domingo, 24 de junio de 2012

El fantasma de la libertad



Título original: Le fantôme de la liberté. Francia-Italia. (1974) Color.
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière
Productor: Serge Silberman y Ulrich Picard
Cinematografía: Edmond Richard
Montaje: Hélène Plemiannikov

Duración: 104 minutos

Elenco:

Adriana Asti como Hermana del comisionado / Mujer de luto
Pascale Audret como Madame Legendre
Jean Rochefort como Monsieur Legendre
Jean-Claude Brialy como Monsieur Foucauld
Monica Vitti como Madame Foucauld
Francoise Maistre como El profesor
Julien Bertheau como el Primer comisionado
Michel Piccoli como el Segundo comisionado
Adolfo Celi como el Dr. Pasolini
Paul Frankeur como el hotelero
Milena Vukovic como la enfermera
Michel Lonsdale como el sombrero masoquista
Agnès Capri como la dominatrix
Hélène Perdrière como la tía


Para entender la estructura narrativa de El fantasma de la libertad hay que tener en cuenta que está filmada como un juego en el que el azar todo lo gobierna; así la fluidez del filme se asemeja a un ejercicio libre del inconsciente. Buñuel retoma la estructura circular que usara en La edad de oro y en La vía láctea, y la perfecciona, solo su genio podía realizar una película sobre aparentemente nada y que tuviera una coherencia interna para que funcionase como largometraje.

El título hace referencia al inicio del Manifiesto Comunista, un espectro/fantasma que se acerca por toda Europa. Para 1974 Buñuel ya no seguía el movimiento comunista, por lo que el fantasma podría referirse a la libertad en sí misma, un ideal al que interiormente se teme, tal como lo había conceptualizado Erich Fromm en El miedo a la libertad. 

Los temas de la película son:
  • La búsqueda de la verdad y le necesidad de abandonarla cuando se encuentre. 
  • La naturaleza implacable de los rituales sociales.
  • La importancia de la coincidencia.
  • La importancia de la moral personal.
  • El misterio esencial de todas las cosas.
Y estos temas están divididos entre los capítulos que configuran el filme, para mayor facilidad los dividí en siete segmentos:

Toledo 1988. El inicio de la película está inspirado en la historia de Gustavo Adolfo Bécquer, El beso. Consiste en la irrumpción de las tropas napoleónicas en la ciudad española. Hay saqueos e insinuaciones de necrofilia con la profanación de tumbas. Como dato curioso, Luis Buñuel y Serge Silberman fueron extras en esta parte, eran parte de los que ejecutaron las tropas.

Pasamos al presente en un parque donde una criada lee un libro y la niña a quien tiene que cuidar es interceptada por un hombre misterioso que creemos pedófilo. Buñuel juega con el espectador porque no vemos las fotografías, nuestra mente (o nuestra perversidad) se encargará de ir generando la historia. El padre va a indicar que está harto de la simetría y así funciona la película, de manera asimétrica, aparentemente antojadiza. Buñuel se burla del concepto de familia en la sociedad. Pero lo que ocurre en la noche es lo realmente hilarante de esta secuencia. El reloj avanza arbitrariamente y el hombre observa en la habitación un gallo, una mujer con un reloj y una candela; un cartero que le entrega la correspondencia y un avestruz. El contenido onírico se manifiesta e irrumpe la lógica lineal del filme.


El hombre decide visitar al doctor para contarle su extraño sueño y aquí la historia se vuelve a dividir. Ahora la atención se centra en la enfermera quien viaja a visitar a su padre, pernocta en un hostel. Ahí se encontrará con un grupo de monjes carmelitas con quienes jugará a las cartas apostando figuras religiosas; también se hospedan en el lugar una pareja S/M (sadomasoquista) quienes invitan al resto de huéspedes a su cuarto; la tertulia cambia cuando la pareja empieza a tener un espectáculo en vivo con látigo y ropa fetichista incluída. La escena es hilarante. Entre los huéspedes, se encuentran también una señora mayor con su sobrino, quienes están fugados en un idilio sexual, tras la lucha constante en el cine de Buñuel entre la represión del deseo y alcanzarlo, la paeja termina cediendo ante el deseo. Este segmento es toda una bomba que el aragonés lanza sobre la religión, su moral, la sexualidad y sus normativas. Monjes apostando con elementos religiosos, incesto, voyeurismo y exhibicionismo S/M.


A la mañana, vemos un huésped que no había aparecido antes; él le pide a la enfermera que lo lleve. Resulta un instructor de la gendarmería, tenemos un nuevo salto en la acción. Acá hay una fuerte crítica a la policía, son retratados como incompetentes e infantiles. Toda la secuencia es absurda. El instructor habla de la relatividad de la moral y de las costumbres de acuerdo a la cultura, en voz de este personaje radica la clave de la película, que es en sí misma un manifiesto a la diversidad de costumbres y morales. La escena más recordada de la película es cuando el profesor narra su visita a una casa en la que el comedor tiene servicios sanitarios y se habla del peso de las evacuaciones humanas; mientras que para comer se necesita ir a un cuarto privado. Todas las reglas sociales están al revés, Buñuel está pletórico, usa el tono más negro de humor para ridiculizar las costumbres sociales y relativizar lo que la sociedad da por sentado, correcto y normal.

La historia cambia nuevamente con una gran sutileza. Dos de los policías se encuentran con un hombre que conduce temerariamente, resulta que se dirige al doctor. Una vez en consulta, el médico no quiere decirle que está muriendo de cáncer, la escena es ridícula y está inspirada en la experiencia real del director que estaba diagnosticado de cáncer de hígado pero el doctor, amigo suyo, no se lo quería confirmar. En esta ocasión Buñuel se burla de la ciencia y su método.  La historia continúa cuando el hombre se encuentra con su mujer y les avisan que la hija ha desaparecido de la escuela. Es una idea que el español tuvo desde que arribó a Estados Unidos, pero que no había podido filmar. Por una razón que no se nos explica, la niña ha desaparecido a pesar de que todos pueden verla (incluido el espectador), es una ridiculización a la burocracia de las instituciones. El comisionado está más preocupado porque un oficial tiene los zapatos sucios que por encontrar a la niña.


La siguiente historia nos muestra al oficial con los zapatos limpios, pero la atención se centra en un hombre misterioso, que pronto se nos demustra como un asesino. Buñuel entendía el curso que la sociedad estaba tomando con una escalada en la violencia que demostró ser profética. La historia nos mostró diferentes tiradores que perpetuaron crímenes similares. Buñuel también nos advertía de cómo estos asesinos podrían convertirse en ídolos, la escena en la que tras ser sentenciado a muerte es puesto en libertad y firma autógrafos tiene ese propósito. Dicha escena fue censurada en el Reino Unido. En una crítica al sistema, se nos dice que el juicio duró 14 meses, mientras que la niña sigue perdida.


El último segmento nos muestra a un comisionado de la policía que entrega la niña desaparecida a sus padres, pero que no puede quedarse a dar explicaciones. Enseguida, vemos que el compromiso importante que tiene es jugar dominó con sus amigos (otra crítica al sistema). En vez del juego, el comisionado le cuenta a una chica la historia de su hermana fallecida (ambas interpretadas por la misma actriz). El tiempo y espacio se desdobla cuando el personaje recibe una llamada de su hermana muerta; la curiosidad lo lleva al mausoleo donde está enterrada, para confirmar que hay un teléfono a la par de la tumba. Esta escena es muestra de la genialidad de Buñuel, quien no necesitaba caros efectos especiales para hacer que la historia funcionara, le da al espectador los estímulos suficientes para que complete la historia (de igual manera con la historia de la niña desaparecida).  Tras ser arrestado, el comisionado se encuentra con otro oficial que ha ocupado su puesto, ambos hablan coordialmente y planean cómo reducir una insurrección. Esta se da en un zoológico y en vez de ver a las personas sólo escuchamos los tambores de Calanda y disparos mientras la cámara nos muestra diferentes animales, terminando con un avestruz que nos mira atentamente.

Si se presta atención, los personajes no importan en sí mismos, sus historias quedan incompletas y pierden importancia, esto es porque Buñuel no quería que el espectador se distrajera del motivo central de la película, el contenido en clave satírica que ataca cada convención social, familiar, cada institución moral y legal. Cuando muchas personas con 74 años se vuelven improductivas, Buñuel afinaba su cine y hace la película más personal de su filmografía, una que reunía todos los temas que le habían preocupado a lo largo de su vida. Buñuel diría de esta película: "El azar todo lo gobierna; la necesidad, que lejos está de tener la misma pureza, solo viene más tarde. Si tengo debilidad por alguna de mis películas, sería por El fantasma de la libertad...".

También se nota la experiencia en el cine mexicano, del cual aprendió a trabajar rápidamente y con un presupuesto ajustado. Él mantenía una economía en su cine que no afectaba la idea central de cada película.

El trabajo de edición de esta película es encomiable. Labor de Hélène Plemiannikov, quien logró dar fluidez a la película, vital para que no se estancase ni careciese de ritmo; hace parecer lógico lo que no lo es. Otro aspecto técnico que llama la atención es la ausencia de una banda sonora. Escuchamos solo efectos sonoros de los cuales el propio Buñuel fue partícipe. En una de las escenas finales escuchamos música de Brahms y al final los tambores de Calanda.

Hay dos alusiones a directores italianos en el filme. La edad de la niña desaparecida es 8 años y medio; lo que recuerda la película de Fellini 8 1/2 (1963), filme que también consiste en aparentemente nada. Y el apellido de uno de los personajes es Pasolini, en referencia al director italiano.

Esta película conlleva un reto especial para su interpretación, el surrealismo, si se acepta el término, es tan libre que sería injusto reducir el filme a una visión, lo grande de esta película es que puede tener múltiples lecturas y no podríamos decir que están incorrectas. Mientas que la cámara nos muestra lo obvio y el director juega constantemente con el espectador, las acciones son absurdas en sí mismas, pero mantienen una coherencia que nos sorprende. Teniendo esto en cuenta, las siguientes interpretaciones no son para nada un ejercicio de jactancia ni una visión única y por lo tanto reducida del filme, sino que tienen la intención de brindar una posible lectura de algunos aspectos.

La zorra. En el segmento de la enfermera en el hostal, se hace referencia a los zorros, incluso tras la consumación del deseo entre tía y sobrino, uno de estos animales está presente en la habitación (disecado). Acaso por el color la zorra /o serían los monjes, voyeuristas de lo que sucede en el hostal. La zorra simboliza la astucia, tiene la habilidad de metamorfosearse (lo que permitiría la interpretación de que los monjes carmelitas son los zorros).

La araña. Son mostradas al inicio de la película, en el segundo segmento. Un personaje habla que odia la simetría mientras ve una araña, y la niña quiere cambiar las fotografías "obscenas" de monumentos por fotos de arañas. El mito de Aracné en la mitología griega nos dice que la humana fue castigada por la Diosa Atenea cuando osó compararse en habilidad con la diosa. Mientras Atenea tejió a los dioses Olímpicos, Aracné hizo lo propio con las uniones carnales de los dioses con humanas; Atenea montó en cólera y decidió convertir a la joven en una araña y que estuviese condenada a tejer toda la vida. 

Simetría. Representa la racionalización, la pérdida de espontaneidad y creatividad, rechaza la imaginación. Es por esto que Buñuel la rechaza, en su lugar propone el azar. "Nos encontramos tantas veces en complicados cruces que nos llevan a otros cruces, siempre a laberintos más fantásticos. De alguna manera tenemos que escoger un camino" (Luis Buñuel).

El fetichismo siempre está presente en el cine de Buñuel

Póster de Andrzej Klimowski, 1981

Diferentes escenas de la película

lunes, 18 de junio de 2012

Ciclo de cine "La otra Europa"

Es muy común que los países europeos con mayor presencia en nuestras salas de cines y videoclubes sean Francia, España, Italia, Alemania, Inglaterra y en menor medida Rusia. Difícilmente tenemos acceso a otras propuestas fuera de estos países, de vez en cuando alguna película gana un festival de cine importante y su distribución es mayor, pero lastimosamente estamos ajenos a esa Otra Europa.

El siguiente ciclo de cine busca acercarles con historias que marcan la vida social, cultural y política de países que viven a la sombra de las grandes naciones europeas. Pueblos enteros que igual que otros reflejan en su cine cuestiones existenciales, tradiciones, costumbres y su idiosincrasia.

Les invito a asistir los siguientes cinco sábados a apreciar cine europeo no tradicional, a conocer un poco más los fantasmas que azotan ciertas regiones de Europa, a desenmascarar la idea de la Europa poderosa y liberal, en fin a conocer LA OTRA EUROPA.

Recuerden que las películas se exhiben los sábados a las 3pm en el Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados) y la entrada es TOTALMENTE GRATUITA. No tienes excusa, ven y disfruta cine gratis y no seas egoísta, trae compañía.






SÁBADO 23 DE JUNIO. 3 PM

KLASS


Director: Ilmar Raag
País: Estonia
Año: 2007
Duración: 99 minutos
Recomendada para mayores de edad

Sinopsis:

Hay situaciones en la vida que llegan a ser intolerables. Una cruda mirada a una realidad que estamos invisibilizando. Película recomendada para todos aquellos que trabajen el tema de la prevención de la violencia en centros educativos.






SÁBADO 30 DE JUNIO. 3 PM

KOLYA, EL NOMBRE DE LA ESPERANZA


Director: Jan Sverák
País: República Checa
Año: 1996
Duración: 105 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

La vida de un músico en la Checoslovaquia ocupada por las fuerzas soviéticas cambiará con la llegada de un pequeño visitante. Louka se replanteará su vida y creencias a partir del pequeño Kolya, una hermosa película ganadora del Oscar a mejor filme extranjero.






SÁBADO 7 DE JULIO. 3 PM

LA CELEBRACIÓN


Director: Thomas Vinterberg
País: Dinamarca
Año: 1998
Duración: 105 minutos
Recomendada para mayores de 15 años

Sinopsis:

El 60° aniversario del patriarca de la familia no es motivo de fiesta, será el momento para revelar antiguos secretos. Para todos los cinéfilos esta es una obra imperdible, la película con que  se inició el movimiento DOGMA.






SÁBADO 14 DE JULIO. 3 PM

NUBES PASAJERAS


Director: Aki Kaurismäki
País: Finlandia
Año: 1996
Duración: 96 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

Una pareja lucha contra la recesión económica en Helsinki. Una mirada a la condición humana en la más difícil situación. La primera parte de la trilogía "Finlandia" del magnífico director Aki Kaurismäki.






SÁBADO 21 DE JULIO 3 PM

EL MUNDO ES GRANDE


Director: Stephan Komandarev
País: Bulgaria
Año: 2008
Duración: 105 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Sinopsis:

Alex pierde a sus padres en un accidente, pero su abuelo le devolverá algo más que la memoria en un viaje que le transformará. Un recorrido para encontrarse a sí mismo, para descubrir lo importante en la vida y sanar las heridas.








Les recuerdo las coordenadas:

Lugar: Museo Joaquín García Monge (Desamparados centro, costado norte del parque)
Fecha y hora: Sábados a las 3pm
Todos los días, después de la exhibición de la película, habrá un espacio para dialogar sobre la misma y compartir nuestras impresiones, sin censura.
La actividad es TOTALMENTE GRATUITA


Estamos en Facebook: Vivecinescrupulos Blogspot

viernes, 15 de junio de 2012

Simón del desierto




Título original: Simón del Desierto. México (1965). B/N
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro
Productor: Gustavo Alatriste
Cinematofrafía: Gabriel Figueroa
Montaje: Carlos Savage
Música: Raúl Lavista
Duración: 45 minutos

Elenco:

Claudio Brook como Simón
Silvia Pinal como el diablo
Hortencia Santoveña como la madre de Simón
Jesús Fernández como el pastor de ovejas
Glauber Rocha (aparece como extra pero no consta en los créditos)

Premios:

Festival Internacional de Venecia: Premio Especial de Jurado
Festival Internacional de Venecia: Premio FIPRESCI


Buñuel estaba planeando realizar una película con los productores David O. Selnick y Serge Silberman, esta llevaría el título de El monje. Desafortunadamente (según como se vea), Selnick murió antes de concretarse el proyecto y Silberman entró en un proceso de divorcio que dejó al director español sin ningún trabajo. Por la misma época, Gustavo Alatriste le propuso realizar una película libre, con la única condición de filmarla con su esposa Silvia Pinal; Buñuel ya había rodado dos películas con la actriz y no le importó hacerlo una tercera vez, el resultado fue Simón del desierto. Este filme sería el último que realizaría en México.

Con un antecedente tan extraño, por no decir surrealista, no debería extrañar que Alatriste se quedara sin dinero a mitad de la filmación, razón por la cual Buñuel para no desperdiciar todo el trabajo hecho decidió recortar la historia y escribir un final apresurado. El genio del aragonés fue tal, que la película aún así es de grandísimo valor, contiene muchas de las interrogantes que tuvo el director en su vida y conserva el humor negro de su realizador. La película estrenada varios años después debido a problemas para la distribución, fue bien recibida por el poco público que la logró ver; sin embargo, con el transcurrir de los años Simón del desierto se convirtió en película de culto y una de las más gustadas en la siempre novedosa filmografía de Luis Buñuel.

La historia está inspirada en la vida del anacoreta Simeón el Estilista, asceta que vivió en el siglo IV d.c. en Siria y quien vivió más de 37 años en una columna como una forma de llevar su penitencia. La palabra griega para referirse a columna es stylé de ahí el nombre del santo, quien es venerado tanto por la iglesia católica como por la ortodoxa. La fecha de su celebración es el 5 de enero.


A raíz de este hecho, Buñuel hace una película sobre lo absurdo de la vida del santo, quien elige vivir subido en una columna en pleno desierto, y más incogruente resultan las personas que llegan a venerarlo y pedirle consejo. La escena en la que Simón realiza un milagro brindándole las manos de vuelta a un ladrón representa esta idea. Simón enfrenta varias tentaciones a lo largo de su vida y sale bien librado hasta la última.

Al momento en que inicia el filme, Simón lleva 6 años 6 meses y 6 dias (666) subido en la columna, baja tan solo para pasarse a una más alta. Con este motivo se reúnen los fieles para tratar de ordenarlo como sacerdote, pero él se rehúsa; también rechaza la visita de su madre por considerarla innecesaria.

El diablo llegará a tentarlo en cuatro oportunidades, mientras que va a enfrentar otras cuatro tentaciones que reflejan distintos estados humanos. Empecemos por estas últimas.

La primera tentación es cuando Simón piensa en dejar su vida de asceta y regresar con su madre, comer lo que quiere y sentir el suelo bajo sus pies y correr. El tema de fondo es el orgullo. La madre le increpa diciéndole que es un orgulloso por haber escogido ese camino. Aún así Simón se mantiene firme y evade la tentación. Hay una fuerte conexión entre la figura de Simón con la de Jesús y en la siguiente imagen queda clara la alusión a la virgen María en el personaje de la madre del santo.


La segunda es cuando el monje Trifón cambia los alimentos y trata de generar confusión en el resto de fieles, les dice que Simón es un falso y un mentiroso. La escena también ridiculiza las creencias religiosas y expone lo absurdo de las mismas, al final Simón exorcisa a Trifón y los demás caen en cuenta de que era un engaño y de que Simón es en quien deben confiar.

Aprovechando esa confianza, Simón indica que separen al hermano Matías del cenobio porque él sigue siendo muy inocente y resulta una tentación para el resto. Matías se irá de la mano con el pastor (enano). Esta imagen es la más enigmática de la película. El pastor esta ligado al bestialismo, lo que en psicología se conoce como zoofilia (parafilia en la que una persona siente deseo sexual por algún animal); hay una escena en la que agarra las ubres de una cabra como si fueran los senos de una mujer. Por su parte, Matías podría representar la homosexualidad y de ahí el por qué Simón aconseja que no esté en el cenobio; si se presta atención, Matías en varias escenas corre como si se tratase de un niño, indicando de esta manera su juventud, inexperiencia y facilidad para caer en el pecado. 


La cuarta treta que enfrenta Simón es la del monje que le habla del concepto de propiedad (lo tuyo y lo mío). Este personaje explica que nunca va a haber paz si se continúa con esas ideas, porque inevitablemente conducen a la guerra. A propósito de guerra, indica que el anticristo ha llegado a Bizancio. Simón, advierte que si la guerra es deseo de dios, entonces se debe respetar y sigue con su meditación tras echar al monje. La crítica al concepto de deidad cristiana es clara, una divinidad que permite y genera la guerra no es una divinidad digna para alabar.


Las otras tentaciones tienen que ver con la figura de Satanás, encarnado por la actriz Silvia Pinal en el papel más inusual que interpretó en su carrera, demostrando que estaba dispuesta a realizar trabajos exigentes y artísticos para Buñuel.

La primera vez que se le aparece a Simón, lo hace con el cuerpo de una joven mujer, sexualmente deseable, pero con las manos de un demonio. Lo intriga y trata de tentar, pero Simón la rechaza.


La segunda visita lo hace aún más sensualmente, llega vestida de niña con un atuendo de marinerita, el juego y la inocencia son su disfraz. La tentación en estas dos primeras visitas son a nivel físico, el diablo le muestra las piernas y los senos con el fin de que Simón sucumba al deseo carnal; también le inflige dolor (cuando le punza), pero Simón se mantiene concentrado y rechaza al demonio que se trasmuta en una anciana desnuda (que por cierto nos recuerda la escena en The Shining de Stanley Kubrick en la que una mujer joven también seduce al protagonista y luego se transforma en una mujer envejecida). De acuerdo con el sitio web de IMDB, se indica que el personaje del diablo como una vieja bruja es interpretado por un hombre, Francisco Regueira; por lo que el trabajo de maquillaje para mostarlo envejecido y desnudo debió ser muy arduo.


La tercera vez que llega Satanás lo hace como un Cristo hemafrodito sosteniendo un cabrito; se nos indica además que ya Simón tiene 8 años 8 meses y 8 días en la columna. La tentación acá es a nivel intelectual, reta las creencias de Simón que duda de sus convicciones y termina arrepintiéndose por confundir a su dios con el demonio. Satanás como Cristo hermafrodito patea al cabrito (tal como lo hace el personaje de La edad de oro con un perro) como forma de desprecio al propio dios cristiano.


Finalmente, la última tentación será la definitiva. El demonio está convencido de que Simón no va a sucumbir, por lo tanto lo traslada al futuro sin que el asceta tenga la oportunidad de negarse o regresar. Le advierte que lo llevará al sabath, este resulta ser un discoteca neoyorquina del presente. Este tal vez, sea el hecho más surrealista de la película, ya que pasamos del siglo IV al presente (años 60); en pleno desierto aparece un avión que trasladará a Simón y al diablo. Aunque Simón no desea estar ahí, su corte de pelo, ropas y hábitos (está fumando) han cambiado y denotan el triunfo del diablo.



Entre las escenas que Buñuel tuvo que cortar por las penurias económicas del rodaje, destacan un encuentro en la nieve entre Simón y el diablo; también la visita del emperador bizantino. Originalmente, Simón regresaba a su tiempo y a su columna, pero al final iba a sucumbir a la tentación carnal, al hacerlo iba a morir.  

Otro problema que tuvo Buñuel fue para contratar extras, mientras él pedía 500 extras, Alatriste solo le contrató unos cuantos, para mayor desconcierto de Buñuel estos eran indígenas que por sus facciones físicas rompían con la ambientación del desierto sirio en pleno siglo IV. Para evitar los anacronismos, Buñuel le pidió a su director de fotografía (Gabriel Figueroa) que realizase planos generales de la multitud y los primeros planos los reservó para los monjes barbados.


El trabajo de Gabriel Figueroa en esta película es espectacular, las tomas que hizo cobran vida instantáneamente y nos dejó cuadros increíbles. La astucia que tenían Buñuel y Figueroa para intercalar tomas aéreas, planos generales, planos medios y acercamientos hacen de este filme un derroche técnico estupendo.  Eso sí, la utilización de la naturaleza como elemento narrativo se le debemos a Figueroa. Buñuel estaba tan absorto en la trama y en economizar al máximo que los detalles artísticos no le importaban. En cambio, Figueroa usó los elementos más llamativos del desierto con una intencionalidad dramática que se refleja en la cinematografía.




El cielo empedrado por nubes, la columna cubierta por polvo arremolinado gracias a ráfagas de viento, tomas aéreas con el actor Claudio Brook encima de la columna y con las montañas de fondo, en fin, que este filme es un homenaje a la escuela sueca clásica del cine.


Por su parte, Buñuel sorteó las dificultades económicas con elegancia, el final aunque deviene abrupto calza con la historia. El manejo de cámara en las tomas aéreas de Nueva York y la distorsión del foco son un recurso simpático y que funciona para hacer la transición de escenarios.

La escena final en la que Simón y el diablo están en una discoteca, a quienes vemos tocando son Los Sinners, grupo de rock mexicano de los sesenta. La agrupación tuvo varios integrantes pero en ese momentos consistían en: Gustavo Velásquez (batería), Olaf de la Barreda (guitarra), Horacio Reni (voz) y Federico Arana (guitarra). Federico cuenta que "Buñuel llegó a nosotros preguntando. Necesitaba un tugurio adecuado para la escena final y llegó al Café Milleti y donde, por fortuna, actuabamos nosotros. Don Luis nos pidió que tocáramos rock tremendista. Le pregunté si quería algo cantado o instrumental y dijo que instrumental, pero muy fuerte". La canción que se usó finalmente fue Rebelde radioactivo, que por razones de derechos de autor se cambió a Carne radioactiva, el baile final... El español quería respetar el título de la canción y usarlo, pero Gustavo Alatriste objetó que no tenía dinero para pagar los derechos.



Simbolismo de la obra


Ya he mencionado algunos simbolismos presentes en Simón del desierto, pero veamos otros:


Las reiteradas tomas de los pies de Simón tienen una razón. En 1640 Juan Miguel Pellicer sufre un accidente en Calanda, España; como resultado una de sus piernas se empezó a gangrenar y se la tuvieron que amputar. Días más tarde la pierna reapareció. El hecho fue oficializado como milagro por la iglesia meses más tarde. Esta historia que Buñuel escuchó de niño es conocida como el Milagro de Calanda y es la razón por la cual vemos en la filmografía del director personajes que se sostienen en un pie o que pierden una pierna (como el maniquí de Lavinia en Ensayo de un crimen).

El conejo (Simón le da de comer un poco de lechuga) tiene distintos significados. Por un lado es un animal lunar y como tal ligado a la escencia femenina como la fecundidad, la Madre Tierra. En algunos textos se compara al conejo con el cordero, entonces aquí pasaría a ser una representación de Cristo, acaso cuando Simón le da de comer, simbolizaría que mediante su fe alimenta la creencia y culto de un dios.... Por otra parte, en la biblia se considera un animal impuro y se castiga como símbolo de la lujuria y la desmesura.

Las hormigas representan tradicionalmente la laboriosidad. Sin embargo, en la película están asociadas con huecos en el suelo que la madre de Simón cubre con tierra. Los huecos vienen a ser las entradas a la Madre Tierra, es decir su vagina, en este sentido hay una censura a la sexualidad por el hecho de que se tapan los huecos; las hormigas serían el elemento de la fecundación, es decir, el semen.

En otra escena aparece una rana o bien podría ser un sapo. Como no soy experto en batracios les traigo las dos posibilidades. La rana es un animal que representa la lluvia y el agua, siguiendo el ciclo del agua representa la resurrección; pero también puede representar el aburrimiento y la rutina (por el croar repetitivo y monótono). Según su ciclo de vida, simboliza la encarnación y la tierra fecundada. Al contrario, el sapo es un animal solar muy ligado a la magia y como tal una de las representaciones del demonio. En la escena en que se nos muestra este animal el diablo desaparece y a continuación vemos al batracio.

El cordero es un animal que típicamente se asocia con el dios cristiano. Representa la dulzura, pureza e inocencia.

Las barbas de Simón tienen una connotación fálica, algunos ven una alusión a la representación que se hace de Satanás como un macho cabrío. En esto hay que aclarar que dicha iconografía es una copia del dios griego Pan (divinidad de los pastores) que fue luego asociada con la figura del demonio a partir de la Edad Media. Sin embargo, cuando el diablo (encarnado en la película por una mujer) toca las barbas del anacoreta puede representar la masturbación.






Les dejo con la película completa:



Ahora el vídeo musical de Los Sinner con el que termina la película:


En el 2003 el grupo de rock indie canadiense The New Pornographers se inspiraron en la película de Buñuel para hacer su videoclip The laws have changed:


Un extracto del excelente documental A propósito de Buñuel (José Luis López Linares, 2000) en el que podemos escuchar a Carlos Fuentes, Silvia Pinal, Ernesto Alonso, Roberto Cobo (El Jaibo de Los Olvidados, 1950). También podemos ver a algunos de los indígenas que participaron en el rodaje de Simón del desierto:

miércoles, 13 de junio de 2012

Viridiana



Título original: Viridiana. España-México (1961). B/N
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro (basados en la novela Halma de Benito Pérez Galdós)
Productor: Gustavo Alatriste
Cinematografía: José Aguayo
Montaje: Pedro del Rey
Música: Gustavo Pitaluga
Duración: 90 minutos

Elenco:

Silvia Pinal como Viridiana
Fernando Rey como Don Jaime
Francisco Rabal como Jorge
Margarita Lozano como Ramona
Joaquín Roa como Señor Ezequiel

Varios de los mendigos no son actores profesionales, fueron encontrados en las calles y se les ofreció estar en la película.

Premios:

Festival Internacionald de Cannes: Palma de Oro a la mejor película (empatada con Una larga ausencia)

Es la única película española en la historia en ganar la Palma de Oro en Cannes. Buñuel fue el primer director español también en ganar la prestigiosa Palma como mejor director, en 1999 Pedro Almodóvar se convirtió en el segundo director de ese país en ganarla por Todo sobre mi madre.

Los directores latinoamericanos que han ganado la Palma de Oro son Glauber Rocha para Brasil (Antonio das mortes, 1969), Fernando Solanas para Argentina (Sur, 1988); Alejandro González Iñarritu para México (Babel, 2006) y Carlos Reygadas también para México (Post Tenebras Lux, 2012). Y las únicas películas latinoamericanas que han ganado ese galardón son María Candelaria (Emilio Fernández, México, 1946) y El pagador de promesas (Anselmo Duarte, Brasil, 1962).

Viridiana es una especie de continuación de Nazarín (1959), en cuanto al tema y la crítica a las costumbres cristianas. También porque está inspirada en otra novela de Benito Pérez Galdós (Halma). Es también la primera de una trilogía que iba a juntar al productor Alatriste, la actriz Silvia Pinal y al director aragonés: Viridiana (1961), El ángel exterminador (1962) y Simón del Desierto (1965).

Es tal vez la obra más famosa de Luis Buñuel, gracias a la polémica que suscitó su estreno y la censura que tuvo. Si bien ya en esta etapa, el director español no hacía un cine surrealista en estado puro, sino que usaba aspectos surrealistas dentro de sus películas. Así, Viridiana tiene una estructura lógica que sigue la acostumbrada linealidad en el cine. Los elementos surrealistas los encontramos en el significado en sí de la película y en el humor (bien negro) con que se nos cuenta la historia.

El filme está estructurado en dos partes. En la primera se da la relación de atracción/repulsión entre Don Jaime y Viridiana, va a terminar con el intento de violación y la subsiguiente muerte de Don Jaime. La segunda parte va a conservar a Viridiana como protagonista, pero ahora va a ser Jorge su contraparte, se va a mantener esa lucha de los personajes que gira alrededor de la atracción de los opuestos. También va a haber un intento de violación, pero el final va a cambiar con respecto a la primera mitad.

Hay una fuerte oposición por parte de Buñuel contra la burguesía y sus costumbres, así como al origen de estas: la moral cristiana. Es por esto que en toda su filmografía hay temas que se repiten, no son más que un recordatorio por parte del director de lo que él considera la decadencia de la sociedad. Así, en Viridiana el tema de la pobreza y la desigualdad social está muy presente; así como la futilidad del sistema de la caridad cristiana. No se trata de explicar al ser humano como un ser vil por naturaleza, sino de exponer a la naturaleza cristiana como una vetusta institución, hipócrita y en franca decadencia.

También se critica la figura del Don Juan envejecido, este es interpretado por Fernando Rey y lo va a seguir haciendo en varias películas de Buñuel, el personaje más representativo de esta idea es el Don Lope de Tristana (1970).  En Viridiana, Don Jaime vive en una casa apartada de la civilización, que no tiene electricidad y se presta para vivir según sus leyes. Está alejado de la sociedad para poder dedicarse a sus deseos más sucios, como la conquista de su sobrina. Para lograr su cometido está dispuesto a someter por la fuerza a Viridiana, la droga y casi la viola. Hay una analogía entre este hecho ficticio y la realidad de Buñuel. El director era conocido por usar drogas para someter a las mujeres, incluso cuando un amigo le presentó a quien sería su esposa, Jeanne Rucar; Buñuel le propone drogarla para saciar sus deseos. Existía una diferencia importante entre la vida bohemia parisina y la española; mientras que en España cualquier mujer que saliera con un artista era considerada de la más baja clase; en París no era así. Buñuel arrepentido, decide cortejar a la usanza antigua a Jeanne hasta que se casan. Nunca se separaron y tuvieron dos hijos.

Viridiana pretende salvar y ayudar a los mendigos de su condición por medio de la fe y la caridad, por otra parte Jorge busca traer el progreso a la casa; en una escena mientras los mendigos rezan el angelus se intercalan tomas en las que los obreros trabajan. Queda claro que la iglesia y sus tradiciones son las causantes del atraso de la civilización. En otras partes, los mendigos pelean constantemente, uno prefiere irse antes de ser humilde, otra prefiere emborracharse a tener que cuidar a su bebé. El mundo representado por los mendigos es de caos y de rencillas, entre ellos se pelean, discriminan a uno de ellos (aunque el resto de personajes, salvo Viridiana también lo hacen).


Como todo el cine de Buñuel, Viridiana no va a estar excenta de los fetiches que más gustaban al director. Hay varios primeros planos a las piernas de Silvia Pinal, así como el deseo necrófilo de Don Jaime de acostarse con su difunta esposa, para esto viste a Viridiana con el traje de novia de la muerta. Hay un aire de prohibición presente en toda la película y su subsecuente deseos de transgresión, también está presente la idea del sometimiento. Don Jaime busca someter a Viridiana, pero también lo hace la Madre Superiora, cuando le exige una confesión completa a la protagonista; esta escena no deja de ser irrisoria si se analiza como un acto voyeurista perpetrado por la monja, un guiño clásico de Buñuel. Viridiana va a llevar una penitencia que es representada por las cenizas que recoge de la fogata, mientras que la muerte está simbolizada en el personaje de Don Jaime; a la postre, otra penitencia más que tendrá la joven mujer que tratará de enmendarse y de corregir su destino (impuesto por su fe en dios) cuando acoge a los mendigos y les ofrece casa y comida. Estos le pagarán de otra manera.


Buñuel sigue el concepto psicoanalítico en el que el ser humano es la resulta de una lucha interna de pulsiones, en las que el deseo busca conquistar la vida anímica de cada uno. La mayor representación de este deseo es la vida sexual; por esto antepone a la iglesia / religión y sus costumbres, aquellas que prohiben y limitan el deseo, algo que Buñuel entiende como lo más natural.


Simbolismos en la obra



Existe muchos simbolismos en esta película que nos revelarán la lucha por conquistar el deseo máximo y la contradicción que acarrea su prohibición.

La película esta "atada", unida en su unidad lógica por la cuerda con que la niña juega. En varias escenas vamos a ver la misma cuerda, el director nos hace primeros planos de la misma para no olvidar la continuidad de los hechos. Así, la niña juega a saltar la cuerda, Don Jaime se ahorca con la misma, Viridiana la bota; uno de los mendigos la utiliza para sostenerse los pantalones y finalmente la vemos en la segunda escena en la que tratan de violar a Viridiana, ella sostiene la cuerda como si fuese un falo.

Cuando Viridiana va a tomar leche en la mañana, un señor le dice que puede ordeñar a la vaca por ella misma, la joven aduce desconocer cómo se hace. La escena es una alusión clara al acto de masturbación.

Ramona investiga si hay sangre en las sábanas para cerciorarse si Viridiana fue violada o no por su patrón.

La niña jugando por los bosques es una imagen que encontramos también en Diario de una camarera. Si en Viridiana queda la idea de que la niña es violada cuando esta comenta que un "toro negro" sale de su armario; en Diario de una camarera, la acción se sucede debido a la violación de una niña.

Ya mencioné la crítica que hace Buñuel a la aristocracia anciana en la figura de Don Jaime (el mismo actor llevará este concepto en la película Tristana de Buñuel), como un viejo mujeriego que busca la satisfacción de su deseo sexual.


La abeja que Don Jaime salva de morir ahogada puede representar el alma, acaso una premonición de la muerte que tendrá el personaje. La abeja es un símbolo solar que también está asociado al acto de la resurección.

El perro y el gallo (se oye cantar en la escena de la santa cena) son animales asociados al tránsito de las almas, son psicopompos que guían hacia los caminos del infierno (perro) o del cielo. El gallo es además asociado con la figura de Cristo y en este sentido es un animal solar ligado también a la resurección. El ciclo luz-resurrección es comparado con el tránsito día - noche.

La escena más surrealista sin duda alguna es la de la santa cena, acá los mendigos están dispuestos de tal forma que asemejan el famoso cuadro de Da Vinci. Llama la atención que el ciego es la figura central, denotando que Jesús (o la iglesia) están ciegos ante la realidad que se vive cotidianamente. La música de fondo que escuchamos es el decimosétimo movimiento de la obra El Mesías de Handel, más conocido como el Aleluya.

El leproso agarra una paloma que asumimos la mata para comérsela. Después de la cena y cuando están borrachos y cantando los mendigos, él se viste con las ropas nupciales de la mujer muerta de Don Jaime (y que curiosamente Viridiana no deshechó tras el intento de violación), y empieza a lanzar al aire unas plumas. La paloma es un símbolo del espíritu santo, intercesor en la mitología cristiana de la divinidad con el mundo terrenal.  Si entendemos que el mendigo mató la paloma podemos interpretar que desestima la armonía (según la religión) y la sublimación (según el psicoanálisis). Es decir, el mendigo no logra controlar su deseo instintivo y por lo tanto busca violar a Viridiana, no logró canalizar el deseo y sublimarlo (transformarlo) hacia otro objeto; el espíritu santo falló en su misión de redimir del pecado al hombre.  Por otro lado, si consideramos la muerte de la paloma como un sacrificio, entonces la interpretación cambia, ahora hablaríamos de que el espíritu santo sirve de medio para expiar la ignorancia del medigo y su negligencia; recuerden que él queda vivo.


La conquista de Jorge con la empleada Ramona está simbolizada con la cacería del gato al ratón, al final el joven aristócrata logra su cometido y seduce a la criada.

Viridiana al final empieza a vivir por ella misma en vez de la doctrina cristiana. Se despoja de la corona de espinas (que la niña quema), representa el cambio de mentalidad que promulgaba Buñuel. Dejar atrás las viejas costumbres. En su última escena cuando llega a buscar a su primo, Viridiana tiene un semblante diferente, lleva también el pelo suelto, está dispuesta a explorar lo que su fe le prohibía.


El personaje de Jorge critica al de Viridiana por lo que entiende una necedad (el que ella busque mendigos para darles comida y casa); pero él hace exactamente lo mismo cuando compra un perro que estaba condenado a morir por cansancio (estaba amarrado a una carreta). En la misma escena podemos observar cómo otro perro no logró ser rescatado, es una imagen fuerte porque asumimos el futuro de ese animal, que resulta ser una metáfora de las clases sociales españolas, y cómo se mueren por lo que muchos llaman destino, pero que en realidad consiste en la acción concreta de personas reales.

*Nota. Para el análisis de los simbolos de los animales, me baso en el libro de Jean Chevalier y Alain Gheerbrant "Diccionario de símbolos", editado por Herder.

Curiosidades


En 1960 Buñuel pierde la Palma de Oro, había concursado con La joven, su segunda y última película hecha en Hollywood. Ese año los finalistas fueron Antonioni con La aventura; Bergman con La fuente de la doncella y Fellini con La Dolce Vita; este último sería el ganador. El presidente del jurado era el escritor Henry Miller.

A raíz del éxito de crítica que tuvo La joven, varios cineastas que estaban afincados en Hollywood le pidieron a la Warner Brothers que le dieran un contrato a Luis Buñuel, el estudio rechazó contratarlo. Entre los directores que elogiaban el trabajo del aragonés estaban: Billy Wilder, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Michael Curtiz, Orson Welles, entre otros.

Al no ser contratado por Hollywood, Buñuel termina aceptando una oferta de regresar a España (había salido exiliado al iniciar la dictadura franquista). Entre quienes lo convencieron para que retornase estaba un joven director español: Carlos Saura. La vuelta a España estuvo libre de dificultades, el gobierno franquista quería limar asperezas con los disidentes y buscaba publicitarse favorablemente ante la mirada mundial. Buñuel fue duramente criticado por los españoles en el exilio, quienes lo llamaron traidor y lo acusaron de venderse a Franco.

La filmación de Viridiana pasó desapercibida puesto que ese mismo año Nicholas Ray estaba filmando en España Rey de Reyes, la mega producción que contaba con un presupuesto de 480 millones de pesetas.

Luis Buñuel quería que la película reflejara una realidad de la manera más veraz, por esto contrató mendigos reales. Incluso el equipo de producción recorrió puentes y zonas de exclusión social para buscar la ropa que se iba a usar en el rodaje, a cambio de la ropa sucia y roída les dieron alimentos y vestimenta nueva.

La persona que trata de violar a Viridiana era un mendigo real. El primer día de filmación estaba tan borracho que tropezó con una caja de fusiles y los quemó, tuvieron que llevarlo a un hospital para que se desintoxicara. En la escena con Silvia Pinal, ella se quejó del mal olor del hombre, resulta que él se había cagado encima y estaba todo sucio; nuevamente tuvieron que limpiarlo para que pudiese rodar la escena. Resulta increíble cómo Buñuel podía hacer que personas sin el más mínimo conocimiento sobre actuación realizaran trabajos magníficos. Toda la secuencia de la cena y el intento de violación es magistral.

Buñuel y el productor Gustavo Alatriste se conocieron en el rodaje de Ensayo de un crimen. El productor era el amante (luego esposo) de la actriz Ariadne Welter (Carlota); la fama de mujeriego de Alatriste lo llevó a conocer a otro sex symbol, Silvia Pinal, con quien también se casó. El acuerdo de financiar Viridiana incluía que Silvia Pinal fuese la protagonista; Buñuel estaba reacio, pero al final aceptó. El trabajo entre actriz y director fue maravilloso y rodaron dos películas más juntos.


El comité de censura español y la delegación para el Festival de Cannes le solicitaron a Buñuel realizar 4 cambios a la película. El primero era eliminar la escena en que se mostraba a Viridiana con símbolos religiosos (corona de espinas, cruz, clavos y martillo); la segundo era cambiar el suicidio de Don Jaime por un ataque al corazón. El tercer cambio era no mostrar la escena en la que dos mendigos trataban de violar a Viridiana. Todos estos cambios, obviamente, Buñuel los desestimó y dejó la película como estaba.  El cuarto cambio fue el más polémico, el final original de la película mostraba a Viridiana llegar al cuarto de su primo, entraba al mismo y él cerraba lentamente la puerta en una alusión a que iban a pasar la noche juntos. En su lugar, Buñuel realizó un final aún más polémico en el que se mostraba a Ramona y Jorge jugando a las cartas, luego llega Viridiana y se une al juego, en una clara alusión a un trío sexual. Les dejo los diálogos de esa última secuencia:


Jorge: - La señorita (Ramona) es muy sencilla y no le importa que te quedes.
          - Sabe usted jugar a las cartas, primita.
          - Estoy seguro que le va a gustar. - Siéntate vos también mujer (a Ramona), anda siéntate.
          - De noche todos los gatos son pardos.
          - No me lo va a usted a creer, pero la primera vez que la vi, me dije. Mi prima Viridiana terminará
             por jugar al tute (juego de cartas de la baraja española) conmigo.

La escena termina con la cámara alejándose de la mesa lentamente. También es la única escena en toda la película que tiene una música contemporánea, se trata de la canción Shimmy Doll cantada por Ashley Beaumont. El cambio de música representa el cambio de mentalidad y la idea de que Viridiana asume su propia vida, identidad y cuerpo lejos de la moral cristiana.


Buñuel presentó una copia no finalizada de Viridiana al jurado de Cannes, la misma no estaba sonorizada; aún así la película fue admitida en la selección oficial. La película se transmitió el último domingo del festival, a la hora de la exhibición la Palma de Oro ya estaba elegida (Una larga ausencia, Henri Colpi). El jurado no estaba muy entusiasmado con ver una película financiada por el estado español (recuerden que estaba Franco en el poder), pero cuando terminó Viridiana hubo una ovación de pie que duró varios minutos. La película inmediantamente fue elegida como co-ganadora de la Palma de Oro. Buñuel ni siquiera estaba para recibir el premio, debido a una enfermedad había regresado a México.

Un periodista de L'Observatore Romano (medio oficial del Vaticano) que estaba cubriendo el Festival de Cannes inmediatamente alarmó al Vaticano sobre lo blasfema y ofensiva que era la película. El lunes (un día siguiente de la clausura del Festival) el polvorín había tomado dimensiones internacionales, Franco se vio en la obligación de prohibir Viridiana y el resto de películas de Buñuel en España; destituyó al comité de censura y al comité de Cannes. La película fue prohibida por 17 años en España. En Italia se emitió una orden de arresto contra Buñuel que duró un año. Aún así, la crítica internacional alabó la película considerándola una Obra Maestra.


Domingo Dominguín, amigo de Buñuel y promotor taurino, escondió una copia de la película junto con las cosas de su próximo evento en un carro viejo, así lograron sacar la película de España rumbo a Francia y luego hacia México. Como la película tenía la "doble nacionalidad" se distribuyó internacionalmente.

Años después, cuando Franco vio por primera vez la película, declaró que no entendía el por qué del tumulto que se originó. Cuando un periodista interroga a Buñuel sobre las palabras del dictador, el cineasta respondió que una persona que había cometido tantas atrocidades jamás se escandalizaría por una película.

Buñuel pasó de ser considerado un traidor a llevar el nombre del nuevo Cervantes, haciendo referencia a cómo una sola persona se burló de la censura de la época para crear una obra que cambiaría la historia. Viridiana fue prohibida, pero se exhibía clandestinamente entre la joven intelectualidad española, Franco no pudo deterner que las nuevas generaciones se expresaran y lucharan por su libertad; 14 años después Franco moría y España iniciaba una nueva etapa político-social. La influencia de Buñuel fue más que notable. Una caricatura de Alberto Isaac de la época refleja en solo tres viñetas lo que conquistó el aragonés con su moderno Caballo de Troya:



Existe un antecedente fílmico que guarda mucha relación con Viridiana. Se trata de Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958). En Vértigo, el protagonista Scottie (James Stewart) tiene el deseo de poseer a una mujer muerta; por lo que le pide a Judy (Kim Noval) que use la ropa de la difunta (un vestido de novia).

El famoso crucifixo del que sale una navaja fue una baratija que Buñuel compró en Albacete, le llamó tanto la atención que decidió usarlo en la película, por lo que las críticas que indican que fue el colmo que inventara algo así para mostarlo en el filme son infundadas.

Para la edición que lanzó Criterion Collection en Estados Unidos en la década de los noventas, se eligió una portada en la que aparecía Viridiana con el vestido de novia y sosteniendo un candelabro. La imagen fue censurada y se cambió por la imagen clásica de la cara de Silvia Pinal.

El hijo de Buñuel, Juan Luis Buñuel fue el asistente de dirección.




Les dejo con el avance de la película:


Una breve semblanza sobre el director:


La canción Shimmy Doll que se usa en la banda sonora de la película:


martes, 12 de junio de 2012

Ganadores Festival Annecy 2012


El Festival Internacional de Cine Animado más importante del mundo ha dictado sus ganadores. En una nueva entrega desde la ciudad francesa de Annecy se han premiado a los mejores largometrajes y cortometrajes del año. 

El jurado de los largometrajes conformado por Caroline Piochon (Francia, animadora); Tom Perlmutter (Canadá), Stéphane Aubier (Bélgica, director) y Sue Goffe (Gran Bretaña, productora) eligieron a:


El Cristal a Mejor largometraje
Crulic - drumul spre dincolo
Director: Anca Damian // País: Rumanía - Polonia



Mención Especial
Arrugas
Director: Ignacio Ferreras // País: España



Premio del Público
Color de piel: Miel
Director: Laurent Boileau y Jung Henin
País: Francia, Bélgica, Corea del Sur y Suiza



Por su parte, el jurado de los cortometrajes integrado por Joe Aguilar (EE.UU., productor), Eric Khoo (Singapur, director) y Darragh O'Connell (Irlanda, productor) eligieron los siguientes filmes:


El Cristal de Annecy a Mejor cortometraje
Tranvía (7')
Directora: Michaela Pavlatova // País: Francia



Premio Especial del Jurado
Edmond era un burro (14')
Director: Franck Dion // País: Francia - Canadá


Premio Opera Prima "Jean-Luc Xiberras"
The people who never stop (3' 30")
Director: Florian Piento // País: Francia - Japón



Distinción Especial
Siete minutos en el gueto de Varsovia (7' 42")
Director: Johan Oettinger // País: Dinamarca



Premio Sacem a mejor música original
Modern No. 2 (4' 15")
Director: Mirai Mizue // País: Japón



Premio del Jurado Junior
História d'Este (7' 13")
Director: Pascual Pérez // País: España



Premio de la Audiencia
Second Hand (7' 35")
Director: Isaac King // País: Canadá



El jurado para los filmes para televisión y por encargo fueron Tiziana de Carolis (EE.UU., compositora), Jackie Edwards (Gran Bretaña, productora), Hugues Allart (Francia, productor). Ellos premiaron a:


El Cristal a la mejor producción para televisión
Secret Mountain Fort Awesome "Nightmare sauce" (11' 30")
Director: Pete Browngardt // País: EE.UU.

 
Premio Especial para una serie de televisión
Stella y Sam "Viaja a la luna" (12' 15")
Director: Dave Merritt y Ray Jafelice // País: Canadá


Premio al mejor especial para televisión
The Gruffalo's child (26' 18")
Director: Johannes Weiland y Uwe Heidschötter // País: Gran Bretaña


Premio a la película educativa, científica o de empresa
Le Droit de suite (3')
Director: Pierre-Emmanuel Lyet // País: Francia


Premio a la mejor publicidad
Red Cross "Stuff" (1' 2")
Director: Andrew Hall // País: EE.UU.


Premio al mejor video musical
We cut corners "Pirate's life" (2' 27")
Director: Przemyslaw Adamski y Katarzyna Kijek // País: Polonia



El jurado de la sección "Graduation films" consistía en Véronique Cayla (Francia), John Piper (Nueva Zelanda) y Stefanie Zhang (China). Ellos galardonaron los siguientes trabajos:


Premio a la Mejor Graduación
The making of Longbird (15' 18")
Director: Will Anderson // País: Gran Bretaña


Premio Especial del Jurado
Kyrielle (10' 13")
Director: Boris Labbe // País: Francia


Mención Especial
Le Jardin enchanté (4' 4")
Directora: Viviane Karp // País: Francia


Premio del Jurado Junior
Friendsheep (7' 4")
Director: Jaime Maestro // País: España



La ceremonia de premiación se terminó con los siguiente galardones:

Premio UNICEF
Color de piel: miel
Director: Laurent Boileau y Jung Henin
País: Francia, Bélgica, Corea del Sur y Suiza

Premio FIPRESCI
 Tranvía (7')
Directora: Michaela Pavlatova // País: Francia

Premio CANAL+ de ayuda creativa para un cortometraje
Una furtiva lágrima (3' 8")
Director: Carlo Vogele // País: Luxemburgo



 Los dejo con imágenes de este gran Festival...