jueves, 31 de mayo de 2012

Ensayo de un crimen



Título original: La vida criminal de Archibaldo de la Cruz. México (1955) B/N
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel y Eduardo Ugarte inspirados en la obra de Rodolfo Usigli
Productor: Roberto Figueroa y Alfonso Patiño Gómez
Cinematografía: Agustín Jiménez
Montaje: Jorge Bustos y Pablo Gómez
Música: Jorge Pérez

Duración: 89 minutos

Elenco:

Ernesto Alonso como Archibaldo de la Cruz
Miroslava como Lavinia
Rita Macedo como Patricia Terrazas
Ariadna Welter como Carlota Cervantes
Andrea Palma como la madre de Carlota
Carlos Martínez Baena como el cura




La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, conocida internacionalmente como Ensayo de un crimen es una de las obras maestras del cineasta aragonés. La década de los cincuenta fue de una productividad importante para Buñuel, quien tenía la capacidad de hacer cine bueno con un presupuesto mínimo y rodaba en poco tiempo. El cineasta hizo 16 películas en ese período, incluyendo joyas del sétimo arte como Los olvidados (1950), Él (1953) y Nazarín (1959); además filmó su primera película en Estados Unidos (Robinso Crusoe, 1954) con nominación al Oscar para el actor Dan O'Herlihy.

Filmada, precisamente, después de su periplo en Hollywood, Ensayo de un crimen es una obra de transición para Buñuel, utiliza técnicas de una manera más depurada y la fluidez de la cámara mejora. Hace uso constantemente de los primeros planos con una mayor función dramática y el proceso de edición es notable.

Este filme también marcó el inicio de la relación de Buñuel con Gustavo Alatriste. Este último era el amante (posteriormente marido) de la actriz Ariadne Welter y visitaba contínuamente el set de grabación. La relación con Ariadne no iba a funcionar, pero la amistad con Buñuel, quien le animó a convertirse en productor, sí lo hizo. La fama de galán le funcionó a Alatriste para enamorar a otra actriz: Silvia Pinal, quien trabajó bajo las órdenes de Buñuel en Viridiana, El ángel exterminador y Simón del desierto; todas producidas por Gustavo Alatriste.

Una de las mayores virtudes de Buñuel fue la de dirigir actores, de sacarles lo mejor de sí. Pocos cineastas pudieron hacer tantas películas excelsas con actores que particularmente no destacaban o tenían muchos manierismos. Buñuel insistía en que el actor mexicano no debía mover el cuello y la cabeza, tampoco abrir los ojos en grado extremo, así como era rápido filmando, lograba que los actores entendieran lo que él pretendía de cada uno. El trabajo que hace con el niño que interpreta a Archibaldo es fenomenal, así como con el resto del elenco.

El guión fue un dolor de cabeza para el español. El escritor Usigli reclamaba por el más mínimo cambio que el aragonés quería hacerle a su obra; tras una noche no se aguantaron más y Ugarte remplazó a Usigli. Una vez terminada la película, Usigli demandó a Buñuel ante el sindicato de guionistas por haber irrespetado su obra. El fallo dio la razón al español porque en los títulos de entrada aparece "inspirada en...", con lo que entendía que era una reinterpretación y no una adaptación.

Este filme continúa con la obsesión buñueliana de contraponer a Eros y Tánatos, la consumación del deseo o la inclinación hacia la muerte. Archibaldo es una persona perturbada que en su interior se debaten estas ideas, busca una mujer con quien casarse, pero a la vez tiene tendencias homicidas contra todas las mujeres.

La música es clave en esta película, a través de una cajita musical Archibaldo tiene un acceso a un recuerdo que le causa un placer perverso. La muerte de una institutriz cuando él apenas era un niño hace que él se imagine que tiene poderes especiales conferidos por la cajita musical, así él podrá matar a quien desee. Su objeto de proyección son las mujeres. Acaso por la crianza tan permisiva por parte de la madre y la muerte de la única figura de autoridad, el personaje habría introyectado un objeto materno sobrevalorado, por lo que deberá eliminar cualquier mujer que atente romper su esquema idealizado de mujer/madre. El simbolismo de la leche puede sugerirnos ese vínculo patológico con la madre.

Mientras el protagonista está dividido por sus impulsos internos, la pelicula se desdobla de manera elegante y armoniosa. La edición es clave para que el filme tenga una coherencia interna y funcione como trama de suspenso con un humor negro finísimo. Ensayo de un crimen está estructurada a partir de un gran flashback, el personaje cuenta su versión de los hechos, mientras lo hace pasamos de la realidad a la fantasía, la música distorsionada es clave para entender que la imaginación de Archibaldo está controlando el tiempo y espacio, es un recurso surrealista que Buñuel emplea con gran acierto y con una sutileza maravillosa.

El trabajo de fotografía también es encomiable, permitiendo encuadres claros de los personajes y el entorno. Con tomas ejemplares en escenas claves como la que aparece Ladivia entre llamas o la escena de la cremación del maniquí.

La película también es una sátira devastadora de la burguesía, una constante en el cine de Buñuel. Se critica la frivolidad de la sociedad (personaje de Patricia), la doble moral (Carlota reza todos los días en un oratorio dentro de la casa y finge ser virgen cuando mantiene una relación con un hombre casado); también se ataca la burocracia de las instituciones públicas, "mucha sangre y pocas nueces" dirá uno de los personajes en una escena del crimen.

La adulación hacia la clase alta le enfermaba al director, por eso critica la posición en la que no se cree posible que un aristócrata sea un criminal (igual que el personaje de Él, 1953): "Solo con ver la cara a los clientes nosotros sabemos enseguida si son de fiar. Las personas honradas parece que lo llevaran grabado en la frente" más adelante en esa misma secuencia el mismo actor dirá "Decente y pobre es peor que granuja y rico". Es un planteamiento claro de Buñuel contra la sociedad mexicana.

Toda la escena de la boda es también una crítica a los poderes que lideran a la sociedad, así tenemos la figura de un padre (Carlos Martínez Baena hizo en varias ocasiones este papel, tanto para Buñuel como en las películas de Cantinflas), el del burócrata y el del militar. Hay una toma en la que se nos muestra a los pobres observando desde la calle la susodicha boda, mientras que los aristócratas se regordean entre sus ínfulas. Una crítica lapidaria por parte del maestro.

El personaje de Archibaldo, aunque perturbado, no deja de ser un reflejo de la personalidad del aragonés, su desdén hacia las mujeres, su machismo y su obsesión sádica de asesinar mujeres.  Esta película es muy íntima. El director aunque muy transgresor en su cine, fue extremadamente conservador en la vida real. Una vez casado, le pidió a su esposa que dejara de trabajar, además siempre la llamaba a la misma hora para cerciorarse de que estuviese en casa. Según apuntan los biógrafos del director, este nunca le fue infiel a Jeanne Ruccar.

El filme tiene una dosis de erotismo característica en el cine buñueliano, los primeros planos de piernas son frecuentes y hay una intencionalidad erótica palpable, es como un juego entre los personajes. El cine de Buñuel es fetichista por excelencia, particularmente las piernas y los pies, constatemente podemos ver en su filmografía referencias de esto de todo tipo.



Repasemos ahora las muertes:

La primera es el de la institutriz, quien muere por una bala perdida producto de las revueltas bélicas. Archibaldo (un niño en esa época) va a creer que fue su voluntad la que mató a la mujer, ahí se le queda fijada la tonada de la cajita de música, la sangre de la herida y el fetiche de las piernas con las medias altas.


La segunda es la de la mujer frívola, Patricia Terrazas. Él quiere matarla en el apartamento de ella, había preparado los guantes y la navajilla para afeitar (este símbolo que nos recuerda a Un perro andaluz será una constante en todo el filme); sin embargo, el novio de esta llega antes. Al día siguiente, Archibaldo se entera de que la mujer se suicidó.


El tercer caso es el de Lavinia. Ella es celosamente custodiada por su pretendiente (un hombre mayor, otra crítica buñueliana a los estatutos sociales, la idea de un Don Juan envejecido y patético también la encontramos en el personaje de Don Lope, en la película Tristana, 1970) y Archibaldo la corteja (también hay una hipocresía en este personaje, porque mientras le pide matrimonio a Carlota, este sigue buscando otras mujeres). En la secuencia más rica de la película, vemos el personaje interpretado por Miroslava desdoblarse, así tenemos a la actriz y a un maniquí; al no poder conquistar a la mujer real, Archibaldo lo intenta con la falsa; cuando sus intenciones son interrumpidas por los gringuitos él decide incinerar el maniquí. Esta escena es la que más morbo creó, puesto que días después del estreno de la película la actriz Miroslava se suicidó. Ernesto Alonso quien interpretó a Archibaldo, contó sobre lo deprimía que estaba la actriz durante todo el rodaje, producto de las dificultades sentimentales con su pareja el torero Luis Miguel Dominguín. La actriz fue cremada tras su fallecimiento lo que elevó los cotilleos sobre las similitudes con la que sería su última película. Murió a los 29 años cuando su carrera empezaba a despuntar, entre los romances que se le atribuyen están: Arturo de Córdova, Cantinflas y hasta se llegó a decir que tuvo relaciones lesbianas. Sin conocerse realmente los hechos, su mito fue engrandecido.


La cuarta muerte es la de Carlota. Archibaldo al enterarse de su relación con un hombre casado, planea meticulosamente su asesinato. En la noche de bodas, prepara un ritual para ridiculizarla y someterla para luego matarla, esto no pasa de ser otra fantasía (acaso alucinación, en algunas partes nos da la impresión que el personaje está sufriendo de alucinaciones, lo que nos indicaría una posible esquizofrenia). Carlota morirá de todas formas, pero por otra persona.


La última muerte, aunque de acuerdo a la estructura de la película es la segunda que observamos, es la de la monja, a quien Archibaldo cuenta todos sus secretos y a quien intenta asesinar. La monja sufrirá otro destino. Buñuel tira una piedra a la iglesia cuando el protagonista le indica a la monja que si cree en dios, entonces no debe temer la muerte.


Hacia el final de la película, Archibaldo vuelve a encontrarse con Lavinia, antes tenemos una imagen enigmática de profundo simbolismo. El protagonista observa un saltamontes (o langosta como prefieran llamarle) y cuando va a matarlo se arrepiente y sigue su camino.

De acuerdo con el simbolismo de la langosta en el Antiguo Testamento (Éxodo), significaría el castigo físico. Así como el dios cristiano manda una plaga de langostas contra Egipto para favorecer a Moisés; la langosta significaría el castigo físico de Archibaldo por sus pensamiento pecaminoso. Un castigo que no queda del todo claro, porque quien sufre son las mujeres que él va conociendo. Mientras, en el Nuevo Testamento, la langosta simboliza el suplicio moral. Acá tenemos más certeza del significado; máxime cuando revisamos lo que Jean Chevalier apunta en su Diccionario de Símbolos; él explica que la langosta tiene la misma potestad que los escorpiones (inmediatamente hacemos la conexión con La edad de oro, 1930) y que su función es la de atormentar moralmente. Archibaldo a todas luces, es un hombre perturbado, atormentado por la lucha interna entre amar o matar (Eros y Tánatos).


El bastón, por su parte, es un símbolo fálico, ligado a la fertilidad; es decir, es una alusión a la sexualidad del personaje. El final que es abierto sirve para varias interpretaciones, será posible que Archibaldo cuando tira el bastón está dejando ir su frustración sexual y resolviendo su conflicto interno para poder finalmente amar a alguien (Lavinia) o, por el contrario, no es más que un espejismo y al no matar al saltamontes nos indica que el castigo moral seguirá... y si es el caso, entonces tendrá deseos homicidas hacia Lavinia, serán fantasías o finalmente lo concretará.... Buñuel maliciosamente nos deja con las ganas, cada uno de nosotros como espectadores decidiremos el destino de los personajes.

La película ha sido homenajeada por Pedro Almodóvar (Carne Trémula, 1997) y por Alex de la Iglesia (Crimen Ferpecto, 2004).


Les dejo con un video que sirve como avance de la película:

Superman vs La Élite



Título original: Superman vs the Elite. EE.UU. (2012) Color.
Director: Michael Chang
Guión: Joe Kelly
Productor: Bruce Timm, Alan Burnett
Montaje: Christopher Lozinski
Música: Robert Kral
Duración: 76 minutos

Elenco:

George Newbern voz de Superman
Pauley Perrette voz de Lois Lane
Robin Atkin Downes voz de Manchester Black
Catero Colbert voz de Coldcast
Melissa Disney voz de Menagerie
Andrew Kishino voz de The Hat



La nueva película de DC Universe está basada en el número 775 de Action Cómics: What's so funny about truth, justice & the American way? Trabajo de Joe Kelly con arte de Doug Mahnke y Lee Bermejo. Se publicó en marzo del 2001.


Debo decir que cuando leí este cómic quedé con un sinsabor. La historia daba para mucho más, en términos generales creo que se podrían hacer tres cómics para poder abarcar todas las aristas de la trama. En lo que respecta al diseño de personajes, quedé bastante complacido, la idea de este grupo anárquico que irrumpe en la escena mundial autodenominándose los salvadores del mundo me agradó y funcionó a la perfección para revitalizar los cómics de Superman. Aún así creo que la historia original se contuvo, pudo ser épica, pero al final aunque buena, le faltó.

El grupo de trabajo de DC Universe Animated Original Movies hizo varios cambios a la historia original, el propio Kelly trabajó en la adaptación animada y creo que la mejoraron un 200%


Esta historia es una de las mejores películas animadas que ha sacado DC. Es atrevida como ninguna otra, criticando fuertemente el sistema político-militar estadounidense, los límites del poder, las bases del conflicto humano y las razones intrínsecas al sistema de justicia estadounidense e internacional (Naciones Unidas). Algunos podrán decir que cómo es posible esto, bueno, vean la película. El hecho de que sea animada no significa que no tenga contenido, es más, desde hace muchas décadas los cómics y las novelas gráficas son una fuente constante de exposición crítica, podemos encontrarnos con historias profundas. El debate en esta película versa sobre el ajusticiamiento. Matar a los delincuentes, violadores, líderes corruptos; o creer en el sistema de justicia, hacer un juicio y condenar a los culpables.

La trama no es ingenua y no nos vende una falsa idea de que el sistema funciona, es precisamente el foco de la crítica, el sistema está viciado. En psicología social hablamos de que toda institución se funda bajo un crimen en común. En el caso de Costa Rica voy a poner dos ejemplos: el actual Museo del Niño era una penitenciaría; y la sede actual del Ministerio de Cultura era la antigua fábrica de licores. De igual forma, los delincuentes o "desviados sociales" (como se les llama en algunos textos de psicología social y criminología) son producto de la sociedad misma. Cuando se crea una nueva ley es porque existió alguien que hizo algo que ameritaba una sanción, una reglamentación; al no existir tal sanción entonces se crea la ley. La sociedad permite que exista y aparezcan los casos de criminalidad. Con esto no quiero quitar responsabilidad a cada persona, si alguien decide robar, violar o cometer un delito, lo hace bajo su propia voluntad y responsabilidad y deberá (idealmente) pagar por lo que ha hecho. En este sentido, también hay que decir que el sistema de encarcelación no funciona, esto no es algo nuevo, en la historia de la humanidad nunca ha funcionado. Es comprobado cómo las personas que han pasado tiempo en la cárcel se reintegran a la sociedad con más vicios de los que tenían al inicio; las cárceles no rehabilitan; pero no tenemos otro método.

De todo esto se puede hablar a raíz de esta película. El trasfondo filosófico que tiene es muy bueno, por un lado está Superman que representa ya no solo los valores estadounidenses, sino un ideal del ser humano, bueno por naturaleza; por el otro lado, hay cuatro jóvenes embriagados con el poder, quienes quieren tomar el control con sus propias manos, convertirse en jueces y verdugos. El filme trasciende las fronteras de Estados Unidos y lleva el conflicto a nivel mundial. Por razones de sensibilidad política, no se dicen los nombres reales de dos países, en su lugar se llaman Bialya y Pokolistán; pero fácilmente podemos discernir a Irán e Iraq (por cuestiones geográficas me inclino a pensar que es Iraq en vez de Pakistán).

Y recordando viejos tiempos, este es un trabajo para Superman!!!!! Esta es una de las mejores historias para este personaje y lo principal es que la animación se aleja del tono moralista proestadounidense que tiene el cómic. En su lugar, Superman se define a sí mismo como un héroe para el mundo; entendemos por qué Batman, Green Lantern, Wonder Woman e incluso Flash no calzan como los héroes acá.

La introducción es genial muy nostálgica, hecha con estética vintage podemos observar la evolución a lo largo de las décadas de El Hombre de Acero. Marca un estilo único en este género de animaciones, juega también con un estilo punk y con colores que nos remiten a los ochentas. El estilo visual de la película es bastante refrescante y me encantó, no se dejen llevar por los trailers, puede ser que vean a los personajes muy infantilizados, es decir, con un diseño más caricaturesco, sin embargo, está película no es para niños. Por favor lean la advertencia, es PG-13. Parte del proyecto de DC Universe es darnos a los fans adultos unas historias fieles a los cómics y estos no son juegos de niños, reproducen situaciones que vivimos a diario. La censura tiene una razón de ser, no porque sea un personaje bonito y conocido significa que un niño pueda ver esta película.

De hecho hay secuencias bien violentas, no son gratuitas están acorde con el guión y lo que plantea, ¿Superman podrá controlarse?, ¿será vencido o peor aún, cruzará la línea y matará....? Para todos los aficionados al Hombre del Mañana, les recomiendo esta película, dignifica a Superman como lo que es, lo eleva dentro de sus propios parámetros respetando su origen (me encantó ver cuando está en la Fortaleza de la Soledad -alusión a su herencia kriptoniana- y cuando está en Smallville -con sus padres de crianza-) y mostrando el verdadero poder que tiene.

Otro gran acierto del filme es la música, un estupendo trabajo de Robert Kral; junto con la música original de Christopher Drake para Batman: Year One, son los mejores trabajos de todas las películas de DC Universe. La banda sonora va más allá de una película animada y logra conducirnos dentro de una historia llena de acción, momentos de incertidumbre, confrontación al héroe, caída y redención del mismo.

Con un guión mejorado, una música impresionante, voces adecuadas para cada personaje, tenemos un humor ácido y bien negro que condimenta y permite gozar esta película. Me reí bastante. El personaje de Manchester Black, como buen inglés tiene unas líneas magníficas. Se burla de la política exterior estadounidese, de su fútbol y de su ejército, hay una crítica constante a la intervención gringa en países del medio oriente (repito no dicen los nombres, pero uno capta el mensaje). También se burla  de la verdad, la justicia y las costumbres estadounidenses, ridiculiza a Superman como héroe anticuado, eso sí, hasta que El Hombre de Acero lo pone en su lugar y reivindica su poder y su filosofía. También respetaron el papel que tienen los medios de comunicación en el cómic, es una forma de critica actualizada de las vías de expresión de las multitudes, de lo expuestos que están los gobiernos a la atención pública y a su vez, la pérdida de privacidad del ciudadano común.


Me gustó la dimensión completa que le dan a Superman, desde la Fortaleza de la Soledad hasta Smallville, su vida como Clark Kent, su faceta romántica con Lois (sea en la parte hogareña de Clark como en la de Superman); la preocupación genuina que tiene por los habitantes de la Tierra, también hay un par de escenas en que aparece Kandor (gracias, estos detalles nos encantan a los fans) y por supuesto, como el héroe enorme que es, aquel que hace las más grandes tareas con el mínimo esfuerzo.

Los villanos son varios. Primero aparece Atomic Skull (quien no aparece en el cómic original). Este villano aparece en Actions Comics 670 (octubre, 1991), era un estudiante universitario a quien se le activa un gen mutante que le brinda poderes radioactivos. 


Por su parte, La Élite está compuesta por Manchester Black, el líder. Primera aparición (al igual que el resto de La Élite) Action Comics 775 (marzo, 2001), tiene grandes poderes telequinésicos y telepáticos, puede leer la mente y controlar a las personas, además de manipular la percepción y distorsionar la realidad. Tiene una hermana menor, es un mentiroso compulsivo y aparentemente (la película así lo indica) trabajó para el MI-5 británico, pero la Agencia de Inteligencia siempre lo ha negado.  El segundo en poder es Coldcast, tiene la habilidad de manipular electromagnetismo, aunque en la película puede absorber y proyectar todo tipo de energías (como la radioactiva y la solar). Luego está Hat, un borracho que tiene poderes mágicos, usa un sombrero del cuál obtiene su poder y puede manifestar una infinidad de creaciones con tan solo desearlo. La última del grupo es Menageriem, tiene dentro de su cuerpo un organismo alienígena que se transforma en unos bichos que asemejan larvas, serpientes y reptiles.


Además, La Élite viaja en una nave alienígena (que en sí misma es una colonia) consciente a quien llaman Bunny. Manchester Black la ha manipulado mentalmente para que les sirva de transporte y cree una barrera para que no los puedan rastrear. En los cómics la hermana menor de Machester, Vera Black asume el liderato del grupo tras la aparente muerte de su hermano. En la película también dan a entender que trabaja para el MI-5 británico.

Otra diferencia con respecto al cómic, es la omisión de Lex Luthor, quien está interesado en aprovechar los poderes de La Élite para su beneficio y exponer a Superman como un farsante.

Superman vs La Élite es un trabajo bastante honesto que no teme criticar al propio gobierno gringo, es por mucho la película más provocadora de DC Universe. No va a tener las ventas de Avengers, pero es mucho más entretenida y más mordaz; mejor pensada y ejecutada. En estos casos es mejor una buena película animada que películas de altísimos presupuestos de superhéroes que devienen en entretenimiento superfluo: Green Lantern, Spiderman, Thor, Iron Man, Ghost Rider y un largo etcétera.

Acá tienen el avance de la película:



Robin Atkins Downes y Joe Kelly en Wondercon 2012, hablan sobre la película:


George Newbern habla sobre su trabajo:


miércoles, 30 de mayo de 2012

Nader y Simin, una separación



Título original: Jodái-e Náder az Simin. Irán. (2011). Color.
Director: Asghar Farhadi
Guión: Asghar Farhadi
Productor: Negar Eskandarfar, Asghar Farhadi
Cinematografía: Mahmoud Kalari
Montaje: Hayedeh Safiyari
Música: Sattar Oraki
Diseño de producción: Keyvan Moghaddam
Duración: 123 minutos


Elenco:

Peyman Moadi como Nader
Leila Hatami como Simin
Sareh Bayat como Razieh
Shahab Hosseini Hojjat
Sarina Farhadi como Termeh (la actriz es la hija del director)
Ali-Asghar Shahbazi como el padre de Nader
Kimia Hosseini como Somayeh


Premios:

Entre los más de 60 galardones a nivel mundial destacan:

Festival Internacional de cine de Berlín: Oso de Oro a la mejor película
Festival Internacional de cine de Berlín: Oso de Plata a la mejor actuación masculina
Festival Internacional de cine de Berlín: Oso de Plata a la mejor actuación femenina
Festival Internacional de cine de Berlín: Premio del Jurado Ecuménico
Oscar: Mejor película extranjera
Festival de Cine de Fajr: Premio de la audiencia como mejor película
Festival de Cine de Fajr: Mejor director
Festival de Cine de Fajr: Mejor guión
Festival de Cine de Fajr: Mejor sonido
Festival de Cine de Fajr: Mejor fotografía
Festival de Cine de Fajr: Diploma de honor a mejor actor secundario
Festival de Cine de Fajr: Diploma de honor a mejor actriz secundaria
Celebración del Cine de Irán: Mejor película
Celebración del Cine de Irán: Mejor director
Celebración del Cine de Irán: Mejor guión original
Celebración del Cine de Irán: Mejor actor de reparto
Festival Internacional de Cine de San Sebastian: Premio Otra Mirada
Festival de Cine de la India: Premio al mejor director
Globo de Oro: Mejor película en lengua no inglesa
Premios César: Mejor película extranjera

La única película en la historia de la Berlinale en ganar tres Osos. La primera película iraní en ganar un Oscar (Los niños del cielo de Majid Majidi estuvo nominada, pero no ganó). Además ganó premios en Sudáfrica, Australia, Holanda, Rusia, Japón, Canadá, entre otros países.


Las películas de efectos especiales que se han estrenado en los últimos años lideran las taquillas internacionales y los récords de asistencia histórica a los cines. Pero películas como Nader y Simin, una separación (de ahora en adelante simplemente La separación) deberían verse en cada colegio, universidad y centro de estudios del mundo. Tuve que comprar el bluray para poder ver esta película, es una lástima que a Costa Rica no llegue ni a videos ni al cine.

Debo decir que mientras avanzaba la película me sorprendía cada vez más y era un ejercicio constante olvidar cada recuerdo de mi educación para no entrar en juicios de valor peyorativos. Esta es una de las películas más humanas que he visto, me explico. NO se trata de hablar del humanismo como filosofía, más bien me refiero a que cada personaje, cada historia, cada giro de esta película nos puede pasar a cualquiera, haciendo salvedad de la diferencia cultural que pueda existir.

Aún así, el mayor logro de Farhadi es contarnos una historia perfecta en su guión, que trasciende las fronteras, respeta la sensibilidad religiosa de su país (Irán), nos conmueve y hace reflexionar, nos deja un profundo mensaje sobre la vida y no emite juicios de valor. Es una oda al cine como arte.

La separación evita ser una película política, tampoco es un manifiesto religioso, es ante todo una historia humana, de las razones por las cuales mentimos, rogamos, sufrimos, amamos y nos separamos. Es también una película de carácter social, tiene un mensaje claro sobre las relaciones interpersonales y maritales, las relaciones entre la sociedad civil y el gobierno; las relaciones a lo interno de la familia y, en general, de la sociedad iraní.

Aunque hay una crítica en el fondo, la película fue bien recibida por el pueblo iraní (la tercera mejor taquilla del año) y el gobierno. Farhadi decidió filmarla en Teherán y la única razón por la que el Ministerio de Cultura y Orientación Islámica paralizó 10 días la filmación fue cuando el director hizo declaraciones a favor de sus colegas Bahman Ghobadi y Jafar Panahi (a quienes el gobierno censuró); el primero está exiliado y el último incluso está en la cárcel. Cabe mencionar que el gobierno no financió la película, los fondos fueron de índole privada. Farhadi pidió disculpas para poder terminar la película.

En La separación, el trabajo de cámaras es tremendo, hay mucha filmación en espacio cerrado (apartamentos) pero el filme es fluido, también hay genialidades estéticas como esa toma final en que vemos contrapuestos a los actores. El trabajo de Farhadi es encomiable, nos muestra unos primeros planos magníficos que elevan el dramatismo, a su vez, la cámara sirve para que la película sea intimista, esto hace que el filme sea universal. Hay que destacar que gran parte de la película está filmada con cámara en mano, psicológicamente, el espectador se siente inmerso en la historia, lo experimenta como algo real, es un logro notable de Farhadi.


La fotografía es sobria, con una paleta de colores acorde con los estados emocionales de los personajes y del drama que vemos, sólo el color del pelo de Simin (Leila Hatami) irrumpe en la monotonía cromática, acaso como manifiesto de las intenciones de su personaje y como contrapunto cultural.

La música también está sublime, en ciertos pasajes escuchamos versos del corán recitados, son escenas claves que se convierten en manifiesto de la instrucción moral-religiosa que tienen los personajes. El resto de la banda sonora busca ser intimista, no llamar la atención y seguir la historia de forma pausada. Junto con la música, los decorados y el escenario están planeados meticulosamente, en alguna toma vemos una imagen del Shah en la pared. Nos muestran una vivienda de clase media-alta y otra de clase baja, los contrastes sociales en Teherán.

Las actuaciones son maravillosas, todo el elenco; en el Festival de Berlín los premiaron en conjunto, no por separado, tanto a los hombres como a las mujeres. El trabajo del director con las niñas es digno de mención, una de ellas es su propia hija, pero esto no le quita ningún mérito. El resto del elenco funciona como una amalgama perfecta, se apropiaron de cada personaje y nos dan un resultado de gran poderío histriónico, totalmente verosímil; las gesticulaciones, llantos y diferentes emociones nos son transmitidas con una naturalidad sorprendente. Hay que alabar el trabajo de todos ellos, se dieron por completo a la película y el resultado es inmejorable. 

Una de las claves de La separación, es que por más que tratemos de analizar las razones de cada personaje, llegamos a la conclusión de que todos tienen una parte de razón. No podemos simplemente tomar una posición, cuando nos damos cuenta de las motivaciones de cada uno, entendemos y nos solidarizamos con sus miedos, sus deseos, sus recelos, sus limitaciones; no podemos juzgar a la ligera a estas personas; eso es, el elenco de La separación dejan de ser personajes ficticios para convertirse en personas ante nuestros ojos. El propio Farhadi admite que la película tiene elementos biográficos mezclados con su propia imaginación.

No tengo dudas de que Farhadi ama a su país, pero esto no significa que no le critique ciertos aspectos. Principalmente, el sentimiendo de terror ante la autoridad. Irán ha sido un país muy violentado en sus derechos civiles y humanos, la población ha vivido muchas guerras y la segregación internacional roza los límites de la xenofobia. Farhadi nos sitúa en el Teherán actual, evita las referencias al pasado bélico y se centra en la cotidianeidad de los personajes, en su lucha por sobrevivir y en el amor que sienten entre sí. La pareja protagonista está a punto de separarse, pero esto no quiere decir que no se amen. 

El miedo que sienten todos los personajes por la autoridad judicial (juez) y la autoridad religiosa (Corán) es palpable. Podemos caer en el error de juzgar a la distancia, de comparar el proceso judicial de Irán con el de nuestros respectivos países, creo que eso sería un error. La historia en Occidente no puede presumir de igualdad de derechos e inexistencia de injusticias. En el caso de La separación, la falta de recursos hace que los personajes mientan para poder sobrevivir al sistema, sin embargo y dentro de su cultura y fe, no se puede mentir ante la divinidad y esto conlleva a un nuevo argumento moral. Entre tales luchas ideológicas que tienen los personajes consigo mismos y entre ellos, tenemos un guión estructurado de manera ejemplar, ejecutado por actuaciones excelsas que nos muestran la condición humana al desnudo, desde las relaciones parentales y sentimentales hasta las comunitarias y sociales.


La película expone un gran número de temáticas sin que esto lleve a la confusión, el enredo o la falta de ritmo; al contrario, es tan fluida y confusa como la propia vida de cada uno de nosotros. Sí quiero llamar la atención al papel que juegan las niñas en la película. En un mundo adultocéntrico como en el que vivimos, es frecuente que no prestemos atención al mundo propio de los infantes. En el filme, ambas niñas sufren por las decisiones de sus padres, incluso estos las incluyen en las discusiones y las manipulan para su beneficio. Hay circunstancias específicas que se viven en cualquier país, en las que si bien una niña asiste a la escuela y tiene el derecho a estudiar, otra tiene que acompañar a su madre al trabajo o labora por su cuenta para subsistir. Corresponde a cada adulto evitar que los niños trabajen de esta manera para poder comer y vivir cada día, deberíamos ser más reflexivos y eliminar estas prácticas, permitirles a los niños disfrutar su infancia y que desarrollen sus capacidades. Sin que esto suene a una utopía, aún más importante, es evitar que los niños entren en discusiones que no les competen; en el subsistema parental (la familia como un todo sería el sistema completo), los niños no tienen por qué estar involucrados, no tienen que ser chantajeados por los padres, ni tienen que tomar decisiones. En un divorcio o separación, quienes se separan son los cónyuges, los niños siguen teniendo a los padres y no se les puede obligar a tomar decisiones que no les pertenecen, que los agobian y les causa un sentimiento de culpabilidad. Hay una escena en las que las niñas se ven mutuamente, cada una desde su inocencia (más allá de la diferencia de edad) que tiene una intencionalidad dramática magnífica.


Otro tema de enorme relevancia es el de la situación de los adultos mayores a lo interno de la familia y en la sociedad. Hay un personaje en la película, que si bien practicamente no habla, es escencial para el desarrollo de la trama. Es alguien que sufre y que también tiene derechos y sentimientos, me pareció que la forma en que trataron este personaje es bastante real, en Occidente se suele desprestigiar al adulto mayor y verlos como un estorbo, algo que debemos cambiar cuanto antes.

También tenemos la situación sentimental de las dos parejas, el desempleo, la jurisprudencia estricta y las costumbres socioculturales de Irán. De estas últimas, está por ejemplo el que una mujer no puede solicitar empleo sin la autorización de su esposo (o padre, o hermano o figura masculina a la que pertenezca). Por otro lado, la película critica la manera en que se resuelven los conflictos legales en Irán, desde un divorcio hasta causas penales.

En resumen, Nader y Simin, una separación es cine maravilloso en todo su concepto, recomendable para todas las audiencias y un cine necesario para las aulas, para ampliar la visión de mundo de profesores y alumnos, para conocer de otra cultura y para solidarizarnos con el drama humano sin importar el color de la piel, las creencias, el género, la edad, la posición socioeconómica, etc.


Les dejo con el avance de la película:


Ahora un detrás de cámara, aunque está en persa, podemos apreciar el proceso creativo y el casting:


 La actriz Leïla Hatami habla sobre lo que significa hacer cine en Irán:


  Asghar Farhadi habla sobre su carrera:


 Una entrevista bastante completa al director:


 Las actrices Sareh Bayat y Sarina Farhadi en la conferencia de prensa de la Berlinale:

martes, 29 de mayo de 2012

Martha Marcy May Marlene



Título original: Martha Marcy May Marlene. EE.UU. (2011). Color.
Director: Sean Durkin
Guión: Sean Durkin
Productor: Antonio Campos, Patrick S. Cunningham
Cinematografía: Jody Lee Lipes
Montaje: Zachary Stuart-Pontier
Música: Daniel Bensi y Saunder Jurriaans
Diseño de producción: Chad Keith
Duración: 102 minutos

Reparto:

Elizabeth Olsen como Martha
John Hawkes como Patrick
Sarah Paulson como Lucy
Hugh Dancy como Ted

Premios:

Festival de Cine de Sundance: mejor dirección (película dramática)
Sociedad de críticos de cine de Boston: mejor director
Asociación de críticos de cine de Chicago: Cineasta más promotedor y Actriz más prometedora
Asociación de críticos de cine de Los Ángeles: premio a la nueva generación



Este es el primer largometraje del director Sean Durkin, también es el primer protagónico de Elizabeth Olsen, los dos lo hicieron bastante bien. De ella decir que es la hermana de esas dos taradas (las gemelas Olsen) que hicieron una fortuna primero en la televisión (bebés) y luego con cucherías.

De la película decir que es un thriller pausado, no esperen persecusiones o elementos de miedo como una película de terror. Lo que asusta en esta película es la frialdad con que se suceden los hechos, darse cuenta de que personas así existen en realidad y ver el grado de paranoia que sufre la protagonista, paranoia que se transmite al espectador.

La fotografía de tonalidades grises y las locaciones fueron perfectas para ambientar la historia, el trabajo de maquillaje también es muy bueno y se acopla a la actuación de Olsen. 

La música me gustó a partes. Cuando nos presentan los recuerdos y la vida de Martha en el rancho me pareció asfixiante y eso le venía excelente a la historia, es una música difícil de clasificar, diría que es atmosférica, nos atrapa y está al servicio de la paranoia de la protagonista, sin embargo cuando salimos de ese ambiente y nos encontramos en el presente, la música decae, no acompaña del todo bien las secuencias.

El trabajo de edición es de lo que más se ha criticado de esta película. Debo decir que en mi opinión fue de lo que más me gustó. Zachary Stuart logra una fluidez en la historia que desconcierta al espectador hasta que se entiende el ritmo. El vaivén entre pasado y presente queda claro y esto nos indica el estado de perturbación de la protagonista, el cómo cada sencillo gesto o acción en su regreso a la vida con su hermana es un recordatorio de todo lo que ha vivido en el rancho.

En cuanto a actuación, es destacable el trabajo de Olsen y  de Hawkes. Este último hace una estupenda interpretación, no necesita exagerar movimientos, su voz pausada y firme nos convencen de su autoridad y la amabilidad de gestos nos hace entender el dominio que tiene como líder. Hawkes hizo un papel similar en la cinta independiente Winter's bone (Debra Granik, 2010) y encontramos en tales paralelismos las claves de su actuación.

Mención aparte merece Elizabeth Olsen, con su rostro, mezcla de inocencia y sensualidad, fragilidad y dolor; logra reflejar una serie de emociones que nos cautivan como espectadores. Es todo un descubrimiento como actriz, un rol tan desgastante y difícil que supo interpretar con total naturalidad. También era un papel muy exigente, le demandaba mucho sacrificio que al final hizo con mucha entereza. Es de las mejores actuaciones del año.

En cambio, Paulson (hermana) y Dancy (esposo de la hermana) no me convencieron. Más allá de que sus personajes no entendían el conflicto interno de la protagonista, sus actuaciones me parecieron regulares, bajaron el ritmo a la película. El papel de Paulson era más exigente y queda vacío ese trasfondo familiar entre hermanas, suponemos algún trauma que les llevó a distanciarse en el camino, pero la realización no está fina, pudo ser indecisión del director.

El personaje de Martha está dividido, fragmentado por sus experiencias. Escapando de un hogar en el que han muerto sus padres, entra a una especie de culto. Acá es bautizada por el líder, Patrick (John Hawkes) como Marcy May, es parte del proceso de iniciación que tiene que llevar, perder las costumbres viejas, "limpiarse de las impurezas" le indican el resto de mujeres del culto. También es Marlene cuando contesta el teléfono en el rancho (así todas las mujeres contestan como Marlene y los hombres como Michael). Su identidad queda dividida según el momento, se pierde a sí misma sin que esto quiera decir que tenga síntomas de despersonalización o que manifieste un estado psicótico; la paranoia de la protagonista es ambigua y es más un recurso cinematográfico para dotar a la historia de un giro que una manifestación sintomática que se pueda analizar.

Otro acierto que tiene la película es mostrarnos dos mundos completamente opuestos entre sí, pero en los que cohabita la protagonista. El grado en que la adoctrinó el culto hace que su estadía con su hermana y su cuñado sea extraña, no diría que desagradable, sino que no entiende el lujo, la individualidad, el pudor, las reglas y costumbres morales. Esto es reflejado muy bien en la película, el grado de extrañeza y ese sentimiento de que no pertenece a ese lugar, pero tampoco quiere regresar al culto, es actuado de manera convincente por Elizabeth Olsen.

Me gustó mucho cómo retrata la vida dentro de estos cultos, la forma en la que se nos muestra aquello de lo que se tienen que desprender como miembros del mismo y, por consiguiente, de las nuevas constumbres que tendrán que adquirir. Particularmente agradezco que evitaran el tema religioso, al hacerlo le brinda un dinamismo a la película, si no se hubiese caído en fórmulas ya repetidas en el cine. En cuanto a la realidad, tenemos que estar conscientes de que grupos así existen, son ideologías extremas que buscan manipular a personas psicológica y emocionalmente inestables. El culto tiene la misma función que una droga, te abstrae de la realidad dolorosa que la persona experimenta y te la sustituye por otra más idílica en apariencia. En el proceso se pierde la individualidad, se corre el riesgo de ser manipulado a tal extremo que se pierde la autonomía del propio cuerpo (como sucede en la película). Estos cultos no sirven a un bien colectivo, son resultado de la mente torcida de un líder carismático, casi siempre con una personalidad narcisista con rasgos antisociales, no es casualidad que el personaje de Patrick tenga una semejanza con Charlie Manson. En Costa Rica no existe una legislación que condene y castigue la manipulación psicoemocional de las personas. En Europa hacia mediados de la década de los noventas varios países tuvieron que intervenir por considerarlo un asunto de salud pública, cuán largo estamos en Latinoamérica de esto. En su lugar vemos a cada egocéntrico tener masas de aduladores y fieles con el único propósito de enriquecerse. En el caso concreto de Costa Rica, tenemos grupos de pseudomasones; también está la secta de Nueva Acrópolis con su falso mensaje de diversidad cultural; además de agrupaciones que se consideran a sí mismas como religiosas y que van desde los que viven a la usanza del siglo XIX hasta aquellos que creen que la marihuana es espiritual.

En fin, no es la típica película que nos cuenta todo de manera lineal, el espectador tendrá que ir armando la historia, discirniendo entre pasado y presente, llenando algunos vacíos que están a propósito con nuestra imaginación. Tendremos el reto de inquirir si la protagonista tiene alucinaciones paranoides o si en verdad están tras ella, ese final está muy bien hecho, siembra la duda, termina cuando debía hacerlo, una gran Opera Prima del director Sean Durkin.


Acá tienen el avance de la película (en inglés):


En este otro enlace está el avance en español, para quienes lo prefieran:


Unas palabras de la protagonista Elizabeth Olsen:




El director Sean Durkin, con los productores de la película hablan sobre el Making of:



Entrevistas al director:



El elenco completo más el director hablan sobre la película:


domingo, 27 de mayo de 2012

Ganadores Festival Cannes 2012



La 65a edición del Festival de Cannes ha concluido, ha sido un festival favorable para el cine Latinoamericano que se alzó con varios premios, incluyendo el de mejor dirección de la Selección Oficial para el mexicano Carlos Reygadas y Un Certain Regard del también mexicano Michel Franco. 

En otras notas, el cineasta alemán Michael Haneke volvió a conquistar el gusto del jurado. Mismo jurado que no pudo escoger una interpretación femenina, por lo que entregó un premio compartido en esta categoría.



Sección Oficial



Palma de Oro a mejor película
Amour de Michael Haneke


Georges y Anne son octogenarios, son personas cultas, profesores de música retirados. Su hija, también música, vive en el extranjero con su familia. Un día, Anne es víctima de un accidente. El amor que une a esta pareja se someterá a una dura prueba.

Palma de Oro a mejor dirección
Carlos Reygadas por Post Tenebras Lux


Juan y su familia urbana viven en las afueras de México donde ellos disfrutan y sufren de un mundo aparte. Nadie sabe si estos dos mundos son complementarios o si luchan por eliminarse el uno al otro.

Grand Prix
Reality de Matteo Garrone


Luciano es un pescador napolitano quien complementa sus modestos ingresos realizando estafas junto a su esposa María. Luciano no pierde oportunidad para actuar siempe ante sus clientes y familiares. Su familia un día lo insta a audiocionar para Gran Hermano. Mientras persigue sus sueños, su perceción de la realidad empezará a cambiar.

Premio del Jurado
The Angels' share de Ken Loach


En Glasgow, Robbie, un joven padre de familia, no logra escapar de su pasado delictivo. Se cruza en el camino de Rhino, Albert y la joven Mo cuando, como ellos, evita por poco la cárcel pero recibe una pena de trabajos sociales. Henri, el educador que les han asignado, se convierte entonces en su nuevo mentor y les inicia en secreto...¡en el arte del whisky! Entre destilerías y sesiones de degustación de alto copete, Robbie descubre que tiene un auténtico talento como catador, y rápidamente es capaz de identificar las cosechas más excepcionales, las más caras. Junto a sus tres compañeros, ¿se contentará Robbie con transformar este don en una estafa, una etapa más en su vida de delitos y violencia? ¿O en un futuro nuevo, lleno de promesas? Solo los ángeles lo saben...

Palma de Oro a mejor actor
Mads Mikkelsen por The hunt de Thomas Vinterberg


Tras un divorcio difícil, Lucas, de cuarenta años, ha encontrado una nueva novia, un nuevo trabajo y se dispone a reconstruir su relación con Marcus, su hijo adolescente. Pero algo va mal. Un detalle. Un comentario inocente. Una mentira fortuita. Y mientras la nieve comienza a caer y las luces de Navidad se iluminan, la mentira se extiende como un virus invisible. El estupor y la desconfianza se propagan y la pequeña comunidad se sumerge en la historia colectiva, obligando a Lucas a luchar por salvar su vida y su dignidad.
Palma de Oro a mejor actriz
Cristina Flutur y Cosmina Stratan por Beyond the Hills de Cristian Mungiu


Alina regresa a Rumanía desde Alemania para llevarse a Voichita, la única persona a la que jamás amó y la única que le correspondió. Pero Voichita ha encontrado a Dios y en cuestión de amor es muy difícil competir con Dios.

Premio al mejor guión
Cristian Mungiu por Beyond the Hills


Alina regresa a Rumanía desde Alemania para llevarse a Voichita, la única persona a la que jamás amó y la única que le correspondió. Pero Voichita ha encontrado a Dios y en cuestión de amor es muy difícil competir con Dios.

Palma de Oro a mejor cortometraje
Silent de L. Rezan Yesilbas 


En 1984. Zeynep vive en Diyarbakir con sus tres hijos. Zeynep parece atrapada en una rutina diaria. Zeynep va a visitar a su esposo a la cárcel.

Cámara de Oro
Beast of the southern wild de Benh Zeitlin


Hushpuppy, 6 años, vive con su padre en condiciones de extrema pobreza. De repente, la naturaleza se descontrola, la temperatura aumenta, los glaciares se derriten, liberando criaturas llamadas Aurochs. Con la subida del agua, la irrupción de los aurochs y la salud de su padre cada vez más deteriorada, Hushpuppy decide partir en busca de su madre.


Premio Vulcain al artista-técnico
Charlotte Bruss Christenssen por The hunt



Premios Un Certain Regard




Un Certain Regard
Después de Lucía de Michel Franco


Premio especial del Jurado
Le grand soir de Benoit Delépine y Gustave Kervern


Mejor interpretación femenina
Suzanne Clément por Laurence anyways de Xavier Dolan


Emilie Dequenne por À perdre la raison de Joachim Lafosse


Mención especial del Jurado
Djeca de Aida Begic







Premios de la Cinéfondation



Primer premio (15.000 euros)
The road to de Taisia Igumentseva


Segundo premio (11.250 euros)
Abigail de Matthew James Reilly


Tercer premio (7.500 euros)
Los anfitriones de Miguel Ángel Moulet






Premios de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica




Premio FIPRESCI
En la niebla de Sergei Loznitsa



Quincena de los realizadores


Rengaine de Rachad Djaidani



Premios del Jurado Ecuménico



The Hunt de Thomas Vinterberg


Mención especial
Beast of the southern wild de Ben Zeitlin





Gran premio de la semana de la crítica



Aquí y Allá de Antonio Méndez Esparza



Premio ACID/CCAS
Los Salvajes de Alejandro Fadel