martes, 31 de julio de 2012

Pescador



Título original: Pescador. Ecuador - Colombia (2011). Color
Director: Sebastián Cordero
Guión: Sebastián Cordero y Juan Fernando Andrade
Cinematografía: Daniel Andrade
Edición: Sebastián Cordero
Música: Sergio Mejía
Duración: 93 minutos

Elenco:

Andrés Crespo como Blanquito
María Cecilia Sánchez como Lorna
Carlos Valencia como Fabricio
Marcelo Aguirre como Elías


Premios:

Festival de cine de Cartagena: Mejor actor
Festival de cine de Guadalajara: Mejor actor y mejor director


Acá tenemos la última película de este director que se dio a conocer en Latinoamérica por "Ratas, ratones y rateros" (1999). Con un presupuesto considerablemente mayor, pero con una propuesta que mantiene el tono crítico hacia las realidades latinoamericanas.


El director mexcla el humor con la crítica social, permitiendo tener un mayor alcance de audiencia y haciendo ciertas concesiones de guión. También experimenta en el trabajo de edición, aunque a mi gusto no del todo bien. Abusa de ciertos efectos que le dan una estética de videoclip y que sentí desfasados; aún así, es una película agradable para ver.

La música es muy alegre, bailable y representativa del país. Está bien empleada y sirve de contrapunto a la historia, mientras los habitantes de la costa se quedan bailando, la pareja protagonista se irá desilusionando progresivamente en su ambicioso recorrido. La mezcla de sonido y la edición de sonido tienen algunos fallos, principalmente en las escenas del ferry. Ya he experimentado este mismo resultado en otras producciones latinoamericanas, hay que trabajar en ello para crecer cinematográficamente.

Lo mejor de la película es la actuación de Andrés Crespo, este es su tercer trabajo y curiosamente debutó en "Crónicas" (2004) dirigida también por Cordero. Andrés encarna a Blanquito, un joven pescador, aventurero, soñador, no estudiado; no conoce a su padre y se enamora tan rápido como se acaba un vaso de ron. Su ingenuidad es tal que gozamos el verlo en la gran ciudad (Guayaquil y Quito), se debate constantmente entre sus sentimientos hacia Lorna y en su búsqueda por vender una considerable cantidad de cocaína.

Los personajes están fragmentados, profundamente insatisfechos, víctimas de sus decisiones y de un ambiente hostil en el que recurren a lo más bajo para sobrevivir; Blanquito busca vender la droga y Lorna se prostituye.  Su viaje es una cruel broma, mientras ascienden hacia la altura de Quito con la pretensión de alcanzar una redención personal, el frío congelará sus intenciones y les devolverá a la realidad; lejos quedó la fiesta de El Matal y la vida pausada.

El director aprovecha esta coyuntura para criticar males que afectan a la sociedad, desde la pobreza de los pescadores, el narcotráfico, la corrupción de los gobiernos, la prostitución (de clubes nocturnos y de élite), los robos y la vida de excesos de los grandes empresarios. Blanquito es hijo -no reconocido- del gobernador de un pueblo, los hijos de este serán quienes financien el viaje a Quito tras venderles algo de cocaína, sin embargo, Blanquito todavía tendrá que aprender varias cosas en su viaje. Tanto él como Lorna tratarán de sacarle provecho a ese mundo sórdido para alcanzar sus sueños, mientras la vida sigue igual sea en El Matal como en la gran ciudad.

¡Ah! La película está basada en hechos reales. En el 2005 en la playa de El Matal se encontraron varios kilos de cocaína. De este hecho se escribió una crónica que serviría como boceto para el guión de este largometraje.


La película fue parte del 1er Festival Internacional de Cine "Paz con la Tierra", en San José de Costa Rica. La organización de este festival me ha dejado serias dudas. Primero, la película de la inauguración "Chico y Rita" (Fernando Trueba, 2010) fue presentada solo para ciertas personas que fueron invitadas, es de muy mal gusto que ofrezcan un espectáculo de este tipo y no les sea permitido el acceso a ciudadanos que no tienen "cuello blanco". La película solo se proyectó ese día. Con respecto a "Pescador", la película inició desenfocada, esto es una falta de respeto para quienes asistimos; pero no fue todo, tras una media hora de no poder apreciar correctamene el filme, este se detuvo, la copia de la organización del festival estaba defectuosa y nadie pudo cerciorarse antes de proyectar la película, esto indica el grado de improvisación. Muy mal, el festival es una buena oportunidad para crecer culturalmente, pero hay que trabajar con seriedad y profesionalismo, estos detalles se pueden corregir con más atención y cuidado; trabajar con antelación y no arbitrariamente. Por suerte, encontraron otra copia (me imagino que pirata) y pudimos terminar de ver la película tras una larga pausa.


Acá tienen el avance de la película:


Entrevista al director Sebastián Cordero:


Entrevista con el actor Andrés Crespo:

De Roma con amor



Título original: To Rome with love. EE.UU. - Italia - España (2012). Color
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Cinematografía: Darius Khondji
Edición: Alisa Lepselter

Duración: 112 minutos

Elenco:

Woody Allen como Jerry
Judy Davis como Phyllis
Alison Pill como Hayley
Flavio Parenti como Michelangelo
Fabio Armiliato como Giancarlo
Roberto Benigni como Leopoldo
Alessandra Mastronardi como Milli
Alessandro Tiberi como Antonio
Penélope Cruz como Anna
Jesse Eisenberg como Jack
Alec Baldwin como John
Ellen Page como Monica


Sin ser el mejor Woody, es un divertido Woody. Esta nueva comedia en la que vuelve a actuar (su última aparición fue en Scoop) nos traslada a Roma. Italia es la nueva postal para un director que ha encontrado libertad creativa en Europa y sus últimas películas son detalles generosos a las ciudadaes que lo han albergado.

Junto a la buena publicidad que le da a un país ser la locación de una película de Woody Allen, el elenco multifacético también logra diversificar la propuesta. Y es que el neoyorquino tiene un don para convencer a actores reconocidos para que trabajen para él, a su vez, le brinda la oportunidad a jóvenes para que aumenten su currículo histriónico.

La mayor deficiencia que tiene la película es la que menos le preocupa a Allen. De Roma con amor consiste en 4 historias que no tienen relación alguna y que por lo tanto, no hay un cierre definido como tal, que sirva de eje común para toda la película. Además, se dan errores de continuidad que no le importan al director, él solo quiere divertirse mientras cuenta una historia, o tres, o cuatro, ustedes entienden....

La música fue otro apartado que me dejó un poco insatisfecho, es cierto que Allen emplea la música con mucho criterio, sin embargo, entre tantas historias la partitura naufragó.

La edición y fotografía son aceptables, se prestan para el juego burlón de Woody. Esta película no es Medianoche en París, no tiene ni la magia, ni el encanto que cautivó con ese film; sin embargo, no es una mala película, uno se ríe bastante y aprecia la intención del director de crear historias nuevas con sus viejos temas. Hay diálogos exquisitos y una marcada complicidad entre director y elenco.

El propio Woody reaparece en esta película como actor, su historia gira alrededor de que su hija va a casarse con un italiano, típico romance de películas, pero que tiene un giro inesperado cuando el padre del novio demuestra tener una voz prodigiosa (el actor es tenor en la vida real) y despierta del aburrido jubilamiento a Jerry (W. Allen). En esta historia se critica particularmente las extravagancias que se hacen con las obras de arte, la música (ópera) en particular. Las piezas elegidas son La Tosca (Puccini) y Pagliacci (Leoncavallo).


Otra historia nos cuenta el clave Felliniana las vicisitudes de unos recién casados que llegan a Roma, ambos son separados y se enfrentan al dilema del adulterio, tema favorito de Allen. La incursión de la española Penélope Cruz en esta historia es muy divertido y permite la crítica al Vaticano como a las altas esferas políticas italianas, cuyos escándalos sexuales son noticia constantemente, principalmente Silvio Berlusconi.  La falsedad del matrimonio y de las costumbres sexuales también son abordadas en esta historia, temática perenne en la filmografía del neoyorquino.


Una historia más, tal vez la más floja, busca hacer un paralelismo entre un joven estudiante de arquitectura (Jesse Eisenberg) y un arquitecto (Alec Baldwin) quienes se encuentran en una calle. El primero idolatra la vida del segundo, pero este con mayor madurez ve de manera diferente la vida. Es clave la actuación de Baldwin porque sino sería un completo desastre; el estilo de humor de este actor encaja a la perfección con el estilo suelto del relato, incluso ilógico si se quiere. Nada de eso importa, la juventud piensa en sexo y en amores permanentes, mientras que la madurez se ríe de la ingenuidad.


La última historia es la más satírica, ha sido la más criticada, principalmente por los estadounidenses. Debo decir que fue la que más me hizo reír y no me resultó cansada. Roberto Benigni interpreta a un don nadie, un individuo soso y aburrido, con un trabajo de oficina rutinario, que de un momento a otro se convierte en celebridad nacional. Esto le permite a Woody criticar las bases del nuevo cine hollywoodense y su sistema de estrellas y fama, la parte en la que una periodista le dice a Leopoldo (R. Benigni) "que se siente ser el hombre más deseado no como esos actores guapos de películas de cómics" no tiene precio, magnífica escena. Acá la temática de la sexualidad es abordada de forma diferente, es emparentada con la fama. Mientras se sea "alguien" cualquiera querrá acostarse, actrices, secretarias, reporteras, etc. Es una sátira excelente al desfile de tabloides sensacionalistas del "star system" hollywoodense.


Woody Allen no puede hacer una obra genial tras otra, pero al menos es bueno en lo que hace, usa sus propias recetas para hacernos pasar un buen rato, es un gran director de actores y les saca el mayor provecho. Sus películas entretienen y esta no es la excepción, es el único cineasta que me hace reír garantizado y es una excelente opción para quienes disfrutan de comedias, puesto que la oferta actual hollywoodense es sosa, aburrida y estúpida.  Hablando con un amigo, comentábamos cuán grandioso hubiese sido ver a Peter Sellers dirigido por Woody Allen..... hay cosas que solo se pueden imaginar, pero eso será para otra historia.



Curiosidades



Noomi Rapace audioció para el papel de la prostituta, finalmente fue para Penélope Cruz.

Otros que audicionaron sin mayor éxito fueron Robert Pattinson (el vampirillo gay) y Aaron Johnson.

La película está inspirada en El Decamerón de Boccaccio (la estructura de diferentes historias). Por eso el título original era "Bop Decameron"; tras no convencer fue cambiado a "Nero Fiddled"; este título tampoco convenció a los productores, por lo que fue nuevamente cambiado a "To Rome with love". Woody Allen declaró que odia ese título.

Para aquellos que se pregunten por la expresión "Ozymandias Melancholy", esta fue inventada por Woody Allen en 1980 para su película Stardust Memories.

La idea de que Allen hiciera una película en Italia fue de productores romanos, quienes le ofrecieron financiar la película con la única condición de que fuera filmada en Roma, Woody aceptó... (¡Qué bueno es ser Woody Allen, le pagan por visitar ciudades europeas y hacer lo que más le gusta!)


Acá está el avance de la película:



Unos videos en los que se entrevistan a parte del elenco:




domingo, 22 de julio de 2012

El mundo es grande




Título original: Svetat e golyam i spasenie debne otvsyakade. Bulgaria (2008). Color.
Director: Stepahn Komandarev
Guión: Stephan Komandarev, Yurii Dachev y Dusan Milic; basados en la novela de Ilija Trojanow
Cinematografía: Emil Hristow
Edición: Nina Altaparmakova
Música: Stefan Valdobrev
Duración: 105 minutos

Elenco:

Miki Manojlovic como Bai Dan
Carlo Ljubek como Aleksander 'Sahsko' Georgiev (adulto)
Blagovest Mutafchiev como Sahsko (niño)
Hristo Mutafchiev como Vasil Georgiev
Ana Papadopulu como Yana Georgieva
Lyudmila Cheshmedzhieva como Baba Sladka

Premios:

Festival Internacional de Cine de Sofia: Premio de la Audiencia y Mejor Película Búlgara



Una linda película, filmada convencionalmente, pero que desarrolla una historia alegre y nos regala cuadros impresionantes llenos de color. Una coproducción entre Bulgaria, Alemania, Eslovenia y Hungría.

Este es el segundo largometraje de ficción de Komandarev, quien decidió dejar brillar al actor Miki Manojlovic y que se apropiara de la película. El resultado fue bueno. El actor serbio es una garantía y es de los más respetados en la región de los Balcanes; pone su humor al servicio de la película y nos ofrece un retrato intimista de un abuelo que está dispuesto a todo por liberar a su nieto, no solo de la amnesia sino de la vida entumecida que este lleva.

Tras sufrir un accidente Sashko pierde la memoria, sus padres no logran sobrevivir y su abuelo viaja hasta Alemania (lugar en el que vive Sahsko) para rescatarlo. Con actuaciones muy sinceras, logran transmitir ese descubrimiento por la vida a través de paisajes hermosos.

El filme gira en torno al juego del backgammon, muy típico en esa región, Bai Dan es el rey del backgammon y con su filosofía de juego contagia a quien le rodea de su filosofía de vida; así, le indica a su nieto que deberá conquistar los seis puntos del tablero con el fin de recobrar la memoria. No es un juego de azar, sino de habilidad y estrategia; Bai Dan le va dotando de energías a Sashko para que este vaya curando sus heridas y recuerde finalmente quién es.


En este punto, la película se covierte en un "road movie", en el que curiosamente el viaje lo realizan en bicicleta. Los road movies proponen que el personaje (o personajes) realice un viaje físico, a través del cual conocen lugares y personas que les retarán en sus convicciones o les reafirmarán su camino. Junto con ese viaje físico, también se realiza un viaje interior, este es el más importante; el personaje no termina en el mismo punto, porque ha evolucionado, ha madurado, su concepción del mundo lo ha llevado a un punto culminante, no necesariamente el final del camino, pero sí al final de un cuestionamiento o inquietud. El espectador comparte ese recorrido interior a través de la película.

El caso de este filme, Sahsko irá conquistando los puntos del tablero e irá recobrando la memoria, nosotros nos daremos cuenta de los pormenores de su vida.

La fotografía recuerda en algunas escenas la película francesa Amelie (2001), contrapone de manera muy clara la vida en Alemania, con colores fríos y tenues, con la vida en Bulgaria, llena de colorido y calidez. En Alemania está la tecnología (televisores, hospital); pero en Bulgaria está la familia (abuelos), el lugar de origen (las raíces, de ahí el simbolismo de la maceta que la abuela siembra) y el backgammon y sus historias. Mediante el uso de flashbacks iremos conociendo el pasado de Sashko, que fue el mismo que el de mucho exiliados; y su presente.

La música también logra transmitirnos una atmósfera que va desde lo nostálgico hasta lo festivo, justo como la vida misma. El filme no es lacrimógeno, tampoco sensiblero, no busca la salida fácil; es coherente con su lógica interna y abiertamente emotivo y feliz. No hace mayor crítica social, más allá del campo de refugiados y una escena en la que vemos una pancarta con la figura de un político, el mismo censor que apresuró la salida de los padres de Sahsko de Bulgaria y quien encerrara al abuelo. El mundo es grande, Bulgaria abandona el régimen comunista (10 de noviembre de 1989) y pasa a ser un país democrático y capitalista, pero los mismos hombres siguen en el poder.

Un filme ligero que se disfruta de principio a fin, se los recomiendo.





Acá tienen el avance de la película:


Ahora una entrevista con Miki Manojlovic:


Nubes pasajeras




Título original: Kauas pilvet karkaavat. Finlandia (1996). Color
Director: Aki Kaurismäki
Guión: Aki Kaurismäki
Cinematografía: Timo Salminem
Edición: Aki Kaurismäki
Música: Shelley Fisher
Duración: 96 minutos

Elenco:

Kati Outinen como Ilona
Kari Väänänen como Lauri
Elina Salo como Sra. Sjöholm
Markku Peltola como Lajunen


Premios:

Festival Internacional de Cannes: Mención Especial del Jurado Ecuménico
Festival Internacional de Sao Paulo: Premio de la Audiencia
Premios Jussi: Mejor película, mejor director, mejor guión, mejor actriz, mejor actriz de reparto


Tras realizar la trilogía del proletariado (Sombras en el paraíso, Ariel y La chica de la fábrica de cerillas), Kaurismäki inicia con Nubes pasajeras su trilogía "Finlandia" (El hombre sin pasado y Luces al atardecer).

En esta primera película, Kaurismäki explora la crisis económica y sus repercusiones, el desempleo, la pobreza, la desesperación y el miedo de un pueblo (Helsinski) que teme expresar su alegría ante la más mínima gratificación por el recelo de lo que pueda ocurrir después.

Con un marcado humor, el director nos presenta a una pareja de clase media, ambos quedan desempleados, pero actúan de manera muy diferente. Mientras que el hombre (Lauri) cae abatido constantemente, se siente frustrado y su machismo le impide siquiera aceptar el bono de desempleo; la mujer (Ilona) es la heroina en esta historia, es quien busca soluciones, es más activa y no se permite claudicar.

En un par de ocasiones vemos como Lauri cae al suelo, abatido por las circunstancias, maniatado por su orgullo, su actitud es derrotista; Ilona, es lo opuesto, se preocupa por sus excompañeros del restaurante, busca trabajo, emprende ideas, hasta que su sueño fructifica y logra salir adelante.

Una película con un final feliz que pocos esperarían, tras la forma pesimista en que se van dando los hechos. Él pierde su trabajo y luego su licencia de conducir por problemas de sordera; ella incluso llega a sacar sus ahorros y paga para que le den un trabajo, en el que finalmente no recibe salario. El matrimonio en sí llega a peligrar, se distancian, pero logran resolver sus diferencias. El nombre del restaurante resulta muy significativo, "Trabajo", así como la variedad de menú, es una crítica al sistema político económico y a la vez un mensaje integrador para la sociedad finlandesa en la que en un mismo lugar pueden comer sin importar su lugar de origen o situación social.

El alcohol está presente durante toda la película. Los personajes (principalmente los masculinos) se pierden en la botella, gastan sus últimos ahorros en licor. Una visión pesimista de la sociedad, reflejo de la angustia del director, quien es un alcohólico confeso. Las mujeres aunque también toman, lo hacen con menor frecuencia y no pierden el sentido de lo importante. Tanto Ilona como la Sra. Sjöholm se burlan de la necesidad autoimpuesta de los hombres de demostrar su valía ante los demás, al final, ellas emprenden su propio negocio.

La escenografía minimalista es característica de Kaurismäki, le otorga a los actores el papel central sin interferencias, en Nubes pasajeras, el director usa decorados muy pequeños para generar un efecto cómico en el espectador, de tal manera que resulte extraño ver los apremios para sentarse o compartir un sofá o una mesa en un restaurante. Los cuadros que hay en la casa también son desoladores, ambientan el carácter trágico de la obra.

Este efecto también se da con algunos personajes, por ejemplo la escena en la dos trabajadores están construyendo un restaurante, la diferencia de tamaño entre los actores genera el mismo efecto.

La economía en el decorado contrasta con la enorme riqueza de ideas y sensaciones que nos brindan los personajes y la historia en sí, llena de temas e inquietudes que nos surgen conforme avanza el film.

El director tuvo un detalle especial con la actriz Matti Pellonpää, quien murió poco antes de que la película iniciase su filmación. Ella es quien aparece en un retrato (de niña) en el apartamento de Ilona y Luri, asumimos que es una hija que ya no está presente porque no la mencionan en el relato. Es un homenaje póstumo a quien fuera una actriz regular para Kaurismäki y quien era la primera opción para el papel de Ilona.

La edición es un poco brusca y resulta simple, sin embargo no atenta contra la película. La iluminación y la música son muy buenas, permitiendo al espectador adentrarse en el mundo de los personajes, verlos de forma voyeurista a través de su miseria y apremio, tal vez por esta función psicológica nos resultan cercanos. El filme comienza y termina con una canción que se ajusta de forma perfecta, la sincronía de las canciones es maravillosa con lo que estamos viendo en pantalla.

La segunda parte de la trilogía Finlandia (El hombre sin pasado) fue candidata al Oscar como mejor película extranjera; sin embargo Kaurismäki no viajó a EE.UU. como protesta por la política militarista de ese país (no ganó la estatuilla). Algo similar ocurrió en el Festival de Cine de Nueva York, en el que se esperaba la presencia del finlandés, pero este hizo un boicot para solidarizarse con su colega iraní Abbas Kiarostami, a quien se le había negado la visa estadounidense.



Una escena de la película en la que pueden apreciar el uso de la música como elemento dramático, mientras la cámara nos muestra primeros planos de los actores:



Cortometrajes realizados por Aki Kaurismäki


El primero es una burla de las películas de Rocky. En palabras de Kaurismäki: "My revenge to Mr Stallone, who I think is an asshole". Corto de 1986


El segundo tiene una estética de videoclip, usa la canción These boots para darle título y consiste en una parodia de la sociedad finlandesa, el corto es de 1992:


Este corto es parte del largometraje "Ten minutes older: The trumpet" del 2002. El segmento de Kaurismäki se llama "Dogs have no hell":


Cortometraje "Those were the days" de 1992:


Finalmente, el corto "Thru the wire" de 1987:

viernes, 20 de julio de 2012

Los olvidados




Título original: Los olvidados. México (1950). Blanco y Negro
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Alcoriza y Luis Buñuel
Productor: Óscar Dancigers, Sergio Kogan, Jaime Menasce
Cinematografía: Gabriel Figueroa
Edición: Carlos Savage
Música: Rodolfo Halffter basado en temas originales de Gustavo Pittaluga

Elenco:

Roberto Cobo como el Jaibo
Alfonso Mejía como Pedro
Estela Inda como la madre de Pedro
Alma Delia Fuentes como Meche
Miguel Inclán como Don Carmelo (el ciego)


Premios:

Festival Internacional de Cannes: mejor director

Premios Ariel (México): mejor dirección, mejor cinematografía, mejor guión, mejor diseño de producción, mejor sonido, mejor actriz de reparto, mejor actuación juvenil, mejor edición, mejor actuación infantil

Nombrada como Memoria del Mundo por la UNESCO (2003)

Una obra maestra del director aragonés en la que nos muestra, con una crudeza inaudita, la pobreza y vida criminal de un grupo de menores en la ciudad de México. Precisamente, el pueblo mexicano recibió de muy mala manera esta visión de su país, ni siquiera la introducción agregada en la que se mencionan otras ciudades del mundo para darle universalidad a la película contuvo las críticas de los sectores más conservadores, quienes incluso, pidieron la expulsión de Buñuel de México.

Más allá de esas anécdotas, la película sí logra ser universal y virtud de ellos logró un éxito sin precedentes (para el cine mexicano) a nivel internacional, ganando la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Buñuel demuestró una vez más, su capacidad para dirigir actores o personas en general, puesto que muchos de los que vemos en sus películas no tenían experiencia alguna en esa profesión, aún así, logran plasmar con total verosimilitud sus personajes e historias.

Los chicos que vemos en esta película perfectamente los podemos encontrar en cualquier país latinoamericano, incluso salvando la geografía, en cualquier parte del mundo. La tesis de que la criminalidad surge como respuesta a las condiciones de vida infrahumanas, la pobreza, la hambruna y el hacinamiento; es la base con la que Buñuel nos presenta esta historia, en la que según afirma (en la introducción) las fuerzas represivas de la sociedad no puede detener.


La aproximación del director hace recordar su obra Las Hurdes (tierra sin pan) y el trasfondo crítico y pesimista que envuelve estas películas. Diferentes temas son tratados a lo largo de hora y media de metraje. La ausencia de la figura paterna, el fracaso de las instituciones de represión o corrección, la explotación laboral, la promiscuidad, entre otros. Sin embargo, la pobreza es lo que más resalta y alrededor de esta se entienden el resto de problemáticas sociales.

Niños y jóvenes sin censura moral, que roban y atacan a otros para sobrevivir en las calles; odiados y repudiados por la sociedad, la misma que los ha llevado a vivir de esa manera. Empiezan a muy temprana edad a fumar, tomar y delinquir.


La tensión por el crimen cometido irá aumentando así como va desapareciendo la esperanza en Pedro. Existe un final alternativo en el que Pedro sale con vida, este final fue descartado por Buñuel para no perder la objetividad con la que venía trabajando el filme. El final real implica una violencia real, un acto que se sucede cada día, no importa si se trata de 1950 ó del 2012, una advertencia del director del camino que está tomando la humanidad.

La fotografía y el trabajo de iluminación son de altísima calidad y permiten mostrar el mundo que Buñuel se imaginaba. Trabajo de Gabriel Figueroa, el estupendo fotógrafo, que nos va desnudando los barrios empobrecidos de una ciudad decadente (al igual que sus habitantes).

También hay elaboraciones surrealistas, sello característico de Buñuel. Concretamente, la escena onírica en la que Pedro sueña con el cadáver de Julián y posteriormente lucha con El Jaibo por un pedazo de carne como si se tratasen de animales salvajes.



Simbolismo en la obra


Existe un antagonismo constante entre la luz y la oscuridad, el blanco y el negro. Por un lado, el blanco representa la pureza, lo deseado por los personajes; por otro, el negro simboliza la suciedad y la realidad en la que viven.


Buñuel utiliza animales como metáforas de esta representación, específicamente gallinas. Cuando el ciego es golpeado vemos una gallina negra, mientras que cuando le hace una "limpia" a una mujer enferma lo hace con una paloma blanca.  La gallina negra es una metáfora del crimen sufrido, de la golpiza y la destrucción de sus pertenencias, nos hace entender el mundo en el que los personajes se encuentran. La paloma viene a representar el estado al que se desea llegar, una vida sin enfermedad, sin suciedad, la tradición indica que la paloma se convierte en un receptáculo de lo que aqueja a la mujer, cuando la paloma muera, se supone que la mujer quede curada. El niño, Ojitos, hace ver que eso no va a funcionar y a continuación saca su propio amuleto.

En otra escena se hace una analogía de cómo Marta (madre de Pedro) mata un gallo como El Jaibo mata a Julián, esto hace que Pedro se sienta enfermo y tenga una pesadilla (al más puro estilo surrealista de Buñuel). En el sueño, Pedro ve una galllina blanca (representación de la inocencia y la pureza que todavía tiene), luego aparece su madre y después Julián (muerto) sale debajo de su cama. A continuación el director nos muestra unas imágenes en cámara lenta en las que vemos unas plumas cayendo y un pedazo de carne (Pedro le pide a la madre que le dé comida); finalmente El Jaibo y él luchan por la carne. La inocencia que conserva Pedro va desapareciendo conforme las plumas caen, metáfora de la caída en desgracia al ser testigo del crimen de El Jaibo.

Cuando Pedro se encuentra en la Escuela-granja, entiende que el estado de pureza es inalcanzable, por esto mata las gallinas (blancas); está acabando con la esperanza de cambiar, asumiendo su lugar en el mundo. El resto de personajes viven en la fantasía de que un cambio va a llegar, mientras que Pedro es el único que toma un curso de acción definitivo. Su muerte, aún así, es simbolizada con una gallina blanca.


La película también tiene una carga erótica importante, algo característico en el cine buñueliano. La unión entre El Jaibo y Marta es de carácter incestuosa, en el sentido de que ella representa la madre de él. La ternura que el chico no tuvo la traslada al instinto sexual; la mujer que se siente atraída por la brusquedad de El Jaibo lo acepta y admite el cortejo.


El otro personaje que tiene una esfera sexual constante es el de Meche. En una escena baña sus piernas en leche (idea de pureza, limpiarse la suciedad y alcanzar un estado deseado) en una evidente alusión al semen. No queda claro si la niña se prostituye, uno podría intuirlo, lo cierto es que es el objeto de deseo del ciego, pero Ojitos es quien le llama la atención a ella.


Otro animal que aparece en la película es el perro, tanto este como la gallina son considerados símbolos que desempeñan un papel de psicopompo, acompañan a los humanos en tránsitos hacia otro mundo (puede ser hacia los infiernos o hacia el cielo). En el caso del perro es más usual que sea su compañero hacia la muerte "La primera función mítica del perro, universalmente aceptada, es la de psicopompo, guía al hombre en la noche de la muerte, tras haber sido su compañero en el día de la vida" (Chevalier, J. y Gheerbrant, A. (1986) Diccionario de los símbolos. Barcelona: Editorial Herder; p. 816).



Curiosidades


Buñuel investigó en Tribunales para menores, artículos de noticias e incluso con una psiquiatra (María de Lourdes Ricaud) para ambientar de la mejor manera la película y encontrar los personajes. En una noticia leyó la crónica de un niño de 12 años que fue hayado muerto en un basurero.

Existe un final alternativo. Se le conoce como el "final feliz" y aunque Buñuel no quería filmarlo, el productor (Alcoriza) lo obligó, sin embargo el montaje final es el que quiso Buñuel.

Se exhibió en México por solo tres días. Los grupos conservadores y la aristocracia estaban furiosos con la representación "indigna" que se hacía de México. Entre los detractores de la película estaba Pedro Infante (quien incluso le reclamó personalmente en un café). La prensa y el gobierno tampoco aprobaron el filme. Muchos pidieron que se le revocara la nacionalidad mexicana al cineasta aragonés. La reacción del público fue similar a la que Buñuel experimentó al estrenar La edad de oro en Francia. Fue debido al éxito que obtuvo en Cannes por lo que se re-estrenó en México y el público fue aceptando con menos recelo el largometraje.

La voz en off que se escucha narrando el filme es la de Ernesto Alonso. Buñuel le daría el protagónico al actor en La vida criminal de Archibaldo de la Cruz (también conocida como Ensayo de un crimen). Parte de los diálogos son de Pedro de Urdimalas (colaborador de Ismael Rodríguez en "Nosotros los pobres"), pero no quiso que su nombre apareciera en los créditos porque una escena de la película (que al final no se rodó) ofendía (según él) a España. La escena en cuestión mostraba a un individuo caminando mientras unos niños revolcaban la basura, la imagen debía ser una analogía con Don Quijote para revelarnos que se trataba de un mendigo.

La encargada de peluquería renunció luego de la escena en la que Stella Inda rechaza a su hijo Pedro (Alfonso Mejía); alegó que "ninguna madre mexicana sería capaz de tal infamia".

Entre quienes más fervientemente defendieron Los Olvidados se encontraba Octavio Paz, quien incluso dedica en su libro "Las peras del olmo" un texto largo y decisivo sobre el filme. Hay quien cree que la influencia de Paz sobre el secretario del embajador de México en Francia (Jaime Torres Bodet) ayudó para que el aragonés se alzase con el premio a mejor director en Cannes.

Para 2004, Metropolis (Fritz Lang) y Los olvidados eran las únicas películas en formar parte del registro de Memoria del Mundo de la UNESCO. En años posteriores se incluyeron las películas cortas de los hermanos Lumiere y El mago de Oz (Victor Fleming).

La candidatura de Los olvidados para la Memoria del Mundo fue hecha por Magdalena Acosta (directora de la Cineteca Nacional) e Iván Trujillo (responsable de la Filmoteca de la UNAM). Contaron con el apoyo de Román Gubern (ensayista y teórico del cine),  David Francis (antiguo director del British Film Institute y funcionario de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos) y de Wolfgang Klauer (miembro de la productora alemana DFA).

Buñuel en un almuerzo con Zavattini (precursor del cine neorrealista) le comentó sus razones por las que difería con ese estilo cinematográfico "Estábamos almorzando juntos, y el primer ejemplo en el que pude pensar fue en el vaso de vino que estaba tomando. Para un neorrealista, le dije, un vaso es un vaso y nada más [...] Pero ese mismo vaso, visto por diferentes personas, podría ser miles de cosas diferentes [...] y ninguno lo vería de la forma en que realmente es, sino en la manera en la que sus deseos y su humor quieren verlo. Yo lucho por un cine que me permita que me haga ver esos tipos de vasos, porque ese cine me permitirá tener una visión integral de la realidad, incrementará mi conocimiento sobre las cosas y los seres y abrirá para mí el maravilloso mundo de lo desconocido" (Baxter, John. (1994). Buñuel. New York: Carrol & Graf Publishers Inc.) (La traducción es de mi parte).

El rodaje duró 18 días y tuvo un presupuesto de 450.000 pesos mexicanos. 

El título en inglés de la película es The young and the damned. En Francia se estrenó como Pitié Pour Eux (Pobre de ellos).

La colaboración entre Gabriel Figueroa y Luis Buñuel no arrancó muy bien. Figueroa se quejaba de que Buñuel no tenía "ambición épica" y que cualquiera podía hacer lo que él pedía. El productor convenció al fotógrafo de no abandonar la filmación. El encuentro que marcó la futura relación entre fotógrafo y director fue cuando Buñuel le pidió recortar una toma al nivel de las rodillas, Figueroa se quejó de que eso "transgredía las reglas fundamentales del arte" y le retó (con apuesta de 1000 pesos incluída) a encontrar un pintor que hiciera eso. Unos días después Buñuel llevó una reproducción de un Van Dyck en una revista. En adelante Figueroa le guardó respeto al director por considerar que se preocupaba por los detalles de la filmación. Siguieron trabajando en otras películas y se hicieron buenos amigos.

Tras el estreno de Los olvidados y a pesar de su éxito internacional, Buñuel no era querido por los productores mexicanos. Fue Fernando Soler (habían trabajado juntos en El gran calavera) quien convenció al productor Sergio Kogan para que contratase al aragonés para su próximo proyecto: Susana.



Video promocional de la restauración de la película en su 60° aniversario:


Un par de videos sobre la obra de Gabriel Figueroa, cuyo trabajo fue reconocido a nivel internacional:





Breve entrevista a Alfonso Mejía quien interpreta a Pedro en Los olvidados:



Extracto del documental A propósito de Buñuel, en el que podemos escuchar a Carlos Fuentes y Roberto Cobo (El Jaibo) hablar sobre Los olvidados:

La celebración




Título original: Dogme # 1 - Festen. Dinamarca (1998) Color.
Director: Thomas Vinterberg
Guión: Thomas Vinterberg y Mogens Rukov
Cinematografía: Anthony Dod Mantle
Montaje: Valdís Oskarsdóttir
Música: Lars Bo Jensen

Elenco:

Ulrich Thomsen como Christian
Henning Moritzen como Helge
Thomas Bo Larsen como Michael
Paprika Steen como Helene
Trine Dyrholm como Pia
Thomas Vinterberg hace un cameo como el chofer de un taxi


Premios:

Festival Internacional de Cannes: premio de Jurado
Premios Europeos de Cine: Descubrimiento del año (Thomas Vinterberg)
Asociación de críticos de Los Ángeles: Mejor película extranjera
Círculo de Críticos de Cine de Nueva York: Mejor película extranjera
Festival Internacional de Sao Paulo: Mención Honorífica del Jurado Internacional


Con esta película el movimiento Dogma cobra vida. Lo que empezó como críticas contra el sistema hollywoodense terminó convirtiéndose en el movimiento más revolucionario del cine desde La Nueva Ola francesa.

Vinterberg elabora un relato visceral sin contemplaciones, en el que critica duramente los estándares bajo los cuales se fundan las bases del sistema familiar. Es parte de un movimiento fundacional en el que se reevalúan los cimientos de la cultura nórdica, estos cineastas influenciarán a los países vecinos y se extenderán al resto de Europa, iniciando una serie de revisiones sobre la moral, las costumbres y las mentiras sobre las que gira la noción moderna del viejo continente.

En La celebración, Vinterberg desmitifica la sociedad danesa a través de una familia de clase alta. Como si se tratase de un juego de ajedrez, el ataque al "rey" configura la idea central del relato, elaborado magistralmente por el propio Vinterberg.  Quien realiza tal arremetida es su propio hijo, quien no cesará en exponer el secreto que ha marcado no solo su vida sino la de su recién fallecida (suicidio) hermana.

Conforme vamos conociendo a los personajes, estos se nos vuelven obscenos y grotescos, es un gran trabajo de cámaras y una estupenda labor actoral, principalmente la de Bo Larsen (Michael), ese hermano menor que es tan prepotente. El resto de los hijos del gran patriarco quien celebra su 60° aniversario, no son mucho mejores.

Helene es una mujer aventurera, se ha distanciado de su familia, ha estudiado y rompe con la línea tradicional al salir con un hombre de raza negra. Christian es un hombre enigmático, quien no puede mantener relaciones de pareja duraderas, vive en Francia y está ausente de la vida familiar. Linda, por su parte, se ha suicidado en la bañera de una de las habitaciones del hotel en donde están realizando la celebración del patriarca.

Todos los personajes están muy bien actuados, son verosímiles y logran brindar una profundidad dramática que es bien reflejada por los ángulos de la cámara. El movimiento dogma indica que se tiene que filmar con cámara en mano, esto brinda una serie de facilidades y permite la exploración creativa por parte del director, el resultado es una obra inquietante en todo sentido. Llena de momentos en el que la película se experimenta como si fuésemos protagonistas, brindando una intensidad psicológica en el espectador que conduce hacia el aborrecimientos de ciertos personajes y ciertos hechos (que vamos a ir conociendo conforme el filme avanza).

La película denuncia el racismo, cinismo, decadencia y diferencia social de una clase social vetusta, que recurre a órdenes arcaicas (referencias a la masonería) para legitimar un poder ficticio (en cuanto son víctimas de sus mentiras y secretos) y cruelmente real (su solvencia económica se los permite). Hay una clara distinción de clases sociales que al igual que la tensión del grupo familiar irá creciendo y podremos ir observando alianzas entre los diferentes personajes.

Michael es el contrapeso de Christian, si el segundo es el hijo exitoso, dueño de un restaurante en Francia, el primero fracasó en convertirse en chef. Sin embargo, Michael (como el resto) desconoce los traumas que Christian guarda en su interior. Mientras Michael tiene 3 hijos y una esposa; Christian es un solterón.

Ningún personaje es idealizado, existe un machismo cínico y una crítica al patriarcado por sus formas de interacción social. Michael rápidamente es el personaje que nos causa repulsión, pero este lugar terminará ocupándolo Helge. El alcohol está presente como un elemento catalizador e inhibitorio, una muestra más de la decadencia de este grupo familiar, nadie termina sobrio, todos buscan en la botella un escape.

El filme irá elevando la tensión conforme la cena transcurre, entre amenazas, acusaciones y secretos develados, veremos la indiferencia de una clase social que se escandaliza por ciertos hechos, pero que no busca como solventarlos o incluso, prevenirlos. La catarsis final de Christian contrasta con la caída en desgracia de su padre.


El movimiento Dogma tiene sus reglas muy claras, estas son:

1. No se puede crear un set. Se tiene que filmar en la locación escogida y no se pueden agregar elementos.

2. No se permite hacer mezcla de sonido (postproducción) por lo tanto no hay una banda sonora como tal. Si una canción se escucha es porque tiene que estar integrada al momento lógico de la trama.

3. Se tiene que filmar con cámara en mano. Para poder realizar esto, Vinterberg en ocasiones le daba la cámara a actores que no salían en el cuadro, así pudo filmar las escenas de la cena debido a que la mesa era muy larga y no le era posible desplazarse.

4. No se puede usar iluminación especial. Existe el rumor de que Vinterberg quebrantó esta regla al cubrir una ventana con una manta para filmar una escena.

5. Tampoco se permiten los efectos ópticos de ningún tipo.

6. No se puede filmar un desarrollo superficial de la trama (por ejemplo persecusiones, crímenes, uso de armas)

7. Se tiene que rodar en el aquí y el ahora.

8. No se permiten películas de género (terror, ciencia ficción, etc.)

9. El formato establecido es el de 35 mm. Aunque a veces hay excepciones y permiten usar una cámara diferente para que sea más fácil la filmación, y a la hora de hacer el montaje final se traslada al formato de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.


La película fue muy bien recibida a nivel internacional, por lo que ha sido adaptada al teatro en varias ocasiones, se ha representado en Londres, Melbourne, México (con Diego Luna), Perú, entre otros lugares. Curiosamente en Broadway no llegó a las 40 presentaciones. Les dejo con el avance de la película:



Un pequeño video que explica el movimiento Dogma 95 (año en el que se instaura):


Un video entretenido sobre cómo sería hacer una película Dogma:

jueves, 19 de julio de 2012

Kurosawa: sensei de la libertad

Un nuevo ciclo de cine llega a Desamparados, en esta ocasión desde Japón. Akira Kurosawa será el protagonista de cinco sábados llenos de cine de la más alta calidad.  Uno de los cineastas más grandes de la historia cuyo testimonio fílmico ha inspirado a grandes directores a nivel mundial.

La calidad de Kurosawa le valió los premios más importantes en los festivales de cine más reconocidos a nivel internacional. Su obra es inmediatamente reconocida por las películas jidai-geki que nos evocan al Japón feudal, sin embargo, esta propuesta busca dar a conocer sus obras críticas de la post-guerra. Un cineasta comprometido con la crítica social, profundamente humanista y con una sensibilidad para retratar la condición humana en sus diferentes facetas.

Los filmes gendai-geki de Kurosawa trasladan la acción al Japón contemporáneo, desnudando como nadie lo había hecho antes, las condiciones de pobreza, hambruna y desigualdad social tras la Segunda Guerra Mundial. La historia oculta de un Japón en proceso de reconstrucción.

Esta nueva propuesta también busca dar a conocer los papeles menos conocidos del gran actor Toshiro Mifune quien realizó un total de 16 películas con Kurosawa. Se presentará la película Rashômon que le dio renombre mundial. Además, el ciclo mostrará a otro gran actor nipón, Takashi Shimura, quien fue un referente obligado en la filmografía de Akira Kurosawa.

Los invito a recorrer esta especie de biografía fílmica del Tenno (Emperador) del cine, Kurosawa: sensei de la libertad

Las películas se transmitirán los sábados a las 3 de la tarde en el Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados) y la entrada es TOTALMENTE GRATUITA. Así que a disfrutar de cine japonés en este mes de agosto en el que se recuerda los trágicos y cobardes bombardeos en las ciudades de Hiroshima (6 de agosto) y Nagasaki (9 de agosto) por parte de los Estados Unidos.



Sábado 28 de julio. 3 pm.

El ángel borracho 


Director: Akira Kurosawa
Año: 1948
Duración: 102 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

La primera película que hicieron Akira Kurosawa y Toshiro Mifune, una Obra Maestra, un retrato del Japón de la postguerra y sus vicios. No se pierdan el nacimiento de una de las mejores colaboraciones en la historia del cine.





Sábado 04 de agosto. 3 pm.

El perro rabioso


Director: Akira Kurosawa
Año: 1949
Duración: 122 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

Un excelente film noir en el que dos detectives nos mostrarán el bajo mundo de un Tokio en reconstrucción. Una película que desarrolla la esfera criminal y los problemas tras la Segunda Guerra Mundial.





Sábado 11 de agosto. 3 pm.

Rashômon


Director: Akira Kurosawa
Año: 1950
Duración: 88 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

Un crimen, cuatro historias, ¿quién dice la verdad? La película que trascendió el cine... De enorme fuerza dramática Rashômon está considerada entre las diez mejores películas de la historia.





Sábado 18 de agosto. 3 pm.

Escándalo


Director: Akira Kurosawa
Año: 1950
Duración: 105 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

Kurosawa explora de forma inquietante los límites de la vida pública y privada en esta historia de tabloides y libertad. Un artista, una cantante y un dudoso abogado son los protagonistas de este escándalo.





Sábado 25 de agosto. 3 pm.

Ikiru - Vivir


Director: Akira Kurosawa
Año: 1952
Duración: 140 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

Tras perder la Segunda Guerra Mundial, Japón era una sociedad entumecida y en reconstrucción, pero ¿a qué precio? Una obra existencialista para reflexionar sobre la vida y sus alcances...






Las coordenadas son:

Lugar: Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados)
Fecha y hora: sábados a las 3 de la tarde

Todos los días, después de la exhibición de la película, habrá un espacio para dialogar sobre la misma y compartir nuestras impresiones, sin censura.

Los ciclos de cine son COMPLETAMENTE GRATUITOS

Si gustan tener un contacto más cercano con este cinéfilo está el Cara-de-libro: Vivecinescrupulos Blogspot

lunes, 2 de julio de 2012

Prometeo



Título original: Prometheus. Estados Unidos (2012) Color
Director: Ridley Scott
Guión: Jon Spaihts y Damon Lindelof
Diseño de producción: Arthur Max
Cinematografía: Dariusz Wolski
Edición: Pietro Scalia
Música: Marc Streitenfeld

Elenco:

Noomi Rapace como Elizabeth Shaw
Michael Fassbender como David
Charlize Theron como Meredith Vickers
Idris Elba como Janek
Logan Marshall-Green como Charlie Holloway
Guy Pearce como Peter Weyland


¡Qué lejano me parece el Ridley Scott de Alien (1979) y Blade Runner (1982)! Ha perdido totalmente su magia como director. Se concentra tanto en los efectos especiales que descuida otros aspectos esenciales de la película, se muestra como alguien despreocupado por la coherencia interna del relato.

Prometeo toma su nombre del Titán griego que roba el fuego a los dioses para dárselo a los humanos. En la mitología es castigado por Zeus y condenado al sufrimiento eterno, el fuego simboliza el conocimiento y la raza humana es iluminada por el mismo. Teniendo en cuenta esto, la película se pierde en la oscuridad al igual que los personajes.

A nivel de efectos especiales la película está bien lograda. El aspecto estilo Giger era de esperar, aunque para ser franco me tiene algo cansado, sin embargo tenía que ser así para guardar concordancia con el resto de la saga. Para quienes no lo sepan, Prometeo viene a ser el origen de la tetralogía de Alien. El uso del 3D es un robo más en esta industria, no aporta nada a la película.


La película es muy pretensiosa, trata de tener un trasfondo filosófico que termina siendo como uno de esos libros para principiantes. Deja de lado el estilo futurista de Alien (1979) caracterizado por escenografía metálica y que tiene un aire retro; en su lugar, esta nueva versión opta por lo digital y aséptico. Sin embargo, no me convenció, está muy influenciada por la obra maestra de Kubrick 2001: Odisea al espacio. El problema con Prometeo es que tiene mucho detalle, lo barroco no le conviene porque pierde importancia el relato. Mientras que la nave en el film original da una sensación de claustrofobia, en este filme parece el club privado de unos ricachones.


La fotografía está bien, cumple el objetivo de crearnos un mundo extraterrestre. Gran parte de la película se desarrolla en lugares de poca iluminación, pero no sentimos peligro. Se trata de un filme más de ciencia ficción que de suspenso, en esto dista de la versión de 1979 que amalgama a la perfección los dos géneros.

La música fue de los aspectos que me defraudaron más. Es pretensiosa, inexacta. Nuevamente, trata de copiar el efecto de 2001 Odisea al espacio con notas clásicas y generar un ambiente de magnificencia, pero no lo logra. El filme de 1979 tenía un sonido característico, estridente, angustiante, era más ambiental. La música de Streitenfeld no decide que rumbo tomar, está desarticulada al igual que la tripulación del Prometeo.

El trabajo de cámaras es bueno, alterna primeros planos en las secuencias de mayor intensidad con planos generales de la nave o del planeta en el que se encuentran. Es lo mejor de Scott como director, sabe elegir bien lo que quiere mostrar y cómo, la edición logra plasmar la visión del director.

Las actuaciones también son agradables. Principalmente Fassbender e Idris Elba. El primero demuestra que es un gran actor y nuevamente cambia con respecto a sus trabajos anteriores, puede tener varios registros actorales y es convincente. Elba da vida al capitán del Prometeo y es el personaje de mayor evolución, un contrapunto a la historia, alguien que recuerda al resto de la tripulación la dimensión humana a la que pertenecen.


Noomi Rapace hace bien su papel al igual que Charlize Theron. Me hubiese gustado más ver el personaje de Meredith Vickers, pudo ser más explotado, pero esto no es responsabilidad de los actores.

En general estos cuatro actores están bastante bien, logran hacer que la película sea interesante, tienen buena química entre ellos. Fassbender creo que sobresale sobre el resto, en una actuación en la que él mismo admite que se inspiró en HAL-9000 para modular su voz y en la postura de Greg Louganis. Gran parte de la película gira en torno a este personaje y su agenda secreta, su interpretación como un ser no orgánico es convincente y plantea cuestiones interesantes que no fueron aprovechadas.


El mayor problema que tiene Prometeo es su guión, está lleno de errores. Plantea un mal diseño de personajes, no son bien utilizados, propone secuencias de acción que me hicieron reír por lo ridículas. La historia no termina de cuajar, es lo que pasa cuando se piensa en hacer una continuación y no se respeta al espectador, esta nueva era del cine en la que las secuelas son la tónica, es un desperdicio fílmico-creativo. La obra en sí misma es concebida con agujeros enormes con la intención de irlos tapando con los subsiguientes filmes. En el caso de Prometeo la película pierde ritmo, se vuelve aburrida y sumamante predecible más allá si se es fan o no de la tetralogía de Alien. El mismo director no parecía seguro de hacer una precuela o una historia original dentro del universo Alien, al final su confusión queda evidenciada en la película. Scott no escribió el guión, pero no se le puede perdonar que con su experiencia no haya hecho los ajustes necesarios, nuevamente creo que se preocupa más por los aspectos estéticos del filme que descuida el contenido.

En resumen, la película es regular, tiene momentos interesantes, pero no termina por convencer. Ridley Scott dejó de hacer buen cine hace muchos años y solo podemos ver destellos de lo que una vez fue. A nivel de efectos especiales la película entretiene, está mayoritariamente bien actuada. Si gustan de la ciencia ficción no esperen mucho por las preguntas que plantea la película, son ordinarias y trilladas. Es un filme que pregunta y no responde, no le interesa. La existencia de dios es un MacGuffin para contarnos otra historia. Si no son muy exigentes, el filme terminará por gustar, pero en mi caso les recomiendo ver (o volver a ver) 2001: Una Odisea en el espacio (Stanley Kubrick, 1968), Solaris (Andrei Tarkovski, 1972); Neon Genesis Evangelion (Hideaki Anno, 1995 y las posteriores películas); Spriggan (Hirotsugu Kawasaki, 2001); Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y la tetralogía de Alien (Ridley Scott, 1979; James Cameron, 1986; David Fincher, 1992; y Jean-Pierre Jeunet, 1997). Pueden ver las series de televisión de Star Trek (la original y la nueva generación) o X-Files, también han desarrollado todos los temas que Prometeo presenta.

De igual manera pueden leer libros de Stanislav Lem, Arthur C. Clark, Isaac Asimov, entre muchos otros.


Crítica con detalles de la película (spoilers)


Algo que no se puede hacer con el espectador es subestimarlo, está bien que se usen efectos especiales de última generación, efectos creados por CGI, pero cuando te venden una película como la quintaescencia y termina siendo un folletín de lectura rápida entonces terminas con un sin sabor. El lado bueno de la película es que se puede tomar con humor, me reí mucho, más incluso que en algunas comedias; esto porque es inaudito ciertos momentos del filme en que se vuelve absurdo. Prefiero la tetralogía, sí, incluyendo las versiones de Fincher y Jeunet que inferiores a las dos primeras de la saga, aún me parecen más entretenidas que este Titán caído a menos.

En primer lugar quiero decir que la tripulación del Prometeo puede llevarse el premio (o al menos concursar) por ser la más mala en la historia del cine. Por favor, escogieron a los más idiotas para llevarlos en una misión de millardos de dólares en búsqueda de el origen de la humanidad. Los científicos son simples chistes y parodias de sus respectivas especialidades, una sátira (como dijo la amiga con quien fui a ver la película).

Es la misión por excelencia, están a miles de años luz de la Tierra y no tienen ningún plan, ni medidas de contingencia ni estudio de posibilidades. Todos suponen que los van a esperar abiertos de brazos y su mejor arma es un lanza llamas, por favor. A penas llegan y se lanzan a la aventura, sin hacer ningún análisis. El papel de Marshall-Green (Holloway) es pésimo, actual mal, no es creíble como científico (en sus palabras definió su personaje como un científico al estilo de los Juegos extremos de ESPN) y tenía que ser un personaje clave en la historia.  La simpleza del director y guionistas (o tal vez su miedo de hacer una película anti-religión o políticamente incorrecta) hacen muchas preguntas para esquivarlas o limitarse a un concepto de divinidad tan anticuado como falto de interés.



Veamos otros detalles, se supone que son una misión científica del más alto rango e importancia, pero viajan con alcohol para relajarse!!!!  Con mesa de pool incluida, queda claro que no tuvieron ningún tipo de preparación para la misión ni entrenamiento.  Se preguntan si entrar a la estructura de día o de noche, como si importara, la estructura es totalmente cerrada, no importa si es de día o de noche, siempre tendrán que usar luz artificial. Otra parte realmente tonta es cuando se quitan los cascos, es decir, aunque tengan aparatos que indiquen que la atmósfera no es dañina, no saben qué hay en el ambiente y cómo van a reaccionar sus organismos, hay todo un procedimiento para eso. Este elemento es central en la película de 1979, Ripley no quería dejar entrar en la nave a sus compañeros (capitán incluido) porque sabía que era una irresponsabilidad. Incluso hay en episodio de X-Files en que se descubren organismos vivos a base de silicio en vez de carbono, pero no se les ocurrió esa posibilidad en el futuro super tecnológico.

Ya cuando están explorando y ven el holograma de seres huyendo, en vez de tener precaución eligen ser todavía más temerarios, con un geólogo y un biólogo que solo los llevaron para ser... no, no sé para qué carajos los llevaron. También cuando, después de ver al compañero muerto delante de ellos, aparece la señal de su traje al frente de la nave, simplemente le abren la puerta, hasta un niño sabría que no era su compañero y que es mala idea comprometer la nave.

Noomi Rapace actuó de acuerdo al guión, lástima que este la puso a hacer cosas inauditas como correr, saltar, arrastrarse y golpearse no sé cuántas veces, esto no es de sorprender, pero lo hace justo después de que una máquina le saca un alien de su vientre (que por cierto se alimentaba de ella) usando solo anestesia local. Ya en esta parte me reía a más no poder, para colmo la pobre de Rapace la pusieron a hacer caras de dolor a cada rato, para qué, hubiera sido más convincente en todo caso que la mega máquina de operaciones no dejara inconveniente quirúrgico y ella pudiera salir brincando. Más allá de las inyecciones milagrosas que se autoadministraba y que según la película eran suficientes para que ella siguiera adelante. Por cierto, la carne tampoco se desgarra con las poderosas grapas postoperatorias de esta película. Los hechos ocurren en el 2093, así que en solo 81 años las mujeres no van a necesitar ningún tipo de incapacidad después de dar a luz, es más, no van a existir las incapacidades, una mega máquina te opera de todo y de vuelta al trabajo (porque una operación así va a costar bien caro y habrá que pagarla).

El problema es que trataron de hacer una película ubicada en el futuro, pero no es futurística, no crea un ambiente que te sorprenda. Es tan pretenciosa esta película que Ridley Scott, un inglés, es pro-yanquee. Cuando uno de los personajes dice antes de iniciar la exploración en el planeta al que llegaron, "este es un pequeño paso para la humanidad...." por favor, porque no llevaron las banderitas y filmaron el evento. 

Una idea que se me ocurrió en el momento en que vi la super cabeza:

Supuesta deidad creadora de la especie humana o acaso de la raza de extraterrestres que crearon a los humanos


Cabeza perteneciente al arte tolteca

Viajaron miles de años luz para encontrar la fuente de la creación del ser humano y en su lugar encuentran un remedo de cabeza tolteca con cirugia plástica!!!! La nariz indígena hubiera ofendido a las audiencias, tenían que tener una reconstrucción facial. Los súper científicos buscaban evidencias de sus "astronautas" de otras galaxias, investigaban yacimientos arqueológicos, pinturas rupestres y cuando llegan a la cabezota no se les ocurre que mejor se hubiesen ido a pasar unas vacaciones en México.

Nota: los toltecas fueron una cultura del período precolombino surgida aproximadamente en el año 950 d.c. en Tula (Mesoamérica). Su nombre en lengua náhuatl significa maestros constructores, su cultura se extendió del siglo X al XII d.c. e influenciaron a los mayas.

Entiendo que la idea es que toda la humanidad está creada a imagen y semejanza de estas criaturas que habitan este planeta, de color blanco y abundante musculatura, y que por lo tanto, los vestigios históricos de la Tierra son herencia de esta civilización alienígena. Pero la falta de creatividad y visión del director y equipo de producción es más que evidente. 

Por otra parte, la película es muy predecible. Esto hace que se vuelva aburrida. El padre de Meredith Vickers no es sorpresa, tampoco las intenciones de este. Fue una lástima la subutilización del personaje de Theron, podía haberse explotado de mejor manera, al final resulta superfluo y no es trascendental.

Es cierto que se trata de cine comercial, lo que llaman un blockbuster, pero no pueden vendernos una película como si fuese trascendental con tantos errores, que al final son una amalgama de efectos especiales, pero con una historia tan deficiente. La idea de una precuela de la saga de Alien estaba buena, es un universo basto lleno de posibilidades, pero el guión es pésimo y es una lástima que no hayan hecho una digna precuela de una de mis sagas preferidas.


Curiosidades


La escena inicial fue filmada en Islandia, el rodaje se llevó dos semanas.

James Franco fue considerado para el papel de Holloway. Hubiese sido una mejor opción, aunque cabe la posibilidad de que rechazara el papel porque no le interesaba.

En un principio la película iba a titularse "Paraíso".

Originalmente Charlize Theron iba a interpretar a Elizabeth Shaw, debido a conflictos en su agenda de trabajo tuvo que declinar, cuando tuvo tiempo ya el papel lo tenía Rooney Mara por lo que Theron interpretó a Meredith Vickers.


Les dejo con el avance de la película:


Parte de la campaña publicitaria fue este video con Guy Pearce:


Ridley Scott habla sobre su película y el regreso al género de la ciencia ficción:



Entrevista con el elenco de Prometeo:



Incluyo una video crítica que me pareció muy acertada. Prometeo no llega a nada, visualmente entretenida, pero que no explica ni termina convenciendo.