lunes, 13 de agosto de 2012

El ángel borracho



Título original: Yoidore tenshi. Japón (1948). B/N
Director: Akira Kurosawa
Guión: Akira Kurosawa y Keinosuke Uekusa
Cinematografía: Takeo Itô
Edición: Akikazu Kono
Música: Fumio Hayasaka
Diseño de producción: Takashi Matsuyama
Estudio: Toho
Duración: 98 minutos

Elenco:

Takashi Shimura como Dr. Sanada
Toshirô Mifune como Matsunaga
Reisaburô Yamamoto como Okada
Michiyo Kogure como Nanae
Chieko Nakakita como Miyo

Premios:

Premios Kinema Jumpo: Mejor película
Concurso de cine de Mainichi: Mejor película, mejor música, mejor cinematografía



El ángel borracho fue la octava película de Kurosawa como director y la cuarta de Mifune, pero fue su primer trabajo juntos. En las décadas siguientes harían un total de 16 películas.


Akira Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 (murió en 1998), fue el hijo menor de Isamu y Shima Kurosawa; tenía tres hermanos y cuatro hermanas. Por parte de su madre, Shima, era descendiente de un línaje de samuráis, de joven aprendió kendo y su padre lo introdujo al mundo del cine. Su infancia coincidió con el periodo Taisho (1912-1926) que se caracterizó por una apertura de las ciencias, arte y cultura en general occidentales; así, tuvo una temprana iniciación en la literatura soviética, el movimiento modernista en el arte y las producciones cinematográficas de estadounidenses. Entre los sucesos que marcaron su vida está el terremoto de Kanto en 1923 que mató a cien mil personas, el evento lo traumatizó como al resto de Japón; su hermano Heigo lo llevó caminando para que viera los cuerpos de las víctimas y no tuviera miedo ante la muerte. Heigo fue una gran inspiración para Akira, eran muy apegados; Heigo trabajó como benshi antes de la entrada del cine sonoro al Japón. Los benshis eran los encargados de narrar o explicar las películas a los espectadores, con las nuevas tecnologías los benshis fueron perdiendo su trabajo. Esto entre otros factores (muchos no se sabrán nunca) hicieron que Heigo cometiera suicidio en 1933, Akira fue el último en verlo con vida.

Kurosawa llegó a la industria cinematográfica de casualidad. Gracias a un amigo de su padre, quien lo etiquetó como "inepto físico" y por eso no fue llamado al ejército nipón durante la Segunda Guerra Mundial, ni siquiera cuando el conflicto bélico se encrudeció. Librado del ejército, acudió a una audición del novel estudio PCL (Photo Chemical Laboratories) que años después se fusionaría con otros estudios pequeños y conformaría el estudio Toho. Kurosawa fue aceptado para ser tercer asistente de director. Gracias a su talento y sus conocimientos en literatura, música y cine fue aprendiendo rápidamente el oficio. Durante la guerra otros asistentes de dirección fueron llamados a servicio, por lo que Kurosawa rápidamente se convirtió en primer asistente y filma su primera película en solitario en 1943 (Sugata Sanchirô, conocida como La leyenda del Gran Yudo). Todos estos años estuvieron marcados por las penurias económicas, la guerra drenaba los recursos económicos de Japón y Akira como el resto de trabajadores de Toho vivían en condiciones de pobreza y hambre. Con la creación de guiones empezó a ganar varios premios y a ser reconocido como Sensei.


Toshirô Mifune nació el 1° de abril de 1920, en la provincia de Qindao (China). Fue el hijo mayor de Tokuzo y Sen Mifune, quienes había abandonado Japón para asentarse en China tras la invasión y ocupación japonesa a ese país. Mifune, curiosamente, conoció Japón hasta los 21 años. Había estudiado karate, esgrima y arquería; pero se interesó en el oficio de su padre, la fotografía. Su padre, Tokuzo, lo llevaba desde pequeño a ver películas. Mifune tampoco estuvo en el frente de batalla, gracias a un amigo de su padre (igual que ocurriese con Kurosawa) fue enviado a una división de fotografía de la fuerza aérea. Ahí se quedó durante toda la guerra, en parte por su carácter (siempre peleaba con sus superiores y por eso nunca lo ascendieron) y también porque no compartía la xenofobia nipona contra los chinos y coreanos. Era el encargado de revelar las fotografías de espionaje y de entrenar a los jóvenes pilotos. Su madre murió durante la Segunda Guerra Mundial, tras la cual él se asentó en Japón sumido en la pobreza, sólo tenía dos mantas con las que se hizo un pantalón y una camisa. Un amigo de su época en la fuerza aérea trabajaba en Toho y le había dicho que ahí podía trabajar como camarógrafo. Tras enviar el currículo, Mifune llegó a Toho, pero no como camarógrafo sino al concurso de Nuevos Rostros organizado por el estudio para crear una nueva serie de actores y actrices reconocidos (muchos habían muerto en la guerra). Más por hambre que por gusto, aceptó audicionar, sin embargo los encargados del concurso se sintieron ofendidos por la forma de actuar de Mifune, fue un joven director que lo vio durante un descanso quien convenció a los jueces para que Mifune fuera escogido. Ese director era Akira Kurosawa.

De esa forma Kurosawa entró a trabajar en Toho, tras superar a 135 aspirantes; Mifune superó a 4000 (al final escogieron 16 hombres y 32 mujeres) y se llegaron a conocer.

Las primeras películas de Kurosawa (como asistente y como director) se vieron limitadas por la censura japonesa, quienes no toleraban cualquier occidentalización de su cultura, además de que buscaban proyectos nacionalistas y pro-militaristas. Aún así, lograba realizar secuencias grandiosas y de gran dramatismo, desde sus inicios tuvo fuertes enfrentamientos contra los censores. Tras perder la guerra, los estadounidenses ocuparon Japón, esto conllevó a otro tipo de censura, los gringos no querían que se criticara su presencia en el país asiático, por lo que Kurosawa también tuvo problemas para filmar.

El ángel borracho no fue la excepción. Sin embargo, los genios siempre encuentran una manera para llevar su mensaje. La película contiene fuertes críticas contra la ocupación estadounidense, no en un sentido nacionalista, sino como una crítica a la falta de identidad del Japón de postguerra y la proliferación de la delincuencia. En las primeras escenas de la película vemos unas prostituas (eran conocidas como "pan pan"), crítica evidente de Kurosawa contra los soldados estadounidenses. También hay otra escena en la que se satiriza el jazz a través de un baile coreografiado; las ropas y los peinados son occidentales y reflejan el cambio de la mentalidad nipona. Sin embargo, el símbolo de la decadencia está representado por el pantano.

El pantano viene a ser el reflejo del alma de los japoneses quienes se sienten, según Kurosawa, sucios. Pero también es un reflejo de los crecientes males de la sociedad: la delincuencia, la prostitución, las enfermedades (principalmente la tuberculosis), la pobreza y el hambre. Japón quedó devastado tras la guerra y Kurosawa lo quiso reflejar sin contemplaciones. El pantano y sus alrededores fueron creados en uno de los estudios de Toho, sin embargo, gracias al trabajo de fotografía e iluminación, sentimos el escenario como real.

También las actuaciones son muy destacables. Sanada (Takashi Shimura) representa un viejo doctor quien se ha dado por vencido contra su enfermedad/mal (el alcoholismo) y busca la redención a través de sus pacientes, es un ángel borracho tratando de sanar, no importa si se trata de una adolescente o de un yakuza (mafioso).

Cuando conoce a Matsunaga (Toshirô Mifune), el doctor inmediatamente se identifica con el gángster. Ambos establecerán paralelismos que los llevarán a respetarse. El doctor reconoce su pasado irresponsable en el joven yakuza, pero también ve su presente, simbolizado a través del alcoholismo. Sanada reconoce que Matsunaga vive con miedo, "solo aparenta ser rudo", pero estas palabras también aplican para él.

Matsunaga está enfermo de tuberculosis, el prestigio que ha alcanzado como yakuza corre peligro, pero su cuerpo no le permite continuar con su vida de excesos. Cuando un antiguo jefe de la mafia sale de la cárcel y regresa a su territorio, Matsunaga se ve obligado a fingir fortaleza. El viejo jefe, Okada, va a aprovechar la debilidad de Matsunaga para recuperar su territorio. En un contexto machista, se da una serie de duelos, primero le quita a la amante, luego gana en las apuestas el dinero de Matsunaga; lo vence igualmente en la bebida (lo que empeora la salud de Matsunaga) y finalmente le quita el territorio y el -falso- respeto que le tenía la gente.

Durante esos duelos, Sanada constantemente asiste a Matsunaga, aunque finge no importarle la salud de un yakuza. Lo cierto es que llega a hospedarlo con el fin de que se cure. En una de las escenas de mayor potencia visual, ambos están hablando a la orilla del pantano, el doctor le indica cómo el pulmón (de Matsunaga) es igual al pantano, fétido y podrido; que se puede curar, pero no servirá de nada sino se cambia el entorno, mientras dice eso vemos cómo se arroja basura al ya contaminado pantano. Es una metáfora sublime de lo que ocurría en Japón durante esa época. 

Una escena que parece fuera de contexto, pero que representa la ambición creativa de Kurosawa es cuando Matsunaga se encuentra con un ataúd en la playa, de donde sale él mismo y se empieza a perseguir. Esta escena en clave surrealista representa la lucha interna del personaje. La aspiración de un Matsunaga que quiere acabar con el otro, con el yakuza (vestido elegantemente) y rectificar su vida; el mar simboliza la posibilidad de cambio, la purificación del alma. Aunque el montaje de la escena es torpe, hay que recordar que para la época Japón no contaba con equipo de alta tecnología y los presupuestos para las películas eran muy limitados (en algunos casos incluso se ordenó que no se mostraran los créditos con el fin de ahorrar metraje), además de que Japón estaba en plena reconstrucción tras la devastación de la guerra.


El duelo final entre los gángster no es limpio ni bonito, es angustioso, la fotografia recuerda a las películas expresionistas alemanas que seguramente Kurosawa vio de joven. El carácter dramático se logra también con un maquillaje que potencia los ángulos faciales y una fotografía en blanco y negro que permite potencializar las sombras. Las sombras permiten entender a un nivel psicológico a los personajes, principalmente a Matsunaga quien se debate entre el honor y la muerte. Se ve traicionado por la esfera yakuza, mientras que encuentra apoyo en aquellos que ha menospreciado, el doctor y su asistente y una joven chica que trabaja en un bar. La angustia y la tensión llevan a un duelo en el que tanto él como Okada quedan en el suelo, revolcándose entre pintura blanca, una metáfora de la elevación del espíritu que ansiaba Matsunaga (el blanco representa lo angelical, no en un sentido religioso, sino metafísico).


Los filmes de Kurosawa guardan siempre un humanismo característico. En "El ángel borracho" las últimas escenas nos muestran a la chica del bar llorando por Matsunaga, ella carga sus cenizas y las va a llevar a su pueblo natal, fuera del pantano (primera alusión de alguien que quiere dejar ese sitio). Por su parte, Sanada se muestra contrariado por lo sucedido, molesto con Matsunaga, pero en realidad es un duelo interno, siente que al perder a Matsunaga su labor fue en vano, esto hasta que aparece una joven paciente con los resultados médicos indicando que está curada... la esperanza vuelve al rostro del doctor quien entiende que la chica representa el futuro, lejos del fétido pantano.


El ángel borracho fue pensada originalmente para que Takashi Shimura fuera el protagonista, sin embargo, conforme avanzaba el rodaje Mifune fue cobrando mayor protagonismo y terminó teniendo la misma cantidad de tiempo en pantalla que Shimura. Kurosawa entendió la fuerza interpretativa de Mifune y le ayudó a canalizarla, no hay que olvidar que la experiencia actoral de Toshirô consistía en los seis meses que duró el entrenamiento tras ser aceptado en el concurso "Nuevos Rostros". Mifune siempre rechazó ser considerado un actor de método, pero lo cierto es que se convirtió en el actor japonés más importante y de mayor trayectoria y exposición internacional. Los dos peronajes están basados en personas reales, en el caso del Sanada, Kurosawa y sus asistentes conocían de un doctor que practicaba sin licencia en unos de los barrios más pobres. Mientras que Matsunaga está inspirado en los jóvenes yakuzas que aparecieron tras la Segunda Guerra Mundial.


El cine de Kurosawa hizo varias innovaciones técnicas para lo tradicional del cine japonés, mientras que llegó a influenciar a grandes directores occidentales como: George Lucas, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Quentin Tarantino, Sergio Leone, entre otros.


Para la cinematografía nipona, Kurosawa introdujo avances en la fotografía y el uso de cámaras. La fotografía realista e intimista de sus películas elevaron el carácter artístico del cine japonés. También introdujo el estilo estético del film noir y del expresionismo alemán. El carácter perfeccionista de Kurosawa lo llevaba a buscar tomas complejas, con un sentido de belleza implícito, tal es el caso del primer encuentro entre Matsunaga y Okada, primero vemos sus sombras y los escuchamos, luego la cámara va subiendo hasta que vemos sus rostros.

En esa época lo común en Japón era trabajar con solo una unidad de producción, Kurosawa cambió eso y llegó a usar hasta seis unidades (como en Hollywood), esto le permitía tener diferentes ángulos de los personajes en cada toma y poder escoger la mejor para el montaje final. Además, con el uso de diferentes cámaras dotaba de una profundidad psicológica a los personajes.

El uso del barrido vertical se convirtió en una marca registrada, si bien es cierto esta técnica era empleada en la televisión estadounidense, no era tan común en el cine y mucho menos en Japón. Las películas originales de Star Wars de George Lucas usan esta técnica como influencia directa del cine de Kurosawa. Entre las particularidades que tiene el barrido vertical es que permite hacer cambios bruscos en la secuencia de los hechos lo que a su vez permite una edición ágil.



Video que nos explica un poco sobre la filmografía de Akira Kurosawa:


Programa de radio en el que se explica la importancia del cine de Kurosawa y su influencia en los directores occidentales. Votado como el tercer mejor director de la historia:

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