miércoles, 28 de septiembre de 2011

La boda del monzón




Título original: Monsoon wedding . India (2001). Color.
Directora: Mira Nair
Guión: Sabrina Dhawan
Productores: Caroline Baron, Mira Nair
Cinematografía: Declan Quinn
Montaje: Allyson Johnson
Música: Mychael Danna

Intérpretes:

Naseerudin Shah = Lalit Verma
Lilette Dubey = Pimmi Verma
Vasundhara Das = Aditi Verma
Parvin Dabas = Hemant Rai
Vijay Raaz = P. K. Dubey
Tillotama Shome = Alice
Shefali Shah = Ria Verma
Rajat Kapoor = Tej Puri
Randeep Hooda = Rahul Chadha
Neha Dubey = Ayesha Verma

*Lilette y Neha Dubey son madre e hija respectivamente en la realidad.

Premios:
Festival Internacional de Venecia: León de Oro mejor película 
Nominada como mejor película extranjera premios BAFTA y Globos de Oro 

Está película hindú además contó con financiamiento de Estados Unidos, Italia, Alemania y Francia. 
Está hablada en hindi, punjabi, inglés y urdu.

Como anécdotas tenemos que el metraje fue arruinado por una máquina de rayos x de un aeropuerto, por lo que gran parte de la película tuvo que ser filmada nuevamente. Como tuvo este inconveniente de presupuesto, una subtrama que involucraba a los padres del novio no fue filmada. En una escena en la que se ve el padre fallecido de Ria, la imagen corresponde en realidad a un amigo de Mira Nair que había fallecido antes del rodaje de la película. 

Es la segunda película de la historia en ganar el Festival de Venecia y alzarse con el León de Oro. Anteriormente, en 1957 Satyajit Ray ganó el festival con la película Aparajito, segunda parte de la trilogía de Apu. Gracias a este premio, la directora Mira Nair ha sido invitada a los festivales de cine más importantes del mundo y presidió el jurado del Festival de Berlín. 

Nair se inició en el cine con documentales y en 1988 filmó su primer largometraje de ficción, Salaam Bombay que tuvo una gran acogida. Entre su filmografía más destacada está: Mississippi Masala (1991), Cuando salí de Cuba (1995), Kamasutra: una historia de amor (1996); también participó en los proyectos colectivos de 11’09”01 (segmento India) y Nueva York te amo (segmento Mira Nair). 

Su carrera como cineasta independiente es muy destacada, sin embargo conforme empezó a hacer películas para Hollywood su creatividad ha disminuido y el resultado son los bodrios: La feria de las vanidades (Vanity fair, 2004), El buen nombre (2006), Amelia (2009). Destaco la única película de su periplo hollywoodense que me agradó y que filmó para HBO Histerical Blindness (2002). Actualmente está filmando The reluctant fundamentalist, regresará a hacer algo de calidad o seguirá defraudando… 

Entre los certámenes ganados por Mira Nair destacan:


Premio de la Audiencia Festival de Cannes (Salaam Bombay)
Mejor Opera Prima Festival de Cannes (Salaam Bombay)
Osella de Oro Festival de Venecia (Mississippi Masala)
Premio especial de la Crítica Festival Internacional de San Pablo (Mississippi Masala)
León de Oro Festival de Venecia (La boda del Monzón)
Premio de la UNESCO Festival de Venecia (11’09”01)


La boda del monzón es una película muy detallista, tiene una magnífica fotografía y música. No es una película de Bollywood (nombre con que se describe al cine comercial hindú). La clave para que una película con tantas historias sea buena radica en la fluidez que proporciona el montaje. Allyson Johnson hizo un trabajo estupendo, la película es ágil, no nos aburrimos; todas las historias son introducidas con sagacidad y culminadas con brillantez. El guión es magnífico, trabajo de Sabrina Dhawan supo imprimir de vitalidad un debate ético y moral. Y Mira Nair era la persona idónea para contarnos esta historia tan femenina, desde su óptica nos describe la convivencia de una familia de clase media con secretos que atentan con resquebrajar la unión familiar. 

En la India ir al cine es un lujo, por eso las películas de esta región tienen ciertas características que buscan atraer público. Pagar un tiquete de cine por una película dramática ajena a la situación del espectador y que dure poco, no es muy tentador. Por eso, las películas hindúes tienden a durar mucho (La boda del monzón dura 114 minutos), así, se garantiza un espectáculo aceptable. Y lo más importante es la mezcla de géneros cinematográficos. Por eso en estas películas las historias van del drama a la comedia con mucha facilidad, además, se busca tener un espectáculo musical, una coreografía alegórica a las tradiciones del pueblo. De tal manera que un espectáculo de tres horas que contenga drama, comedia y un musical sí vale la pena como para pagar un costoso tiquete en uno de los países con más pobreza del mundo y con la población más joven del mundo (en promedio). 

La boda del monzón no escapa de esta fórmula. El trasfondo de la historia base es una situación dramática, pero con frecuencia el ritmo cambia a comedia y tiene su coreografía. En este caso en referencia a las tradiciones matrimoniales. No crean que esta forma de cine es fácil, se necesita mucha destreza para contar una historia con cambios de ritmo tan bruscos y que no pierda la atención del espectador. 

La opera prima de Nair contrasta con esta película en la forma en que nos cuenta la trama. Salaam Bombay busca ser una crítica social de la pobreza en la India, más cercana en algunos aspectos al neorrealismo italiano. Claramente con influencia del maestro Satyajit Ray, el cineasta hindú más importante y de mayor trascendencia. 

Las historias:

(Voy a contar las historias de acuerdo a como se presentan en el filme y no en orden de importancia) 

La primera historia y que es el núcleo de la película es la de la boda. Tenemos a Lalit y Pimi quienes arreglan el matrimonio de su hija (Aditi) con Hemant. Desde acá nos introducen a los miembros de la familia, lo caótico de la organización de la boda, el conflicto económico de Lalit y los problemas maritales que tienen los padres de Aditi; estos duermen en camas diferentes y tienen un problema de intimidad que los distancia. En esta historia el personaje principal es Lalit y la narración se da desde su óptica. Los padres arreglan la ceremonia dos semanas después de que la pareja se conocen. La directora no profundiza en la práctica de los matrimonios arreglados, prefiere ahondar en otros temas, y se centra en los rituales tradicionales de la boda: tatuajes de hena, bailes, etc. 

La segunda historia es la de Aditi y su amante Vikram. Estos retoman un amorío y sirve a Aditi para huir de sí misma y su miedo al compromiso. Vikram es un hombre casado que solo usa a Aditi para su placer sexual, para cuando ella se da cuenta de esto la ceremonia está por realizarse. Acá la directora cuenta la historia desde la perspectiva femenina de Aditi, dotando a la trama de un aire renovado puesto que no se condena la infidelidad (Hemant termina por perdonar a su prometida), sino que se profundiza en las razones por las que Aditi evade el compromiso. 

La tercera historia nos cuenta el incipiente interés entre Ayesha (prima de Aditi) y Rahul (pariente lejano que viajó desde Australia para la boda). Esta historia parece ingenua, pero tiene mucha visión crítica por parte de la directora y de la guionista. Permite a través de dos personajes jóvenes adentrarnos en el mundo cultural de la India, específicamente en algunos mandatos machistas y patriarcales. Así, Ayesha empieza a ser “muy vieja” como para estar sola, sería la única en no tener esposo (Aliyah apenas es una niña) y por esto empieza a buscar ese compañero. Por su parte Rahul ejemplifica la desculturalización por haberse ido al extranjero; los bailes y el cortejo hindú le resultan extraños y no se siente en confianza. Además, es interesante cómo sufre de un acoso machista (por parte de Lalit principalmente) y de mandatos que le exigen dar muestras de virilidad (entendiendo esta como una deformación de la idea de cómo ser hombre y qué roles se deben asumir, propuestos desde el patriarcado). 

La cuarta historia es la de la criada Alice y el contratista PK Dubey. Encantadora historia que nos muestra la perspectiva del amor y las tradiciones desde la óptica de la clase económicamente baja (la utilización de un tipo de flor es esencial en esta parte). Con rituales mucho más austeros y sencillos, pero con una honestidad pura. El personaje de Dubey es central para la película, porque enlaza la historia de la boda con la suya. Además, este personaje es utilizado para describir en imágenes la pobreza del país. Por ejemplo, la escena en que llega a la casa y se tiene que cambiar de ropa delante de su madre (hacinamiento), o cuando camina por las concurridas calles. Otra curiosidad de esta historia es la utilización del agua como metáfora de la división de clases. La joven Alice le ofrece agua en botella a Dubey, todo un lujo en un país con índices de pobreza extrema alarmantes, cuyos habitantes difícilmente tienen acceso a fuentes de agua limpia. Al final esta pareja termina compartiendo de la fiesta en la casa de los Verma, en un claro guiño de la directora a derribar las paredes invisibles que dividen a las personas según su estatus socioeconómico. 

Una quinta historia es la de la homosexualidad del joven Varun. Este conflicto refleja el machismo de la sociedad y la homofobia. Hay una intencionalidad de la directora a criticar la posición tradicional en la que el hombre tiene que ser fuerte y no expresar sus sentimientos. Lalit prefiere enviar lejos a su hijo (a un internado) que aceptarlo con la poca expresividad de su “masculinidad” (concepto estereotipado desde su origen mismo). El joven quiere ser chef y recibe la desaprobación paterna, igual cuando se muestra con aptitudes para el canto y el baile. 

La quinta historia es la más fuerte en contenido. A su vez es la más importante de la película, pero es la última en revelarse, hasta que aparece no se da una resolución al resto de historias. Se trata del secreto familiar, del abuso sexual que sufrió Ria por parte de Tej Puri y que este, ahora, está abusando de la niña Aliyah. Presenta también un conflicto económico, puesto que Tej es el mecenas de la familia, quien asume los gastos de la boda; por lo que Lalit tiene que escoger entre su sobrina (Ria) y el “salvador” de la familia (Tej). Durante toda la película se dan claves de este conflicto, pero estalla cuando Ria expone la verdad. La directora buscó centrar casi la totalidad del contenido dramático en esta historia (las otras son más cómicas), está estupendamente actuada y busca denunciar prácticas pedófilas en una cultura hipermachista. También es una confrontación mujer-hombre; en el que se pone a prueba la lealtad y la moral de los personajes. La esposa de Tej acusa de mentirosa a Ria simplemente por ser una mujer soltera (incluso deduce que está loca porque es soltera). Por su parte, Lalit está en la incertidumbre de creerle a su sobrina lo que significaría rechazar el aporte económico de Tej y romper los vínculos familiares, esto conllevaría a endeudarse. Se plantea acá el conflicto de moralidad vs estabilidad económica. Realmente me sorprendió esta trama porque no esperaba la conclusión, las sociedades hindúes son muy patriarcales y muy rígidas en términos de familia, realmente alabo la denuncia que plantea esta película, no en vano ganó el León de Oro. Recuérdese que Venecia siempre ha gustado de películas con un alto sentido humanista y que reflejen valores culturales de diferentes regiones, pero que también hagan denuncia sobre temas controversiales. 

Las actuaciones son muy solventes en todas las historias, tal vez la más débil sea la de Alice (la joven criada), pero esta película tiene una gran factura técnica e interpretativa.


Las razones del título pueden confundir. Por lo general en este tipo de cine nada es dejado al azar. El monzón es un fenómeno atmosférico caracterizado por vientos estacionales que traen lluvias. Este fenómeno es impredecible por cuanto no se puede prever el nivel de precipitaciones, sin embargo afecta tanto positiva como negativamente a la India. Por un lado permite el riego de las tierras y la cosecha, pero por otro inunda las zonas más pobres. Se estima que el monzón equivale al 25% del producto interno bruto y que genera el 70% de empleo (cultivos de arroz, algodón y aceites). La directora usa el simbolismo del monzón y de la lluvia para reflejar el cambio de mentalidad en los personajes, la lluvia permite develar los secretos que están carcomiendo a la familia (Aditi revela su infidelidad, Ria expone la verdad de Tej; Pk Dubey confiesa su amor, Vernu habla de su sueño de ser chef, etc.). De las mejores secuencias de la película es cuando Dubey camina bajo la lluvia en la poblada Nueva Delhi, no hay diálogo sino que una música exquisita acompaña al actor, la directora aprovecha para reflejar escenas cotidianas de su país. 

La lluvia también simboliza el limpiar cuerpo y alma, por esto los personajes bailan bajo la lluvia, escena en la que no hay división de clases sociales, todos son iguales, todos se aceptan; los dos matrimonios se juntan y celebran al unísono. 

La manera en que todas las historias calzan y se entrelazan es magistral, realmente es muy difícil contar con tantas subtramas y que todas tengan validez e importancia. Nair junto a su equipo lograron hacer una película ejemplar. Trataré de simplificar el árbol genealógico para que puedan entender las historias con mayor facilidad:



Pareja
Hijos
Lalit Verma y Pimi Verma
Aditi y Varun
Hermano muerto de Lalit y Veema Verma
Ria (criada por Lalit y Pimi)
Uday Verma (hermano de Lalit) y Sona Verma
Ayesha y Aliyah
Vijaya Puri (hermana de Lalit) y Tej Puri

C. L. Chada (hermano de Pimi) y Shashi Chada
Umang y Rahul

Además se da la unión entre Aditi y Hemant. 
También se supone una futura unión entre Ayesha y Rahul. 
Umang es el personaje que llega al final de la boda cuando están celebrando y tiene un cruce de miradas con Ria.

Les dejo el avance en español y en inglés de la película. El avance en inglés corresponde a la edición que la prestigiosa compañía de distribución Criterion Collection hizo de la obra de Nair:



Ahora les dejo unos videos musicales de la película. Pueden apreciar y disfrutar de la banda sonora de la película:



A continuación una entrevista a Mira Nair en la que explica cómo se sintió tras el éxito de Salaam Bombay y lo que opina sobre los premios Oscar:


Finalmente, les dejo el tributo que hizo la Academia Británica a Mira Nair como parte de la ceremonia de los BAFTA:


martes, 27 de septiembre de 2011

Ciclo ¡Animados sí, Infantiles no!


Saludos a todos, quiero agradecer a los lectores de CINESCRUPULOS y a las personas que han asistido a los ciclos de cine temáticos. Hace mucho quería hacer un ciclo de cine animado y la verdad es que fue muy difícil escoger las películas. Tuve que dejar por fuera películas que me gustaron mucho, pero la verdad es que las elegidas cumplen a pleno el objetivo principal de este ciclo.

Tradicionalmente en Costa Rica se ha creído que el cine animado es solo para niños, las propuestas fílmicas que llegan a exhibirse en salas de cine son exclusivamente para un público infantil y buscan vender cualquier tipo de producto. Salvo en algunos videoclubes, casi no llegan al país películas animadas para un público adulto, por dicha en internet se pueden conseguir, y lo mejor es que se pueden ver propuestas de diferentes países. Hago la aclaración que el animé sí ha llegado al país como en casi todo occidente, pero precisamente como ha sido muy extendida su difusión, creo que merece un ciclo aparte.

La mayoría de películas animadas son de procedencia estadounidense y aquellas que provienen del Imperio del Ratón son en su mayoría una gran porquería. Además, las películas animadas gringas, casi en su totalidad, tienen un gran defecto: sus historias son un reflejo estereotipado de la sociedad visto desde la perspectiva adulta (adultocentrismo). Es decir, la trama tiene lógica para un adulto, pero es anacrónicamente incorrecta puesto que los personajes son niños que piensan como adultos o actúan como adultos. El resultado es un efecto socializador hacia los niños en el que se refuerzan estereotipos de género (si quieren que su hija crezca con una mentalidad de inferioridad de género háganla ver cualquier película marca ratón).

Esta crítica gira en torno a la historia, a la trama de las películas. Admito que la fábrica del Imperio del Ratón ha tenido una actitud vanguardista en el campo de la animación; pero si no fuera por Pixar, habríamos enterrado al ratón hace rato. Técnicamente la animación gringa ha sido de calidad; en lo personal creo que abusan mucho de la animación computarizada, de diseños geométricos básicos y de falta de profundidad cromática. Entre las películas marca ratón que puedo destacar están Fantasía (1940), Alicia en el país de las maravillas (1951), Wall-E (2008) y Up (2009). Las dos últimas con la ayuda de Pixar.

Sin pretender abarcar el cine animado estadounidense, entre las películas que me han impresionado están: las películas de Ralph Bakshi, Cómo el Grinch se robó la navidad (1966), Heavy metal (1981), La pesadilla antes de navidad (1993),  El cadáver de la novia (2005), Horton (2008), Igor (2008), Coraline (2009), Nueve (2009), Ga'Hoole la leyenda de los Guardianes (2010), Cómo entrenar a tu dragón (2010), Megamente (2010). En fin es una cuestión de gustos, también están los cortos animados basados en cuentos de Edgar Allan Poe, las animaciones clásicas de Merry Melodies (en especial las que utilizan música clásica); las de Warner Brothers y últimamente los proyectos en animación de DC Universe. De todas estas películas o cortos (sin contar todo lo que me falta de ver), algunos destacan por su factura técnica, otros por su historia y desarrollo de personajes; otros por romper esquemas y estereotipos (Cómo entrenar a tu dragón e Igor); y otros por entender que la animación es una forma de arte que puede explorar diferentes temáticas.

Es por esto que preparé el ciclo ¡Animados sí, infantiles no!

El objetivo es presentar películas animadas cuya trama se desarrolla igual que lo hace una comedia, drama o ficción con actores de carne y hueso. Vamos a romper el mito de que una película de animación es para niños, les invito a un mundo de vanguardia con propuestas artísticas increíbles...


Sábado 1° de octubre. 3pm

Más vampiros en La Habana

Director: Juan Padrón
País: Cuba (2003)
Duración: 80 minutos
Recomendada para mayores de edad

Comedia de tipo gánster en la que la Capa Nostra y los Vampiros Nazis buscan hacerse de la fórmula vampírica y controlar el mundo, mientras, Pepe busca salvar a su hijo y jugar a la arañita.

Presentación especial de los cortometrajes "Filminutos" de Juan Padrón antes de iniciar la película.




Sábado 15 de octubre. 3 pm
Vals con Bashir

Director: Ari Folman
País: Israel (2008)
Duración 90 minutos
Recomendada para mayores de edad

Extraordinaria película que narra los estragos de la guerra desde una perspectiva realista. El inconsciente no puede borrar ciertos recuerdos.... Basada en hechos reales.

Presentación especial del cortometraje de 1953 "El corazón delator", inspirado en el cuento homónimo de Edgar Allan Poe. Antes de iniciar la película.




Sábado 22 de octubre. 3 pm
El ilusionista

Director: Sylvain Chomet

País: Francia (2010)
Duración: 80 minutos
Recomendada para mayores de 12 años

Cuando la vida transcurre y te quedas sin compañía… Cuando tus amigos se pierden en el olvido… Cuando las ilusiones no son suficientes para engañar la realidad… ¿qué hace un Ilusionista?

Presentación especial del cortometraje ganador del Oscar 2008 "Pedro y el Lobo de Prokofiev". Antes de iniciar la película.




Sábado 29 de octubre. 3 pm
Mary y Max

Director: Adam Elliot
País: Australia (2009)
Duración: 92 minutos
Recomendada para mayores de edad

Estupenda película que nos adentra en la oscuridad de aquellos que viven en el rechazo social. Usando un fino humor negro nos muestra una realidad invisibilizada y sus consecuencias.

Presentación especial del cortometraje de 1982 de Tim Burton "Vincent". Antes de iniciar la película.




Sábado 5 de noviembre. 3 pm
Persépolis

Director: Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi

País: Francia (2007)
Duración: 96 minutos
Recomendada para mayores de 13 años

Los cambios sociopolíticos de Irán vistos a través de los ojos de una niña. Cruda historia que nos enseña la importancia de la paz. Basada en la novela autobiográfica de Marjane Satrapi.

Presentación especial del cortometraje "Destino" creado por Salvador Dalí en 1945 y completado por los estudios Disney en el 2003.





Con este ciclo se termina la temporada 2011, así que espero les guste mucho esta propuesta. Les recuerdo las coordenadas:


Lugar: Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados)

Sábados 3 pm

ENTRADA GRATUITA

miércoles, 14 de septiembre de 2011

Del amor y otros demonios


GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ Y EL CINE PARTE 1





Título original: Del amor y otros demonios. Costa Rica – Colombia (2009). Color
Directora: Hilda Hidalgo
Productores: Laura Imperiale, Clara María Ochoa, Laura Pacheco, Hilda Hidalgo
Guión: Hilda Hidalgo, basado en la novela homónima de Gabriel García Márquez
Director de fotografía: Marcelo Camorino
Montaje: Mariana Rodríguez
Música: Fidel Gamboa

Contó con el apoyo de Aliciafilms, CMO Produciones SA, Cacerola Films.
Con la participación de: Fideicomiso Del amor y otros demonios, RCN CINE-E-NNOWA
Con el apoyo de: Programa Ibermedia, Cinergia, Universidad Veritas, Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano 

Intérpretes

Eliza Triana (Sierva María)
Pablo Derqui (Cayetano Delaura)
Jordi Dauder (Obispo)
Damián Alcázar (Abrenuncio)
Alina Lozano (Abadesa)

Esta película es de las que más me han gustado de la joven cinematografía costarricense. Tiene aspectos técnicos muy bien logrados y se nota la visión de la directora que se apropia de la historia de Márquez para contárnosla.

Si bien la película es bastante lenta, me parece una buena adaptación de la novela. Llevar un libro al cine siempre es una tarea difícil. Y hay que tener en cuenta que es el primer largometraje de la directora, quien el mismo escritor le ofreció la historia para que la filmara.

El tempo lento de la película hace que muchas personas la hayan criticado, sin embargo creo que se debe más a que en la actualidad las películas son muy aceleradas en su narrativa (principalmente las provenientes de Hollywood). Pero la lentitud no inhibe el argumento de la película que tardó nueve semanas y media en completarse. Tampoco hay que confundir lentitud con minimalismo; no es una película barroca. Los detalles son los mínimos necesarios para lograr el efecto deseado por la directora.

Aclaro que esta es una crítica de la película no del libro. Comentaré las diferencias que existen entre ambos, pero hay que tener en cuenta que es la visión de Hilda Hidalgo sobre la novela de Márquez.


La ambientación es lo mejor logrado en la película. Filmada en Cartagena de Indias, aprovecha los edificios históricos y los escenarios naturales para dotarle de una veracidad a la historia. Podemos meternos de lleno a través de la naturaleza, las personas, los edificios sin pintar y los caminos de la ciudad; todos estos detalles dotan de un realismo a la trama que permite ubicarnos en una película de época (género que pretende ubicar el relato en un pasado histórico). Es totalmente diferente cuando se recrean digitalmente los edificios y particularidades de una ciudad o si se construye en un set. Es de elogiar las tomas panorámicas en la película y la belleza con la que el lente nos muestra la ciudad. Sentimos la idiosincrasia del lugar.

Entre los lugares históricos en donde se filmó destacan: el Palacio de la Inquisición, el Palacio del Marqués de Valdehoyos, el claustro San Pedro Claver, el Castillo San Felipe y la Casa de Huéspedes Ilustres.

La filmación en exteriores conlleva dificultades en lo relacionado con la fotografía y el sonido (grabación del sonido en directo) que la directora solventó de gran manera. La iluminación de las escenas está bien lograda, usando tomas cerradas en momentos claves y jugando con las sombras. En las notas de producción se indica que hubo influencia de Caravaggio para la concepción fotográfica. La edición de sonido es muy buena y la música permite acompañar el relato. La música original la hizo el recién fallecido Fidel Gamboa, se caracteriza por su esencia íntima; pero no me gustó la música en las escenas románticas, me pareció monótona y aburrida.

El uso de la cámara para reflejar el realismo mágico fue convincente. Lo notamos en una iluminación especial de algunas escenas, que se nos muestran como ensoñaciones y juegan con la lógica narrativa.

Creo que las actuaciones pudieron ser mejores. Entiendo que era la primera actuación en un largometraje de Eliza Triana (hija del director colombiano Jorge Alí Triana), pero me resultó apática, no me conmovió ni nada. Hizo una personificación de Sierva María muy diferente a como es descrita por el Nobel colombiano. Eliza fue elegida tras un casting de 700 jóvenes aunque inicialmente no fue elegida porque era muy joven (11 años cuando hizo la prueba de casting por primera vez). Dos años después fue seleccionada.

Su contraparte, Pablo Derqui, lo hace mejor. Tiene más oficio y se mostró más seguro delante de la cámara. Sin embargo, no pudo imprimir a su personaje de la tensión interna que siente al conocer a Sierva María: lo profano-sexual versus lo escolástico-rígido. Esto hay que entenderlo también desde la óptica que es más fácil escribir sobre un amor prohibido que representarlo en cine, debido a los impedimentos legales y en todo sentido justos, que buscan preservar la integridad de las personas menores de edad.


Es una lástima que Damián Alcázar (Abrenuncio) apareciera tan poco. Es un gran actor y era un personaje vital en la novela para representar la lucha entre la ciencia (Abrenuncio) y la religión (Cayetano). Aún así, Alcázar supo aprovechar los minutos en pantalla para hacer una sólida actuación.

El resto de personajes están muy bien interpretados, le dan veracidad a la trama; aunque ninguno destaca, tampoco desentona. Una gran dirección de actores por parte de Hilda y también un gran trabajo para encontrar a los actores idóneos, el elenco cuenta con diferentes nacionalidades y lo más importante que respeta los países de origen de acuerdo con la novela. Los acentos y particularidades regionales se sienten en la película y es de alabar.

Previo al rodaje de esta película, se filmó también en Cartagena de Indias la película El amor en tiempos del cólera (adaptación también de una novela de Gabriel García Márquez), por lo que la contratación de extras se encareció y dificultó un poco el rodaje. La ambientación de las concurridas calles no pudo ser representada de la mejor manera; por ejemplo cuando Cayetano llega por primera vez al convento sólo aparece un mendigo; o en otra escena se ven dos niños jugando en la tierra.

La directora supo llevar el proyecto a pesar de las dificultades y de ser su primera película; sedujo a muchas personas importantes que creyeron en su talento y eso es digno de respetar y admirar. Desde el propio Márquez que le dijo que hiciera la adaptación al cine de su novela tras un taller en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de La Habana; hasta la productora mexicana Laura Imperiale quien dijo “leí el guión y me pareció una propuesta llena de sensualidad y complejidad en los personajes. Con una mirada particular, femenina, un acercamiento diferente a la obra de García Márquez” (Notas de producción, Del amor y otros demonios).

Y es increíble cómo Hilda atrajo inversores y no vio comprometida su libertad creativa, su mirada femenina y la forma en que se apropió de la historia. Es por esto que creo que es la única película de la cinematografía costarricense que se puede llamar cine autor. Quiero decir que la película refleja la visión de mundo de la directora, quien respeta la historia y le da al espectador un producto artístico, no comercial. Todos los detalles de la película desde la iluminación hasta la caracterización de los personajes son obra del talento de Hilda.

Por eso, la película no planea ser una adaptación literal de la novela de Márquez. Entiendo a los lectores del colombiano quienes no les gustó la película. Pero contrario a las otras películas sobre libros de Gabriel, esta no quiere ser una calca, y por el contrario, busca ser una obra auténtica. Que además entiende que la literatura y el cine son artes diferentes y usan técnicas diferentes para representar una idea.

Creo que por razones de presupuesto no se pudo representar las historias secundarias que aparecen en la novela. Es una lástima porque Hilda tomó una idea y apenas hizo referencia a las otras temáticas del libro; pero bueno, fue su decisión.

La película tiene un ritmo lento por dos razones, la primera porque la directora así lo quiso, de esta manera busca hacer la película más íntima (Cine autor); y segundo, porque omite la cultura afrocaribeña.

Los personajes negros que reflejan lo telúrico en la novela no aparecen en la película. Y eso hace que la película sea lenta. Sierva María sí es representada más cercana a la cultura de los esclavos negros que a la de los blancos, pero es muy por encima. En la novela se desborda el realismo mágico a través del choque cultural entre negros y blancos, permitiendo una rica simbología que en la película se pierde.

La relación entre los marqueses no era buena, esto me disgustó mucho de la película. Bernarda ni siquiera quería a su hija, ella se satisfacía sexualmente con los esclavos, especialmente con Judas Iscariote. Las referencias a los collares y a la lengua se quedan cortas. Sierva María era un torbellino que impregnaba de lo inexplicable (desde la lógica blanca) lo que la rodeaba.

Lo anterior se refleja también en la música de la película. Lo vernáculo de la cultura afrocaribeña tampoco destaca musicalmente, Fidel escogió temas formales, pero le faltó impregnar de “locura” a la partitura.

Otro personaje que extrañé fue el del sacerdote que entendía a Sierva María, entiendo que la directora no lo incluyese porque hubiese ameritado más rodaje y explicar su historia y darle una conclusión. Precisamente para no tener que darle un final a cada personaje (como ocurre en el libro) es por lo que Hilda omite historias. El único final es el de Sierva María (y este es ambiguo) y Cayetano.

Con respecto a la historia, esta nos muestra cómo la iglesia juzgaba y castigaba "en nombre de su dios" a las mujeres por razones injustificables, que denotan el desconocimiento de la época. Por eso el choque entre ciencia (Abrenuncio) y misticismo (Cayetano). Las mujeres a lo largo de la historia han sido denigradas desde la concepción religiosa. Las religiones monoteístas son claramente patriarcales y androcéntricas y por siglos han impuesto (por el medio que fuera necesario, incluso el asesinato) roles femeninos que implican sumisión, pureza, aceptación, inferioridad (física e intelectual) y han fomentado el mito de la virginidad. Todo esto es solo una excusa para que los "Padres" de la iglesia (sí, padres, es decir hombres) controlaran el destino de las mujeres, se apropiaran de sus cuerpos y según su religión de sus almas. El relato nos cuenta el despertar de una chica (12 años) quien empieza a dejar su inocencia atrás y se va enamorando tan casualmente como quien respira. Una joven criada por esclavos negros por lo que aprende su cultura: comida, idioma, vestimenta, forma de pensar, etc. En el medio, un perro la muerde y la torpeza intelectual de la época confunde una enfermedad (rabia) con una posesión demoníaca. Las formas con que la iglesia ha impuesto su dogmatismo, violentan los principios básicos de la humanidad. NO respeta las formas de pensar diferentes, busca tener seguidores que no cuestionen las jerarquías eclesiásticas y se encarga de generar miedo (cultura del miedo) para mantener el control de sus seguidores. La inquisición ha sido el mejor ejemplo de esto, y en la historia de Márquez podemos leer sobre un caso similar. Aclaro que la historia es ficticia, pero sin lugar a dudas los crímenes de la Inquisición llegaron a América. La iglesia siempre ha tenido miedo del cuerpo femenino, de la procreación (por eso copió un mito sobre la concepción de una virgen), de la menstruación, de la sensualidad y todas sus demás características. La solución que buscaron fue controlar mente y cuerpo; hacerlas ver como "malas", "brujas", "poseídas", "rameras", etc. Así asustan con mandar al infierno a quien desobedezca y piense diferente a sus dogmas; sin embargo, en vez del infierno han mandado a miles de personas a la tumba.

Siempre el libro va a ser mejor que la película, por eso les insto a que primero lean la obra de Márquez y después vean la película. Les dejo para que vean el avance oficial de la película y una serie de entrevistas que resultan muy interesantes.






lunes, 12 de septiembre de 2011

El regreso



Título original: El regreso. Costa Rica (2011). Color
Director: Hernán Jiménez
Productora: Miel y Palo Films
Productor: Manuel Granda
Guión: Hernán Jiménez
Director de fotografía: Nicolás Wong
Música: Federico Miranda
Duración: 95 minutos

Reparto:

Hernán Jiménez (Antonio)
Bárbara Jiménez (Amanda)
Luis Fernando Gómez (Padre de Antonio)
Monserrat Montero (Sofía)
Daniel Ross (César)
Rodolfo González (Paolo)
Fernando Chironi (Lucas)
Introduciendo a Andre Boxwill (Inti)

Premios:

Festival Internacional de Cine Latino de Nueva York: mejor largometraje internacional



Esperé esta película por mucho tiempo para poder ir a verla a los cines, en parte porque me gusta apoyar las producciones nacionales, también porque quería sentirme cautivado en la sala de cine y porque la película anterior de Hernán (A ojos cerrados) me gustó mucho. Tanto que hasta le perdoné las carencias de guión y su final tonto.

Mi reacción al finalizar la película: una gran desilusión. La película tiene aspectos que me gustaron bastantes, pero es una lástima que todavía en Costa Rica no exista alguien que se atreva a hacer algo diferente, que rompa esquemas y que el cine costarricenses solo sea tierno, lindo, pero no trascendental.

La película es como un ensayo libre de un universitario ingenuo que escribe sobre lo que no le gusta de San José (sí, de San José no de Costa Rica) sin poner ni una sola cita textual y sin usar bibliografía. Vamos por partes.

Hernán se quedó sin presupuesto sin haber terminado la post-producción y entonces le pidió dinero a la gente para terminarla a cambio de entradas al cine, del dvd de la película y de poner todos los nombres como productores asociados. También habían otras recompensas. Hernán recurrió al sentimentalismo patriótico para recaudar el dinero, aduciendo que era una película "tica" para los "ticos" (se recuerdan aquello de América para los americanos....). El resultado... recaudó alrededor de $62000. Negocio redondo (más adelante explicaré por qué).

No estoy de acuerdo con los medios utilizados por Hernán Jiménez, un director tiene que saber usar un presupuesto y asociarse con personas o compañías que respalden su visión creativa. Hernán en una entrevista dijo que no quería comprometer su creatividad, pero es posible encontrar una productora, difícil claro, pero no imposible. Pedir dinero como lo hizo fue una demostración de arrogancia y soberbia, no de patriotismo. Las luces se las lleva él no los supuestos productores asociados.


Y llegó la película:

Al iniciar el proyecto Hernán Jiménez hablaba de cine, del elenco, del rodaje... Llegados al momento del estreno hablaba de que fueran a ver la película, de lo importante que es el fin de semana de estreno en términos económicos. Debí haberme imaginado lo que vendría.

La película tiene un guión que flojea, igual que su obra antecesora (A ojos cerrados) no termina en nada y eso es lo que más me molestó del filme. Una hora y treinta y cinco minutos para que no me diga nada. Que no coman cuento, porque eso no es un final abierto. Es no saber terminar una película; en esta ocasión no repitió ideas como en A ojos cerrados, sino que la brusquedad de la transición de las escenas finales aporta poco al clímax, se pierde intensidad.

La película empieza visualmente impactante, pero se diluye su efecto. Por el contrario, el guión va mejorando conforme avanza la película. No crean que me contradigo, ya dije que hay aspectos de la película que me gustaron mucho. Hernán tiene un gran talento, pero tiene que poner ese talento para hacer un cine que rompa las estructuras mentales del costarricense.

Después de desplomarse al final por carecer de un cierre, el segundo gran error a nivel de guión fue el abuso de la publicidad incluida en los diálogos de los personajes. Se recuerdan que les dije que había sido un negocio redondo, quédense a ver los títulos finales y verán muchos nombres conocidos: empresarios, presentadores de televisión, etc. ¿No se han extrañado del boom mediático que tuvo la película tras la recaudación de fondos? Es como si el proyecto tuviera muchos mecenas interesados en recuperar su inversión.

Entonces tenemos una escena con un diálogo super forzado en un supermercado donde el lente se centra en la leche; u otro momento absurdo cuando se dice implícitamente la marca de un whisky. Toda película necesita publicidad, es entendible, pero no se puede poner el argumento en función de las marcas comerciales.

A nivel de actuación tengo emociones encontradas. Mientras que las actrices (Bárbara y Monserrat) me aburrieron, me parecieron planas y sobreactuadas; los actores de reparto fueron lo mejor de la película. El propio Hernán que actúa en el rol principal tiene una actuación irregular.

Daniel Ross (César) es el punto alto de la película. Su actuación es fenomenal, en una entrevista pude oírle hablar de cómo él creó el personaje, y esa es la clave, se salió del guión y le infundió de alma al personaje. A través de los ojos de César la película y el personaje de Antonio tienen un contrapunto, es la clave para que la película tenga ritmo, en el momento en que César no está en pantalla la película adquiere otro ritmo, más lento y soporífero. Daniel le dio con su histrionismo el primer personaje clásico de la cinematografía costarricense, hasta ahora sólo habían pasado actores, unos cumplieron otros fracasaron. Pero el cine costarricense no va a olvidar nunca el papel de Daniel Ross. ¡Grande!

Luis Fernando Gómez (padre de Antonio) logra una sólida actuación, simboliza un tótem patriarcal impenetrable, le da un sentimentalismo a su personaje fabuloso. Su mirada penetrante y distante, distraída y vuelta hacia el pasado es una cátedra de cómo se puede actuar con las expresiones faciales y comunicar una gama de sentimientos sin necesidad de decir diálogo alguno. Él ayudó mucho a que Hernán diera sus mejores momentos en escena. Como en la que el hijo le recrimina, saca las lágrimas, está muy bien lograda, de lo mejor de la película.

André Boxwill (Inti) hace un digno debut. Creo en parte a una muy buena dirección de actores por parte de Hernán. Lástima cómo lo vistieron. Es importante cuando se dirigen niños que estos sean naturales en su actuación, que no vuelvan a ver a la cámara ni al equipo de producción. Los diálogos son creíbles para un chico de su edad, lo único que reclamo es que usaran este personaje para sensibilizar al espectador de una manera muy burda, muy fácil, en el cine algunas escenas sacan el ahhhh de los espectadores; pero es jugar con el espectador, darle lo que este espera para que al final quede la impresión de una linda película. Repito, el cine costarricense es tierno o estúpido. Esta película es de las tiernas. Pero, ¿la vida lo es? A eso me refiero en que se necesita un cineasta que rompa esquemas.

Rodolfo González (Paolo) hace una actuación interesante, es un personaje que le brinda otra perspectiva desde el afuera (del sistema familiar) a Antonio. Pero es lamentable que lo usasen para promocionar marcas. Ya comenté la escena del whisky (igual a la más burda producción de televisión nacional), pero tiene otra, que demuestra la falta de ambición y respeto de Hernán para con su propia obra. En la escena en cuestión, la familia y enfermero están viendo la televisión, pero el centro de atención deja de ser la familia para promocionar un estúpido partido de fútbol y a una televisora que puso mucho dinero en esta película (¿pagando favores?). Lamentable.

Hernán Jiménez (Antonio) estaba convencido de que nadie podía interpretar ese papel más que él. Creo que se equivocó. La dirección y el papel principal fueron demasiado. Se nota apagado en la película, impreciso en las emociones que pretende transmitir. Salvo las escenas más dramáticas junto a Luis Fernando el resto de su actuación es dubitativa.

Bárbara Jiménez (Amanda) me desesperó toda la película, me pareció exagerada, poco creíble, llevó a la ridicullización el personaje. Sin mencionar que cambia (esto es culpa del guión) su actitud de manera precipitada y no logra consolidar el personaje.

Monserrat (Sofía) es la peor del elenco. La pobre se muestra sobreactuada en cada escena, es imposible creerle algo. Su voz es chillona y no le imprime el carácter que el personaje requería. No tiene ninguna química con Hernán en escena, son un desastre. La escena del supermercado quiso ser de cine arte, de antología, pero se vio tan tonta (culpa del director también, ah, pero en esa escena Hernán actuaba y ¿dirigía?, ojalá aprenda la lección) y forzada.

La fotografía fue de lo que más me gustó, precisa y consecuente con el relato. Igual la música, acompaña bien el relato. La edición es fluida salvo en algunas escenas en que Hernán roba cámara. La edición de sonido es correcta. Los aspectos técnicos de la película son muy bien logrados, lo que muestra que Hernán sabe de su oficio, tiene que pulir sus guiones.

La secuencia inicial es una maravilla, de las tomas aéreas que nos muestra la ciudad hasta tomas terrestres que nos muestran el tránsito del tiempo y un San José urbano. Hay otros parajes que son mostrados en la película, pero la acción nunca sale de San José.

Hernán quiso hacer una película a lo Woody Allen, pero quiso abarcar tanto que no pudo y cayó en estereotipos. NO es un reflejo de Costa Rica, es la visión de San José de un chico de clase media-alta. Si Woody Allen retrata un Nueva York, Scorsese retrata otro. Misma ciudad, diferente visión.

Hernán buscó representar un San José urbano, pero sus personajes no son urbanos. No hay personajes de clase baja, son vistos como parte del decorado de la ciudad lo que refleja no un lente crítico, sino un lente estereotipado. Antonio es un hombre que escapa a Nueva York y vive allá 9 años, lo asaltan y no tiene apuros económicos. César es un hombre que simplemente renuncia a su trabajo y se dedica a tocar música. Monserrat es una falsa desempleada, no tiene apuros económicos. Las casas (de Antonio y Sofía) son grandes y con jardines amplios, no son las de una familia pobre.

El personaje de Antonio falla en representar su hastío por el país. Él no se siente sofocado por el país, porque no lo entiende, no lo vive, se siente sofocado por su familia, pero eso no queda claro en el relato y es un fallo. Él no es un personaje urbano y ahí la película carece de credibilidad.

Como una lectora me dijo, no podía creer que fuera tan ingenuo (Antonio). Y es cierto, vive en Nueva York y ¿allá no se sentía sofocado?, ¿no había basura allá?, ¿no era tratado como inmigrante allá? No maduró nada en casi diez años.

La película es una crítica al desempleo, la inseguridad ciudadana, la falta de comunicación en la familia, la desintegración familiar, lo caótico de San José, entre otras cosas. Pero es una crítica vacía, el personaje que critica ni siquiera vive en el país. Como dije antes es como un ensayo sin bibliografía. Al final la película termina de la manera más estúpida, Hernán Jiménez no sabe cómo terminar una película. Aún así, les garantizo que si la ven se van a reír (principalmente si viven en Costa Rica o si han vivido) porque hay aspectos costumbristas que en algún momento hemos experimentado y eso nos hace reír. Pero al llegar a la parada de buses la broma ya se olvidó. Para terminar comparto con un crítico de cine costarricense en que el afiche de la película puede ser de los peores de la historia del cine, simplemente horrendo.

Les dejo el avance de la película y el "Detrás de cámara". A pesar de esta crítica, esta es de las películas costarricenses más decentes, los aspectos técnicos son muy buenos, sin duda Hernán Jiménez tiene talento y va seguir haciendo un cine decente. Creo que este tipo de esfuerzo vale la pena respaldarlo, mientras quedaré a la espera de alguien que se atreva a pensar diferente, que no haga un cine tierno, sino que haga pensar, que te marque. Todas las artes (y el cine es un arte) necesitan una ruptura en concepto, técnica y temática para poder avanzar y crecer.



Ganadores Festival Venecia 2011

Saludos a todos. El pasado 10 de setiembre culminó la 68° versión de La Biennale di Venezia. Ya les había adelantado las películas en competición, por lo que ahora vamos a revisar los ganadores.

El LEON DE ORO a mejor película se lo llevó Fausto de Aleksander Sokurov (Rusia).


La película es una adaptación libre de la leyenda de Fausto y de la obra literaria de Goethe (Fausto) y Thomas Mann (Doctor Fausto) ubicada en el siglo XIX. Sokurov es un gran director del nuevo cine ruso, su obra más conocida es La arca rusa (2002)

El LEON DE PLATA a mejor director recayó en Shangjun Cai por su película Ren Shan Ren Hai (People mountain, people sea). Obra de Hong Kong - China.



Shangjun es un cineasta chino que lleva dos películas como director. Sus trabajos anteriores han sido como guionista. Su trabajo más importante fue el de co-guionista de la celebrada El Baño (1999) de Zhang Yang.

El PREMIO ESPECIAL DEL JURADO fue para Terraferma de Emanuele Crialese (Italia).


La COPPA VOLPI a mejor actriz es de Deani Yip por su papel en Tao Jie (Una vida simple) de Ann Hui (Hong Kong - China)

Y la COPPA VOLPI a mejor actor le pertenece a Michael Fassbender por la película Shame (Vergüenza) de Steve McQueen (Reino Unido)



El Premio Marcello Mastroianni al mejor talento joven es para Shôta Sometani (actor) y Fumi Nikaidô (actriz) por la película Himizu de Sion Sono (Japón). 


El premio a mejor Cinematografía fue para Robbie Ryan por la película Cumbres borrascosas de Andrea Arnold (Reino Unido).

El premio al mejor guión fue para Yorgos Lanthimos y Efthimis Filippou por la película Alpes de Yorgos Lanthimos (Grecia).

El LEON DEL FUTURO Premio "Luigi De Laurentis" a mejor Opera Prima fue para Là-bas de Guido Lombardi (Italia). Premio otorgado en la Semana de la Crítica Internacional.

El PREMIO HORIZONTES (largometraje) fue para Kotoko de Shinya Tsukamoto (Japón)

Y el premio especial del jurado Horizontes (largometraje) fue para Whore's glory de Michael Glawogger (Austria - Alemania)

El premio Horizontes (mediometraje) fue para Accidentes gloriosos de Mauro Andrizzi y Marcus Lindeen (Suecia, Dinamarca y Alemania)
El premio Horizontes (cortometraje) fue para In attesa dell'avvento de Felice D'Agostino y Arturo Lavorato (Italia)

Mención Especial para El Orador de Tusi Tamasese (Nueva Zelanda - Samoa)
Mención Especial para All the lines flow out de Charles Lim Yi Yong (Singapure)

El Leon de Oro para los logros de una vida fue para Marco Bellocchio

Espero poder ver algunas de estas películas y poder comentárselas luego.

martes, 6 de septiembre de 2011

Jinete de ballenas



Título original: Whale Rider. Nueva Zelanda (2002). Color
Directora: Niki Caro
Productores: John Barnett, Frank Hübner y Tim Sanders
Guión: Niki Caro basada en la novela homónima de Witi Ihimaera
Cinematografía: Leon Narbey
Montaje: David Coulson
Música: Lisa Gerrard

Intérpretes:
Keisha Castle-Hughes (Paikea Apirana)
Rawiri Paratene (Koro Apirana)
Vicky Haughton (Nanny Flowers)
Cliff Curtis (Porourangi)
Grant Roa (Rawiri Apirana)

Premios:

BAFTA: Children’s Award mejor película
Asociación de Críticos de Chicago: Mejor talento a futuro
Sundance: Premio Humanitas (Directora) y Premio de la Audiencia
Premio neozelandeses de cine y televisión: Mejor actriz, directora, película, actores de reparto, guión, música, vestuario)
Festival Internacional de Cine de Sao Paulo: Premio del Jurado Internacional (directora)

San Sebastián: Nominada a la Concha de Oro
Oscar: Nominación a mejor actriz (Keisha)

Ubicada en el puesto 38 en la lista de las 50 películas que hay que ver a los 14 años por el Instituto de Cine Británico.

Fue la primera película financiada por el Fondo Neozelandés para el Cine (creado en el año 2000), también contó con financiación de Alemania.

Esta película es hermosa visualmente, tiene una fortaleza visual que nos mete de lleno en la historia. El resto de apartados técnicos no se quedan atrás. La edición de la película es precisa, dando un ritmo adecuado a cada escena. La música es excelente, la compositora Lisa Gerrard (ganadora de un globo de oro por su trabajo en Gladiador) supo imprimirle a la historia el equilibrio entre el dramatismo y lo lúdico. Esto porque la película usa muchas metáforas para referirse a la mitología maorí de las ballenas y que marcan las tradiciones del pueblo.

El peso actoral recae en la joven Keisha (Paikea) y Rawiri (abuelo Koro). Nieta y abuelo representan la polaridad del choque generacional, además de lucha de género. Keisha es la persona más joven en la historia en ser nominada al Oscar, filmó cuando tenía doce años y recibió la nominación a los 13.




Como dato curioso la directora de casting, Diana Rowan, eligió a Keisha de entre diez mil aspirantes, y fue la misma que eligió a Anna Paquin para la película El piano (1993), que curiosamente también fue filmada en Nueva Zelanda en la costa Oeste, mientras que Jinete de Ballenas se filmó en la costa Este de la Isla del Norte, en la locación de Whangara.

La convincente actuación de Keisha hace que la película sea un testimonio de la vida y tradiciones de los maoríes en la actualidad, enfrentados al reto de no perder su cultura ancestral ante la modernidad, en esto, la directora usa las escenas de los niños, mientras Keisha camina a la escuela cantando canciones maoríes, sus compañeros escuchan música moderna. También se da el contraste en el vestuario, ropa contemporánea versus atuendos tradicionales. La música no está exenta, por ejemplo, el padre de Paikea, regresa de Europa con otra mentalidad, ha madurado, pero usa su pasado cultural para hacer arte, escucha música con matices electrónicos y sintetizadores, está muy alejado (no solo en lo físico sino en lo afectivo) con su hija, quien solo tiene oídos para “escuchar” el llamado de las ballenas.

El guión de Caro es fundamental para que la historia trascienda las fronteras neozelandesas; hace que la historia sea universal conservando los aspectos típicos de la cultura maorí. Se trata de una película centrada en el liderazgo y matizada por el choque que provoca Paikea al patriarcado representado en su abuelo. Acá tenemos una película que es obligatoria para analizar y ejemplificar situaciones de género, discriminación y sexismo. Así como las alternativas y la lucha desde lo femenino, Paikea convencida de que las tradiciones no son simples cuentos, descubre la forma de revitalizar la cadena de liderazgo, posicionando a la mujer a base de esfuerzo, coraje y dedicación en el lugar predominante del pueblo. 

Tampoco caigan en el error de creer que la película muestra unos aborígenes con taparrabo. Los personajes viven en un pueblo con todas las comodidades modernas, pero también observamos vestigios ancestrales, como la edificación donde entrenan los jóvenes, con figuras totémicas tradicionales. La canoa que aparece en varias escenas y al final de la película fue construida para la película, mide poco más de 18 metros y tras la conclusión del rodaje, el equipo de producción decidió regalar la canoa a los habitantes de Whangara.

Aprovecho para decirles que los extras usados son pobladores de Whangara lo que refleja una identificación total con el proyecto, y además imprime una fortaleza a la película en escenas claves como las danzas y las escenas en la playa, entre otras.


El patriarcado representado por el abuelo Koro está presente en todo el relato, simboliza el sesgo machista que impide el desarrollo de los maoríes, la película no plantea la tesis de olvidar las tradiciones, sino que estas deben cambiar de mando y Paikea es quien simboliza este cambio. Uno más integrador, alguien cuya pasión ha hecho que aprenda las tradiciones y cuyo carácter ha sido forjado con una dureza extra, no solo tiene que superar el duro entrenamiento maorí, sino que tiene que vencer las adversidades de ser mujer en un mundo que las discrimina.

Dos pasajes que son muy representativos son los que muestran la enseñanza del abuelo Koro sobre la unión, simbolizada por la cuerda. Paikea aprende una doble lección: la unión da fortaleza, pero también aprende que por su situación de mujer le va a ser más difícil lograr su sueño. En otra escena, la cuerda se rompe (por la ballena) indicando que la unión es importante, pero que el liderazgo debe ir cambiando, como en la vida, las nuevas generaciones deben asumir el control no solo de sus propias vidas, sino que deben preservar la cultura de la que provienen.

Como dije antes, la adaptación cinematográfica fue hecha por Niki Caro, quien tuvo que hacer una prueba de guión para ser elegida como la directora. Entre los cambios que hizo en el guión, el más significativo fue cambiar el narrador de la historia. En el libro de Witi Ihimaera el narrador era el personaje de Rawiri (tío de la niña), mientras que en la película es Paikea. El nombre de la protagonista también es diferente en la novela no es Paikea (nombre de la ballena legendaria) sino que es Kahu (abreviación de Kahuita Te Rangi). Estos cambios tienen más influencia a nivel del lenguaje cinematográfica, además de mostrar una visión femenina de la historia. Otro cambio menos significativo consiste en el objeto que la niña saca del mar, en la novela es una piedra y en la película un diente de ballena.

La actitud de los hombres protagonistas refleja el androcentrismo de las sociedades y pueblos a lo largo de la historia, es algo que se repite sistemáticamente. El padre de Paikea sufre la imposición de ser el primogénito, ante la muerte de su esposa es víctima del rechazo y recriminación de su padre (Koro); pero esto no quita el hecho de que abandonara a su hija. A los años regresa y simplemente quiere llevársela, no entiende el mundo de su hija ni intenta hacerlo. Es un vicio sexista de su parte.

Niki Caro ha buscado rescatar la figura de la mujer ante grandes dificultades sociales, así lo muestra también la película del 2007, North Country (interpretada por Charlize Theron) que trata sobre una mujer que denuncia el acoso laboral y sexual que recibió.

Sobre la novela, cabe destacar que el escritor se inspiró para escribir la historia, en una mañana en que desde la habitación del hotel donde se hospedaba observó a unas ballenas francas en el río Hudson, e influenciado por sus niñas escribe una historia que retratara su pueblo natal (Whangara) y en el que una mujer fuese la heroína.

Les dejo el tráiler de la película


También unos vídeos e imágenes del equipo nacional de Nueva Zelanda de rugby. El rugby es el deporte principal de este país, el sobrenombre del equipo es el de All Blacks. La característica principal de este equipo es realizar el HAKA (danza tradicional maorí) antes de cada partido. Aprovecho para decirles que el HAKA o variaciones también son representadas por los habitantes de Samoa, Tonga, Fiji e Isla de Pascua. Es un ejemplo en el que podemos observar la influencia de las tradiciones maoríes en la actualidad. Se puede apreciar el honor del capitán en dirigir la danza y el orgullo de los jugadores al ponerse en contacto con sus ancestros. Llama también la atención el respeto de los rivales deportivos al presenciar la danza y también el del público. Por ejemplo, en uno de los videos podemos ver el respeto (y un poco de miedo) de los franceses ante el HAKA. En otro video, se muestra la utilización que hace una marca deportiva del tradicional HAKA para promocionar su producto.

 Haka representado por mujeres y hombres en la Bahía Plenty, 1904

Ilustración de un Haka del siglo XIX








Ahora les dejo la letra del HAKA KA MATE, que es la HAKA oficial de acuerdo con la Federación de Rugby de Nueva Zelanda



Taringa whakarongo
kia rite! kia rite!
kia mau, hi!
Tinga ringa pakia
Waewae takahia kia kino nei hoki
kia kino nei hoki
Ka mate! Ka mate! Ka ora! Ka ora!¡Muero! ¡Muero! ¡Vivo! ¡Vivo!
Ka mate! Ka mate! Ka ora! Ka ora!¡Muero! ¡Muero! ¡Vivo! ¡Vivo!
Tenei te tangata puhuru huruEste es el hombre peludo*
Nana nei i tiki maiQue trajo el Sol
Whakawhiti te raY lo hizo brillar de nuevo
A upa....ne! Ka upa...ne!¡Un paso hacia arriba! ¡Otro paso hacia arriba!
A upane kaupane whiti te ra!¡Un paso hacia arriba, Otro hacia arriba....el Sol brilla!
Hi!

  • En la tradición maorí, el hombre peludo equivale a hombre valiente


Este otro HAKA es conocido como KAPA O PANGO, es más agresivo. Fue estrenado el 28 de agosto del 2005, fue escrito por Derek Lardelli del clan maorí de los Ngati Porou


"Kapa o Pango"
Kapa o Pango kia whakawhenua au i ahau!All Blacks, dejame ser uno con la tierra
Hī aue, hī!
Ko Aotearoa e ngunguru nei!Esta es mi tierra, que vibraa
Au, au, aue hā!¡Es mi hora! ¡Mi momento!
Ko Kapa o Pango e ngunguru nei!Esto nos define como All Blacks
Au, au, aue hā!¡Es mi hora! ¡Mi momento!
I āhahā!
Ka tū te ihiihiNuestro dominio,
Ka tū te wanawanaNuestra supremacía triunfará.
Ki runga ki te rangi e tū iho nei, tū iho nei, hī!Y llegará a lo más alto.
Ponga rā!¡Helecho Plateado!
Kapa o Pango, aue hī!¡All Blacks!
Ponga rā!¡Helecho Plateado!
Kapa o Pango, aue hī, hā!¡All Blacks!