jueves, 5 de enero de 2012

Lo mejor del 2011


Empiezo esta nota disculpándome por el retraso, debido a una enfermedad no pude escribir lo que tenía planeado en diciembre.

Hacer una lista de las mejores películas siempre conlleva a la controversia, pero a la vez, existe un morbo para comparar los gustos cinéfilos y justificar las preferencias. Este blog nació con la idea de ser independiente, de no estar comprometido con el cine comercial ni con las distribuidoras; por eso la lista final puede discrepar con la de los críticos nacionales, en especial con el fantoche (segunda acepción del diccionario de la Real Academia de la Lengua) de Giacomelli que siempre elige las mismas películas que la Academia (Oscar) y para colmo pone su horrible cara en las estatuillas. Como crítico respeto más a W. Venegas, pero este año él no hizo una selección (ya lo había anunciado un año atrás); sin embargo, Venegas es muy predecible en sus gustos. Otros cinéfilos como Jurgen Ureña o Bertold Salas nunca les he leído una selección de este tipo, se las dejan para sus adentros en concordancia con su mentalidad, al menos de ellos podemos leer siempre excelentes reseñas e historias fílmicas. En el ámbito internacional me gusta mucho el enfoque que tiene el programa Días de Cine de TVE (pueden ver el enlace a esta página en mi blog)

Explico que mi selección no se limita a los estrenos "oficiales" en la cartelera de este país, si fuese el caso, sólo se podría elegir una o dos películas y en vez de las diez mejores, hablaríamos de las diez peores. También tomo en cuenta las películas que durante el 2011 se consiguieron en Videotecas o que se estrenaron en cines en algún certamen, festival o como parte de algún proyecto especial (por ejemplo las iniciativas de la Universidad Veritas).

Costa Rica es un país muy pequeño y su mercado es más pequeño aún. Por eso, la distribución de cine es raquítica; cinematografías orientales, africanas y sudamericanas llegan a cuenta gotas, mientras que Europa se reduce prácticamente a Francia y España. Por eso entiendan que es muy difícil ver cine de otras latitudes y que sean dignas de recomendar. Por desgracia este país como tantos otros son reproductores de la chatarra comercial de Hollywood. 

Otra aclaración que quiero hacer es que detesto ver una película descargada por partes, eso de ver previos (copias mal grabadas de las películas) o descargar una película en sitios web o verla por partes no es de mi agrado. Yo sé que de esa manera se pueden ver mucho más películas, pero la calidad es pésima en la mayoría de los casos, o existe el inconveniente cuando se ve en línea de estar esperando a que cargue la página y eso atenta contra todo sentido estético y de buen gusto al momento de apreciar un buen filme. Prefiero ver las películas en formato original (me encantan ver los extras y los previos nunca los traen) y cuando se puede en salas de cine.

Debido a lo anterior películas como The king's speech (El discurso del rey), The Social Network (Red social), Inception (El origen), The kids are all right (Mi familia o Los chicos están bien), El secreto de sus ojos; entre otras, no están en mi lista de lo mejor del 2011. Las vi en el 2010. Y como dije arriba, debido a los problemas de distribución no he podido ver películas como A dangerous method (Un método peligroso), Shame (Vergüenza), Una separación (ganadora del Oso de Oro en Berlín), Carnage (Un dios salvaje), The artist (El artista), Hugo o Le Havre (de Aki Kaurismäki), entre muchas otras películas que no he podido ver.  Igual suerte tuve con el cine animado, este año la distribución en el país fue especialmente pobre y tuve que recurrir a comprar por internet la que consideré la mejor película animada del año. Mis tres películas preferidas en el 2010 fueron: 1. Okuribito también conocida como Departures o Violines en el cielo (Yôjirô Takita), 2. El secreto de sus ojos (Juan José Campanella) y 3. Un profeta (Jacques Audiard)

Sin más preámbulos empecemos con mi consideración de lo más destacado del año:

Mejor Actor:
 
3. Luis Tosar por También la lluvia (de Icíar Bollaín)

Estupenda actuación del español quien con su histrionismo hace veraz un papel que cualquier otro lo hubiese caricaturizado. Logra plasmar el sentimiento justo en cada escena. También estupenda su compenetración con Gael García Bernal y con Karra Elejalde. Tosar se ha convertido en uno de los mejores actores del momento a nivel mundial. Les recomiendo Los lunes al sol (2002), Te doy mis ojos (2003), Celda 211 (2009).

 
2. Mikael Persbrandt por En un mundo mejor (de Susanne Bier)

No creo ser el único que desconocía la existencia de este tremendo actor, pero gracias a su papel de un dedicado doctor quien lucha por enseñar la integridad y el respeto a su hijo en las condiciones más adversas, lo vamos a ver más seguido. Peter Jackson no lo pensó dos veces y próximamente va a encarnar a Beorn en las películas del Hobbit. Mikael tenía que hacer creíble un papel en el que demostrara cada sentimiento de manera convincente y vaya si lo logró, su personaje deviene en la esperanza en una historia que te quita el aliento.


1. Javier Bardem por Biutiful (de Alejandro González Iñárritu)

Bardem ganó la Palma de Oro, el Goya y el Premio del Círculo de Crítico Españoles por su interpretación de un sobreviviente. Biutiful se puede ver desde dos perspectivas, la que nos cuenta la pobreza y la desigualdad social en Barcelona (la fácil) o aquella lectura que podemos hacer sobre las personas que injustamente viven una situación complicada que la misma sociedad oculta, pero aún así son sobrevivientes. El personaje de Bardem no se detiene en nada, él salva la película (me quedó a deber) con su fuerte protagonismo, en cualquiera de sus facetas logra imprimir una vorágine que no pasa desapercibida por el espectador.

Mejor Actriz:

3. Kirsten Dunst por Melancolía (de Lars von Trier)

Que Lars von Trier es un genio no hay duda, de que se comporta con un pelmazo tampoco. ¡Genio y figura! Ya lo había hecho con Nicole Kidman (Dogville) y ahora lo hizo con K. Dunst*, quedé estupefacto cuando vi que podía actuar, esta chica nunca había hecho un papel así, lo mejor era Las vírgenes suicidas de Sofia Coppola; pero la verdad, hizo un papel memorable, no sé si pueda hacer otra actuación así en su carrera. Su actuación es impactante, es contenida, no derrocha manierismos exagerados, por ella pasa la película, conforme ella se mueve en escena la trama adquiere sentido. La coprotagonista Charlotte Gainsbourgh también está excelsa.
* Nota: no incluí a Björk porque a diferencia de Kidman y Dunst, la islandesa sí es una artista completa y lo había demostrado antes de trabajar con Lars von Trier.

2. Natalie Portman por El cisne negro (de Darren Aronofsky)

Sin duda la actriz estadounidense más talentosa de su generación, puede hacer cualquier género cinematográfico, su interpretación de una bailarina caída en la locura por su deseo de ser perfecta es memorable. Cambia de facetas como su personaje cambia de traje, lo hace con una elegancia y una solvencia que no se ven en la actualidad en actrices tan jóvenes. Ganó el Oscar y el Bafta entre otros premios por su actuación. Le resté puntos porque ella no actúa en la mayoría de escenas de baile (lo hace una doble).

1. Lesley Manville por Un año más (de Mike Leigh)

Fue de las últimas películas que vi en el año y me encantó. Tal vez se pregunten por qué hablo solo de mejor actor/actriz y no de actores/actrices de reparto; bueno, en ocasiones una actriz de reparto deslumbra al resto del elenco. Este es el caso de Lesley, quien el Círculo de Críticos de Londres la premió como la mejor actriz del año. Es grato ver actuaciones de este nivel y mujeres que rehúsan operarse y ponerse bótox, el 90% de las actrices estadounidenses no hubieran podido realizar este papel de manera tan convincente. Su interpretación es desgarradora nos muestra el patetismo de una sociedad enferma llevada a la desgracia por perseguir sueños de humo. Magnífica actuación.

Mejor música:

3. Sylvain Chomet por El ilusionista (de Sylvain Chomet)

Hermoso tributo a Jacques Tati, desde el guión hasta la música. Cada detalle de la partitura es magnánimo, recuperó el estilo de Tati de coreografiar con sonidos muy específicos los hechos que vemos en pantalla. Desde los sonidos campestres hasta los citadinos, desde el Music Hall a la modernidad, la música de esta película es tan vital que no hace falta que los personajes hablen para que nosotros entendamos la trama y los momentos emocionales que atraviesan.


2. Alexandre Desplat por El árbol de la vida (de Terrence Malick)

Una obra increíble, Desplat amalgama una obra original con música clásica de manera perfecta que nos permite viajar en esta odisea onírica. Película imprescindible para los amantes de la música y de su utilización meticulosa como discurso narrativo. También es un tributo a 2001 una odisea en el espacio de Kubrick, principalmente en el primer segmento.




1. Christopher Gordon por El último bailarín de Mao (de Bruce Beresford)

Esta es la única excepción que hago con el lapso para considerar a las mejores del año. Es una película del 2009 pero llegó al país hasta el 2011; sin embargo, tenía que hacer la excepción. Esta película me cautivó enormemente, tal vez a nivel de actuación queda debiendo; pero la música es sencillamente extraordinaria. Sin dudas también es mi elección a la Mejor Coreografía, reflejan los sacrificios que tienen los bailarines de ballet y danza. Un espectáculo musical estupendo.

 

Mejor cinematografía:

3. Óscar Jiménez por Los colores de la montaña (de Carlos César Arbeláez)

Fue para mí una de las mejores sorpresas del año. La fotografía en esta película es esencial para representar el estado emocional de los personajes, para plasmar la angustia y el sufrimiento de los habitantes. Las tomas panorámicas de las montañas colombianas son imponentes, así como los detalles más sencillos que logran reflejar la cotidianeidad de los habitantes.

2. Emmanuel Lubezki por El árbol de la vida (de Terrence Malick)

Ya dije que esta película es una odisea onírica; a nivel de música es estupenda, y la fotografía termina por plasmar una obra poética en imágenes, es lirismo puro, cada toma es una maravilla que uno tiene que ver varias veces para poder asimilar todo. Desde lo microscópico hasta el cosmos.

1. Darius Khondji y Johanne Debas por Medianoche en París (de Woody Allen)

Ninguna otra película requería la cantidad de trabajo a nivel de fotografía que Medianoche en París. No solo era mostrar a la ciudad de día y de noche, sino que debía hacerse en tres diferentes épocas (cuatro si contamos el breve momento que muestran a la monarquía), lograr plasmar la magia que Woody Allen requería para que la historia funcionara y ser convincente para el espectador. Pues lo lograron, es un trabajo magnífico, París ha sido retratada en el cine en incontables ocasiones y, sin duda, esta película quedará como una de las que mejor lo ha hecho.

Mejor guión:

Woody Allen por Medianoche en París

Excelente trabajo de este incansable contador de historias, Allen se ha revitalizado por enésima vez en su carrera y sigue narrando tramas estupendas que mantienen al público ansioso de más. Digno es de mencionar el grandioso trabajo que hizo para plasmar un guión con tantos personajes, con decenas de alusiones artísticas en cada nuevo personaje que Gil encontraba en sus viajes a su edad dorada. Un humor fresco, inteligente, diálogos precisos, justos; que delinean a los personajes y nos muestran a París como una ciudad imponente. Es genial que Allen no explica cómo es posible viajar al pasado simplemente al montarse en un carro, esa simpleza funciona de maravilla, la película es una comedia y no tiene pretensión alguna de ser algo más.

Mejor montaje:

Andrew Weisblum por el Cisne negro (de Darren Aronofsky)

Esta es una excelente película que de haber tenido otro montaje podría haber sido todo un fiasco. Cuando se hace un thriller (y este además es psicológico), este tiene que tener una agilidad en su narración, las secuencias tienen que ir encajando como un rompecabezas para mostrar el cuadro hasta el final; este es el caso con el Cisne negro.

 
 Mejor director:

Lars von Trier por Melancolía

No se desanimen si no entienden los primeros minutos de esta película, tampoco se desalienten si les parece un poco lento el ritmo de la misma; en cocina las mejores recetas tardan su tiempo en llevarse a cabo, lo mismo pasa con Melancolía; conforme avanza la trama vemos desplegarse una historia increíble. El crédito es totalmente de von Trier quien conjuntó actores que no se han destacado mucho como Kirsten Dunst y Kiefer Sutherland con otros histriones de primer nivel como Charlotte Rampling, John Hurt, Stellan Skarsgard y Charlotte Gainsbourgh. El crítico Roger Ebert indica que ningún otro director podría hacer una película del fin del mundo mejor. Y es cierto en una gran medida, es una película sin clichés sobre el fin del mundo y eso es sello de Lars von Trier.

Mejor película de fantasía:


Troll Hunter de André Ovredal

Déjense llevar por esta historia de mitología nórdica que nos es narrada como un caso digno de los Expedientes Secretos X, háganlo antes de que salga el remake gringo que está anunciado para el 2014. Pueden leer mi reseña de esta película acá: http://vivecinescrupulos.blogspot.com/2011/04/troll-hunter.html

Mejor película familiar:

Aclaro que esta categoría no refleja necesariamente lo mejor del año, sino que consideré una película que puedan ver desde niños hasta los abuelos, que sea entretenida, que tenga algún mensaje positivo y que su concepción artística sea aceptable. Este año no encontré ninguna que fuera excepcional, pero sí entretenidas.

Los pitufos de Raja Gosnell

Fue una grata sorpresa ver esta película. Mucho me han criticado por recomendarla y me imagino que muchos otros me criticarán por elegirla. Creí que iba a ser desastrosa y salí de muy buen humor. La película no es pretenciosa, no es la quinta esencia del cine, pero divierte mucho a los niños y no aburre a los viejos. Muchos de mi generación crecimos viendo la animación de los personajes de Peyo y teníamos curiosidad por ver esta película. Definitivamente es una muy buena opción para ver con niños y en familia.

Mención honorífica a Animales Unidos de Reinhard Klooss y Holger Tappe

Esta película alemana cuya traducción correcta sería La conferencia de los animales, es una adaptación de la novela homónima de Erich Kästner. Tiene un dibujo (hecho por computadora) muy bueno, el mensaje final es excelente para educar a los hijos.

Nota: en esta categoría no incluí El ilusionista porque no la considero apropiada para menores de doce años y por lo tanto no sería para toda la familia. Y sí, sí vi Las aventuras de Tintín y me pareció horrible, super aburrida.

Mejor película de animación:

El ilusionista de Sylvain Chomet

No voy a decir mucho de esta película (más abajo sabrán por qué), pero tienen que verla, es una joya. Fue animada de manera tradicional y con utilización de computadora, basada en un guión del fallecido Jacques Tati.

Peor película:

Linterna verde de Martin Campbell

Poco me faltó para convertirme en Atrocitus y escupir sangre cuando perdí mi tiempo viendo este adefecio. Que se gasten $200 millones en construir casas de bien social, alimentar a personas sin recursos, pero no para financiar esta porquería. ¿Efectos especiales? ¿Dónde? Que le pregunten a George Lucas cómo hizo para hacer con maquetas una de las sagas de ciencia ficción más legendarias (Trilogía original de Star Wars) en los setenta; con efectos especiales que todavía hoy son infinitamente superiores a esta versión Playgirl de un superhéroe. Nunca una pelea entre gente poderosa fue tan estúpida, en serio que de no existir Batman y Robin está sería la peor de la historia en su género. Pésimamente mal actuada, esta película es una cátedra de todo lo que no se debe hacer en un guión. Es tan mala que la elegí incluso por encima de Transformers 3.


Este año fue muy difícil hacer la selección final, y no pude escoger solo diez películas, por lo que espero disfruten mi criterio y dejen sus comentarios.

Mejores películas:

14. El origen del planeta de los simios de Rupert Wyatt

Título original: Rise of the Planet of the Apes
Director: Rupert Wyatt
Guión: Rick Jaffa y Amanda Silver
Edición: Conrad Buff IV y Mark Goldblatt
Cinematografía: Andrew Lesnie
Elenco: James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Andy Serkis
País:  Estados Unidos

La ciencia ficción venía siendo una excusa para hacer películas de efectos especiales y cero contenido; sin embargo este año nos dio grandes películas, entre ellas Rise of the Planet of the Apes. Esta película retoma la idea de la saga original y nos presenta una historia de lucha entre especies con un trasfondo filosófico muy respetable. Los efectos especiales son de lo mejor del año, notable el trabajo de Andy Serkis quien ha creado un nuevo tipo de actuación, su visceralidad le imprime a la película una cuota expresionista impecable. El guión es convincente, desarrolla el origen de César y su distanciamiento con la humanidad; nos adentra a las consecuencias filosóficas del proceder de los humanos en su búsqueda por controlarlo todo, mientras nos muestra el surgimiento de un nuevo orden en la escala evolutiva. El punto bajo de la película son las actuaciones de James Franco y Freida Pinto, esta última hace su papel sin mayor trascendencia, una lástima, es solo una cara bonita. Por su parte, Franco es un actor inflado por la crítica gringa, pero que tampoco es una maravilla. Se la pasa gritando "¡César!" y haciendo caritas; no es que actúa mal, su rol es convincente y aporta mucho a la película, pero pudo dar más. En fin, que los amantes de la saga original tienen ya una secuela (o precuela según se quiera) digna de estos tiempos tecnológicos.



13. Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet

Título original: Mapa de los sonidos de Tokio
Directora: Isabel Coixet
Guión: Isabel Coixet
Edición: Irene Blecua
Cinematografía: Jean-Claude Larrieu
Elenco: Rinko Kikuchi, Sergi López
País:  España

Esta película del 2009 fue estrenada en el 2011 en este país en una función única como parte de una invitación que tuvo Isabel Coixet por parte de la Universidad Veritas. Coixet es una narradora excelente, nos envuelve en historias que tienen un común denominador: lo humano. Ella no nos cuenta la historia de cómo una asesina mata, sino que nos mete de lleno en su mundo personal. Cargada de un erotismo exquisito, esta película se puede disfrutar desde lo sensorial, la directora nos muestra distintos lugares y espacios en el que los sentidos cobran una vitalidad especial: el mercado, la tienda de vinos, el cuarto del motel... Con una fotografía exquisita Tokio nos parece no una ciudad de contrastes sino un lugar de encuentros, en donde al descorchar una botella de vino podemos brindar con nuestro asesino como con nuestra pareja ideal. La última escena me desilusionó un poco, pero aún así, estupenda recomendación si les gusta una historia que los envuelva hasta el final.



12. La piel que habito de Pedro Almodóvar

Título original: La piel que habito
Director: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar basado en la novela "Tarántula" de Thierry Jonquet
Edición: José Salcedo
Cinematografía: José Luis Alcaine
Elenco: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet
País:  España

Por enésima vez termino sorprendido después de ver una película de Almodóvar, parece que no tiene límite su genio. Una película digna de su filmografía. Notable todos los aspectos técnicos como viene siendo su costumbre, su equipo de trabajo es fantástico, desde la estupenda música de Alberto Iglesias, el montaje de José Salcedo. La película nos narra los límites morales de un doctor (A. Banderas) dispuesto a recuperar a su amada. El propio Almodóvar la describre como un "intenso drama que a veces se inclina por el noir, a veces por la ciencia ficción y otras por el terror". Lástima la actuación de Antonio Banderas, no supo imprimirle a su personaje la intensidad que necesitaba, es un actor viciado por Hollywood. Elena Anaya está en estado de gracia, lindísima. El filme tiene todo lo que esperamos de Almodóvar, sensualidad, venganza, colorido, relaciones intrincadas cuasi fusionadas y mucha originalidad.


11. Otra Tierra de Mike Cahill

Título original: Another Earth
Director: Mike Cahill
Guión: Mike Cahill y Brit Marling
Edición: Mike Cahill
Cinematografía: Mike Cahill
Elenco: Brit Marling, William Maphoter
País: Estados Unidos

Les dije que este año la ciencia ficción nos dejó grandes historias. Quienes me conocen más sabrán mi gusto por este género. Desgraciadamente, Hollywood ha hecho del mismo una parafernalia de efectos especiales y pésimos guiones. Mike Cahill debió sortear enormes obstáculos para hacer esta película, cine independiente de enorme factura.  La protagonista y coguinista ganó el premio a mejor actriz en el Festival de Sitges y la película ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio Alfred Sloan en el Festival de Sundance. El filme es mesurado, con una fotografía digna de un mundo de Asimov o Bradbury; la historia se centra en las infinitas posibilidades que tendríamos si pudiésemos viajar a una Tierra paralela. Este tema ha sido abordado por grandes novelista e incluso por los comics y novelas gráficas, en especial las de DC Comics. El director también nos muestra el drama humano, la búsqueda de la redención, la culpa; para esto es necesario que los actores sean convincentes y lo son, Maphoter aceptó el papel por creer en la historia y cobró solo $100 por día. NO esperen luchas con armas futurísticas, ni catástrofes. Por razones de presupuesto, el director no pudo mostrar las consecuencias físicas que tendría el planeta si otro de su misma magnitud estuviera tan cerca, sin embargo, esto no demerita la película. Un dato para que vean el nivel artístico del filme es que la pareja protagonista tiene cada uno un instrumento, Rhoda (B. Marling) el chelo y John (W. Maphoter) el piano; en la escena en que están juntos ambos instrumentos suenan, pero no lo hacen de forma sincronizada, presagio de cómo van a terminar.


10. Un año más de Mike Leigh

Título original: Another year
Director: Mike Leigh
Guión: Mike Leigh
Edición: Jon Gregory
Cinematografía: Dick Pope
Elenco: Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Oliver Maltman
País: Reino Unido

Genial película de Mike Leigh, realizador que siempre busca adentrarnos en el drama humano más cotidiano; en esta ocasión, la vida de unos personajes patéticos que se sienten fracasados y no saben cómo continuar viviendo. La película está dividida según las 4 estaciones, cada una con un conflicto principal, pero que se entrelazan en cómo se sobrevive cuando no se tienen ganas de vivir, cuando se piensa que la edad y el materialismo lo es todo y ya no se tiene la juventud para soñar y tener metas. Entre todo este mar de pesadumbre está una isla, un oasis, un matrimonio que demuestra que sí es posible, que se entiende a la perfección y es el único faro de luz que tienen sus amigos y familiares. Las actuaciones son magníficas pero resalta la de Lesley Manville, una sobrecogedora interpretación que hace gala de sus habilidades histriónicas, de su capacidad de transmitirnos los diferentes estados de ánimo de su personaje. La música es clave para ir entendiendo los segmentos de la película, así como la fotografía; los encuadres son cerrados, casi siempre dentro de una habitación en la que los personajes toman todo el protagonismo mientras el decorado es barroco; esto revela cómo se sienten cada uno, lleno de cosas por resolver, como una alacena donde todo está desacomodado.


09. Balada triste de trompeta de Alex de la Iglesia

Título original: Balada triste de trompeta
Director: Alex de la Iglesia
Guión: Alex de la Iglesia
Edición: Alejandro Lázaro
Cinematografía: Kiko de la Rica
Elenco: Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang
País: España - Francia

Muchos podrán tener reservas con esta película, pero si dejan de lado los estereotipos, se darán cuenta de lo grandiosa que es. Una comedia negra con tintes de cine gore que da una mirada particular al espíritu de la sociedad española durante el franquismo. Alex de la Iglesia no buscó hacer una película histórica, a él le interesa entretener al público y vaya que lo logró. Premio Méliès de Oro a la mejor película europea en el Festivas Sitges; León de Plata por mejor director y Osella de Oro por mejor guión en el Festival de Venecia; y mejor maquillaje y efectos especiales en los Premios Goya. La deshumanización en tiempos de guerra, la búsqueda de un amor, sea enfermizo o no, y el sentimiento distorsionado de familia dentro de un circo son los temas de esta película que usa una música temática para darle nombre al filme. A ratos está filmada como un film de serie b (en el contenido, porque los aspectos técnicos siempre son destacables), otorgándole una rareza que la hace única. Este tipo de películas suele estar fuera de las listas oficiales de los críticos, pero su guión es magnífico, las actuaciones son muy buenas, son rostros frescos que hacen creíble la historia. Alex nos demuestra cómo hacer una película de este tipo fuera de los cánones de Holywood. La película nos muestra el Valle de los Caídos y la Abadía de la Cruz; son tomas lejanas porque es prohibido filmar en la zona y su visita con fines turísticos; acá están enterradas las víctimas de la Guerra Civil Española. El cineasta usó imágenes creadas por computadora para las secuencias finales, estas tal vez sean un poco oscuras, pero el clímax vale la pena.


08. El hombre de al lado de Mariano Cohn y Gastón Duprat

Título original: El hombre de al lado
Director: Mariano Cohn y Gastón Duprat
Guión: Andrés Duprat
Edición: Klaus Borges y Jerónimo Carranza
Cinematografía: Mariano Cohn y Gastón Duprat
Elenco: Rafael Spregelburd, Daniel Aráoz, Eugenia Alonso, Inés Budassi
País: Argentina

Esta fue una de las primeras películas que vi en el año y me fascinó. Filmada en su totalidad en la Casa Curutchet (único proyecto de Le Corbusier en América), esta película arrasó con los premios de la Academia de Cine Argentina, además ganó el Cóndor de Plata a mejor actor y mejor guión; y el premio Wolrd Cinema en el festival Sundance. La forma en que una simple disputa entre vecinos se torna en una metáfora de la división de clases es magistral, una película que se tendría que ver en los salones de clases para hacer conciencia de las desigualdades sociales y los valores morales. El guión está cargado de un finísimo humor negro que lleva a los personajes a situaciones límite explorando su lado más personal. La cámara es ágil y aprovecha el espacio (Casa Curutchet) a la perfección, la casa es un personaje más que cobra un protagonismo insospechado. Las actuaciones son muy buenas y permiten identificarnos con la trama. Vamos, que no es una película aburrida, siempre van a ver una situación cómica que les sacarán algunas risas.


07. El ilusionista de Sylvain Chomet

Título original: L'illusioniste
Director: Sylvain Chomet
Guión: Sylvain Chomet basado en un guión de Jacques Tati
Edición: Sylvain Chomet 
Elenco: Jean-Claude Donda (voz), Eilidh Rankin (voz)
País: Francia - Reino Unido

Ya había adelantado que esta película estaría seleccionada. Fue la mejor pelicula animada que vi en el año e increíblemente no sé como perdió el Oscar con la ñoñez de Toy Story 3. Sin embargo, sí ganó el premio de Mejor Película Animada en el Festival de Cine Europeo y el César en la misma categoría. Inspirada en la historia semi biográfica de Jacques Tati, esta película nos lleva al mundo del Music Hall a través de la nostalgia, nos muestra el cambio de una época reflejada en sus personajes, un viejo ilusionista (vestido al estilo del Sr. Hulot -personaje clásico de Jacques Tati) y una joven que cree que la magia es real; ambos están acompañados por una serie de personajes que nos demuestran lo desgastada que está la vida del artista de teatros y circos. La aparición del rock 'n roll, la televisión y la tecnología en general amenaza con acabar con la vida de estos artistas y nos recuerdan una época que no volverá. La película tiene un dibujo muy cuidadoso, de muy alto nivel, la animación es espectacular logrando unos colores majestuosos y unos escenarios geniales; se usó un poco de animación en 3D en ciertas escenas, pero la realización final es ejemplar. La música también tiene una nota alta, recuerda los elaborados trabajos de Tati y sus coreografías. Toda la película vive a través de la música, desde la banda sonora hasta los pequeños sonidos ambientes. Si es un cinéfilo no se puede dejar pasar esta película.


06. Los colores de la montaña de Carlos César Arbeláez

Título original: Los colores de la montaña
Director: Carlos César Arbeláez
Guión: Carlos César Arbeláez 
Cinematografía: Oscar Jiménez
Elenco: Hernán Mauricio Ocampo, Nolberto Sánchez, Genaro Aristizábal, Hernán Méndez, Natalia Cuellar
País: Colombia

Fue la mejor sorpresa del año, no esperaba esta película y de repente estaba en los cines. La ópera prima de este realizador es digna de recomendar. Las actuaciones son buenísimas, los niños actúan maravillosamente, gran dirección de actores. La utilización de metáforas, principalmente a través de la fotografía, nos revela la situación de los pobladores de las montañas en Colombia quienes se enfrentan a los diversos grupos armados que allí existen, sus tribulaciones diarias, sus sueños frustrados, la lucha por el territorio y cómo son amedrentados y expulsados de su hogar. El film tiene poco diálogo, pero se entiende muy bien la crítica al sistema político militar de Colombia, es muy probable que el director haya sido amenazado tras el estreno de la película. El simbolismo de la escuela y la lucha (sencilla en apariencia) de los niños por recuperar su pelota (sueños) dan coherencia a un relato lleno de matices, desde las porquerizas hasta el miedo al oír un helicóptero. Y es que todo en esta película está meticulosamente planeado, nada es dejado al azar, el director tampoco cae en fórmulas fáciles como han hecho otros directores latinoamericanos al mostrar escenas extremadamente violentas o sexuales; del mismo modo, casi no hay referencias a marcas publicitarias, lo que indica el compromiso creativo de Carlos César con su obra y el espectador; muchos cineastas costarricenses deberían ver esta pelicula y aprender.


05. También la lluvia de Icíar Bollaín

Título original: También la lluvia
Director: Icíar Bollaín
Guión: Paul Laverty
Edición: Ángel Hernández Zoido
Cinematografía: Alex Catalán
Elenco: Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo
País: España - México - Francia

Bollaín nos ha dado grandes joyas cinematográficas, cuando muchos otros directores buscan hacer películas estúpidas esta realizadora explora diferentes aspectos que carcomen a la sociedad, sea a nivel familiar (como en Te doy mis ojos) o en esta ocasión a nivel comunitario. Una obra dentro de otra, el guión es ejemplo de cómo desarrollar una historia, mantener al espectador interesado hasta el final y plantear una dura crítica, en este caso hacia la privatización de los servicios en Bolivia (en concreto del agua); realidad latente en América Latina que en vez de traer progreso ha contribuido al aumento de la pobreza. La privatización y los tratados de libre comercio son una excusa para encarecer el costo de la vida, aumentar la diferencia entre clases sociales y vender los productos o bienes nacionales a empresas internacionales. El filme plantea las razones tras la conquista de América por parte de los europeos, utilizando personajes reales como Colón, Montesinos, de la Casas (pasado) y las contrasta con las nuevas conquistas (privatizaciones), en específico el descarado intento de la empresa gringa Bechtel de aumentar en un 300 % el costo del agua en Bolivia (presente). En el año 2000 la huelga fue tan masiva que la ciudad de Cochabamba quedó sitiada por varios días y la empresa dejó Bolivia. Esta es la película más ambiciosa de Icíar quien hizo un gran trabajo filmando en exteriores (hermosa fotografía) y utilizando casi 4000 extras (de estos 300 eran indígenas). Las actuaciones merecen una nota aparte, son estupendas, Tosar es uno de los mejores actores en este momento de todo el orbe; el resto del elenco se desdobla magistralmente en los dos papeles que desempeñan y logran hacer uno de los mejores filmes del año, ganadora del Premio Panorama en la Berlinale y los Goya al mejor actor de reparto y a la mejor música.


04. El cisne negro de Darren Aronofsky

Título original: Black Swann
Director: Darren Aronofsky
Guión: Mark Heyman, Andrés Heinz, John McLaughlin
Edición: Andrew Weisblum
Cinematografía: Matthew Libatique
Elenco: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Sarah Lane (doble de cuerpo), Maria Ricetto (doble de cuerpo), Winona Ryder, Benjamin Millepied, Barbara Hershey, miembros del Balet de Pensilvania
País: Estados Unidos

Grandísimo thriller psicológico, concebido por Aronofsky desde el año 2000, tardó una década en poder llevar al cine su visión y logró una excelente película. Tiene sus excesos como cineasta, especialmente en el uso de la cámara (en constante movimiento), pero esto no desmerita la trama, al contrario, le imprime una fortaleza que acompaña al relato, la cámara está en función de la historia y el magnífico trabajo de Portman hizo posible que la misma fuera convincente. Los efectos visuales y especiales son muy entretenidos, permitiendo al espectador conocer un poco más que la protagonista, pero no lo suficiente. Al final hay algún detalle que no calza (por ejemplo que interprete la escena final con un vestido blanco, sangrando y que no se note hasta que termina la coreografía), pero en términos generales la película es fabulosa. Mila Kunis está soberbia al igual que Vincent Cassel, tremendos actores bien dirigidos hacen una gran película y esta no es la excepción. Portman es la actriz más talentosa de su generación, pero es justo decir que no lo es tanto; las escenas de baile (y las de Kunis también) son interpretadas por una doble y digitalmente colocaron las caras de las actrices para que calzaran en los cuerpos de las bailarinas profesionales. Esto generó mucha controversia porque los productores ocultaron y negaron esta situación para la temporada de premios (Portman ganó el Oscar por su interpretación); aún así, la película como tal es una obra maestra, debió haber ganado el Oscar en lugar del Discurso del rey (buena película, pero sobre estimada, no es nada sensacional y no se requiere ningún esfuerzo dirigir a tan excelsos actores). El trabajo de montaje es vital para que la película tenga coherencia, tanto a nivel de relato como de entendimiento para el espectador, con cada minuto que pasa nos sentimos más obsesionados con la historia.


03. El árbol de la vida de Terrence Malick (empate)

Título original: The tree of life
Director: Terrence Malick
Guión: Terrence Malick
Edición: Hank Corwin, Jay Rabinowitz, Daniel Rezende, Billy Weber, Mark Yoshikawa
Cinematografía: Emmanuel Lubezki
Elenco: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Tye Sheridan, Sean Penn
País: Estados Unidos

Este año fue muy difícil la escogencia final, ejemplo de esto es el empate en el tercer lugar. En el caso de El árbol de la vida tengo que decir que su concepción me fascinó, la idea de Malick de realizar poesía visual, permitiéndonos gozar de imágenes que van a pasar a la historia del cine mientras escuchamos una delicada partitura musical que encaja a la perfección. Malick nos llevó del microcosmos hasta el espacio infinito, desde el origen de los tiempos, la época de los dinosaurios hasta el momento final de cada uno como humanos: la muerte. Lo hace con una agilidad de cámara encomiable, maravillosa, una cámara que es cómplice con el espectador, que está en constante movimiento y nos regala ángulos impensables para otro director. La cámara se mueve como si la empujase el viento y así nos regala un majestuoso espectáculo visual (si tienen bluray tienen que comprar la película y disfrutarla en máxima definición). El director hace un tributo (consciente o no) a Stanley Kubrick y su obra maestra 2001: A Space Odyssey; de hecho usa la música de Brahms de manera similar a como Kubrick usó la de Strauss. También Malick demostró ser un gran director de actores, primero con el trabajo que hizo con los jóvenes, y segundo, permitiendo a Brad Pitt hacer una de sus mejores interpretaciones (este actor no es malo, es regular; pero cuando lo dirigen grandes cineastas ha hecho muy buenos papeles: Fight Club y Seven de David Fincher; Seven years in Tibet de Jean Jacques Annaud; 12 monkeys de Terry Gilliam; Babel de Iñarritu). La fotografía es otro punto alto del filme, ya les dije que la película es una poesía visual y no es para menos. Ganadora a mejor película en Cannes, también elegida como la mejor por la Asociación de Críticos de Chicago, Los Ángeles y San Francisco.


03. En un mundo mejor de Susanne Bier

Título original: Hævnen
Directora: Susanne Bier
Guión: Anders Thomas Jensen
Edición: Pernille Bech Christensen, Morten Egholm
Cinematografía: Morten Soborg
Elenco: Mikael Persbrandt, Ulrich Thomsen, William Johnk Nielsen, Markus Rygaard
País: Dinamarca - Suecia

La categoría del Oscar a mejor película extranjera es la única con la que he estado de acuerdo en los últimos años, realmente han premiado cintas magníficas (Okuribito -Despedidas- 2008; El secreto de sus ojos 2009) y en general durante toda la década. Esta coproducción danesa - sueca es un tratado sobre la moralidad, sobre cómo sobreponerse a las adversidades de manera ética, de cómo vivir en un mundo en que cada día está peor, pero no por eso debemos ser partidarios a ese modelo. Al contrario, debemos luchar por ser íntegros y evitar la violencia. El actuar de forma violenta no resuelve los conflictos, no importa si se vive en una cómoda casa en Dinamarca o en una aldea de refugiados en Sudán. Además, hay algo que me gustó particularmente, la idea de hacerse responsables por aquellos a quienes traemos a este mundo; a diario muchos niños mueren por distintas razones, muchos otros son abandonados y una cantidad inimaginable es mal educada y se le deja vagar sin ninguna guía; esto no es culpa de los niños quienes no pidieron nacer, sino de los adultos quienes los usan como objetos. Acá tenemos a un padre comprometido, quien lucha por salvar su matrimonio, pero quien está atento a las necesidades afectivas de su hijo y a quien trata de educar de la mejor manera posible; su visión de mundo es ampliada por su experiencia como doctor en un campo de refugiados, donde otras son las necesidades, otros los peligros y otros los recursos; pero él busca ser fiel consigo mismo. También es importante reconocer el mundo privado de los niños y jóvenes, el bulling es un hecho y muchos lo sufren, aunque no todos los padres y familiares se dan cuenta de lo que hacen sus hijos o parientes. El filme también ganó el Globo de Oro a mejor película extranjera y la directora fue reconocida como la mejor en los Premios Europeos de Cine.


02. Melancolía de Lars von Trier

Título original: Melancholia
Director: Lars von Trier
Guión: Lars von Trier
Edición: Molly Marlene Stensgaard, Morten Hojbjerg
Cinematografía: Manuel Alberto Claro
Elenco: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, John Hurt, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgaard, Stellan Skarsgaard, Kiefer Sutherland
País: Dinamarca - Suecia - Francia - Alemania

Lars von Trier incursiona en un género nuevo, parece no tener límites, pasa del drama al thriller, de la comedia a la ciencia ficción, y siempre nos lega un trabajo majestuoso. Es un bocazas con un Ego enorme, pero también es un realizador fantástico. Ha llevado a sus actrices a estados casi de locura como la de las protagonistas de su filmografía, pero casi todas han logrado sendos reconocimientos por su labor actoral. El crítico Roger Ebert indica que no se imagina a alguien mejor que von Trier para hacer una película sobre el fin del mundo (tal vez solo Herzog); y me parece apropiado. Me enferma leer que clasifiquen a esta película como un drama, es desprestigiar a la ciencia ficción como género tanto a nivel literario como a nivel cinematográfico; existen historias soberbias en la literatura (y muchas han sido llevadas al cine) que desarrollan temas imprescindibles con un tacto filosófico ejemplar. Este año, el cine nos ha dado grandes obras en este género y es justo que lo reconozcamos, el que una película no muestre extraterrestes o no caiga en clichés de fin del mundo no significa que no sea ciencia ficción; las mejores historias en este campo nos dan mundos reflejos del nuestro, variantes del nuestro; y sus personajes son reflejo de nuestros estados interiores (miedos, sueños, apariencias, negaciones, frustraciones, etc.). La ciencia ficción nos describe a nosotros mismos en la piel de seres extraordinarios y fantásticos. Es por esto que Lars von Trier hizo la mejor película de ciencia ficción del año (y de muchos otros), porque entiende que la situación humana, el drama humano se reduce a lo absurdo cuando se contempla la finitud, la muerte. Antes de que la depresión fuese considerada como una enfermedad nosológicamente diagnosticable, se le llamaba melancolía (ahora melancolía es un signo diagnóstico de la depresión), no es casualidad que así se llame el planeta que se aproxima a la Tierra; se imaginan que nos pasaría si a cada uno de nosotros nos golpease un objeto material del tamaño de nuestra melancolía acumulada. Primero, ¿de qué tamaño sería?; segundo, ¿sobreviviríamos al impacto?; finalmente, ¿y si sumamos la melancolía de cada habitante del planeta, qué pasaría?  El empleo, un matrimonio, una disputa familiar, nada tiene sentido en realidad; es solo una fabricación de nuestro Yo Social, de nuestro idea de civilización, pero eso no significa que sea lógico ni que sea correcto... ¿Quiénes somos a final de cuentas? Los filósofos existencialistas hablan de la experiencia límite, de aquello que nos lleva a revelarnos como realmente somos sin las ataduras morales, sociales ni yoicas; qué haríamos si el mundo se acabase, si no hubiese otro mañana... bueno, antes de que pase vean este film ganador del premio a Mejor Película Europea del año.





01. Medianoche en París de Woody Allen

Título original: Midnight in Paris
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Edición: Alisa Lepselter
Cinematografía: Darius Khondji, Johanne Debas
Elenco: Owen Wilson, Rachel McAdams, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Michael Sheen, Carla Bruni, Marion Cotillard, Kathy Bates, Adrien Brody
País: España - Estados Unidos

Como persona trato de ser lo más subjetivo que puedo, como amante del cine también. Y el 2011 fue un año que me gustó mucho y ninguna película me ha hecho reír más que Medianoche en París, la fui a ver tres veces al cine y la vi otras veces en la casa. Espero poder comprarla en bluray. No recuerdo alguna otra película que me haya hecho reír tanto en años; tal vez una de Chaplin o de Cantinflas, no sé. Pero quiero terminar esta lista con una sonrisa, lo pensé mucho, vi varias veces todas las películas, dejé por fuera filmes que me gustaron mucho como Somewhere de Sofía Copola; pero siempre tiene que haber una ganadora. Si el Árbol de la vida es un poema visual, Medianoche en París es una odisea onírica; Woody Allen lleva haciendo cine desde los setenta y pocos directores tienen tantas obras maestras como él; es cierto que ha tenido grandes pifias; pero en los últimos años ha encontrado en Europa la fuente de inspiración que ya no encontraba en su añorada Manhattan. Godard decía que los grandes cineastas pasan haciendo toda la vida la misma película y este es el caso de Allen, siempre buscando perfecccionarse. Todos nos hemos sentido alguna vez como Gil Pender (Owen Wilson) y tal vez muchos se han dejado llevar por el status quo y se casan o abandonan sus sueños; pero otros viven en la fantasía romántica del pasado, en la ilusión de no querer afrontar la realidad. Allen nos narra de manera magistral una historia llena de fantasía, de romanticismo; está plagada de referencias culturales que van de Salvador Dalí, F. S. Fitzgerald, Cole Porter, Hemingway, Man Ray, Picasso, Buñuel, T. S. Eliot, Matisse, Toulouse-Lautrec, Gauguin, Degas, entre otros. Es cierto que la película es elitista en cuanto que no se puede apreciar el nivel de sarcasmo, ironía si no se conocen quiénes fueron estas personalidades; pero sería injusto no calificar esta película como una obra maestra por tal motivo. En el cine habían personas que se reían por las muecas de Wilson, pero que callaban cuando Dalí (Adrien Brody) hablaba de rinocerontes; reían cuando el pedante de Paul (Michael Sheen) alardeaba, pero no cuando se hace una referencia a El fantasma de la libertad (Buñuel, 1974). En fin, muchos se ríen con las comedias estúpidas que hacen los gringos, con gags tontos, repetitivos, de fácil digestión; slapstick comedy, por suerte existen cineastas como Allen que nos dan otro tipo de comedia, más elegante, fina, que nos propone reírnos de nosotros mismos (ya decía Viktor Frankl que esta es una cualidad exclusiva del ser humano), pero que a su vez es una crítica a la sociedad actual; a la de los escritores mediocres y familias fabricadas a la imagen y semejanza de un mito. A nivel técnico, esta de las mejores películas de Allen, la fotografía implicaba un reto tremendo al retratar cuatro épocas diferentes, igual era ardua la tarea para maquilladores y diseñadores de vestuario. Allen sabe cómo dirigir a un elenco grande, siempre se ha caracterizado por eso y en esta ocasión hace gala no solo de su faceta de narrador de historias si no de su capacidad para dirigir actores y sacarles provecho, desde Carla Bruni a Owen Wilson, quien termina haciendo un papel realmente bueno como alter ego del propio Allen. La música es exquisita desde el primer segundo, esa introducción va a quedar en la historia del cine como una de las mejores, nos mostró a París como ningún otro director lo había hecho.



Bueno, espero que les haya gustado la selección. Disfruten de las películas y dejen sus comentarios. Esperemos que a final de año la escogencia sea mucho más difícil y podamos disfrutar del sétimo arte.

3 comentarios:

  1. atractivos/as y excelentes artistas buena pagina

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  2. Un post muy completo, quiero hacer hincapié en “El Ilusionista” que por cierto me recuerda a una serie de HBO llamada “El Hipnotizador”, cuya temática es muy parecida, bueno, el punto es que la película me pareció muy cuidadosa en cuanto a la animación, una historia que chicos y grandes la gozaron, los dibujos como mencionaste son sencillos pero muy cuidadosos, es simplemente estupenda.

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    Respuestas
    1. Hola Sofía, gracias por el comentario, disculpa la tardanza en contestar. De ese mismo director te recomiendo Las trillizas de Belleville, por si no la has visto.

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