor del 2012



Un año más se acaba y les traigo por segundo año mi selección de lo mejor en el mundo cinéfilo. Como siempre hay que hacer algunas aclaraciones, como cualquier selección a algunos les gustará y otros no compartirán mi opinión. Debido a algunas críticas recibidas durante el año, he tratado de hacer cambios en la lista final. Sin embargo, he tratado de tomar en cuenta una gran cantidad de películas; este año aunque pude ver menos cine, la selección ha sido más difícil debido a la tremenda calidad de las propuestas.

El material en su gran mayoría ha sido de fuente original, sea en formato DVD o Bluray; otras que pude apreciar en cines y algunas que tuve que descargar porque me era imposible comprarlas y definitvamente no iban a llegar a mi país en este año. Eso sí, la calidad de las descargas cumplieron unos estándares de calidad para poder apreciar como se debe una película, la fotografía principalmente es lo que más se ve afectada en las descargas de baja calidad y tampoco voy a sacrificar mi gusto por este arte por ver de manera apresurada una película. Por esta razón, como siempre sucede, hay filmes que no pude ver y espero hacerlo en los próximos meses para compartir mis impresiones con ustedes. Entre las películas que no pude ver están: The Master (Paul Thomas Anderson), Tyrannosaur (Paddy Considine), Profesor Lazhar (Philippe Falardeau); Le capital (Costa-Gavras), Dans la maison (Francois Ozon), Las nieves del Kilimanjaro (Robert Guédiguian), Después de Lucía (Michel Franco), Like someone in love (Abbas Kiarostami); y otro montón y algunas más que ni me enteré de su existencia.

Así que vayamos directo a las selecciones y espero que los cambios sean de su agrado. Si algún lector quiere ponerse en contacto conmigo puede buscarme en Facebook: Vivecinescrupulos Blogspot. Ahí también comento y critico películas que no necesariamente les dedico un artículo en el blog. Y si gustan pueden apuntarse como seguidores de este blog.



MEJOR ACTOR




3. El elenco de César debe morir (de los hermanos Taviani)

Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, Juan Darío Bonetti y el resto del elenco de esta estupenda película merecen una ovación, sus respectivas interpretaciones se amalgaman a la perfección en esta magnífica película. Su capacidad de interacción, de convencernos en sus respectivos roles y de representar dos papeles (el de prisioneros y el de los actores de la obra teatral que están montando) con todas sus dimensiones los hace digno de reconocimiento. ¡Ah! Sin olvidar que varios son prisioneros en la vida real.


2. Denis Lavant por Holy Motors (de Leos Carax)

Una grandiosa interpretación de Lavant hace creíble todo este mundo cinéfilo creado por Carax, a partir del personaje de Merde (que Carax usó en el segmento que dirigió de Tokyo -2008-) nace esta nueva película y nuevamente es Lavant quien lo personifica, en esta ocasión puede ampliar su registro histriónico en una serie de personajes de lo más variopinto y en todos se nota la fuerza actoral del francés, sencillamente magnífico. Leer más.


1. Michael Fassbender por Shame (de Steve McQueen)

El ganador de la Copa Volpi en Venecia fue el mejor del año. Su interpretación de Brandon Sullivan es de lo mejor en la historia del cine, el alemán pudo configurar un personaje y dotarle de vida ante nuestros ojos, la capacidad de humanizarlo ante sus adicciones y miedos fue extraordinaria. El prototipo del hombre contemporáneo se encuentra acá, con todos sus demonios, su encanto, sus limitaciones, etc. Fassbender convence desde la sensibilidad hasta la fuerza de sus acciones, sus gestos, su mirada. Es sin duda uno de los mejores actores del momento. Leer más.




MEJORES ACTRICES




3. Marion Cotillard por De óxido y hueso (de Jacques Audiard)

La francesa hace a mi parecer la mejor actuación de su carrera. Interpreta a una mujer que tras un accidente pierde sus piernas, es entonces cuando se nota la gran actriz que es, pues con su rostro, sus gesticulaciones da forma a un personaje muy complejo con una amplia gama de sensaciones y emociones. 


2. Tilda Swinton por We need to talk about Kevin (de Lynne Ramsay)

Eva es madre, esposa, víctima y sobre todo, mujer. Swinton en el mejor papel de su carrera da vida a una mujer atormentada por una tragedia y quien vive con la culpa de haber sobrevivido y de amar a quien realizó tal suceso. Con una magnífica interpretación, Swinton nos sumerge en la depresión, la neurosis y la reconstrucción de la vida de Eva... mujer y madre hasta el final... Leer más.


1. Emmanuelle Riva por Amor (de Michael Haneke)

La decisión más difícil que tuve este año fue para elegir la mejor actriz. Pero si alguien superó las mejores actuaciones de sus -respectivas- vidas de Cotillard y Swinton fue Riva. A su vez, es la reinvindicación de las actrices mayores quienes luchan en una industria que solo tiene ojos para las chicas jóvenes. Anne es una adulta mayor en el ocaso de su vida, una octogenaria que de pronto una enfermedad le quita parte de su movilidad, pero peor aún, su intimidad; ahora depende de otros para sus necesidades más básicas. La manera en que Riva encaró este reto fue fenomenal, con una gran sensibilidad y por sobre todo AMOR. Leer más.




MEJOR MÚSICA




3. Alexandre Desplat por Moonrise Kingdom (de Wes Anderson)

Nuevamente este año tengo que incluir una banda sonora del maestro Desplat. Con gran originalidad recrea el universo que Wes Anderson requería para ambientar su película. Recargada de instrumentos y de voces que permiten disfrutar el filme y gozar de su música. Leer más.


2. Trent Reznor y Atticus Ross por The girl with the Dragon Tattoo (de David Fincher)

Pontente banda sonora que marca los ritmos de la película, hacía años que no me emocionaba tanto con una BSO. Es trepidante de principio a fin. La música de los títulos iniciales son lo mejor en décadas, un arreglo de La canción del inmigrante (Led Zeppelin) fabulosa. La música cobra vida en este filme que nos envuelve y transporta al mundo que observamos. Leer más.


1. Ludovic Bource por El artista (de Michel Hazanavicius)

Increíble banda sonora, cómica, dramática, con suspenso... y además tenía la dificultad que los actores no hablaban, por lo que la atención de los espectadores era mayor. Gran parte del éxito de este filme se le debe a la partitura de Bource. Con gran atención a los detalles y dotando de personalidad a cada actor. Leer más.




MEJOR CINEMATOGRAFÍA




3. Seamus McGarvey por We need to talk about Kevin (de Lynne Ramsay)

Con un predominio de tonalidades rojizas, esta obra derrocha creatividad a la hora de crear secuencias y postales que se te quedan en la memoria. Marca un estilo independiente, personal y le imprime personalidad a un filme lleno de momentos geniales. Leer más.


2. Robert Yeoman por Moonrise Kingdom (de Wes Anderson)

La magia de este filme empieza por la recreación de la época de los años 60 y para ello Yeoman utiliza una paleta en tonos amarillos, naranjas y verdes. En ciertas escenas se nota especialmente un efecto como descolorido, tratando de crear la ilusión de añejamiento. Sencillamente una propuesta que calza a la perfección con el cine de Anderson. Leer más.


1. Bruno Delbonel por Fausto (de Aleksandr Sokurov)

Delbonnel crea una obra pictórica magestuosa en el que se ubica este atemporal Fausto de Sokurov. Inspirado en las pinturas de David Teniers y Herri met de Bles, recrea una Europa medieval cargada de elementos campestres entre montañas y bosques. Un reflejo de la mente torcida de sus protagonistas, una epopeya visual con un grado altísimo de calidad. Leer más.




MEJOR GUIÓN




3. J. C. Chandor por Margin Call (de J. C. Chandor)

Impresionante trabajo de Chandor que firma un guión acusioso, con diálogos filosos que develan el carácter despótico de los altos ejecutivos detrás de las crisis financieras y económicas que sumen en la pobreza a millones de personas. El relato transcurre en una noche, intensa, fría y llena de violaciones a la moral... todo sea por seguir siendo millonarios. Leer más.


2. Paolo Taviani y Vittorio Taviani por César debe morir (de Pablo y Vittorio Taviani)

Basados en la obra Julio César de William Shakespeare, los hermanos Taviani construyen un relato trepidante. Prisioneros en una cárcel de máxima seguridad interpretando una obra shakespereana, diálogos que no sabemos si los dice el reo o el actor; y con una ubicación de los hechos y las secuencias magistral. Lo mejor de todo es que desarrollan un drama intenso y profundo en solo 76 minutos, mientras que otros hacen películas de casi 3 horas sin ideas. El último diálogo del filme es para reflexionar...

1. Asghar Farhadi por Nader y Simin una separación (de Asghar Farhadi)

Filme excepcional en todos sus sentidos. Un guión estupendo que ante un simple hecho (divorcio) se complica con las problemáticas individuales y socioculturales de los protagonistas. Sin caer en sentimentalismos ni recursos baratos, Farhadi nos habla con franqueza de un drama humano, nos envuelve con matices culturales sin hacer juicios de valor y, a la vez, comprendemos las razones que mueven a cada personaje. El final es una obra de arte, magníficamente diseñado... Leer más.




MEJOR EDICION



Joe Walker por Shame (de Steve McQueen)

Filme exquisito con una planeación meticulosa y llena de metáforas, como esa secuencia en la que Fassbender trota por unas calles de Nueva York desoladas. La película tiene un tempo perfecto, en el que podemos conocer a los personajes, sus dilemas, miedos y secretos, para luego introducirnos por completo en esta historia de adicción. Leer más.



MEJOR DIRECTOR




Leos Carax por Holy Motors

Uno de los filmes más controversiales del año, pero a mi juicio, una maravilla que será referencia obligatoria en las cátedras de cine y producción audiovisual por varios años. Carax muy fiel a su estilo experimental y extravagante rompe esquemas estructurales y nos regala una joya cinematográfica llena de color, sabor y textura, una película estéticamente maravillosa en la que se critica a la sociedad consumista y materialista. Filme inclasificable, pero inolvidable. Leer más.




MEJOR PELÍCULA FAMILIAR




Arrugas de Ignacio Ferreras

Tradicionalmente se escoge un filme que está dirigido especialmente a niños y que los adultos (padres) disfrutan o al menos se les hace soportable, pero, qué pasa con los otros adultos (abuelos) quienes en ocasiones se duermen porque lo que ven sencillamente no les significa nada. Por eso, este año elijo a Arrugas como la película familiar del año y que sea al revés, que los niños se eduquen y comprendan la vejez, que compartan algo con sus abuelos más allá de los regalos. Arrugas está basada en la novela gráfica de Paco Roca y es una animación de calidad que nos muestra sin tapujos el declive físico y psíquico que llega con la edad. Además, nos muestra el desprecio de los hijos que no quieren cuidar a sus progenitores y prefieren que instituciones se encarguen de ellos, demostrando la falta de apoyo y entendimiento que el mundo occidental (principalmente) tiene para con los adultos mayores. ¡Cuán diferente se vive una enfermedad si se cuenta con el apoyo y el amor de los familiares!  Arrugas nos regala cuadros increibles en los que se compara los primeros años de la infancia con los últimos de la vida, el ciclo vital de cada persona. 




TOP 5 DE PELÍCULAS ANIMADAS




5. Dripped (Léo Verrier). Francia

Corto animado francés de enorme valía artística que le valió el primer lugar en el festival de Sitges. Un ladrón de arte tiene la compulsiva necesidad de comerse lo que roba e inmediatamente se transforma y adquiere las cualidades de cada pintura. Una manera muy entretenida de enseñar a través de la animación sobre historia de arte. El corto está dedicado a la memoria de Jackson Pollock. Apta para todo público.



4. Batman: The Dark Knight Returns part 1 (Jay Oliva). Estados Unidos

Tengo que admitir que esta película animada la disfruté más que la última película de Nolan sobre Batman. Y es que los estudios de animación de la Warner han hecho los mejores trabajos sobre el género de superhéroes en los últimos años. Con una música fabulosa que perfectamente podría ser el de una película de acción real. El filme está basado en los dos primeros volúmenes de la aclamada novela gráfica de Frank Miller (la misma en la que Nolan basó parte de la última película de su trilogía) y respeta fielmente la obra de Miller y el arte de Klaus Janson y Lynn Varley). Es mucho más oscura, violenta y madura en su contenido, aunque el tipo de dibujo sigue siendo limitado artísticamente. En enero del 2013 se estrena la segunda parte. Advertencia: no es apta para niños.


3. Arrugas (Ignacio Ferreras). España

Como mencioné anteriormente, Arrugas está basada en la novela gráfica de Paco Roca. Les insto a ver esta película y reflexionar sobre el papel de los adultos mayores en nuestra sociedad, lo relegados que constantemente están de la vida familiar. Tiene un profundo mensaje sobre lo que significa envejecer, la soledad y el abandono. Aún así no crean que es una película dramática, la comedia está presente como lo está en la vida. Con un dibujo sencillo, pero con un gran guión y música; Arrugas ganó el Goya a mejor guión adaptado y a mejor animación. Apta para todo público (no tengan miedo de hablar sobre la muerte con los niños, es un proceso natural, obviamente según la edad así la explicación y eviten explicaciones fantasiosas, está demostrado que eso genera más confusión y ansiedad en los niños que la llana verdad).


2. Frankenweenie (Tim Burton). Estados Unidos

El último trabajo en animación de Burton ratifica que es mejor en este género que en acción real (donde hace cada bodrio). Fue refrescante el que no haya trabajado con Johnny Depp. Basado en un corto que el propio Burton hizo en 1984, esta película hecha en stop motion es un derroche de trabajo artesanal y un tributo al cine de horror (principalmente a la época dorada de la Universal). Así, tenemos oportunidad de ver versiones a lo Burton de Frankenstein, Drácula, la Momia, la "chica rara" y hasta a un Dr Fu Manchú. También hay espacio para homenajear al cine japonés de terror-ficción (Godzilla, Gamera); y como no podía faltar, referencias a Edgar Allan Poe y a Vincent Price. Es un filme muy entretenido con gran trabajo de iluminación y fotografía. Apta para todo público (aunque los niños difícilmente entenderán las referencias cinéfilas que hace Burton). Aclaro que elegí a Arrugas como la mejor película familiar porque, aunque es inferior en calidad a Frankenweenie, el mensaje me parece más importante y como mencioné antes, también quería romper esquemas y no quería elegir una película diseñada para un público joven.


1. Colorful (Keiichi Hara). Japón

Sencillamente impactante.  Una obra madura con gran calidad artística que nos obliga a reflexionar sobre el mundo en el que viven los adolescentes en la actualidad, no solo de Japón sino de cualquier parte. Suicidio, depresión, prostitución, consumismo desaforado, acoso escolar (bullying), etc., realidades que esta película nos habla con una sinceridad apabullante. Una banda sonora increíble y una animación que parece pintura en movimiento. Ojalá la puedan ver en bluray, definitivamente vale la pena. Tenía mucho tiempo de no ver un animé de esta calidad. Advertencia: no es apta para niños. Leer más.





TOP 10 DE LAS MEJORES PELÍCULAS (parte 1)

(Filmes del 2011 que se estrenaron o conseguí hasta este año y filmes del 2012)



10. De óxido y hueso

Título original: De rouille et d'os
Director: Jacques Audiard
Guión: Jacques Audiard y Thomas Bidegain basados en la historia de Craig Davidson
Edición: Juliette Welfling
Cinematografía: Stéphane Fontaine
Música: Alexandre Desplat
Elenco: Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts
País:  Francia - Bélgica

La primera película de Audiard después de la magistral Un profeta (2009) no defrauda, si bien no tiene el grado de excelencia de aquella, De óxido y hueso es un filme completo, con grandes actuaciones, un uso de cámaras incisivo e inteligente y una fotografía preciosa. Él un boxeador venido a menos con un hijo, ella una instructura en un parque acuático, no tienen mayor cosa en común, salvo sus extremidades; Audiard crea una historia centrada en la movilidad, ella pierde sus piernas en un accidente, él arriesga sus manos (y resto del físico) en cada pelea; sus mundos se cruzan y empiezan a compartir, intimar, pero por cuánto tiempo mantendrán la distancia emocional... Él torpe de palabras y ávido en los golpes; ella mutilada dentro del concepto social de belleza, encontrarán en el otro la esperanza para seguir adelante. Además, un ejemplo de cómo se puede usar la tecnología CGI para un drama perfectamente, abriendo posibilidades para que se utilicen los efectos especiales en otros géneros cinematográficos y que no atenten contra la historia. Ganadora en el Festival de Valladolid al mejor actor y mejor director.



09. Fausto

Título original: Faust
Director: Aleksandr Sokurov
Guión: Aleksandr Sokurov y Marina Koreneva
Edición: Jörg Hauschild
Cinematografía: Bruno Delbonnel
Música: Andrey Sigle
Elenco: Johannes Zeiler, Anton Adasinsky, Isolda Dychauk
País: Rusia

Una epopeya épica de altísima calidad estética. Sokurov nos trae su versión del Fausto de Goethe, cargada de detalles y ambientada perfectamente en una atemporal Alemania, con bosques y montañas sinuosas reflejo de la retorcida personalidad de sus protagonistas. Muy bien actuada, Fausto es un tratado sobre la moral y cómo esta se olvida por el afán humano de codicia y poder, se dice que el conocimiento lo es todo, pero qué precio se quiere pagar por este... firmarían con sangre la venta de su alma... Ganadora del León de Oro en la Mostra de Venecia. Leer más.



08. Tabú

Título original: Tabu
Director: Miguel Gomes
Guión: Miguel Gomes y Mariana Ricardo
Edición: Telmo Churro y Miguel Gomes
Cinematografía: Rui Pocas
Elenco: Teresa Madruga, Laura Soveral, Ana Moreira, Carloto Cotta, Isabel Cardoso
País: Portugal - Alemania - Brasil - Francia

Extraordinaria película narrada con destreza técnica. Contada en dos partes y con una fotografía a blanco y negro, Gomes homenajea a F. W. Murnau con una historia de amor y locura. Pocas veces he cambiado mi actitud de manera tan radical con respecto a un personaje como con este filme. En la primera parte conocemos a una Aurora envejecida, divagando en delirios de cocodrilos; mas en la segunda parte conocemos su historia, excelente giro narrativo digno de uno de los mejores guiones de la temporada. Complementan esta película su emotiva música y el legado portugués. Ganadora del premio FIPRESCI en la pasada Berlinale.



07. Amor

Título original: Amour
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Edición: Nadine Muse y Monika Willi
Cinematografía: Darius Khondji
Elenco: Emmanuelle Riva, Jean-Louis Trintignant, Isabelle Huppert
País: Austria - Francia - Alemania

Una de las historias más honestas que he visto en mi vida. Haneke se concentra en mostrarnos una historia simple, pero cargada de gran emotividad. Las enormes actuaciones de Riva y Trintignant llevan el peso completo del filme. Libre de moralismos y sentimentalismos, Amor nos cuenta de manera sincera la convivencia de dos octogenarios que están en la última etapa de su vida, ella cae enferma y él hará todo lo posible por cuidarla y asistirla, ella verá su intimidad invadida mientras va perdiendo sus facultades físicas. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes y se alzó con los premios a mejor actor, actriz, director y mejor película en los Premios Europeos de Cine. Leer más.



06. Tenemos que hablar de Kevin

Título original: We need to talk about Kevin
Director: Lynne Ramsay
Guión: Lynne Ramsay y Rory Kinnear basados en la novela de Lionel Shriver
Edición: Joe Bini
Cinematografía: Seamus McGarvey
Música: Jonny Greenwood
Elenco: Tilda Swinton, Ezre Miller, John C. Reilly
País: UK - EE.UU.

Controversial película sobre uno de los temas en boga: matanzas en centros educativos. El filme avanza con un ritmo lento y enigmático, a través de flashbacks vamos armando la historia, uniendo las piezas; así conocemos a Kevin desde que era un niño hasta que llegó a los 16... Eva, su madre, es la protagonista, una mujer victimizada desde la maternidad con sentimientos de culpa y amor que chocan dentro de sí. La fotografía, iluminación y música son muy creativos y le dan un estilo independiente a esta obra que visualmente es refrescante ante tanto cine comercial y fórmulas repetidas. Una de las mejores actuaciones del año y definitivamente una película para reflexionar sobre muchos temas. Ganadora a la mejor película en el Festival de Cine de Londres, nombrada mejor película británica del año (Círculo de Críticos de Londres) y ganadora a mejor actriz en los Premios Europeos de Cine. Leer más.



05. César debe morir

Título original: Cesare deve morire
Director: Pablo Taviani y Vittorio Taviani
Guión: Hermanos Taviani basados en la obra de William Shakespeare
Edición: Roberto Perpignani
Cinematografía: Simone Zampagni
Música: Giuliano Taviani y Carmelo Travia
Elenco: Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, Juan Darío Bonetti
País: Italia

Una de las mayores sorpresas del año, la ganadora de la Berlinale es una joya cinematográfica. Filmada con un estilo teatral, los hermanos Taviani colocan la cámara al servicio de los actores y de la historia, así adaptan la obra de Julio César de Shakespeare con privados de libertad en la vida real y con un estilo minimalista. El filme tiene una fuerza dramática impresionante, los diálogos son filosos cuchillos que atraviesan los cánones conservadores de la sociedad actual, constantemente dudamos si nos habla el actor o el privado de libertad. Una fotografía a blanco y negro extraordinaria que eleva el dramatismo y permite a los actores tener una mayor dimensión y profundidad. La película nos cuenta el proceso de ensayo antes de la presentación final de la obra ante un público selecto que llega a una de las cárceles de mayor seguridad de Roma. Curiosamente, los directores optan por sumerginos en el relato al punto que llegamos a olvidar que están en una cárcel, solo ciertas escenas nos recuerdan el mundo en el que se desarrolla el filme. Ganadora del Oso de Oro y del premio del Jurado Ecuménico en la Berlinale; y se alzó con los David a mejor película, mejor director, mejor edición, mejor productor y mejor sonido. Una vergüenza a mi juicio que los Oscar no la hayan tomado en cuenta.



04. Un reino bajo la luna

Título original: Moonrise Kingdom
Director: Wes Anderson
Guión: Wes Anderson y Roman Coppola
Edición: Andrew Weisblum
Cinematografía: Robert Yeoman
Música: Alexandre Desplat
Elenco: Jared Gilman, Kara Hayward, Bruce Willis, Edward Norton, Frances Mc Dormand, Bill Murray
País: EE.UU.

Una extraordinaria obra maestra de Wes Anderson, quien nos sumerge en su universo creativo, creando una historia muy original, llena de matices, sonidos, diálogos y secuencias inolvidables. Anderson inventó la isla, los libros que lee la protagonista, los diseños y todo lo amalgama en un gran guión. Nos transporta a la década de los sesenta y nos narra una de las historias de amor más magistrales en la historia del cine. Sam y Suzy tienen doce años y deciden escapar de sus respectivos hogares y de aquellos quienes les maltratan, quieren vivir juntos. Un elenco de reparto de lujo (Willis, Norton, McDormand, Murray, Swinton y Keitel) dotan de fortaleza a la película. Una comedia fantasiosa al estilo de Anderson y un mundo en el que muchos quisiéramos visitar marcan este filme de culto. La maravillosa fotografía y la banda sonora de Desplat terminan por conformar la película más divertida del año. Mejor película del año para la AFI, está nominada a mejor película comedia o musical en los Globos de Oro. Leer más.



03. Holy Motors

Título original: Holy Motors
Director: Leos Carax
Guión: Leos Carax
Edición: Nelly Quettier
Cinematografía: Caroline Champetier
Elenco: Denis Lavant, Edith Scob, Kylie Minogue, Michel Piccoli, Eva Mendes
País: Francia - Alemania

Una de las películas más controversiales del año, pero sin duda, va a convertirse en una referente obligada para cualquiera que estudie cine. Carax firma un filme inclasificable que critica con mordacidad la sociedad de consumo y otros cánones asumidos como naturales. Una película que es arte en sí misma, ejemplo perfecto de estética en el cine. Con una de las mejores actuaciones del año, música fabulosa y fotografía estupenda. Utilización de efectos especiales sin abrumar al espectador y al servicio de la historia. Enigmática, compleja y entretenida; Holy Motors es una experiencia cinematográfica completa, es un tributo de Carax al cine mismo, somos espectadores dentro y fuera de la película (algo muy difícil de hacer). Véanla como un filme experimental que puede haber creado un subgénero en la industria. Ganadora del Premio de la Juventud en Cannes, Hugo de Oro a mejor película y Hugo de Plata a mejor actor y cinematografía; y ganadora a mejor película y mejor director en el Festival de Sitges. Además, elegida la mejor película del año por la revista Cahiers du Cinema. Leer más.



02. Shame: deseos culpables

Título original: Shame
Director: Steve McQueen
Guión: Steve McQueen y Abi Morgan
Edición: Joe Walker
Cinematografía: Sean Bobbitt
Música: Harry Escott
Elenco: Michael Fassbender, Carey Mulligan
País: UK

Brandon Sullivan (Fassbender) es el prototipo del hombre actual: profesional, exitoso, con grandes comodidades económicas, pero fracturado y torturado interiormente. La sociedad nos vende ídolos huecos y Sullivan es uno de esos. Un adicto al sexo con un pasado turbio que no es capaz de intimar con alguien y compartir sus sentimientos. Sissy (Mulligan) es su hermana y regresa a su vida para desequilibrar ese caos que pende de un hilo que él llama vida. Inmensas actuaciones que desgarran al espectador y nos hace reflexionar sobre la sexualidad masculina y los mitos sociales alrededor de la misma. Una fotografía con abundantes tonalidades frías, una edición trepidante y un manejo de cámaras intimista del director hacen de Shame una obra maestra de culto. Un filme honesto que habla sin tapujos de la sexualidad, misma razón por la que los certámenes internacionales temieron darle mayor reconocimiento, absurdo moralismo. Steve McQueen está realizando cine autor de la más alta calidad y sus filmes serán referentes para futuros cineastas. Ganadora de la Copa Volpi a mejor actor y del premio FIPRESCI en Venecia, mejor cinematografía y edición en los Premios Europeos de Cine. Leer más.



01. Nader y Simin: una separación

Título original: Jodaeiye Nader az Simin
Director: Asghar Farhadi
Guión: Asghar Farhadi
Edición: Hayedeh Safiyari
Cinematografía: Mahmoud Kalari
Música: Sattar Oraki
Elenco: Payman Maadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Shahab Hosseini
País: Irán

Las cuatro primeras selecciones de este año, tuvieron la misma calificación, fue muy difícil escoger un orden. Las cuatro son obras extraordinarias del cine y tienen méritos en diferentes aspectos, al final me decanté por el impacto que creo tienen en la audiencia, en la industria y en la vida. Por esto, Una separación es la mejor. Una historia ubicada en Irán, pero que puede suceder (y sucede) en cualquier parte del mundo, con alguna que otra variante cultural y legal. Excelentes actuaciones, el mejor guión del año y un ejemplo magistral de cómo hacer cine de excelente calidad con grandes limitaciones, desde políticas hasta económicas. El filme parte de un hecho sencillo, un divorcio, y a partir de él conocemos a los protagonistas, quienes no son simplemente actores en una pantalla, son seres humanos reales con dimensiones profundas, con problemas, sueños, miedos, con argumentos propios y aprendidos; lo mejor, que no podemos juzgar a nadie, llegamos a comprender los contrastes socioculturales y las razones de cada uno de los protagonistas y simpatizamos con cada uno en algún momento, nos da rabia, nos da lástima, simpatizamos o reprochamos, es decir, nos sumergimos de lleno en el filme y no podemos ser indiferentes. Un manejo de cámaras en espacios cerrados estupendo, con una gran fotografía y una escena final magistral. Cine humano que todos deberíamos ver y reflexionar, comentar, difundir y crear respuestas... Ganadora de premios a mejor película en Estados Unidos (Oscar y Globo de Oro a mejor película extranjera), Alemania (Oso de Oro), Asia, Escandinavia, Francia, Italia, Sidney, Canadá, lo que habla de su universalidad. Además, conquistó el Oso de Plata a mejor actor y actriz y el premio del Jurado Ecuménico en la Berlinale. Leer más.





TOP 10 DE LAS MEJORES PELÍCULAS (parte 2)

(solo filmes del 2012)



10. Piedad

Título original: Pieta
Director: Kim Ki-duk
Guión: Kim Ki-duk
Edición: Kim Ki-duk
Cinematografía: Jo Young-Jik
Música: Park In-young
Elenco: Min-soo Jo, Eunjin Kang, Lee Jung-jin
País: Corea del sur

Aunque no es la mejor película del director asiático a mi entender, la maestría con el uso de cámara y la facilidad para estructurar una historia y darle fluidez la hacen merecedora para entrar en la selección. Un Kim Ki-duk disminuido sigue siendo mejor que muchos otros directores en su mejor momento. Piedad busca hacer conciencia sobre el tema de la violencia, un tema muy tratado en la cinematografía coreana. En esta ocasión, el realizador juega con los sentimientos de los intérpretes: esposos, madre-hijo. Y aunque el desarrollo puede ser previsible, las actuaciones son buenas.



09. No

Título original: No
Director: Pablo Larraín
Guión: Pedro Peirano
Edición: Andrea Chignoli y Catalina Marín Duarte
Cinematografía: Sergio Armstrong
Elenco: Gael García Bernal, Alfredo Castro, Antonia Zegers, Néstor Cantillana
País: Chile - Francia - EE.UU.

"No", es la confirmación de que el cine chileno está en alza. Historias muy bien desarrolladas, con grandes actuaciones y fuerza visual. El filme nos cuenta la historia detrás del plebiscito por medio del cual los chilenos sacaron del poder al tirano y dictador Augusto Pinochet. Con una gran actuación de Gael García, el publicista encargado de la campaña a favor del no. Por momentos, la película se torna en falso documental, principalmente con su fotografía y los videos de archivo de Pinochet y algunos actores involucrados en el momento. Cabe mencionar lo bien que recrean la época, desde el vestuario, la utilería, la iluminación, maquillaje, peinados, etc.  Lo más interesante es el planteamiento por medio del cual logran la victoria, una campaña centrada en el concepto de la alegría y el cambio y la ambivalencia del protagonista, quien asume el encargo como un trabajo más y no tanto por un compromiso político. Premio CICAE en el Festival de Cannes, Premio de la Audiencial en el Festival Internacional de Cine de Sao Paulo.



08. Post Tenebras Lux

Título original: Post Tenebras Lux
Director: Carlos Reygadas
Guión: Carlos Reygadas
Edición: Natalia López
Cinematografía: Alexis Zabe
Elenco: Adolfo Jiménez Castro, Nathalia Acevedo, Willebaldo Torres
País:  México - Francia - Holanda - Alemania

La última película de Reygadas es una experiencia visual increíble. Es un filme experimental que no está destinado para el público general, su estructura narrativa abstracta hace difícil su comprensión. Sin embargo, les animo a verla y disfrutar del cine autor de este mexicano, uno de los mejores realizadores que tenemos en nuestro continente en este momento. Como es costumbre, sus personajes se dividen según la clase social y tienen demonios internos que interfieren con su vida, en este caso, un demonio real aparece... Filmada en los países en el que el director ha vivido, es una película con muchos rasgos autobiográficos que reflejan las preocupaciones del mexicano. La modernidad versus la comodidad, la mentira versus la verdad, la tentación versus la franqueza. Destaco la gran fotografía utilizando encuadres fuera de foco creando un efecto específico sobre lo que significa la realidad o lo real, con una intención impresionista, principalmente en las escenas en exteriores, apreciamos una joya visual. Ganadora en Cannes como mejor director.



07. De óxido y hueso
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06. Fausto
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05. Tabú
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04. Amor
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03. César debe morir
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02. Moonrise Kingdom
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01. Holy Motors
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TOP 5 DE LAS MEJORES PELÍCULAS LATINOAMERICANAS




05. Joven y alocada

Título original: Joven y alocada
Director: Marialy Rivas
Guión: Marialy Rivas, Pedro Peirano, Sebastián Sepúlveda y Camila Gutiérrez
Edición: Andrea Chignoli y Sebastián Sepúlveda
Cinematografía: Sergio Armstrong
Elenco: Alicia Rodríguez, Aline Küppenheim, Felipe Pinto
País: Chile

Una de las películas más originales que he visto en muchos años y me alegra que sea latinoamericana. Con un lenguaje narrativo fresco y que se conecta directamente con el público adolescente. Basada en las experiencias de una de sus coguionistas, Joven y Alocada, narra el despertar sexual de una chica quien se debate entre la experimentación y la satisfacción del deseo contra la represión severa de su familia y de la religión evangélica en la que se ha criado. Mordaz, honesta, valiente, hilarante y sobre todo real. Un filme que se debería programar en todos los salones de clases de colegio en toda América Latina y que debería ser usada para erradicar la dictadura moral de las religiones, doctrinas ridículas que solo lastiman y perjudican a las personas. Un grito de esperanza y solidaridad para todas las mujeres que han visto su sexualidad limitada y perjudicada por culpa de estas doctrinas. Ganadora a mejor actriz en el Festival Internacional de Huelva, Premio Sebastiane en el Festival Internacional de San Sebastián, premio a mejor guión en el Festival Internacional de Sundance y está entre las preseleccionadas para los Goya a mejor película Iberoamericana. Leer más.



04. Elefante blanco

Título original: Elefante blanco
Director: Pablo Trapero
Guión: Pablo Trapero, Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre
Edición: Andrés Estrada, Nacho Ruiz Capillas y Pablo Trapero
Cinematografía: Guillermo Nieto
Música: Michael Nyman
Elenco: Ricardo Darín, Martina Gusmán, Jérémie Renier
País:  Argentina - España - Francia

Filme narrado con la fuerza que caracteriza al cine de Trapero y que se apoya en la gran actuación de Ricardo Darín, el mejor actor latinoamericano de la última década. El título hace mención a un mega proyecto que pretendía construir el hospital más grande de América Latina, pero que por la burocracia de los gobiernos solo quedó una enorme infraestructura inacabada. Tras años de lucha por derechos de salud social, miles de familias decidieron hacer su hogar en los alrededores, a su vez, otros utilizaron la zona como centro de sus operaciones de narcotráfico y delincuencia en general. En el medio, un sacerdote (Darín) una trabajadora social (Guzmán) y otro sacerdote recién llegado (Renier), quienes tratarán de llevar soluciones a personas que viven la violencia a diario. Lo mejor del filme es que no tiene un discurso pro-religión, es sincero, el personaje de Darín enfrenta una crisis existencial que le hace sentirse impotente ante la realidad social. Estuvo en competencia en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.



03. La demora

Título original: La demora
Director: Rodrigo Plá
Guión: Laura Santullo
Edición: Miguel Schverdfinger
Cinematografía: María Secco
Música: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman
Elenco: Roxana Blanco, Carlos Vallarino
País:  Uruguay - México - Francia

Otra historia simple que nos habla con franqueza de una realidad: el abandono de los ancianos por parte de sus familiares. Una película muy bien actuada, con muy buena fotografía. María es una madre divorciada de dos hijos, su padre también vive con ellos, han perdido la casa y ahora viven en un pequeño apartamento. Su día a día consiste en extenuantes horas en una maquila, labores hogareñas, criar a sus hijos (una adolescente y un niño) y atender las necesidades de su padre quien sufre alzheimer. Sus hermanos brillan por su ausencia. El resultado, ella entra en un colapso, no puede seguir, no tiene privacidad, sus hijos le reclaman dinero, su padre atenciones, su trabajo le va quitando la vida... y el Estado no le ayuda. Un día decide abandonar a su padre, esperando que alguna institución lo recoja. Su hija sospecha que su madre le miente, podrá María seguir con la farsa... su padre seguirá con vida... Premio del Jurado Ecuménico en la sección Fórum de la Berlinale, premio a mejor actriz en el Festival de Biarritz; ganadora de los Jaguares a mejor película, mejor actriz, mejor actor, mejor fotografía y mejor música en el Festival Paz con la Tierra. Leer más.



02. No
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01. Post Tenebras Lux (empate)
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01. Bonsái (empate)

Título original: Bonsái
Director: Cristián Jiménez
Guión: Cristián Jiménez basado en la novela de Alejandro Zambra
Edición: Soledad Salfate
Cinematografía: Inti Briones
Música: Caroline Chaspoul y Eduardo Henríquez
Elenco: Diego Noguera, Nathalia Galgani, Gabriela Arancibia, Trinidad González
País:  Chile - Argentina - Portugal - Francia

Las cinco películas anteriores son del 2012, pero no quería dejar pasar la oportunidad de reconocer esta excelente película chilena del 2011. Una excelente producción que confirma a Chile como el mejor país en cuanto a cine latinoamericano del último año. Bonsái es una película original, con una estructura narrativa fresca, elaborada a través de las mentiras de los personajes y de los flashbacks de Julio (Diego Noguera). Una banda sonora muy agradable y una magnífica fotografía completan esta historia de amor, libros, plantas y mucho bla, bla, bla... Admito que se convirtió inmediatamente en una película de culto para mí, con grandes metáforas sobre la vida y las relaciones de pareja y realizada con una factura técnica que nada tiene que envidiar a producciones de otros países o regiones. Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de La Habana, Gran Premio del Jurado y premio a mejor guión en el Festival de Cine de Miami. Además, compitió en la sección Una cierta mirada en Cannes y en la sección Horizontes del Festival de San Sebastián. Leer más.




Bueno espero que esta selección haya sido de su agrado, durante el nuevo año seguiré con nuevas reseñas y recomendaciones. Recuerden que si desean interactuar con mayor frecuencia pueden encontrarme en Facebook como Vivecinescrupulos Blogspot. Me interesaría poder hablar con las personas de otros países que revisan el blog y así comentar más de cine y compartir recomendaciones.

martes, 25 de diciembre de 2012

Fausto




Título original: Faust. Rusia (2011). Color.
Director: Aleksandr Sokurov
Guión: Aleksandr Sokurov, Marina Koreneva y Yuri Arabov. Basados en Fausto de Goethe y Doctor Fausto de Thomas Mann
Cinematografía: Bruno Delbonnel
Edición: Jörg Hauschild
Diseño de producción: Elena Zhukova
Música: Andrey Sigle
Productora: Proline Film, Mass Media Support Fund
Duración: 140 minutos

Elenco:

Johannes Zeiler como Heinrich Faust
Anton Adasinsky como el prestamista (aka Mauricio, aka Mefistófeles)
Isolda Dychauk como Margarita (aka Gretchen)
Georg Friedrich como Wagner
Hanna Schygulla como la esposa del prestamista


Premios:

Festival Internacional de Cine de Venecia: León de Oro Mejor Película



Fausto es la última película del cineasta ruso Aleksandr Sokurov y con la que termina su tetralogía sobre la corrupción a causa del abuso del poder. Anteriormente, exploró la vida de Hitler en Moloch (1999); la de Lenin en Taurus (2001); y la del emperador Hiroito en The Sun (2005). La variante con esta última película es que no se centra en una persona que haya existido, sino que se toma libertades para adaptar las obras de Goethe y Mann sobre el personaje ficticio de Fausto y así explorar la naturaleza humana.

Es importante aclarar que no se trata de una adaptación fiel de la obra de Goethe ni de la de Mann, Sokurov cambia muchas partes y principalmente altera el final. Por lo que aquellos que sean seguidores de Goethe no esperen rigurosidad, para eso, pueden ver el filme de Murnau (1926). 

Lo más impresionante del filme es su elaboración artística, la recreación de la Alemania del siglo XIX es épica, estamos ante una película de época que nos muestra la cultura arquitectónica, costumbrista, el vestuario y las diferencias sociales de los habitantes de dicho período. El trabajo de Elena Zhukova es impresionante, logrando plasmar los deseos de Sokurov y encontrando las locaciones claves para dar vida a esta historia. Filmada principalmente en la República Checa en los castillos de Ledec, Tocnik, Lipnice nad Sazavou y en el pueblo de Kutná Hora. También se usaron los estudios Barrandov en Praga; mientras que se usaron paisajes de Alemania e Islandia para completar el filme.

El vestuario a cargo de Lidiya Kryukova y el equipo de efectos especiales terminan de dar forma tanto a los actores protagónicos como a todos los extras para ambientar a la perfección la historia. En varios pasajes se aprecia la fotografía como si se tratase de una pintura de la época que evoca el caos, la pobreza, la hambruna y la desigualdad. El trabajo del director de fotografía, Bruno Delbonnel, recuerda tal y como lo apunta el crítico Jay Weissberg al arte flamenco de David Teniers y las pinturas del holandés Herri met de Bles.

Fotograma de la película

Copper Mines de Herri met de Bles

Fotograma de la película

Flemish Kermess de David Teniers el Joven

En su concepción visual y artística, Fausto de Sokurov es una película impecable, magistralmente desarrollada, con una banda sonora que acompaña a la acción sutilmente y que completa la idea del director de relatarnos una historia universal de avaricia, corrupción, tentación y soledad.

La trama nos relata los desesperados intentos del Doctor Fausto por comprender la naturaleza de las cosas, para ello no escatima recursos ni teme mancharse las manos, en las primeras escenas lo vemos diseccionando un cadáver con el objetivo de lograr su cometido. Sin embargo, la frustración crece en el interior de Fausto, quien no logra comprender un pasaje de las escrituras cristianas: "en el principio era solo el verbo"; a su intelecto se le escapa el origen del alma y no alcanza su ansiada iluminación debido a sus limitados conocimientos. Es así como llega a conocer a Mauricio un prestamista que viene a representar a Mefistófeles. Este personaje se presenta a sí mismo como el Übermensch, el Super-hombre que planteaba Nietzsche en sus libros; el término se refiere a la persona que es capaz de abandonar la moral antigua (basada en la religión) y erige un nuevo marco moral a partir de su propia voluntad de poder. No queda claro si Sokurov usa este elemento como crítica directa a la corrupción que conlleva el poder o como un punto descriptivo en la moral de la época. De ser el primer caso, hay una confusión de la escuela nietzscheana, Mauricio se presenta con argumentos nihilistas, mas Nietzsche no era un nihilista, su filosofía se enmarca dentro del Vitalismo, ya que el motor de su pensamiento y planteamiento consiste en la voluntad de poder; es decir, en la capacidad del ser humano de asumir las responsabilidades de sus acciones y no buscar inspiración en doctrinas religiosas. Tal vez todo se deba a la confusión que se hace de Nietzsche, sobre lo que él en verdad escribió y el sentido de sus palabras enmarcado en su contexto histórico y la utilización aislada de ciertos conceptos de su filosofía en otro contexto, particularmente el de los totalitarismos del siglo XX (Nietzsche murió en 1900).

La idea de actualizar la figura de la tentación en un personaje más mundano y menos metafísico sirve para plantearle a la audiencia la perseverancia de la tentación y su ligamen con lo económico. ¡Cuántos no se endeudan en la vida por no poder reprimir un deseo!


La dupla actoral de Zeiler (Fausto) y Adasinsky (Mauricio) se compenetra a la perfección, ambos son muy convincentes en sus respectivos papeles. Adasinsky ayudado de unas prótesis para convertir su cuerpo en una figura grotesca, lo cual es una metáfora de la verdadera forma de la tentación y corrupción del alma. Al igual que en el libro de Goethe, las ansias de Fausto no tienen límite y su deseo es seguir adquiriendo el conocimiento definitivo. En el camino encontrará otro tipo de placer en la joven Margarita (Isolda Dychauk) a quien también llaman Gretchen. Ella representa la inocencia y la pureza; Fausto con tal de poseerla empeña su alma a esta versión de Mefistófeles que goza del poder que obtiene al controlar a las personas.


Los diferentes escenarios están muy bien planteados, podemos ir apreciando el declive de Fausto (y de la sociedad en la que se encuentra) conforme abandona su humanidad y cede ante las tentaciones de Mauricio. La secuencia en los baños en donde Mauricio se sumerge en las aguas mientras las mujeres huyen de su grotesco ser y que, a la vez, es la estrategema para que Fausto conozca a Margarita está muy bien diseñada. Otra escena bien ejecutada es cuando están en un entierro y aparecen varios perros alrededor del ataúd; primero apreciamos toda la urgencia y el deseo de Fausto por poseer a la virginal Margarita, luego el ritual es interrumpido por los animales. El simbolismo del perro en este caso es el del psicopompo, es un heraldo del mundo de los muertos y su función es acompañar, mostrar el camino al difunto (a su alma) hacia el otro mundo.

El final es abierto a interpretaciones, varía la conclusión que le dio Goethe y plantea nuevas interrogantes. Destaca la fotografía de esa última escena, un paraje desolado como representación del tormento interno, el agreste camino como símbolo de los obstáculos de cara al futuro y un sentimiento de vacío y locura que domina la escena.

Para algunos, puede que el ritmo de la película resulte pesado, además se trata de una ambientación barroca, cargada de detalles; pero precisamente en esos detalles es donde radica la belleza de este filme.


Avance con subtítulos en español:



Holy Motors




Título original: Holy Motors. Francia - Alemania (2012). Color.
Director: Leos Carax
Guión: Leos Carax
Cinematografía: Caroline Champetier
Edición: Nelly Quettier
Diseño de producción: Florian Sanson
Productora: Pierre Grise Productions
Música: Neil Hannon
Duración: 116 minutos


Elenco:

Denis Lavant como Sr Oscar, Le banquier, La mendiante, L'OS de Motion-capture, Sr. Merde, Le père, L'accordéoniste, Le Tueur, Le tué, Le mourant, L'homme au foyer

Edith Scob como Céline
Kylie Minogue como Eva Grace (Jean)
Michele Piccoli como el hombre de la mancha de nacimiento
Eva Mendes como Kay M
Leos Carax como Le Dormeur


Premios:

Festival Internacional de Cannes: Premio de la Juventud
Festival Internacional de Cine de Chicago: Hugo de Oro (mejor película), Hugo de Plata (actor y cinematografía)
Festival Internacional de Cine Sitges: Mejor Director, Mejor Película, Premio de la Crítica
Revista Cahiers du Cinema: Mejor película del 2012



Antes de comentar la película hay que aclarar que Holy Motors es prácticamente inclasificable, su gestación deviene de diferentes géneros e ideas que Carax ha tenido en su mente por mucho tiempo (el filme aparece 13 años después de su último largometraje). 


Lo que el director nos muestra es una de las películas más originales de la historia, con un uso estupendo de los efectos creados por computadora y una idea narrativa que hila diferentes historias a través de un solo protagonista. 

Estamos ante el universo Carax en su máximo esplendor, en donde las leyes cinematográficas no necesariamente se cumplen. Razón por la cual sentimos que estamos ante un filme ambivalente, por un lado se erige como tributo a ciertas películas y por el otro tiene una escencia tan original que atrae la mirada en cada cuadro. A ratos presenciamos un thriller (especialmente con las pautas musicales), pero a la vez sentimos una narración surrealista y grotesta, para luego presenciar una escena romántica con la ciudad como telón de fondo para los amantes (al estilo de las películas de Godard). En fin que es una película para ver...

El realizador nos habla directamente como espectadores desde esa escena inicial en la que apreciamos una concurrida sala de cine, inmediatamente después inicia la película dentro de la película, con un personaje (inspirado en un cuento del escritor alemán E. T. A. Hoffmann) interpretado por el propio Carax que nos introduce por una puerta hacia otro mundo cinematográfico, el del Sr. Oscar, estupendamente interpretado por Denis Lavant. Inmediatamente después, vemos al Sr. Oscar cambiar de rostros y de roles durante su día de trabajo, se trata de un actor experimental que vive eternamente dentro de sus personajes. El tiempo en él es cíclico, constantemente pasado y presente, día y noche. Su única motivación es el actuar y no sabemos cuándo o si en verdad muestra sus propios sentimientos o simplemente está viviendo desde otra interpretación. La única que parece estar al tanto de su situación real es su chofer, una enigmática mujer quien lo acompaña durante sus recorridos, pero no interviene con sus actuaciones.

Las historias a las que da vida Oscar son de lo más variadas: actor de artes marciales para motion-capture, banquero, mendigo, acordeonista, gángster, hasta el Sr Merde (personaje también interpretado por Lavant en el segmento dirigido por Leos Carax de Tokyo!, 2008). De igual manera, sus roles varían de género, pasando del film-noir, al melodrama y el musical. Se trata de un actor total inmerso en una película total.


En vez de elegir diferentes actores para cada secuencia, Carax decidió darle toda la responsabilidad a Denis Lavant, con quien ha trabajado desde sus inicios (Chico conoce chica, 1984; Mala sangre, 1986; Los amantes del Pont-Neuf, 1991; Merde, 2008).  Lavant está sublime en cada rol, logra mimetizarse y cambiar de registro de una manera extraordinaria, con una naturalidad que lo hace creíble en todo momento. Tiene una prescencia escénica impactante mediante la cual potencia el filme, lo mueve y le da ritmo de acuerdo al personaje que encarna, permitiendo que como espectadores no nos cansemos ante un filme experimental, bizarro y enigmático. A su vez, sus personajes son arquetipos cinematográficos: el gángster, el galán, el monstruo, el padre, etc.  Carax nos está hablando de la historia del cine desde su óptica. 


El resto de personajes están bien delineados, Carax aprovecha la belleza de Eva Mendes, pero no le da ningún diálogo, la usa para deconstruir la función de una modelo. Sublime la secuencia en la que Merde le va quitando parte de su vestuario para convertirlo en una burka, una irónica mirada del director hacia el mundo del modelaje. En cambio, con Kylie Minogue, el director aprovecha su faceta de cantante para darle una mayor profundidad al personaje y para crear una historia paralela con el Sr Oscar, acaso será lo único real en su vida, el único elemento de su pasado del que somos testigos, o se trata de un giro más dentro de la trama...


El mundo de Holy Motors no se hubiera logrado sin el estupendo trabajo de maquillaje, vestuario, iluminación y fotografía. Bernard Floch fue el encargado de dotar de un rostro a cada personaje del variopinto currículo del Sr Oscar. Gran trabajo para crear personajes y dotarles de una personalidad a traves del maquillaje, mientras que Anaïs Romand fue la encargada de vestirlos.

Un personaje más de la película es París, la ciudad retratada desde la cámara de Caroline Champetier es una urbe imponente, misteriosa, llena de luz y oscuridad, la vemos desde los tejados, a la orilla del Sena, en sus catacumbas y hasta en un cementerio. Carax no pierde detalle de la ciudad y explota su belleza para brindarle un aire mágico a su filme, el trabajo en fotografía de Caroline es impresionante, fotógrafa y director logran elevar a Holy Motors a un nivel estético exultante. 


El filme se puede considerar un tratado de estética, por un lado nos habla de la belleza a partir de las percepciones (secuencia de Merde y la modelo Kay M) mientras que durante toda la película hay una escencia palpable de acuerdo al personaje del Sr Oscar, incluso la casa futurística del inicio se puede considerar como una manifestación arquitectónica del mundo estético planteado por Carax. La casa, por su forma, nos recuerdan a la que utilizó Jacques Tati en Mi Tío (1958). Escencia y percepción están en constante comunicación durante la película, los actores interactúan dentro de espacios que definen su existencia: la limosina. una habitación de hotel, una pantalla virtual, etc. Otro aspecto por el que se logra este diálogo es la música, Holy Motors tiene una banda sonora maravillosa, que cobra vida con cada acorde y hace que la experiencia cinematográfica sea completa.


El ritmo que el montaje le da al filme es vital para que la película fluya y no se estanque. No importa la cantidad de eventos que Mr Oscar tiene que realizar, tenemos la noción de cómo el día avanza y cómo sus roles son interpretaciones que Carax hace sobre la realidad. Holy Motors es una película que reta al espectador desde el contenido y la forma, está estructurada de una forma bastante original y utiliza diferentes géneros para narrarnos una historia llena de sorpresas.



Curiosidades



En una de las secuencias se muestra un cementerio parisino, se trata del cementerio Père Lachaise, el más grande de París con 44 hectáreas). Fue creado en 1804 y entre sus inquilinos se encuentran: Miguel Ángel Asturias, Honoré de Balzac, Georges Bizet, Maria Callas, Claude Chabrol, Frédéric Chopin, Auguste Comte, Oscar Wilde, entre otros. Curiosmante, las lápidas que se muestran en la película no tienen nombres, sino que muestran indicaciones de "Visiten mi sitio web".

El uso de las limosinas es explicado por Carax como "el fin de una era, la era de las máquinas largas y visibles". A partir de ese tema nace la idea de una película que hable sobre la "digitilización de la sociedad".

Edith Scob había actuado para Carax en Los amantes del Pont-Neuf, pero la mayoría de sus escenas fueron cortadas durante la edición, razón por la que Carax quería darle un mayor protagonismo. En Holy Motors además, rinde tributo a la película Los ojos sin rostro (Georges Franju, 1960), filme en el que Scob actúa y utiliza una máscara igual a la que usa en su última escena en Holy Motors.


El papel de Kay M fue escrito para Kate Moss, a quien Carax conoció en un festival de Cannes y se habían puesto de acuerdo para trabajar juntos, mas razones personales impidieron que Moss participara en el filme, por lo que se reclutó a Eva Mendes.

El papel de Eva (Jean) Grace fue pensado primero para Juliete Binoche (novia del director), pero por desacuerdos, al final el papel fue reescrito y lo convirtieron en una cantante. A través de una sugerencia de la directora Claire Denis, Carax le dio el rol a Kylie Minogue.

Una de las canciones empleadas durante la película es Sinking of Bingou-Maru usada en el filme Godzilla (Ishiro Honda, 1954) y creada por el compositor Akira Ifukube.

Leos Carax es el anagrama que el cineasta usa en lugar de su nombre: Alex(andre) Oscar Dupont


Avance subtitulado de la película:



Conferencia de prensa con el director y actores, durante el Festival de Cannes 2012:


Entrevista a Leos Carax y Kylie Minogue:



Conferencia de prensa con el director para el Festival de Cine de Nueva York:


Canción Who were we? interpretada por Kylie Minogue, parte de la banda sonora de la película:


Canción Sinking of Bingou-Maru del filme Gojira (1954) usada en Holy Motors: