domingo, 24 de abril de 2011

The Complete Metropolis




Ficha técnica:

Título original: Metropolis. Alemania (1927). 148 min. B/N
Dirección: Fritz Lang
Productor: Erich Pommer
Cinematografía: Karl Freund, Günther Rittau, Walter Ruttmann
Guión: Thea von Harbou, Fritz Lang
Música: Gottfried Huppertz. La Orquesta Sinfónica de Rundfunk conducida por Frank Strobel volvió a grabar la música original para la versión completa (2010)

Intérpretes
Alfred Abdel
Brigitte Helm
Gustav Fröhlich
Rudolf Klein-Rogge

La restauración estuvo a cargo de la Fundación Friedrich-Wilhelm-Murnau y es distribuida por Kino Internacional. 

Quería hacer de esta película mi primera reseña, dado que un objetivo de este blog es comentar cine clásico, sin embargo, por razones de tiempo no había podido hacerlo. Pero ahora puedo hablarles de la versión recién editada que incluye un metraje que se consideraba perdido y que se re-estrenó en la pasada 60ª Berlinale. 

Primero, hablar de la película. Metrópolis es de las películas que más me han impactado en la vida, me parece extraordinaria toda su concepción. Es de esas películas que me convirtieron en un amante del cine. Y por fin pude ver la versión casi completa que más se acerca a la original de 153 minutos. 

Vamos por partes. A nivel de actuación algunos podrán decir que es algo ingenua, muy teatral; esto último es cierto, recuerden que la película se filmó entre mayo de 1925 y agosto de 1926, se estrenó en enero de 1927 en Alemania (aunque por poco tiempo), y para entonces el cine estaba todavía configurándose, explorando sus alcances. D. W. Griffith ya había aportado el lenguaje cinematográfico y los suecos habían logrado el esplendor artístico. Era el turno de los alemanes. La UFA (el Estudio más importante de Alemania), contaba con grandes talentos como Lang, Murnau y Pabst, quienes llevaron el cine alemán a tener un reconocimiento universal, incluso muchas de sus películas son consideradas en la actualidad joyas cinematográficas. Sin ir más lejos, Metrópolis fue la primera película en ser considerada Memoria del Mundo por la Unesco, Programa que busca la preservación del patrimonio histórico documental de mayor relevancia a nivel mundial. 

Volviendo a las actuaciones y entendiendo el período en que se realizó la filmación, podemos ser más objetivos en la crítica. La actuación de Brigitte Helm, quien con solo 16 años dotó a su personaje de una vitalidad fantástica, pudiendo registrar distintos niveles de emoción y transmitirlos al espectador; me parece la mejor de todas, es maravilloso verla en roles tan complejos como la Humana-María y la Robot-María. El segundo personaje que más me gusta es el del científico Rotwang, maravillosamente interpretado por Rudolf Klein-Rogge. Es un personaje retorcido, trabaja para el líder de Metrópolis, pero también tiene su propia agenda y planea una venganza total contra todos los habitantes de la ciudad. Está embriagado con la cólera y el poder. Los otros personajes son sólidos, permiten encontrar un trasfondo dramático a una película de ciencia ficción dotándole de una vitalidad reconocida hasta nuestros días. Es una lástima cómo se hacen malas películas de ciencia ficción trivializando sus historias y no explotando el sentido existencialista del ser humano. Por otra parte, también es una lástima que muchos críticos estén cegados a los logros técnicos y artísticos de joyas cinematográficas de la ciencia ficción; género que por lo general no cuenta con el reconocimiento de la crítica. Por esto es más valioso el trabajo realizado por Lang y su equipo. No crean que la aceptación de Metrópolis fue unánime. Al contrario, tras su corta exhibición en Alemania, la película no generó las expectativas económicas que se esperaban. Costó cerca de 5 millones de Marcos Imperiales (moneda alemana de la época) y recaudó apenas 75 mil Marcos Imperiales. Razón por la cual, la película fue cortada y editada sin el más mínimo respeto o sentido artístico, sólo para comercializarla internacionalmente y también para ser reestrenada en Alemania. 

La música de la película es alucinante, lo mantiene a uno vibrando, expectante a la siguiente escena, la siguiente acción; logra conmover y angustiar, Gottfried hizo una obra maestra. La música es un recuento del siglo 19, pero desde el punto de vista dramático estaba adelantada a la época según lo explica Frank Sorber “namely because it develpos a dramatic work of art that goes far beyond the cinematic norm of the time”, quien dirigió la Orquestra Sinfónica de Rundfunk a cargo de la nueva grabación de la banda sonora. La música original sirvió para la sincronización de las escenas, puesto que daban una idea de las pausas y del tiempo en el montaje; pero la música tenía que volverse a grabar para adicionarla a las partes perdidas. 

Los diseños de vestuario, maquillaje y escenografía son absolutamente delirantes, si la música logró “adelantarse” a la época, los logros artísticos de la película no se quedan atrás. Metrópolis es la suma de pequeños detalles que hacen una Obra Maestra; por ejemplo, en el diseño de los rascacielos en los que se ven los autos moverse por autopistas futuristas, mientras aviones hacen lo propio, esa escena que dura 18 segundos en pantalla, tardó en filmarse 8 días. Así de meticulosa fue esta creación. Los trajes de los personajes están llenos de detalles que acentúan los rasgos de personalidad (es para agradecer el diseño de vestuario a cargo de Aenne Willkomm); sin olvidar el maravilloso trabajo de maquillaje que permite profundizar en las emociones humanas y brinda al espectador una gama de emociones con las que puede identificarse, sea porque le agradan o porque le resultan repulsivas. A la par del diseño de las maquetas y la visión arquitectónica (trabajo de Walter Schultze-Mittendorf) de la ciudad (copiada en muchas películas del mismo corte futurista como Blade Runner) están los detalles del resto de la escenografía. Las puertas, adornos, lámparas, fuentes, paredes, todo lleno de diseños expresionistas que cobran vida en la película y sentimos que son un personaje más. Si los cineastas suecos utilizaron los elementos de la naturaleza para reflejar el estado de ánimo de los personajes, Metrópolis posibilita al arte expresionista pasar de lo metafórico a lo ¿real?, por lo menos esa era parte de la controversia que pretendía la película. Logra plasmar en los decorados la angustia de los personajes, la esperanza, el fatalismo, la armonía, todo dentro del arte expresionista que los alemanes lograron ensalzar como nadie lo había (o ha) hecho. La arquitectura está influenciada más por la corriente modernista o Art Decó que por el expresionismo, sin embargo, esto brinda un carácter futurista único a la película, y tal vez sea por esto por lo que sigue teniendo gran aceptación en la actualidad. 

Metrópolis es pionera en mostrarnos el estilo Raygun Gothic de diseño para las películas de ciencia ficción; tal vez este estilo sea más conocido en las películas de Frankenstein (laboratorio). En este estilo predominan los ángulos agudos, las sombras y vigas con soporte sencillo. Da una apariencia de un futuro retro, aunque sea paradójico, es muy efectivo y sigue siendo usado. 

Metrópolis también es reconocida por sus logros técnicos. La utilización de efectos especiales, ángulos de cámara y técnicas innovadoras. Lang filmó las escenas desde diferentes ángulos con diferentes cámaras para poder tener una mayor gama de tomas para escoger el montaje final. Tal vez el logro técnico más importante sea el creado por Eugen Schüfftan, conocido como el proceso Schüfftan, mediante el cual los actores son “colocados” por medio de espejos en los sets miniatura. Sin embargo, la imagen que ha pasado al imaginario colectivo es la de la transformación de la Maschinenmensch (en la versión 2010 la llaman Machine-man; aunque se refiere a la humanidad y no al hombre). El robot es una creación de Walter Schultze-Mittendorf y fue interpretada por la misma Brigitte Helm, quien sufrió cortes al ponerse el traje; tal era la exigencia de Fritz Lang. Se dice que la figura del robot se inspiró en una escultura abstracta.



Finalmente, hablemos del guión. La historia es creación de la entonces esposa de Lang, Thea von Harbou quien insistía en la idea central del relato: el corazón es la llave que une la cabeza y la mano, haciendo referencia a las clases sociales (aristócratas y obreros) así como al concepto de Capital y Mano de obra. La historia me parece muy buena, no es algo novedoso, se apoya en la literatura de ciencia ficción; pero su gran logro es haberla hecho en ese tiempo. Me agrada ver la importancia del personaje femenino en el relato (en sus ambivalencias, la que salva a los niños o la que incita el caos) y la crítica que hace de la modernidad y la tecnología erigiéndose como un llamado de atención a los excesos tecnológicos. La historia está bien contada, la nueva versión permite entender mejor la historia y profundiza en la historia de los personajes; salvo unos 5 a 8 minutos que se consideran perdidos, la película se puede apreciar tal como la concibieron. Unos intertítulos explicativos nos brindan la información necesaria para comprender lo sucedido en esos minutos faltantes. En 1971 Lang explica que la idea del corazón como mediador entre la cabeza y la mano era de su ex-esposa y él opinó: “I found that one cannot answer a sociological question in this fashion”; sin embargo, luego se retractó.

Hay curiosidades y simbolismos que no quiero pasar por alto. Primero hablar del Dios Moloch que aparece al inicio de la película. Cuando Freder sigue a María a las partes subterráneas de la ciudad y encuentra a los obreros, observa cómo estos sufren un accidente de la máquina principal (representación de la mano, la fuerza laboral), entonces, ve la transformación de la máquina en Moloch, también conocido como Baal. Esta divinidad era adorada por los fenicios, cartagineses y cananitas; simboliza el fuego purificante (Espíritu) y es el equivalente al Cronos griego o el Saturno romano. El mito dice que Moloch se convirtió en oscuridad al convertirse en materia y que la raza humana era la encarnación de esa transformación, razón por la cual era necesario ofrecer sacrificios humanos, principalmente niños (por tener más materia; los adultos se supone desarrollaban el espíritu), a Moloch. Este Dios es representado con cabeza de carnero o becerro (no les recuerda cierta imagen bíblica… cuando Moisés baja de la montaña con las tablas y encuentra una fiesta en la que alaban a un inocente becerro como dios. ¡Qué buena propaganda de desprestigio divino por parte del cristianismo!), sentado en un trono y con algún distintivo de realeza (corona o báculo principalmente). Si se quiere se puede entender la escena de Moloch como una premonición del holocausto; cuando los obreros marchan hacia las fauces para ser devorados, además da la impresión que son calcinados en el fuego de Moloch. Hay una anécdota-mito que cuenta que un judío mientras caminaba a las cámaras de gas, observa las filas y se dirige a un compañero y le dice ¿has visto Metrópolis? 




Otro simbolismo es el de la Torre de Babel, el Zigurat más famoso (templos en forma de torre escalonada). Aunque en la película el mito es cambiado. Hay varias versiones del mito, pero la principal refiere que los descendientes de Noé al llegar a la tierra de Senaar quisieron construir una ciudad con una torre que alcanzase los cielos para hacerse famosos, entonces dios intervino confundiendo el lenguaje para que no se pudieran comunicar, por lo que la torre no fue terminada y la raza de Noé se dividió en setenta. (Más información en Graves y Patai (2000). Los mitos hebreos. Madrid: Editorial Alianza). En Metrópolis el simbolismo de Babel es más como el lugar de encuentro de los marginados; en las profundidades se encuentran Freder y María (clara alusión cristiana), además de que ella profetiza la llegada de un salvador (Freder); quien es el mediador (corazón) entre la cabeza y la mano. 

Las particulares escenas en las que se muestra la fuerza trabajadora son geniales; rara vez les vemos el rostro a los obreros, son “máquinas” humanas, sus movimientos coreografiados nos dan a entender la monotonía del trabajo y lo determinante del destino. Son sacrificios que la superficie hace a Moloch, son piezas reemplazables de un engranaje; sin embargo son el motor que hace que la ciudad funcione; por eso el plan de Rotwang de destruir la máquina principal manipulando a los obreros a través de su robot (que ha adoptado la imagen de María). Como nota curiosa, estas escenas de los obreros han inspirado la cultura pop, les dejo los videos de Express Yourself de Madonna (dirigido por David Fincher), El 7 de setiembre de Mecano, Radio Ga Ga de Queen y We're in this together de Nine inch Nails. También la influencia ha llegado a Oriente, la película de animación del 2001, Metropolis, dirigida por Rintaro basada en el manga de Osamu Tezuka, es un tributo y una reinterpretación de la versión original.






Sobre la restauración.

Basado en el documental Voyage to Metropolis de Artem Demenok y la entrevista que le hizo Rodrigo Brandão a Paula Félix-Didier (curadora del Museo del Cine en Argentina). 

La versión original se proyectó en enero de 1927 en Alemania, y fue retirada tras la poca emoción que causó la película, y debido al Contrato Paramount que había hecho la UFA. En 1925 la UFA recibió $4 millones de la Paramount a cambio de 75% de tiempo en los cines para películas de Paramount y MGM, además Paramount acordó dejarse 10 películas de la UFA por temporada para presentar en Estados Unidos. Tras el fracaso en Alemania, la versión original fue llevada a Estados Unidos donde fue editada y cortada por Channing Pollock (él fue el mutilador de Metrópolis!!!!!!!). Al regresar a Alemania, el negativo sufrió otro corte (aproximadamente de 30 minutos). Pollock dañó el negativo al usar varios químicos y cortar el metraje. Entre las razones por las que censuró la película fue que aparecía la palabra HEL (que representa a la mujer de Rotwang) por su parecido a la palabra en inglés Hell (infierno), y por lo tanto lo consideraba perturbador. 

Como dato curioso está que en la segunda presentación de la película en Alemania, entre los espectadores estaban Sergei Eisentein y Alfred Hitchcock. 

Cuando la película llegó a la Unión Soviética (1929) el Consejo de Censores Soviéticos pidió una explicación completa del porqué querían exhibir Metrópolis. Sin embargo, no fue aceptada por su contenido ideológico. Posteriormente fue revisada, reescrita y acortada, además incluyeron notas explicativas al inicio y final; pero en abril de 1929 la presentación en la Unión Soviética fue prohibida. 

Después de la II Guerra Mundial los soviéticos (Gosfilmofon) confiscaron varias películas, entre ellas Metrópolis. Los soviéticos encontraron 5 rollos de película, pero no podían exhibirla porque eran fragmentos, pero en 1961 en el archivo de cine de Checoslovaquia en Praga encontraron los otros rollos. Como resultado, salió un corte mejorado de la versión USA. En los ochenta los alemanes, a través de Enno Patalas (expresidente del Museo del Cine de Múnich) abrieron el diálogo para recuperar las películas; al final tuvieron que intercambiar películas alemanas nuevas por las viejas. Entre las películas que dieron a la Gosfilmofon iban obras de Fassbinder, Herzog y Kluge. Esto lo hicieron porque sabían que las versiones rusas estaban en mejor condición. Los alemanes descubrieron la existencia de varios fragmentos del negativo original y no sólo uno como creían. En 1972 presentaron una primera reconstrucción del filme pero no causó emoción. Más tarde en Suecia encontraron las tarjetas de censura originales del alemán hechas en 1926, con los intertítulos originales, esto permitió tener una idea del montaje que debía tener la restauración puesto que indicaban las secuencias originales de edición. 

En 1984 sale a la luz la versión de Giorgio Mororder, una versión extravagante y dirigida a un público joven. Entre los cambios que hizo destacan que incluyó color (a algunas escenas) y que usó una banda de sonido pop rock: Queen, Bonnie Tyler, entre otros. Pero también restauró varias partes de la película que se consideraban perdidas; esta versión dura alrededor de 90 minutos. Como efecto inmediato, resultó en el impacto al postmodernismo en Estados Unidos, generando una nueva ola de fans a la película e influyendo en las concepciones artísticas de la época. 

Por su parte en Alemania, de entre todos los negativos encontrados sacaron cuatro versiones: la versión corta de UFA, la versión confiscada en Moscú, la versión de Londres y otra de Australia. En 1987 se hace la premier de la reconstrucción de la Edición Múnich. 

Mientras todo esto ocurría en Estados Unidos y Europa, en Argentina se guardaba una copia casi completa de la película. Metrópolis fue estrenada allí en marzo de 1928, la llevó el distribuidor Alfredo Wilson a través de su compañía distribuidora Terra. El negativo fue obtenido por Manuel Peña Rodríguez, un coleccionista privado y crítico de cine para La Nación (periódico argentino); a su muerte la Colección Peña Rodríguez fue donada al Fondo Nacional para las Artes, pero en ese entonces no guardaban películas, razón por la cual el negativo se fue deteriorando. Además, como era de nitrato y no tenían las condiciones para guardar un material tan peligroso (es inflamable) decidieron hacer una copia en 16mm (no tenían equipo para pasarlo a 35mm). El trabajo final no quedó bien, recortaron varios intertítulos, rayaron y ensuciaron la copia. Después de mucho tiempo, en 1992, la Colección fue donada otra vez, ahora al Museo del Cine en Buenos Aires. Fernando Peña, titular del Museo en esa época y quien sospechaba que Metrópolis estaba en esa Colección debido a la anécdota que le contó un trabajador de un cine, este contó que nunca olvidaría esa película (Metrópolis) porque tuvo que tener el dedo apretando el botón de proyección por dos horas y media. A pesar de todo esto, Fernando no pudo tener acceso al metraje por 18 años, hasta que Paula Félix-Didier, curadora y quien dirigía el Museo en 2008 dio la autorización y encontraron el metraje. Tras hacer público el hallazgo la Fundación Friedrich-Wilhelm-Murnau compró los derechos para poder hacer la restauración. La Versión Completa se presentó en la apertura de la 60ª Berlinale y en noviembre de 2010 Kino International la editó en DVD y BLURAY.


 

lunes, 18 de abril de 2011

Ciclo de cine gratuito

Saludos, les informo que el próximo 30 de abril iniciará en Desamparados la presentación de películas a través de los Ciclos de Cine Temáticos. Las presentaciones serán los días sábados en el Museo García Monge (casa de adobe, costado norte del parque de Desamparados) y se iniciará a las 3pm;. Lo más importante la entrada es TOTALMENTE GRATUITA.

El primer ciclo se titula "La locura de vivir" y pretende jugar con la idea de la locura; las películas nos presentan personajes que tratan de existir de manera libre, ajenos a la presión que significa una sociedad estructurada y que no permite ser diferente; en cambio, sofoca a quien busque ser auténtico y salirse de la masa.

Las películas que se exhibirán son:



Sábado 30 de abril. La chica del puente

Sinopsis

¿Cómo evitar que una chica se suicide? Le ofreces un empleo… eso sí no cualquier empleo. Gabor (Daniel Auteuil) le ofrece a Adèle (Vanessa Paradis) ser el blanco para su espectáculo circense de lanzamientos de cuchillos. Ambos emprenden un viaje sin guión por la vida y la muerte en esta exquisita comedia romántica.

Ficha técnica

Título en español: La chica del puente
Director: Patrice Leconte
País: Francia
Duración: 90 minutos




Sábado 7 de mayo. Wilbur se quiere matar


Sinopsis

Tras heredar la vieja librería de su padre, dos hermanos, Harbour (optimista irremediable) y Wilbur (pesimista empedernido) buscarán encontrar un sentido a su vida. Y tal vez tener una familia, si no es que Wilbur decide suicidarse primero…

Ficha técnica

Título en español: Dos hermanos / Wilbur se quiere suicidar
Directora: Lone Scherfig
País: Dinamarca – Inglaterra
Duración: 106 minutos 





Sábado 14 de mayo. Betty Blue

Sinopsis

Levantarse, desayunar, ir al trabajo…. rutina que Betty aborrece, ella lucha obsesivamente por ser libre junto a su amado Zorg y librarse del hastío. Podrán la voluntad de él y la pasión de ella ser suficientes para no sucumbir al tedio…

Ficha técnica

Título en español: Betty Blue
Director: Jean-Jacques Beineix
País: Francia
Duración: 120 minutos



  

Sábado 21 de mayo. El resultado del amor


Sinopsis

Vivir es una locura, pero hacerlo a tu manera sin importar las convenciones sociales es impensable. Cómo sino, imaginarse que la protagonista sea prostituta y payasa. Surrealista, poética y con un lenguaje metafórico, los personajes cautivan por su sinceridad escénica.

Ficha técnica

Director: Eliseo Subiela
País: Argentina
Duración: 94 minutos




Todas las películas se presentarán en su idioma original y con subtítulos en español.
Para más información pueden contactarme al correo que aparece en mi perfil o pueden llamar a la Oficina de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Desamparados 2259-2905 (cerrada durante la semana santa)

Quiero agradecerles a Rafa y a Marianela de la Municipalidad el apoyo y la colaboración que me han dado para que este proyecto se pueda volver realidad. Gracias.

sábado, 9 de abril de 2011

Los ojos de Julia




Ficha técnica:

Título original: Los ojos de Julia. España (2010). 112 min. Color.
Dirección: Guillem Morales
Productores: Joaquín Padró, Guillermo del Toro, Mar Targarona
Cinematografía: Óscar Faura
Montaje: Joan Manel Vilaseca
Guión: Guillem Morales, Oriol Paulo
Música: Fernando Velázquez

Intérpretes: Belén Rueda, Lluís Homar, Pablo Derqui, Francesc Orella

En el mejor estilo del cine de suspenso, una película muy agradable de ver y para pasar más que bien. La manera en que el director usa la tensión psicológica para meternos de lleno en la trama es digna de alabar. Tenía mucho tiempo de no sentirme tan "atrapado" por una película de suspenso.

Este es el mejor ejemplo de cómo se puede hacer una película bastante interesante sin la necesidad de matar a alguien cada 5 minutos o peor, de agotar toda la sangre falsa que tenga un estudio sólo para impresionar a cabezas huecas.

El guión es bastante sólido, Julia presiente que algo fatal le ha ocurrido a su hermana gemela Sara (ambas interpretadas por una agradable interpretación de Belén Rueda, a ratos un poco exagerada, pero en términos generales muy bien); cuando llega a casa de esta última confirma sus sospechas, Sara está muerta. Julia sospecha de inmediato que alguien mató a su hermana y se avoca a resolver el misterio, junto con la ayuda de su esposo.

Las dos hermanas tienen una enfermedad degenerativa en los ojos que les provoca ceguera, los momentos de extrema ansiedad y tensión apura el proceso de volverse ciegas. Este aspecto hace que el director y el cinematógrafo jueguen con lo que vemos en la pantalla, en ocasiones tenemos la misma perspectiva que Julia, principalmente en los momentos de persecución, lo que logra aumentar la propia tensión en el espectador. En otras tomas, parece que somos un observador testigo, ¿acaso el asesino?

La cámara siempre está inquieta, algo importante en este género para poder mantener la espectativa al máximo. La iluminación está bien lograda, efectiva para sus propósitos: mostrarnos sólo lo esencialmente necesario. Esta característica hace que uno se meta de lleno en la película tratando de adivinar quién es el asesino. El guión juega con nosotros y nos propone un asesino sobrenatural o uno real, a mi gusto la incógnita la revelan muy rápido, se podía extender el efecto. Me pareció que la película se extendió un poco, en ocasiones las acciones son algo reiterativas y eso cansaba; además, en dos ocasiones creí que la película terminaba y no... había más. Salvo estos detalles, es una película muy bien lograda.

El thriller psicológico es un género que está en boga ahora, pero que no es nuevo en el cine. Los ojos de Julia tiene elementos que explota de manera muy convincente. La ceguera es el más obvio, cómo nos sentiríamos si nos dicen que en unos días vamos a perder la vista... o ¿podríamos permanecer sin abrir los ojos ni quitarnos el vendaje para recuperar nuestra vista, aún con el presentimiento de que alguien nos quiere matar?

Los escenarios son variados, la casa de Sara, la ciudad misma, casas de otros personajes (el elenco completo es fabuloso, los actores de reparto dan la talla de manera fantástica aunque sea una pequeña escena), entre otros.

En el plano psicológico, las incertidumbres, miedos y paranoia juegan un papel esencial para que la historia sea factible, más allá de ciertas libertades que tiene el director, pero que se entienden a razón del filme.

Otros elementos son el de la traición, más cruel entre más cercano sea quien nos traiciona.... Y el de la paranoia, este último es típico en este género de cine.

Es una película que recomiendo, es muy inteligente, el suspenso es llevado de una manera elegante; si quieren ver asesinatos y sangre busquen otra cosa; pero si les gusta los misterios atrévanse a ver Los ojos de Julia


The Troll Hunter


Ficha técnica:

Título original: Trolljegeren. Noruega, 2010. 90 min. Color.
Dirección: André Øvredal
Productores: Marcus Brodersen, Sveinung Golimo
Cinematografía: Hallvard Bræin.
Montaje: Per-Erik Eriksen
Guión: André Øvredal

Intérpretes
Otto Jespersen
Hans Morten-Hansen
Tomas Alf Larsen
Johanna Mork



Una excelente idea llevada al cine. Pasar del folclor escandinavo de la literatura a un largometraje filmado como falso documental.

Tras unos ataques ocurridos en las montañas, los noticieros indican la culpabilidad de osos en estado salvaje. Unos estudiantes buscan entrevistar y filmar a un supuesto cazador de osos… sin sospechar que su documental tratará de desenmascarar una agencia secreta del gobierno noruego que oculta la existencia de troles (trolls) al mundo. 

Este cazador que pasa por un momento de duda sobre las verdaderas razones de su trabajo, accede a que los jóvenes le graben, eso sí, primero se cerciora de que no sean cristianos…

El ritmo de la película es muy bueno, el montaje le da un aire de suspenso genial y la música acompaña de manera adecuada y nos envuelve en una atmósfera de misterio. Muchos críticos la comparan con The Blair witch project. En mi opinión La Bruja de Blair es una película sobrevalorada, con un pésimo guión y extremadamente aburrida. En cambio, The troll hunter es una película que “refresca” el género de thrillers sobrenaturales; tiene elementos clásicos de este género y un fino sentido del humor (el actor principal es un reconocido actor de comedia en Noruega). Hay que ser más serios y no comparar el cine de otros países con el hecho en EE.UU. (Hollywood o independiente).

Conforme la trama avanza, nos damos cuenta de que los troles han existido desde siempre, que son bastante tontos y muy hambrientos. ¡Ah!... y que no soportan a los cristianos, el olor de su sangre los vuelve fieros asesinos. El grupo experimenta distintas aventuras en las que su vida peligra cada vez más. 

La fotografía sigue conceptos tradicionales del cine de suspenso por lo que la trama nos atrapa y facilita sentir la paranoia de los estudiantes sobre teorías de conspiración. Acá la película tiene un pequeño giro y el relato se estructura más críptico; ahora la paranoia está al servicio del relato. Se nos empieza a explicar cómo el gobierno ha ocultado la existencia de monstruos gigantescos durante años.

La película está filmada con cámara en mano, para representar mayor realismo de los eventos y genera un estado de excitación efectivo en las escenas de persecución. Muy buena la secuencia en la que cazador y estudiantes quedan encerrados en la cueva de los troles, una reinterpretación de la Odisea genial. Aunque la trama se puede volver predecible, las actuaciones son efectivas y mantienen la atención del espectador. El final de la película es bastante particular, vale la pena verlo.



Los trolls en la mitología escandinava.

Comte (1992) dice que los trolls “son espíritus malignos, enanos o gigantes, tocados con abetos. Viven en las montañas o en los bosques y se quedan normalmente bajo tierra. Encarnan las fuerzas misteriosas de la naturaleza”. (Comte, F. (1992). Las grandes figuras mitológicas. Madrid: Ediciones Del Prado)

Son seres fantásticos que los encontramos en el folclore de maneras diferentes, su nombre varía de acuerdo a la región: trolls, gnomos, Bigfoot, Sasquatch, ogros, trowes, etc.

El significado de la palabra trol se asocia con “sobrenatural” o “mágico”, pero no hay certeza del significado real. Hay dos tradiciones que distinguen lo que es un trol. Una en la que los troles son descendientes de los gigantes nórdicos (Jötnar), y son descritos como grandes, brutos, feos, con características animales; esta tradición es la más extendida, principalmente a través de los cuentos de hadas. Como se dijo anteriormente, depende de la región se les llama de forma diferente.

La segunda tradición es la del sur de Escandinavia, tienen forma más humana, en ocasiones se les describe con cola y suelen mantenerse invisibles. Un ejemplo sería Ysätters-Kajssa (trol del viento). Como es usual no verlos, solo se les escucha hablar o gritar, principalmente cuando buscaban el ganado para comer. Estos troles también podían cambiar de forma (troncos caídos o bolas de hilo rodantes).

A veces se les asocia con la pérdida de cosechas o ganado, se les atribuía también el rapto de personas (frecuentemente niños). En tiempos antiguos, las personas confiaban en Thor para que los protegiese; era usual la creencia de que las criaturas fantásticas temían al hierro y como Thor poseía el poder del Martillo, era quien los perseguía. Los restos del rayo que arrojaba con su Martillo eran encontrados en la tierra y usados como amuletos de protección, estos vestigios eran hachas de la Edad de Piedra. Page (1999) citando a Snorri explica: “Thor es el principal de los dioses… tiene tres propiedades valiosas. La primera es el Martillo Miollnir, al que los monstruos de la escarcha y los gigantes de la montaña reconocen en el momento en que es alzado. La segunda cosa espléndida que posee, su cinturón de fuerza; cuando se lo abrocha a su alrededor, su divino poder se dobla. La tercera cosa que tiene, que es de grandísimo valor, sus guantes de hierro. No debe estar sin ellos cuando blande su martillo”. (Page, R. (1999) Mitos Nórdicos. Madrid: Ediciones Akal).

Con la entrada del cristianismo a tierras escandinavas, el folclore se adaptó. Fue extendida la creencia de que si se usaba crucifijos o las campanas de las iglesias alejaban a los troles. Incluso sólo nombrar la palabra Cristo los alejaba. De aquí el porqué en la película los troles odian la sangre cristiana.

Los troles son parte de la mitología escandinava, pero están presentes no solo en relatos (orales o escritos) antiguos, sino que en la literatura moderna también. J. R. R. Tolkien los describe como humanoides grandes (3 mts.), fuertes y poco inteligentes; los clasifica entre troles de montaña, colinas, nieves, cuevas y de piedra. M. Ende, por su parte, los describe como criaturas en forma de árbol. El troll metal es una variante del black metal que usa los temas del folclor escandinavo como parte de sus letras.

La historia moderna nos permite distinguir orígenes etimológicos en los nombres de ciertas locaciones actuales como la ciudad sueca Trollhättan (capucha de trol) o la montaña Trollkyrka (iglesia de trol).

Les dejo la imagen de la pintura de Theodor Kittelsen "Trol deliberando sobre su edad" 




All Star Superman







Título original: All Star Superman. EE.UU., 2011, 76 min. Color.
Dirección: Sam Liu
Productores: Bruce Timm, Alan Burnett, Sam Register
Montaje: Margaret Hou
Guión: Dwayne McDuffie. Basada en la historia original de Grant Morrison
Música: Christopher Drake

Voces
James Denton (Kal-El, Clark Kent, Superman)
Christina Hendricks (Lois Lane)
Anthony LaPaglia (Lex Luthor).




DC Universe lanza su primera película animada del año… All star Superman, inspirada en la novela gráfica homónima escrita por Grant Morrison y dibujada por Frank Quitely.

Anteriormente, DC Universe se lució y no nos dejó respirar con: Superman/Batman Apocalypse, Public Enemies, Justice League Crisis in Two Earths, Batman under the Red Hood y las supremas Wonder Woman, Green Lantern First Flight y la mejor de todas Justice League the New Frontier.

En este caso le toca a Superman protagonizar su propia película. Enmarcado en el megaproyecto de DC y Warner de rescatar la franquicia de El Hombre del Mañana tras el fracaso de Superman Returns, esta película logra plasmar una nueva mirada al héroe.

A estas alturas estoy seguro que hay más personas en el mundo que saben el origen del Hombre de Acero que el del cristianismo. Pero, por si acaso lean la historia de Moisés y la de Kal-El…

Muchas historias se han escrito sobre Superman y hay pocas preguntas sobre su capacidad, sin embargo, sobresale una entre todas: ¿Superman puede morir?… Esta película nos adentra en esa posibilidad, nos muestra al Kriptoniano como un Dios entre los hombres, alguien que en sus ratos libres crea soles para alimentar a su mascota; quien sobrevuela el Sol como si fuese un lugar más, quien soporta el peso de objetos inimaginables…

La némesis no es más si no Lex Luthor; ¿alguien más para acabar con El Hombre del Mañana?, acá, Lex en su estado más megalomaníaco (excelente trabajo de LaPaglia al dotarle con su voz un aire mitológico a los enfrentamientos físicos y filosóficos contra Superman) hace el plan definitivo para acabar con su mayor obstáculo para hacerse con el mundo.

Otro punto vital en la historia es demostrar el lado humano del héroe, si bien Kal-El es el último de su especie (no olvido a Kandor, pero la ciudad está encerrada y ninguno de sus habitantes puede salir), Clark Kent es un típico hombre sin nada especial, torpe y menospreciado por todos.

La dimensión mitológica que tiene la película es un gran acierto, nos permite ver la grandiosidad de Superman y la visión patética que tiene Lois Lane y Lex Luthor de Clark Kent. Hace posible ver lo verdaderamente poderoso que es e incluso su vida más íntima y reflexiva. ¿Qué pasaría, entonces, si Superman estuviese por morir? ¿Qué haría en el tiempo que le queda? Para muchos es la mejor historia de Superman que se ha escrito y verla ahora es todo un lujo, simplemente no es posible perdérsela.

Aunque la película carece de un ritmo adecuado, las acciones se suceden de manera apresurada, la edición no fue la mejor. Según me han dicho, quienes sí han tenido la oportunidad de leer la novela gráfica, se omitieron detalles importantes de la historia. Por otro lado, la animación me agradó bastante. Hay que entender que DC Universe no está haciendo proyectos animados para exhibir en cines, sino que salen directo para el mercado casero, aún así está teniendo un éxito tremendo atendiendo las demandas de los fans. Principalmente, respetando la fidelidad de las historias originales de las novelas gráficas.

Hago un paréntesis para informar que el encargado de adaptar la novela de Morrison para la película Dwayne McDuffie murió el 21 de febrero de este año, tan solo un día antes del estreno de All Star Superman. Muchas gracias donde quiera que estés.

Les dejo el trailer de All Star Superman y de la próxima película de DC Universe Emerald Knights. Mientras esperamos el acontecimiento del año: Batman Año Uno.




Megamind Rocks!!!!





Título original: Megamind. EE.UU., 2010. 95 min. Color.
Dirección: Tom McGrath
Productores: Lara Breay, Denise Nolan, Ben Stiller, Stuart Cornfeld
Cinematografía: Phil “Captain 3D” McNally
Montaje: Michael Andrews
Guión: Alan J Schoolcraft, Brent Simons
Música: Hans Zimmer y Lorne Balfe

Voces: Will Ferrel (Megamind), Tina Fey (Roxanne Ritchie), Jonah Hill (Hal Stewart. Un homenaje a los Green Lantern Hal Jordan y John Stewart), David Cross (Minion) y Brad Pitt (Metro Man)

Nota: Aunque el doblaje en español es muy bueno y conserva el sarcasmo, la versión original en inglés es obligatoria para todo verdadero fan. No se pierdan los extras, muy entretenidos.


¡Gracias Dreamworks! Ante las empalagosas y lacrimógenas películas Disney, tenemos que agradecer las producciones de Dreamworks. Si no fuera por Pixar, Disney sería una fábrica oxidada y obsoleta de moralismos baratos. Parece que Dreamworks ha entendido algo que ya en Japón y en Europa han explotado por años, las películas de animación pueden tener un público adulto. Lamentablemente, en Costa Rica la gran mayoría sigue creyendo que una película animada es sólo para niños.

Primero fue Cómo entrenar a tu dragón, maravilloso despliegue técnico con un mensaje no sexista inaudito en la animación estadounidense. Ahora, es el turno de Megamente. Una delirante y graciosísima película que no necesariamente es para niños. Déjenme explicar, el diseño de personajes (la cara del villano tiene líneas curvas y no rectas, y ojos grandes) y la forma de su dibujo está hecho con el objetivo de vender cuanto juguete, camisa o combo se le antoje a los publicistas. Sin embargo, la historia en sí no es dirigida a niñatos, hay que tener cierta edad para poder entender todos los guiños cinéfilos, comiqueros y cultura pop que la película tiene.

Aclaro que la historia es muy divertida, tiene un par de giros muy buenos, pero el fuerte no es su guión. Este está inspirado en la historia de Kar-El y cómo se convirtió en Superman. El estilo de animación es bastante aceptable, pero inferior a la joya de Cómo entrenar a tu dragón. Entonces, ¿por qué les hablo de esta película? Porque es una delicia para los fanáticos freaks de la cultura pop del siglo XX, además, tiene un sentido del humor sarcástico exquisito. ADVERTENCIA: si no te gustan los comics, videojuegos ochenteros o las películas de James Bond no sigas leyendo. ¡Ah! Importante, y dejen sacar al roquero que tienen dentro….

Porque Megamente es una oda al Rock. Entre la música con que cuenta está: Ozzy Osbourne, AC/DC, Guns N’ Roses, Michael Jackson, George Thorogood and the Destroyers; sin olvidar la fabulosa participación de Hans Zimmer en el soundtrack. 

El giro a la historia de Kar-El contando la misma a través del villano, quien solo es bueno para hacer el mal, o tal vez ni para eso, pero que tiene un gran sentido de la moda y está enamorado de… de quién más, la reportera, que por cierto es más inteligente que villano y superhéroe juntos; sin olvidar que Megamind sabe la diferencia entre ser un villano y ser un Súper Villano. Una parodia de los comics de superhéroes que no subestima a los fans, les da justo lo que queremos; una historia de excesos que respeta los cánones y no trata de ser la quinta esencia.

Así, el buen villano tiene su guarida repleta de armas letales (al puro estilo de los villanos de las películas de 007); tiene un superhéroe que no le deja ganar ni una; un antihéroe que hace berrinche de adolescente; un ayudante y por supuesto una ciudad que idolatra a quien la salve.

Sea como parodia a Ernst Stavro Blofeld (villano en varias películas de Bond, lo recordarán por el gato blanco que tiene de mascota, al que Megamind imita cuando secuestra a Roxanne Ritchie) o de Marlon Brando (hilarante ocurrencia), entrenando a su antítesis como si se tratase de Don King Kong, aterrorizando la ciudad mientras suena Highway to Hell o caminando en una noche lluviosa con el corazón destrozado (sí la película está llena de clichés, pero son geniales), Megamente atrapa desde su simpleza y ganas de sobresalir, de ser tomado en cuenta, de retar el destino de los villanos y tratar de quedarse con la chica y que esta quiera quedarse con él. Por cierto, no se extrañan que no les hable del Gran Héroe de Metrociudad, es que no importa… siempre y cuando recuerden WHO IS BAD…

Les dejo esta otra imagen... ME ENCANTA LA PARODIA A OBAMA y el trailer