viernes, 10 de febrero de 2012

El artista


Título original: The Artist. Francia - Bélgica. (2011). Blanco y negro
Director: Michel Hazanavicius
Guión: Michel Hazanavicius
Cinematografía: Guillaume Schiffman
Montaje: Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius
Música: Ludovic Bource
Duración: 100 minutos

Elenco:

Jean Dujardin como George Valentin
Bérènice Bejo como Peppy Miller
John Goodman como Al Zimmer
James Cromwell como Clifton
Penelope Ann Miller como Doris
Uggie como él mismo (el perro)

Malcolm McDowell aparece en un pequeño papel, es un giro cómico porque hace de un extra mientras Peppy está a punto de audicionar para una película.


Hasta el momento ha ganado:

Palma de Oro al mejor actor
Mejor compositor en los Premios Europeos de Cine
Globos de Oro a mejor película comedia o musical, mejor actor y mejor música
Premio de la Audiencia en el Festival Internacional de San Sebastián

Sin embargo, tiene muchas nominaciones para los Oscar, BAFTA e incluso al Goya, por lo que seguramente ganará varios premios más.


¡Gracias a Hazanavicius y a todos los involucrados en esta película! Es una obra maestra del séptimo arte; eso, es arte como casi no se ve en la actualidad en los cines. Evoca la nostalgia de una época y nos remite a recuerdos justo como Cinema Paradiso lo hizo, si la película italiana nos educó sobre el efecto que tiene el cine en la vida personal y social; este filme francés nos muestra parte de la historia del cine; es educativa y alegre, es una joya cinematográfica.

Hazanavicius estudió a profundidad los inicios del cine en Hollywood y logró plasmar en El Artista el espíritu que las películas de esa época evocaban en el espectador. Está llena de alusiones y tributos al cine como arte y por supuesto a los espectadores como amantes del cine.

La película es un ejercicio sobre técnicas y eventos relevantes para cualquier cinéfilo, desde las primeras tomas.  Cuando vemos una orquesta interpretando música en vivo mientras se proyecta la película, pasando por los temas y desarrollo de la trama.  El uso moderado de intertítulos para que la historia fluya de manera adecuada y una banda sonora magnífica.

La película originalmente fue filmada a color, pero nos llega a blanco y negro, el trabajo de fotografía es estupendo, logrando cuadros que pasarán al recuerdo colectivo de los cinéfilos. 

Vamos por partes. Primero quiero hablar sobre detalles que me agradaron montones. Ya mencioné cómo muestran a los músicos que tocaban en vivo durante cada función, trabajo que con la entrada del cine sonoro quedó en desuso, por lo que muchos tuvieron que buscarse otra forma de ganarse la vida; el homenaje que les hace la película, aunque sea solo una toma, es justo y merecido.

También me encantó cómo hizo muchas de las transiciones de las escenas, era muy común en los años veinte focalizar mediante un círculo que se acercaba hacia algo o se alejaba, así hacían las transiciones y El Artista utiliza esta técnica para rendir homenaje, además de ambientar la historia y remontarnos debidamente a cómo se hacían las películas en los años veinte.

Otros aspecto téncino que usó Hazanavicius fue rodar en un promedio de 22 cuadros por segundo, y no a 24 cuadros como es el estándar; con esto logró imprimir a su película de la velocidad característica con la que se filmaban las películas en los años veinte.

La utilización de un perro no es antojadiza, si se busca por youtube videos sobre el origen del cine y se ven los cortometrajes, muchas historias tenían animales como protagonistas, los perros eran los preferidos, de hecho, la secuencia en la que Uggie busca un policía para salvar a su "amo"; es recurrente en las historias de aquella época.

También me llamó mucho la atención, cuando George le dibuja un lunar a Peppy; muchas actrices buscaban tener su "marca" distintiva y por eso eran reconocidas y admiradas. Todos estos detalles, además de ambientar la película con la cultura y la mentalidad de la época, permiten hacer una historia entretenida y llena de momentos magníficos.

Hazanavicius comentó tras la realización de esta película que se inspiró en grandes maestros como: Alfred Hitchcock, Fritz Lang, John Ford, Ernst Lubitsch, F. W. Murnau y Billy Wilder. Todos en verdad, grandes figuras de la historia del séptimo arte. 

Hollywood nace tras la conclusión de la Primera Guerra Mundial, y se nutre del talento de muchos artistas europeos quienes emigraron buscando mejores condiciones de vida. Los estudios europeos, antecesores de Hollywood, fueron generando cada vez menos películas debido a los altos costos y la recesión de postguerra. Lang fue uno de esos directores que emigró, Hitchcock también fue seducido por Hollywood varios años después. Greta Garbo fue una de las actrices que llegaron de Europa y el más importante artista del cine mudo, Charles Chaplin, llegó a Estados Unidos para dejar huella.

El Artista busca rendir un homenaje a todos ellos, el director de cine interpretado por John Goodman (Al Zimmer) es de origen alemán y el estudio para el que trabaja se llama Kinograph. Kino es "cine" en alemán.

La película también nos retrata la época de la recesión económica en Estados Unidos (1929) y el paso del cine mudo al sonoro. La caída en desgracia de George (Dujardin) fue la misma de decenas de artistas quienes no pudieron hacer el cambio y mantenerse en boga (como Buster Keaton o Harold Lloyd, por ejemplo). La puja entre actores y director es muy bien ejemplificada en El Artista. Primero es George quien obliga a Zimmer a contratar a la joven aspirante Peppy; y años después es ella quien lo chantajea. Esto demuestra lo que se conoce como el Star System, el sistema mediante el cual un actor/actriz tenía el poder sobre la filmación, en ocasiones también lo tenía el director; este sistema fue acabado con el Studio System; en el cual los estudios encabezados por los productores ejecutivos decidían el curso de las filmaciones, seguían usando a los actores, pero ahora como marcas distintivas de su estudio y los mercantilizaban para vender la película, sólo que ahora, los productores ganaban más que los actores.

En el apartado de las actuaciones, la película es muy refrescante. Dujardin y Bejo están espectaculares. NO entiendo porqué el Sindicato de Actores premió al elenco de The Help, es una película bonita, pero totalmente plana. En cambio, el elenco de El Artista hace gala de una compenetración total con la historia y nos dejan una obra maestra. Los trabajos de John Goodman y James Cromwell son espectaculares, brindan un apoyo espléndido a lo hecho por Dujardin y Bejo.

Dujardin nos conmueve con todo, desde su sonrisa característica, su habilidad para bailar, actúa con todo el cuerpo no solo con la cara. Sobra decir que si la película es muda, el trabajo gestual es importantísimo, y es que el francés nos saca lágrimas y risas por igual, además está genial todas las escenas con Uggie. Ya ganó Cannes, el Globo de Oro y se merece el Oscar.

Bejo, quien es la esposa del director Hazanavicius en la realidad, está bellísima, nos convece como una sencilla aspirante a actriz, luego como la chica pobre a quien la fama se le sube a la cabeza y finalmente como la mujer madura quien lucha por el amor de su vida. Creo que Hollywood le va a dar el Oscar a mejor actriz de reparto a Octavia Spencer, pero a mi gusto lo merece por mucho Bérénice Bejo.

Una gran película no tiene papeles pequeños, sino que son asignaciones vitales para que el filme tenga ritmo, y si antes mencioné a Goodman y Cromwell, ahora lo extiendo al resto del elenco, esta película es magnífica. Termino esta parte expresando mi indignación por la no nominación de James Cromwell como mejor actor de reparto. Nominan a Nick Nolte (Warrior) en un papel sencillo sin mayor trascendencia y no a Cromwell, increíble.

El mayor éxito de El Artista es que no vemos una película muda y a blanco y negro del 2011; sino que vemos una película de los años veinte con noventa años de retraso en su estreno. No solo nos traslada a la época, sino que la recrea, usa las técnicas y nos convence de su actualidad. Estamos ante una película que hace historia, que ya es una obra maestra y un clásico, y somos afortunados por ver una obra de tan alta calidad artística.

La música es otro apartado altísimo en la película. Es una partitura entretenida y tensa cuando se necesita. Kim Novak acusó a Ludovic Bource por plagiar la obra de Bernard Hermann (Vértigo) y, aunque es cierto que se utilizó parte de la música que Hermann inmortalizó en la película de Hitchcock, Hazanavicius contaba con la autorización (obvio que pagó por ella) para utilizarla, incluso expresó que era parte del tributo que quería hacer al cine. Sobra decir que es muy común en la actualidad la utilización de música ya conocida por filmes anteriores.

A nivel técnico, me quedo con una secuencia que me maravilló. Cuando George se va de Kinograph y se encuentra a Peppy en las escaleras. Como una lectora me dijo, él va de bajada (saliendo) y ella de subida (entrando), es una metáfora de lo que se iba a venir. Pero lo que más me gustó fue el plano general en esa secuencia, en el que se nos muestra el ir y venir de distintas personas, mientras George y Peppy se van despidiendo, el director pasa de planos cerrados donde nos muestra a los actores al plano general en el que parece una radiografía de la instalaciones de Kinograph, las escaleras con sus vueltas son como los intestinos, si se quiere es una metáfora de lo que significa hacer cine, del proceso de reciclaje de actores y actrices.

También me gustó mucho, la secuencia final con la coreografía, la vuelta al mundo del espectáculo de George, el número musical (también homenaje a un género que dio muchos éxitos y artistas a Hollywood), y la magnífica ambientación tras bambalinas de cómo se hace una película con todo el equipo de producción, guiño rotundo al maestro francés Truffaut y su magnífica La noche americana (1973).

Otra secuencia que me pareció genial, fue el sueño en el que George pierde su voz y es sofocado y acosado por infinidad de sonidos que le aturden y le sumen en el mayor de los miedos. Una escena de una magnífica capacidad poética.

El tema de las películas que interpreta George son tributo a historias legendarias, su versión del Zorro, las reminiscencias a Douglas Fairbanks y Errol Flynt y sus interpretaciones en filmes de aventuras y acción. La última película que hace George, en la que muere en arenas movedizas es un simbolismo de su vida y su carrera.

Esta película es para disfrutarla muchas veces, para verla con la pareja, con la familia, hasta con el perro, porque Uggie demuestra que es mejor actor que el elenco completo de Crepúsculo (Twilight)

Les dejo el avance:


Ahora en la gala de los Globos de Oro:


Finalmente una entrevista al director, la cual nos permite conocer sobre el proceso creativo de la película:


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