viernes, 18 de noviembre de 2011

Persepolis



Título original: Persepolis. Francia (2007). Color
Directores: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, basados en la novela homónima de Satrapi
Montaje: Stéphane Roche
Música: Olivier Bernet
Dirección de arte: Marc Jousset
Dirección de animación: Christian Desmares
Duración: 95 minutos

Voces en francés:

Gabrielle Lopes Benites como Marjane (niña)
Chiara Mastroianni como Marjane adolescente y adulta
Catherine Deneuve como la madre de Marjane
Danielle Darrieux como la abuela
Simon Abkarian como el padre
Francois Jerosme como el tío Anoushe

Voces en inglés:

Lexie Kendrick como Marjane (aunque en alguna edición Chiara Mastroianni también hizo el doblaje)
Gena Rowlands como la abuela
Sean Penn como el padre
Iggy Pop como el tío Anoushe

Premios:


Cannes, Premio del Jurado a los directores
César, mejor Opera Prima
César, mejor guión adaptado
Cóndor de Plata, Asociación de Críticos de Cine Argentinos por mejor película de habla no española
Premio de la Audiencia, Festival Internacional de Sao Paulo por mejor película extranjera
Nominada a los Oscar en la categoría de mejor película animada (segunda en la historia en ser nominada con una clasificación de PG-13, la otra fue Las trillizas de Belleville)


Si prestamos atención que los Oscar solo han nominado a dos películas PG-13 a mejor película de animación, nos queda claro que este galardón es para cine animado para niños. Los dobles estándares morales de Hollywood impiden que joyas cinematográficas en el cine de animación puedan siquiera entrar en discusión. Es una lástima, pues un cine barato de la fábrica del ratón agranda billeteras pero no es significativo, es cansado ver todos los estereotipos gringos en estos filmes, incluso en otros fuera de la ratonera. Existe una cinematografía de alta calidad en cine de animación y en distintos géneros, cine para un público más maduro, para ojos más críticos y que dejan un tremendo impacto en quien los ve, ese es el caso de Persepolis...

...fime realizado mediante la animación tradicional, el equipo de trabajo realizó el dibujo a mano sobre papel para luego entintarlo (práctica casi en desuso). El estudio de animación donde se realizó la película es el 2.4.7 Studio.

La obra originalmente es una novela gráfica escrita por Marjane Satrapi, es autobiográfica; tuvo una gran acogida a nivel internacional y catapultó a la autora a ser reconocida a nivel mundial. Dado su trabajo pudo conocer a Vincent con quien compartió un estudio de trabajo en París por varios años, antes de codirigir la película. Curiosamente, antes de ellos realizarla, Marjane tuvo peticiones de Hollywood para vender los derechos de su obra. Un plan consistía en contratar a Brad Pitt como el padre de Satrapi y a Jennifer López como la madre... Sin palabras, por suerte no se hizo.

La película es una ficción, está inspirada en los sucesos socio políticos que vivió Irán en el siglo XX, pero Satrapi ha sido clara en definir su obra como una ficción; por lo tanto no pretende ser un documental (como lo es por ejemplo, Vals con Bashir).  Debido a esto y a los inconvenientes para poder filmar la historia en Irán y representar la época y contar con actores de diverso origen cultural; fue por lo que Satrapi decidió hacer la película de forma animada.

La animación permite que la película trascienda fronteras y sea aceptada en otros lugares, es decir, se vuelve una historia universal, tal como lo fue la novela. A propósito, está escrita (novela) y hablada (película) en francés porque la historia pretende ser contada para un público no iraní. La estructura de ambas se torna explicativa en cuestiones que para un iraní serían redundantes, por eso Satrapi escogió una lengua diferente al persa.

De esta manera, con la animación se pueden hacer escenas abstractas, representar etnias y jugar con el plano onírico. De haberse hecho con personas, ciertas escenas serían propias del género de la ciencia ficción más que del drama y el mensaje se podría perder.

Como dije antes, Persepolis no es un documental, ni tampoco es una declaración política, al menos así lo afirma Marjane; el abordaje de la historia busca ser humanista, contar los hechos no juzgarlos, en este sentido es mejor hacer una valoración fenomenológica a la hora de criticar la película. Para los directores había una intención de romper los clichés que occidente tiene sobre los iraníes. Y para centrarse en la historia de Satrapi en vez de la de Irán, introdujeron una variante narrativa.  La película iba a ser contada desde el exilio, iba a ser un flashback; de esta manera adquiría una atmósfera nostálgica que le imprimiría unidad narrativa. La novela gráfica no es contada de esta manera.


Paronnaud fue quien tuvo la idea de narrar la película de esa manera, así como de hacerla a blanco y negro para que tuviera otra dimensión, más universal. Así, las escenas a color son representativas porque fungen como un cierre a nivel del filme (escenas), pero también son una metáfora de "cierres" importantes en la vida de Satrapi y el "paso" a otras experiencias. Es una forma de representar el ciclo de la vida y sus etapas.

Toda obra artística está sujeta a interpretaciones, hay algunos aspectos en los que podrá haber consenso y otros en los que la diferencia enriquece la obra original. En mi opinión, la película es una alegoría fílmica a las luchas por la libertad, comparto en que la historia va más allá de los límites geográficos de Irán, pero además, es una voz en alto que clama por la lucha de las mujeres contra los sexismos. Existen referencias claras que exhortan a la independencia, la libertad, la integridad, entre otros. Marjane sufre en su condición de iraní por los regímenes políticos, pero también sufre por su condición de mujer en un mundo patriarcal. Y hay que tener cuidado acá de no ser xenófono ni creer a una sociedad superior a otra; tanto el Irán retratado por Marjane como Viena son escenarios en los que sufre de discriminación por su condición de mujer.

Al ser una obra autobiográfica, Marjane tuvo problemas al volver a vivenciar ciertos eventos de su vida, principalmente los relacionados a su intento de suicidio y a su estadía en Viena. La amistad de años entre Vincent y Marjane sirvió para que esto no se convirtiera en un calvario para la escritora. Paronnaud se encargó de filmar ciertas escenas que le eran muy dolorosas a Satrapi y, tal vez, el único cambio significativo que tuvo la película fue la escena del suicidio. Originalmente, esta secuencia era más larga y más explícita, tenía un simbolismo surrealista en la que Marjane se enfrentaba a sus miedos, representados por fantasmas; a nivel artístico es una secuencia magistral, sin embargo, al concientizarse sobre lo doloroso que era para su amiga, Vincent decidió modificar la escena y hacerla más onírica.

La participación en el rodaje de Vincent se aprecia mejor a nivel artístico y narrativo. Él decidió que la historia fuese un flashback y que fuese a blanco y negro. Acá se notan influencias expresionistas que los dos directores comparten. Murnau y Lang influenciaron a los directores y se nota, hay escenas de corte expresionista en las que podemos notar cómo las líneas de las figuras se curvean y la iluminación juega con las sombras. El propio Paronnaud afirma que La noche del cazador (Charles Laughton, 1955) y Sed de mal (Orson Welles, 1958) lo influenciaron en lo que se refiere a la edición a blanco y negro.

A nivel de historia la película también tiene un aire neorrealista. Principalmente, al contarnos la cotidianidad de los personajes tras la guerra. Si nos ponemos a reflexionar, el expresionismo alemán surge tras la Primera Guerra Mundial, mientras que el neorrealismo italiano lo hace después de la Segunda Guerra Mundial. Esto no es casualidad, después de un evento tan traumático como la guerra, la psique individual y colectiva queda marcada, el cine como producto humano no escapa a esto. El expresionismo surge tras la dificultad económica de filmar en grandes estudios y con una escenografía majestuosa; surge la utilización de maquetas y de efectos de iluminación, sombras para reflexionar sobre el estado interno de los personajes, la deformación de los edificios es la deformación social y los personajes están consumidos por sus miedos y crean sociedades utópicas.  Por su parte, los neorrealistas enfrentaron la dificultad económica al salir del estudio y filmar en los escenarios derruidos tras la guerra, en vez de actores utilizaban personas que estaban experimentando la pobreza en carne propia.

Marjane se identifica con esto al vivir en su propia experiencia las luchas independentistas y experimentar las dictaduras musulmanas. Las escenas de Teherán son de corte neorrealista, los personajes son dibujados de una manera más uniforme, no hay extravagancias en el dibujo, ni en los escenarios, y representa el nivel familiar, la tragedia y las consecuencias de la guerra. También se evita caer en estereotipos sobre los iraníes. En cambio, los momentos en Viena tienen un dibujo distinto, el trazo es más arriesgado, se dan momentos oníricos. Los personajes son más extravagantes como los amigos nihilistas, también la película se muestra más crítica, especialmente hacia el capitalismo.

Mientras en Teherán observamos la depresión, soledad, censura, las víctimas de la dictadura; nos acercamos a Marjane desde su infancia, en su tránsito hacia la adultez; es la Marjane inocente de la niñez, y también es la mujer joven que regresa a su país para sentirse extranjera y querer matarse. Sin embargo, Irán es el hogar, simboliza los valores familiares y el recuerdo de la abuela y del tío. Estos personajes son el sostén que tiene Marjane en su vida, en cada momento difícil que vive, ellos están presente en sus pensamientos. Psicoanalíticamente, la figura de Marx (este aparece en las ensoñaciones de Marjane) en el cielo son un símbolo del tío Anoushe, lo que representa en la vida de la protagonista es clave para que esta se recupere de la depresión y la culpa por haberse ido del país y disfrutar de la vida mientras muchos iraníes perecieron por el régimen musulmán. La música es importante para lograr una ambientación efectiva, las partes de Teherán se caracterizan por música de instrumentos de cuerda. Para Viena, el piano va a ser el instrumento principal.


Viena, por su parte, representa lo exótico. Acá tenemos la diversidad de ideas (nihilistas, punks, hippies), los conciertos, la vida nocturna; es el lugar en el que descubre su sexualidad y en el que aprende quién es, se define ideológicamente como lo intenta hacer cualquier adolescente en cualquier parte del mundo. En Viena ella reniega sus orígenes y sufre al vivir como indigente, es menospreciada en su condición de extranjera y exaltada como un falso símbolo de anarquía por un grupo de muchachos.


En Irán es abusada en sus derechos y en Viena es abusada en su cuerpo; en Irán pierde la inocencia y en Viena pierde la dignidad (al renegar su pasado); sin embargo, en Irán aprende el valor de la vida y en Viena el valor del sacrificio. Hacia el final, cuando decide irse a Francia, es una mujer joven con mucho recorrido, alguien que tiene más claras las ideas y sabe mejor cómo mantenerse íntegra, ser auténtica; se va para encontrarse a sí misma, porque sabe que quiere ser libre.

El humor es una parte vital en la película, si la parte gráfica y la música le dan una coherencia narrativa, el humor permite acercar la historia al espectador. Satrapi indicó en la conferencia de prensa en la exhibición en Cannes que "no hay arma más subversiva que la risa" y ese carácter humorístico que caracterizó a la novela gráfica se conserva en el filme. El humor es una característica única de los humanos, es una forma de conservar la cordura en tiempos de crisis y una manera de autodistanciarse de los conflictos. La sátira y la ironía también sirven para hacer críticas punzantes a un modelo de sociedad.

Del proceso de realización, cabe mencionar que las voces se grabaron primero, antes incluso de que estuvieran hechos los dibujos. Esto hizo que el elenco tuviera que adaptarse a las circunstancias, porque no es lo mismo grabar la voz mientras se ve la animación, que imaginarse lo que sucede mientras se hace. Marjane estuvo presente durante todo este proceso, indicando a los actores cómo debían hacerlo y leyendo con cada uno los diálogos para grabar. Cada actor lo hizo por separado, por lo que no estuvieron juntos en la cabina de grabación en ningún momento. Igual sucedió con el doblaje en inglés, pero acá la animación ya estaba hecha, la dificultad surgió al adaptar el idioma, puesto que los tiempos de pronunciación eran diferentes de francés al inglés, y se tenía que modificar la animación un poco para no tener problemas de falta de sincronización.

Marjane también ayudó a cada dibujante. La película cuenta con 600 personajes y en total fueron 80.000 dibujos, así que podrán imaginarse lo arduo que fue. Recuerden que en promedio una película de animación tiene un avance de dos minutos de animación a la semana. La película conserva el formato estándar de 24 cuadros por segundo. Para que los dibujantes supieran cómo animar correctamente y no equivocarse con los trazos de la cara, principalmente en la representación de las emociones, Marjane hacía una mímica de cómo debía ser la escena e indicaba el carácter y las emociones de cada personaje.


La escena en la que Marjane canta "Eye of the tiger" fue planeada para que Chiara lo hiciera de manera desentonada (ella es cantante profesional). Esto es vital por el momento de la película. El impacto dramático no hubiese sido el mismo si escuchamos una grabación de la canción, la voz de Chiara hace más íntima la historia, permite identificarse con el personaje y entender su situación; simboliza el renacer, la torpeza y el esfuerzo del personaje por hacerlo. La música es una obra de arte, toda la película está meticulosamente planeada a nivel musical. Olivier Bernet hizo una partitura maravillosa que brinda unidad a toda la película, que marca los ritmos según se esté en Teherán o en Viena. El otro aspecto que da unidad a la película es el trazo del dibujo. Como mencioné antes, se usó el entintado para acabar los dibujos, esto es un trabajo muy difícil porque se hace a mano y hay que brindar el mismo trazo para cada personaje para que no pierda consistencia (recuerden que fueron 80.000 dibujos), esto le da sentido gráfico al trabajo y nos permite identificar a cada personaje fácilmente, sin importar que haya crecido o que sea parte de un sueño, etc.

Historia:

El nombre de la película viene de la ciudad Persepolis (literalmente "ciudad persa"), fundada por Darío I. La capital del Imperio Persa en la época aqueménida tardó 2 siglos en completarse; tras la muerte de Darío I, su hijo Jerjes I y luego su nieto Artajerjes I continuaron la construcción. La ciudad fue conquistada por Alejandro Magno en el 330 a.c. y anexada al imperio Macedonio.


El Sah Reza se gastó $22 millones en las celebraciones de los 2500 años de la ciudad, por lo que el descontento hacia él y su gobierno se incrementaron; esto dio fuerza al movimiento del Ayatolá y el régimen musulmán para llevar a cabo la toma del poder.

Durante los siglos la ciudad ha sido constantemente saqueada y sus ruinas han sido incendiadas por distintos sectores para erradicar su recuerdo. Aunque no lo han conseguido, la ciudad se encuentra muy dañada. Forma parte del patrimonio histórico mundial.

La revolución iraní: El objetivo era derrocar al Sah Mohammad Reza Pahlevi. El padre del Sah Reza, había hecho grandes cambios en Irán, si bien era un dictador, había modernizado Irán; sin embargo su hijo no hizo lo mismo, buscó enriquecerse y descuidó al pueblo. Esto propició a que la oposición liderada por el Ayatolá Jomeini iniciara una lucha subversiva. El Ayatolá controlaba el clero chiita; mientras que el Sah tenía el apoyo de Estados Unidos y del Reino Unido, quienes tenían interés en el petróleo.

El anterior Sah ayudó a alfabetizar al pueblo y permitió el sufragio de las mujeres; mientras que el nuevo Sah creó la "policía del pensamiento", un grupo especializado en torturar a todo aquel encontrado sospechoso de "pensar" en contra del Sah.

El movimiento de Jomeini (que inspiró al Hezbollah en el Líbano) cobró fuerza hacia finales de la década de los setenta. El 16 de enero de 1979 el Sah se exilia a Egipto, permitiendo a Jomeini tomar el poder el 1 de febrero.  El 31 de marzo de ese mismo año se realizan las elecciones, resulta electo Jomeini por el 99.99% de la población. Sobra decir que hubo manipulación de los resultados. La película menciona esto en una parte.

El nuevo régimen resulta más dictatorial que el anterior y se apoya (tergiversa) en el Corán para someter al pueblo a un nuevo orden. Uno de los cambios más controvertidos fue el uso del hiyab (velo islámico). El fundamentalismo de Jomeini (y que quede claro que me refiero al ayatolá y sus seguidores, no a la totalidad de iraníes. Como todo fundamentalismo, sus seguidores son solo unos pocos, no todos los creyentes en "x" religión ni todos los habitantes de una determinada región geográfica) limitó las libertades de las mujeres, ejemplificadas en la obligatoriedad del uso del hiyab (a diferencia de las mujeres afganas, las iraníes sí pueden mostrar el rostro. Las afganas usan la burka que solo les permite mostrar los ojos). La palabra hiyab aparece 7 veces en el Corán, en ninguna de ellas significa un código de vestimenta para las mujeres, por lo que queda claro que fue una mala interpretación de la palabra, una antojadiza y burda tergiversación que solo buscaba controlar y discriminar a las mujeres.

La guerra Irán - Iraq: recién en el poder, Jomeini, tiene que enfrentarse a la invasión de Iraq, dirigidos por Saddam Hussein, quien por entonces era apadrinado por Estados Unidos (y financiado también), los iraquíes inferiores en número buscaron hacer una guerra relámpago. Los iraníes con menos tecnología bélica, pero con mayor población defendieron su país. La guerra relámpago no fue tal, sino que de 1980 a 1988 se estuvieron matando.

Las escenas de la película en que muestran cómo los soldados iraníes eran mandados sin armas a pelear cruzando campos minados son verdaderas. Esta táctica la hacía Jomeini para desactivar las bombas. Murieron cerca de un millón de personas. "Morir como mártir es inyectar sangre en las venas de la sociedad" (escuchamos esto en una escena de la película, en la que se alienta a la guerra). Llama la atención cómo, para Jomeini, todo lo occidental representaba la decadencia, pero aceptó en muy buenos términos que le vendieran las armas.

También es cierto las llamadas "llaves del paraíso" que se muestran en la película. El ejército iraní daba unas llaves de plástico a los soldados (o a familiares de estos) indicando que si morían tenían la llave del cielo. Las llaves eran de plástico y Jomeini se las compraba a los taiwaneses. "Me esforcé en criar a cinco hijos, ahora quieren cambiarme al mayor por esta llave" (diálogo de uno de los personajes de la película)

En 1986 un reportaje en Estados Unidos revela que el gobierno de Regan estaba financiando a los dos bandos, es decir, le vendían armas tanto a Irán como a Iraq, el negocio de perpetuar la guerra, le permitía a Estados Unidos financiar el movimiento de los contras en Nicaragua durante la revolución Sandinista. Los artículos Dark Alliance (Alianza Oscura) de Gary Webb (doble ganador del Premio Pulitzer) denuncian los hechos, también escribe sobre el escándalo de la CIA, que traficaba cocaína de Nicaragua y El Salvador para Estados Unidos donde la vendían en los barrios pobres de afroamericanos y con esto financiaban las operaciones en Centroamérica. Webb murió en 2004 en extrañas circunstancias, oficialmente la policía lo clasificó como suicidio. La relación entre la guerra de Irán y los Contra es conocida como Irangate; la venta de armas a Irán-Iraq y la financiación de los contras, eran prohibidas por el Senado estadounidense. Reagan pidió disculpas tres meses después del escándalo y no pasó nada.

Sin embargo, hay que decir que no sólo los estadounidenses lo hicieron. La Unión Soviética, Francia y China también financiaron el conflicto árabe-persa vendiendo armas. Dentro de lo más polémico fue una nueva tecnología en armamento bélico: las armas biológicas. Iraq contaba con armas bioquímicas con las que contrarrestaron la inferioridad de soldados.

Víctimas por el uso de armas químicas
Ocho años después, el conflicto no tuvo un ganador, ambos bandos acordaron una falsa paz y un cese al fuego; un millón de muertos después, miles de casas y edificios destruidos; las familias de millones de inocentes trataban de retomar sus vidas mientras lloraban a sus seres queridos: "Ahora hay calles con nombres de mártires de guerra. A sus familias solo les quedó eso, nombres de calles. Caminar por Teherán ahora es como caminar por un cementerio" (diálogo que dice la madre de Marjane en la película).

Curiosidades:

Hay varias referencias a otras películas. Por ejemplo:

Marjane está viendo en el cine junto a su abuela Godzilla (1954). 

También se hace mención a la protagonista de Sissi (1955); una chica le pregunta a Marjane si la conoció cuando estaba en Viena.

Marjane, de niña, imita a Bruce Lee en Operación Dragón (Enter the dragon, 1973)

El esposo de Marjane está viendo Terminator 2 (1991) en la televisión.

En Viena, Marjane está viendo al detective Derrick (1974), un serial famoso en Austria.

La canción "Eye of the tiger" es una alusión a Rocky 3 (1982).

Hay otras referencias a la música, se mencionan grupos como ABBA, Bee Gees, Michael Jackson, Julio Iglesias, Iron Maiden, entre otros.

Marjane Satrapi es una fan consumada de Iron Maiden, por eso aparece mucho en la película, la canción que escuchamos de ellos no fue interpretada por el grupo porque pidieron mucho dinero, por lo tanto es un cover.

En una parte Marjane de adolescente, escribe en su chaqueta "Punk is not ded". Los distribuidores estadounidenses le hicieron ver a Satrapi el error en la escritura. A lo que ella les respondió "como si no lo supiera". Marjane habla persa, francés, inglés, sueco, alemán e italiano. (Pobres gringos siempre piensan que son el centro del universo)

Catherine Deneuve es la madre en la vida real de Chiara Mastroianni. En la película también interpretan a madre e hija respectivamente. El padre de Chiara es Marcelo Mastroianni.

Danille Darrieux (abuela) y Caherine Deneuve (madre) han interpretado esa relación en 5 películas diferentes. Ladies man (1960), The young girls of Rockefort (1967), Scene of a crime (1986), 8 women (2002) y Persepolis (2007).

Cuando Catherine Deneuve se hizo cargo de la revista Vogue Francia, contrató a Marjane Satrapi para que hiciera la sección humorística de la revista (caricatura).

Al día de hoy Marjane Satrapi no ha regresado a Irán, sus padres no corren peligro por lo que ella ha hecho (así lo deja saber en la conferencia de prensa en la premiere en Cannes); sin embargo, ella ha recibido amenazas si regresa a su país. También es muy real la posibilidad de que si regresa a Irán sea encarcelada por el régimen del ayatolá.


Les dejo el avance de la película (audio español):


Ahora el avance con audio original subtitulado en inglés:


Entrevistas y conferencia de prensa:





Activismo político de Marjane Satrapi, oponiéndose a la reelección de Ahmadinejah en el 2009:


Les dejo el corto Raging Blues del codirector Vincent Paronnaud:


Termino con un pequeño video sobre la ciudad histórica de Persepolis:


martes, 8 de noviembre de 2011

Vals con Bashir




Título original: Waltz with Bashir. Israel (2008). Color
Director: Ari Folman
Guión: Ari Folman
Dirección artística: David Polonsky
Director de animación: Yooni Goodman
Montaje: Nili Feller
Música: Max Richter
Duración: 90 minutos
Voces:

Ari Folman como él mismo
Miki Leon como Boaz Rein-Buskila
Ori Sivan como él mismo
Yehezkel Lazarov como Carmi Cna'an
Ronny Dayag como él mismo
Shmuel Frenkel como él mismo
Zahava Solomon como ella misma
Ron Ben-Yishai como él mismo
Dror Harazi como él mismo

Premios:

Academia israelita de cine: mejor director, mejor dirección de arte, mejor edición, mejor película, mejor guión, mejor sonido.
César: mejor película extranjera
Festival de Cine Europeo: mejor compositor
Globo de oro: mejor película extranjera (segunda película israelita de la historia en ganar, Policemen 1971)
Cannes: nominada a la Palma de Oro
Oscar: nominada a mejor película extranjera (Primera película animada en la historia en recibir una nominación en esta categoría)

Proyecto que contó con apoyo de Francia, Alemania, EE.UU., Finlandia, Suiza, Bélgica y Australia. Tardó 4 años en terminarse. La animación estuvo a cargo del Estudio Bridgit Folman Film Gang.

La técnica utilizada es la animación por dibujo digital y por recortes (cutout animation). No es una película hecha mediante rotoscopía. David Polonsky estuvo a cargo de cerca del 80 % de los dibujos, curiosamente, para poder hacer un dibujo más tosco (los personajes no podían verse bonitos debido al mensaje de la película) utilizó su mano izquierda para hacer el trabajo. La animación por recortes consiste en usar un software para dividir un segmento del dibujo digital, por ejemplo las manos. Primero se "recorta" la mano del resto del cuerpo y luego se "recorta" la mano en múltiples partes. En el caso de esta película se llegó incluso hasta 120 recortes; así, cada parte tiene un movimiento y al juntarlos vemos la secuencia completa de movimiento.

Para algunas partes se usó la animación en 3D, son las escenas de tomas panorámicas y planos generales; pero son minoría en la película.

Vals con Bashir es la segunda película de animación de Israel, la primera fue José el soñador de 1962, filmada mediante stop-motion.

El proceso creativo de la película inició con storyboards (dibujos que muestran las distintas secuencias de la película divididas por tomas), luego se pasó a hacer animatics, que consiste en videos tipo ensayo del storyboard. Estos videos fueron hechos en un estudio cerrado y dramatizaron cada escena de la película. Teniendo esto como base, se pasó a hacer el dibujo digital y la animación (usando el software flash). Después se hizo la animación por recortes y finalmente la edición.

Un dato muy curioso en esta película, es que la música se realizó antes que la animación. Ari Folman se reunión con Max Richter y a la vez que se dramatizaba el guión Richter fue realizando la música del filme. Así, cuando estuvo hecha, Folman decidió que el equipo de animación escuchara la música para que entendieran el relato en términos de las emociones y así poder reflejarlo en el tipo de dibujo y color.

El dibujo no busca ser exacto al modelo, pero sí que sea lo suficientemente realista como para que el espectador se mantenga conectado emocionalmente. La paleta de colores también está pensada en este sentido. Por un lado se usó un estilo monocromático (naranja y negro) para reflejar dramatismo; y para secuencias oníricas o remembranzas Folman le dio libertad a su equipo de trabajo, no solo en lo que a color se refiere sino también a dimensiones (como el caso de la mujer que sale del mar para rescatar a un soldado).


Los personajes:

Ari Folman y su equipo de trabajo entrevistó a decenas de personas y muchas otras dejaron sus impresiones en un foro por internet. De acá sacó el material para hacer el guión y darle consistencia a sus propios recuerdos. Recuerden que esta película significó un camino introspectivo para el propio director. De los escogidos para ser personajes en la película, la mayoría decidió interpretarse a sí mismo (con la voz y permitiendo que hiciesen la animación de su aspecto real); en otros dos casos, se tuvo que buscar crear un rostro para el personaje y a un actor de voz.

1. Ari Folman: se interpreta a sí mismo, es el personaje central y quien nos narra la historia. El viaje que realiza para recobrar la memoria de los sucesos de guerra nos permite repasar la historia del conflicto bélico, es un personaje descriptivo, no critica lo que sucede solo lo cuenta. Folman tenía alrededor de 18 años cuando fue llamado al ejército para luchar en la guerra del Líbano de inicios de los años 80 del siglo XX.





2. Boaz Rein-Buskila: voz de Miki Leon. Es un veterano de la guerra, el relato nos es introducido a través de las pesadillas (perros) que tiene de sus recuerdos de la guerra. El espectador se siente desorientado al igual que el personaje de Folman tras esa primera secuencia, permitiendo que el viaje de este para recordar los hechos sea también el viaje del espectador sobre ese período de la historia.




3. Ori Sivan: se interpreta a sí mismo. Es un amigo de la infancia de Folman, veterano también de la guerra. Su personaje es rescatado desde las relaciones familiares, por eso siempre se ven los niños. Él elaboró su propia terapia inspirado en el psicoanálisis, mediante esta busca analizar cada evento que le sucede en la vida. Es quien alienta a Folman a buscar las respuestas para recuperar la memoria. Creó un programa televisivo en Israel sobre su proceso terapéutico que HBO compró, la versión estadounidense se llama In Treatment.



4. Carmi Cna'an: voz de Yehezkel Lazarov. Veterano de guerra que emigró a Holanda donde desarrolló un negocio de faláfel (croqueta de garbanzos) y vive cómodamente.






5. Ronny Dayag: se interpreta a sí mismo. Fue comandante de infantería en la guerra del Líbano, la anécdota que narra la película en la que es el único sobreviviente de una emboscada es real, de hecho en la película recortaron parte de la historia por motivos de fluidez del guión. Dayag nadó 10 km durante la noche para poder escapar. Es un personaje clave en el filme porque representa el antihéroe de la guerra; la persona que se siente culpable por haber sobrevivido y que no puede mirar a los familiares de sus amigos caídos en batalla. Funge como un principio antibélico en el relato dado que describe la guerra como nada glamorosa.


6. Shmuel Frenkel: comandante veterano de la guerra. Múltiple campeón de una modalidad de artes marciales mixtas en Israel. La escena en la que baila es la que da nombre a la película (música de Chopin), representando el surrealismo que según el director se vive en una guerra. Su afición al pachulí como manera de identificarse a sus compañeros, marcó a muchos, llegando a odiar esta fragancia al asociarla al temor de la guerra. Como anécdota, unos de los títulos (el que preferían los alemanes) que se desestimó para la película fue Patrulla Pachulí. Los franceses querían que la película se llamara Beirut/Amnesia; pero el director desestimó los dos títulos.


7. Zahava Salomon: se interpreta a sí misma. Psicóloga israelita experta en los desórdenes producidos por estrés postraumático. Escritora de varios estudios sobre el tema. Ha investigado el fenómeno con excombatientes de la Guerra del Líbano y de Vietnam entre otros. Establece la tesis de "las bombas andantes" para referirse a personas que padecen del desórden, pero que no lo manifiestan mucho tiempo después del evento, cuando lo hacen se pueden volver un peligro para sí mismos y para quienes les rodean debido a que empiezan a experimentar grados altos de angustia y un desajuste generalizado en su forma de vivir.




8. Ron Ben-Yishai: se interpreta a sí mismo. Periodista israelí que informa la masacre de Sabra y Chatila y cubre los eventos de la guerra. Es descrito por el director como aquella persona que en una guerra "actúa como si quisiera morir".







9. Dror Harazi: se interpreta a sí mismo. Veterano de la guerra en la que comandó una brigada de tanques para evitar que los refugiados de Sabra y Chatila escaparan. Fue una de las personas que recibió informes de la masacre, pero no realizó nada porque sus superiores no se lo ordenaron.




10. Ariel Sharon: ministro de Defensa israelí de la época. Obviamente no se interpreta a sí mismo, sino que el director lo incluye en la película como crítica a las esferas políticas que manipulan la opinión pública, mandan a jóvenes a la guerra y no detuvieron la masacre. Es quien aparece comiendo y hablando por teléfono en una analogía a la cadena de comando.



11. Menájem Beguín (Menachem Begin): Primer Ministro israelí en la época de la Guerra del Líbano. Igual que el personaje anterior no se interpreta a sí mismo. Aparece en la misma escena de la cena en la que habla por teléfono con Ariel Sharon.


La película retrata de manera muy realista los acontecimientos de estas personas durante la guerra, incluso en algunas escenas tiene la estructura de un documental en el que se oye a un entrevistador y se ve y escucha las respuestas de los actores mismos (animados). Hay detalles que indudablemente solo alguien que haya vivido una guerra podría imaginar o recordar. Por ejemplo, la escena en la que un tanque avanza en una ciudad y se ve cómo golpea las paredes y destruye lo que sea que esté a su paso. Es notable la intención del director de narrar en primera persona, así tenemos escenas en las que en lugar de ver al personaje vemos lo que este ve a través del espejo sucio del tanque. La película es una sucesión de imágenes en las que el mensaje es el mismo: la guerra no es glamorosa, no hay héroes en una guerra; no hay honor tampoco, es solo un escenario surrealista que te carcome. Por eso Folman indica que "nadie quiere ser el protagonista de esta historia", para lograr el clímax dramático, las escenas finales son en imagen real, esto con el objetivo de que al finalizar la película los espectadores no pensaran "qué bonita película animada" y recordaran siempre que se trató de hechos reales, de persona masacradas vilmente, por crímenes de odio sin justificación alguna; sitúa al espectador en el contexto real al no distraerlo, estas escenas no tienen música, solo vemos las imágenes y estas hablan por sí mismas...





Ari Folman por concepto de unidad temática decide representar solo a tres grupos que participaron en la guerra: cristianos (falangistas), palestinos e israelitas. Dejó por fuera a los libaneses, judíos, chiís y sirios. Estas escenas recuerdan mucho al de los campos de concentración en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Hay distinciones entre israelitas y los fundamentalistas cristianos conocidos como falangistas (estos llevan siempre cruces), aunque eran aliados. La película fue criticada por algunos debido a que muestran que los cristianos fueron quienes realizaron la masacre, mientras que los israelitas "protegían" el perímetro. Sin embargo, creo que la película sí culpabiliza la falta de acción de las altas entidades israelitas.

La intención de Folman fue hacer la película desde la perspectiva del soldado raso, porque este es el último que puede decidir sobre su propio destino, es el que menos certeza tiene de si va a regresar con vida y porque fue su experiencia y la de sus amigos. Debido a esto, decidió filmar la película como si se tratase de un documental (primer documental animado), no hay que olvidar que el propio Folman fue recordando sus experiencias reprimidas conforme el proyecto avanzaba, por lo que se trata de una película con mucha fuerza emocional.

Con respecto a la escena más recurrente de la película, en la que vemos al protagonista salir del mar y caminar hacia la playa junto a tres compañeros mientras caen bengalas. Al final nos damos cuenta que se trata de una alegoría simbólica de lo vivido por el personaje, de lo que había reprimido y que no se trata de un episodio real de la guerra.

Es fundamental el desarrollo de la historia, la manera en que el guión te explica lo sucedido mientras critica los hechos; también hay un compromiso artístico junto al expositivo. La escena en la que los soldados son emboscados por un niño en un campo de naranjos es prueba de ello. La escena está bellamente dibujada, pero esto no quita el dramatismo de lo que vemos, las consecuencias de la guerra, el terror y las víctimas. Eran jóvenes matando a otro jóvenes, incluso niños.

En este sentido, la guerra es un espectáculo de "hombres" (sesgo machista incluido), como lo muestran ciertas imágenes y el relato de Carmi, no importa si se es inteligente o si se tiene reconocimientos, muchos fueron a la guerra simplemente para demostrar que podían, como si la masculinidad los obligase a ello. Es un pensamiento pobre que acabó con la vida de muchos inocentes; lamentablemente en todos los ejércitos muchos jóvenes siguen peleando y matando por estas causas. Folman es claro cuando dice "las guerras son inútiles ocurran donde ocurran, son ideas estúpidas, normalmente de líderes torpes con grandes egos". Su película es una contestación al cine bélico que tradicionalmente se hace, también explica que "las películas estadounidenses muestran que la guerra es terrible, que es un asco y que es horrible, pero los personajes de la película se divierten mucho y se habla de la gloria, la valentía y el compañerismo entre hombres y todo eso que para mí son estupideces, porque en la guerra no hay nada de eso". (Citas tomadas de la entrevista que realizó Craig Parish al director Ari Folman).

Historia:

La Guerra del Líbano, también conocida como "Operación Paz para Galilea" ocurrió a inicios de la década de los ochenta del siglo XX (1982). Tiene como principal detonante la intolerancia religiosa de sus implicados, producto de esto se llevaron a cabo asesinatos de personalidades importantes de uno y otro bando, culminando con la Masacre de Sabra y Chatila.

Bashir Gemayel era presidente del Líbano y el líder de la falange cristiana, también conocida como católicos maronitas. Su asesinato provoca la movilización de falangistas e israelitas y el genocidio de los refugiados palestinos.

Bashir fue un líder que contaba con el apoyo de Estados Unidos y era clave para la política exterior estadounidense en la zona del Líbano. Bien es conocida la posición de EE.UU. de no admitir la autonomía del Estado Palestino. Incluso en la última sesión de la ONU en la que se reconoce a Palestina como estado autónomo, el presidente Barak Obama abandonó la sesión mostrando claramente la postura de su país. Lamentable para un Nobel de la Paz (tal parece que se lo regalaron, pura publicidad).

La iglesia maronita se fundó entre los siglos IV y V d.c.  La iglesia católica romana de oriente tiene 4 sedes principales: Jerusalén, Alejandría, Constantinopla y Antioquía. Esta última se divide en Siria Occidental y Siria Oriental. Los maronistas pertenecen a la sede occidental de Siria. Se integran a la iglesia católica oficialmente en el siglo XVI.

El 14 de setiembre de 1982 asesinan a Bashir. Tras su deceso, Elie Hobeika lidera las fuerzas libanesas. Él llama a la guerra por motivos religiosos-políticos. Para el 15 de setiembre los israelitas tienen rodeados a los palestinos refugiados de Sabra y Chatila. El 16 de setiembre inicia la masacre y se prolonga por tres días. El 17 de setiembre se dio el primer informe de lo que estaba sucediendo, pero las autoridades no buscaron parar lo sucedido hasta 48 horas después. Para entonces, la masacre ya había sucedido.

Los falangistas realizaron violaciones, torturas y mutilaciones a sus víctimas; la mayoría eran mujeres y niños. Los adultos eran forzados a observar a sus seres queridos ser asesinados primero. Los israelitas controlaban el perímetro e iluminaban (disparaban bengalas hacia el cielo) para que los falangistas pudieran encontrar a los refugiados.

El 25 de setiembre se realiza la manifestación más grande de la historia de Israel, alrededor de cuatrocientas mil personas marcharon por la paz, reprochando lo sucedido. Esto obliga a la comunidad internacional a intervenir y también al gobierno israelita. La Asamblea General de las Naciones Unidas declara como genocidio la masacre; mientras que las autoridades israelitas crean la Comisión Kahan para investigar lo sucedido. La resolución de la comisión declara que los falangistas fueron los autores materiales del hecho; critica la "negligencia grave" del Jefe del Estado Mayor, Rafael Eytan. Y responsabilizó al Ministro de Defensa, Ariel Sharon por haber faltado a sus obligaciones, también recomendó de que nunca volviera a ejercer ese cargo. Sin embargo, por ese tecnicismo, Sharon pudo optar por el puesto de Primer Ministro; en el año 2001 fue electo y ocupó ese cargo hasta el 2006 cuando sufrió una hemorragia cerebral; actualmente está en estado vegetativo. Elli Hobeika, líder del grupo que perpetró la matanza nunca fue llamado a rendir cuentas, nunca fue acusado de nada, fue ministro libanés en la década de los noventa. Murió asesinado en enero del 2002.

Curiosidades:

Folman estaba luchando tan solo a 20 minutos del barrio en el que vivía (Haifa). Cuando tiene permiso para visitar su hogar, él no lograba entender cómo la vida sigue tan tranquila a unos minutos de una guerra. Por eso él insiste en llamar a la guerra como la experiencia más surrealista que existe.

En la escena en la que el personaje de Ronny Dayag se imagina de niño con su madre; la mujer es una versión animada de la esposa de Ari Folman, y el niño es una versión animada de su hijo.

El equipo que realizó la película, aparece en pequeños cameos como personajes secundarios. No tienen diálogo, pero aparecen como "extras".

Hay una parodia de Apocalypse Now de Coppola. Es la escena en la que se ve a los personajes bailando en la playa y descansando, seguidamente sufren de un bombardeo.

En total fueron 8 animadores quienes realizaron toda la película. Mientras Folman y su equipo la realizaban, vieron en una ocasión Buscando a Nemo, película que solo para animar los efectos de iluminación contó con 40 animadores.

La parte en que los soldados entran a un hipódromo y ven a los caballos agonizando, es el recuerdo que la mayoría de entrevistados recuerda como la más horrible, la que más trauma les dejó. En parte porque se dan cuenta de las víctimas de la guerra. Al ser animales no pueden distanciarse psicológicamente de la muerte como lo hacen con los humanos a quienes matan. Mientras que el recuerdo más generalizado de la guerra es la de haber pasado la noche disparando hacia la oscuridad sin saber por qué.

La escena en la que se ve una película pornográfica fue muy criticada. Goodman y Folman se encargaron de realizarla. Tuvieron que explicarles a las familias del resto de animadores que estos no tuvieron nada que ver con ese trabajo, esto debido a su religión. La escena pretendía demostrar la diferencia de vida entre los países implicados. Folman explica que en Israel no era posible conseguir equipos de VHS ni la gente se podía dar lujos en sus casas como tener agua caliente, cuando los soldados invaden el Líbano se encuentran con casas de lujo, jacuzzis, televisores, equipos de VHS y abundante pornografía. Si se observa con cuidado, antes de la escena de la película pornográfica, se muestran tomas en las que unos soldados se bañan en un jacuzzi, otras en las que duermen en una cama de lujo, etc.

La versión estadounidense de la película está censurada. En la escena pornográfica, los personajes no salen desnudos, llevan bañadores marca speedo y con el diseño de las barras y las estrellas. (Los gringos no pierden oportunidad para promocionarse). También censuraron la parte en la que una mujer desnuda sale del mar y rescata a Carmi Cna'an.


Acá está el avance en español de la película:



Otro avance, para quienes lo prefieran:


Ahora unas entrevistas al director Ari Folman:




A continuación unas escenas de la película en la que la música cobra un papel preponderante. Primero el video de "I bombed Beirut" interpretada por Zeev Tene, una versión alterna de la canción "I bombed Korea"


Ahora el video de "Good morning Lebanon" interpretado por Navadei Haucaf:


Finalmente "This is not a love song" interpretado por PiL:



jueves, 3 de noviembre de 2011

Última película temporada 2011


¡Saludos a todos!

Este próximo sábado 5 de noviembre se presentará la última película de la temporada 2011 de Ciclos de Cine Gratuitos. Antes de darles la información respectiva me gustaría decirles esto:

Muchas gracias a todas aquellas personas que han llegado a lo largo del año y también a todas aquellas que aún sin asistir me han apoyado y mandado mensajes de aliento, ha sido un esfuerzo impresionante poder hacer realidad este proyecto. Todos ustedes han demostrado que la cultura es el mejor medio para relacionarnos y aprehender la diversidad de cada pueblo, pero más importante, han demostrado que Desamparados grita a voces por más espacios culturales. Un libro o una película de carácter formativo tienen una fuerza educadora mayor que un salón de clases; el dinamismo que surge tras los conversatorios hace que las personas experimenten procesos de cambio, les permite conocer otras realidades, identificarse con alguna historia, o bien, maravillarse del lenguaje cinematográfico. Uno de los objetivos que tiene este proyecto es no dejar indiferente a las personas que asistan, detrás de cada ciclo hay horas de planeamiento para escoger las mejores películas posibles, para poder llevar un mensaje de respeto, tolerancia y aprendizaje cultural, hay otras tantas horas de investigación para darles la información y curiosidades de los temas propios de cada filme. Al finalizar esta temporada cada participante ha podido conocer distintas historias, algunos se enteraron de la burla hecha por los medios de comunicación y la iglesia a los pobladores de Uruguay; otros aprendieron del auge y caída de uno de los mejores músicos latinoamericanos del siglo XX; o tal vez, se concientizaron con la lucha de las mujeres a lo largo de la historia para librarse de la opresión sexista del patriarcado; otros no quedaron indiferentes al recordar la masacre de Sabra y Chatila o al ver una historia de amistad que dura a pesar del rechazo social y la incomunicación de la sociedad; otros se habrán reído al ver cómo un pajarraco en bicicleta enamora a una payasa quien llora con Billie Holiday y ríe con el amor; desde la música de la India hasta Cuba hemos hecho un viaje que acumula más recuerdos que millas aéreas. Y todos hemos aprendido que se necesita un poco de locura para poder vivir.

Los invito a llenar el Museo Joaquín García Monge este sábado 5 de noviembre a las 3 de la tarde. ¡Que Desamparados vibre en su aniversario #149 con cultura! Hagamos sentir al cantón nuestra voz.

Lugar: Museo Joaquín García Monge
Evento: Conclusión del ciclo ¡Animados sí, infantiles no! con la película Persépolis (2007)
Presentación especial de los cortometrajes Destino de Salvador Dalí y Animales de alquiler de Pablo Ortega
Fecha: Sábado 5 de noviembre 3 pm
Entrada gratuita

Finalmente me queda agradecer a:

Diego Lasso, quien con su humor siempre me ha inspirado a seguir adelante y ser auténtico.
Pablito, quien me ayudó a crear este blog y me incentivó a escribir mis ideas.
Rafa Flores, quien me escuchó y brindó las facilidades para llevar a cabo los Ciclos de Cine.
Marianela, quien diseñó los hermosos afiches de los ciclos.
Margarita y Josefina, quienes muy voluntariosas han hecho lo posible por comunicar este proyecto.
Don Gonzalo, quien facilitó el poder usar las instalaciones del Museo Joaquín García Monge.

A mi pareja, gracias Noelia por todo tu apoyo, gracias por soportar mi adicción al cine!!!!

Y a cada persona que ha asistido a los ciclos, gracias a ustedes, este proyecto es para ustedes.

Seguimos en contacto a través del blog, dentro de poco me pongo al día con las últimas películas del ciclo. Nos leemos mientras los ciclos continúen en enero...

jueves, 13 de octubre de 2011

Gabriel García Márquez y el cine parte 2



La obra de Gabriel García Márquez ha sido muy solicitada por diferentes directores para adaptarla a la pantalla chica o a la grande. Anteriormente comenté Del amor y otros demonios y ahora quiero hacer un resumen de los trabajos llevados al celuloide del Nobel colombiano.

Márquez tampoco ha sido ajeno al cine, conocidos son sus colaboraciones con el Instituto Cubano de Cine, donde ha sido profesor de guión. Precisamente, algunos guiones suyos han sido llevados al cine. Otro tanto es la incursión del escritor como director, en la que no tuvo el éxito que él mismo deseaba.

En 1954 filma el cortometraje surrealista La langosta azul (en conjunto con el pintor Enrique Grau, el escritor Álvaro Cepeda y el fotógrafo Nereo López). Aprovechando esta afición, viaja a Italia para estudiar cine en  el Centro Sperimentale di Cinematografía di Roma (Cinecittá). Acá es influenciado por un nuevo género cinematográfico que estaba naciendo: el neorrealismo italiano. Esto no pasaría inadvertido por cineastas latinoamericanos quienes fundaron el Nuevo Cine Latinoamericano, entre ellos el argentino Fernando Birri, el brasileño Glauber Rocha y el cubano Julio García Espinoza.

En Italia Márquez perfeccionar las técnicas para narrar con imágenes a través del guión. Para la década de los sesenta, el colombiano viaja a México dónde empieza a escribir guiones cinematográficos. Muchos trabajos los firmó con un pseudónimo (práctica habitual) por lo que no hay certeza de su autoría. Entre los trabajos destacados están:

Título: El gallo de oro
Año: 1964
Guión: Juan Rulfo (autor del relato original), G.G. Márquez  y Carlos Fuentes
Dirección: Roberto Gavaldón
Reparto: Ignacio López Tarsio, Narciso Busquets y Lucha Villa

Título: Tiempo de morir
Año: 1966
Guión: Gabriel García Márquez (con colaboración de Carlos Fuentes)
Dirección: Arturo Ripstein
Reparto: Marga López, Jorge Martínez de Hoyos, Enrique Rocha, Alfredo Leal y Blanca Sánchez.


El mexicano Arturo Ripstein es tal vez el mejor director de cine de su país (Buñuel elevó el cine mexicano a una categoría excepcional, pero era nacido en España). En este western logra plasmar los conceptos claves de este género, contando una historia de venganza que se alimenta del tiempo. Aunque el western no es mi género preferido, esta película es muy buena; describe a los personajes de manera justa y permite adentrarnos al conflicto desde diferentes perspectivas. No confundir con el remake del mismo nombre dirigida por Jorge Alí Triana.

Otras obras con participación de Márquez, pero de menor alcance son:

En este pueblo no hay ladrones. Dirección de Alberto Isaac (1965)
Juego peligroso (Segmento "Ho"). Dirección de Luis Alcoriza y Arturo Ripstein (1966)
Patsy, mi amor. Dirección de Manuel Michel (1968)
Presagio. Dirección de Luis Alcoriza (1974)
La viuda de Montiel. Dirección de Miguel Littín (1979)
María de mi corazón. Dirección de Jaime Humberto Hermosillo (1979)
El año de la peste (adaptación del libro de Daniel Defoe "El diario de la peste), Dirección de Felipe Cazals (1979)
Eréndira. Dirección de Ruy Guerra (1983)


Para 1975 la obra de Gabriel García Márquez llega a la televisión. Los encargados son RTI Producciones de Colombia. El director Bernardo Romero Pereiro adapta la novela "La mala hora". El programa se transmitió hasta 1977.

En 1986 Márquez quiere retribuir lo que el cine le ha dado y funda junto con sus compañeros de la Cinecittá la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba). De esta manera apoya el joven talento latinoamericano, caribeño e incluso de africanos y asiáticos. Márquez daba el taller "Cómo se se cuenta un cuento" que inspiró a muchos jóvenes.

En 1987 se filma Crónica de una muerte anunciada

Título original: Cronaca di una morte annunciata. Italia (1987) Color.
Director: Francesco Rosi
Guión: Tonino Guerra y Franceso Rosi
Cinematografía: Pasqualino de Santis
Montaje: Ruggero Mastroianni
Música: Piero Piccioni

Reparto:

Rupert Everett como Bayardo San Román
Ornella Muti como Ángela Vicario
Gian Maria Valonté como Dr. Cristo Bedoya
Irene Papas como la madre de Ángela
Lucía Bosé como Plácida Linero
Anthony Delon como Santiago Nasar



Esta película la vi hace muchos años, es muy difícil de conseguir actualmente en formato DVD. Básicamente por una razón: es una pésima película. Las actuaciones son planas, la adaptación es floja y no refleja el misterio o la crónica policíaca del libro. El tiempo es muy lento y hace que el espectador pierda interés. Como dato curioso Irene Papas es una de dos actrices que han participado en dos proyectos diferentes basados en novelas de Gabriel García Márquez. Irene actúa en Crónica de una muerte anunciada y también aparece en Eréndira, película de 1983 dirigida por Ruy Guerra. La otra actriz es Leonor González Mina, quien actúa en Crónica de una muerte anunciada y en Del amor y otros demonios; en ambas ocasiones sale en roles menores.

En 1988 se estrenaron cuatro películas con guiones de Márquez, son obras de menor importancia y que fueron dirigidas por colaboradores cercanos al escritor.


Título: Un señor muy viejo con unas alas enormes
Basado en el cuento homónimo de Gabriel García Márquez
Director: Fernando Birri
País: Cuba, España e Italia
Género: Fantasía
Duración: 90 minutos
Curiosidades:

El ángel del video musical "Losing my religion" del grupo R.E.M. está inspirado en este cuento. 
También en el episodio de Los Simpsons "Lisa, la escéptica" (episodio 8 de la 9a temporada) aparece un ángel inspirado en el cuento de Márquez. 
La obra ha sido llevada al teatro y al ballet en varias ocasiones.






Título: Milagro en Roma
Director: Lisandro Duque Naranjo
País: Colombia
Género: Drama
Duración: 90 minutos
Reparto: Frank Ramírez y Amalia Duque












Título: La fábula de la bella palomera
Director: Ruy Guerra
País: España y Brasil
Género: Drama
Duración: 78 minutos
Reparto: Claudia Ohana y Ney Latorraca








Título: Cartas del parque
Director: Tomás Gutiérrez Alea
País: Cuba y España
Género: Drama
Duración: 87 minutos
Reparto: Ivón López, Víctor Laplace y Mirta Ibarra










Para que tengan una idea del alcance que ha tenido la obra de Márquez, para 1990 el afamado director Akira Kurosawa se entrevistó con el colombiano debido al interés del japonés de hacer la adaptación de El otoño del patriarca. La visión del Maestro Japonés era demasiado para los inversores y para su propio cuerpo. Kurosawa solo pudo dirigir un par de películas más: Rapsodia en agosto (1991) y Madadayo (1993). Y escribir un guión (El mar que nos mira). Murió en 1998 y el proyecto quedó en el olvido.

Para 1991 Gabriel García Márquez trabaja en la adaptación de la novela "María" de Jorge Isaacs. Este proyecto era para la televisión colombiana. El director fue Lisandro Duque y la producción fue mediocre, fue concebida como una telenovela melodramática. Tengo que ser sincero y decir que la novela tampoco me gustó nada.

En 1996 G. G. Márquez escribe (en colaboración) el que probablemente sea su mejor guión Edipo Alcalde:








Título original: Edipo alcalde
Director: Jorge Alí Triana
Guión: G. G. Márquez, Estela Malagón, Orlando Senna
Basada en la obra Edipo Rey de Sófocles
País: Colombia, España, México y Cuba
Reparto: Jorge Perugorría, Ángela Molina y Francisco Rabal







Arturo Ripstein retoma el interés de llevar al cine la obra de Márquez y en 1999 estrena El coronel no tiene quien le escriba:


Título: El coronel no tiene quien le escriba
Director: Arturo Ripstein
Guión: Paz Alicia Garciadiego
Cinematografía: Guillermo Granillo
Montaje: Fernando Pardo
Música: David Mansfield


Reparto: 


Fernando Luján como El Coronel
Marisa Paredes como Lola
Salma Hayek como Julia
Rafael Inclán como el padre Ángel





Creo que esta película capta muy bien la atmósfera del libro, es una aproximación muy artística que comete el error de querer ser cuasi literal al texto original. Esto deviene en una película con un tempo lento que no termina de cuajar. Un ejemplo más de que cine y literatura son dos campos diferentes, el cine tradicionalmente se nutre de la literatura, pero no sigue los mismos cánones; está más cercano a la representación teatral.

Sin embargo, aunque la película sea lenta (ya lo dije en mi comentario de Del amor y otros demonios) si uno es apasionado del cine, se puede disfrutar de este tipo de filmes. El casting es un gran acierto y es parte del éxito de esta película, el director estuvo nominado a la Palma de Oro en Cannes, también tuvo una nominación al Goya en la categoría de guión adaptado y ganó el Premio a Cine Latinoamericano en Sundance.

Ya comenté que Ripstein es uno de los mejores directores del cine latinoamericano, y se nota en lo detallado de la adaptación. Logra llevar a la pantalla el universo de Márquez y Luján da vida a ese Coronel que muchos leímos y nos llenó de sentimientos encontrados. La inocencia y ternura con que actúa es digna de alabar.

La actriz mexicana (S. Hayek) hace uno de los papeles más decentes de su pobre filmografía, en esto tiene mucho que ver el trabajo en la dirección de actores por parte de Ripstein.

La música es otro detalle alto de la película que nos adentra en la historia; la fotografía no es la mejor, pero no desentona con el filme. En fin, que esta coproducción de México, Francia y España es digna de ver; aunque siempre el libro va a ser mejor.


En el 2001, Márquez vuelve a trabajar con su amigo Lisandro Duque Naranajo en Los niños invisibles. Colabora con este para hacer el guión de la película. Posteriormente, tras varios años de negociaciones Márquez vende los derechos para que filmen El amor en los tiempos del cólera.


Título original: Love in the time of cholera
Director: Mike Newell
Guión: Ronald Harwood
Cinematografía: Alfonso Beato
Montaje: Mick Audsley
Música: Antonio Pinto

Reparto:


Javier Bardem como Florentino Ariza
Giovanna Mezzogiorno como Fermina Daza
Benjamin Bratt como doctor Juvenal Urbino
Liev Schreiber como Lotario Thurgot

Y varias mujeres jóvenes que se dieron a conocer por mostrar sus senos que por sus dotes histriónicas.





En la historia de los Premios Nobel de Literatura, han laureado a doce escritores de habla española, de estos seis han sido latinoamericanos. Márquez lo ganó en 1982 y desde entonces sólo Octavio Paz (1990) y Mario Vargas Llosa (2010) lo han vuelto ha ganar.

¿Por qué digo esto? Porque al pelmazo de Mike Newell se le ocurrió filmar la película en inglés con un elenco que perfectamente podía haber grabado en español.

Extraoficialmente se dice que Márquez recibió cerca de tres millones de dólares por los derechos de autor, pero Newell la sacó barata al haber arruinado una de las mejores novelas de las letras latinoamericanas. No sé qué es peor, la película en sí, o personas que sé que han leído el libro y les gustó la película.

Salvo la edición de sonido, la fotografía y el vestuario, que son lo esperado para una producción de 50 millones de dólares; el resto de aspectos de la película son mediocres.

El maquillaje es de lo peor que he visto en la historia del cine, Bardem parece un muñeco de ventrílocuo. Igual del proceso por el que tratan de "envejecer" a los personajes. Es ridículo ver a los actores con tales fachas.

La música es otro bodrio, is incomprensible (creo que Newell nunca se leyó el libro) que la banda sonora tenga canciones de Shakira. Rompe toda la ambientación de la película y produce una anacronía irremediable. La historia está ubicada hacia finales del siglo XIX; se debió buscar sonidos de la época y hacer una banda sonora acorde.

Si en el caso de "Del amor y otros demonios" y "El coronel no tiene quien le escriba" mencioné que el casting fue muy bueno, acá es todo lo contrario. Es horroroso. Ningún actor de reparto da la talla, ni siquiera creo que se hayan leído el libro y si lo hicieron no lo entendieron. Para que dos grandes actores como Bardem y Mezzogiorno se vean tan mal en pantalla es porque el director es muy malo. En serio, debe ser la peor película de la filmografía de ambos histriones.

Si son amantes de la literatura de Márquez, si les gusta cautivarse con buen cine, JAMÁS VEAN ESTA PELÍCULA, mucho menos si han leído el libro, ahórrense la cólera. ¡Eso es, seguro el director no entendió el título de la obra y en vez de la enfermedad quiso reflejar el estado emocional! ¡Lo logró, después de ver la película, no aguantaba la cólera! No vale la pena hablar más de este adefecio fílmico.


Como mencioné en la Primera Parte de este artículo, en el 2010 se lleva al cine Del amor y otros demonios.

La novela del Nobel colombiano, Memorias de mis putas tristes (2004), también se ha querido adaptar en una versión fílmica. Sin embargo, en la actualidad el proyecto está estancado debido a una demanda de una ONG. El tema de litigio es la referencia a temas de prostitución infantil y pederastia que contiene el libro y el guión. El director es el danés Henning Carlsen; guión a cargo de Jean-Claude Carriere y actúan Ángela Molina, Emilio Echevarría, Alejandra Barros, entre otros.



lunes, 10 de octubre de 2011

Más vampiros en La Habana





Título original: Más vampiros en La Habana. Cuba (2003). Color 
Director: Juan Padrón 
Guión: Juan Padrón y Senél Paz 
Cinematografía: Armando Alba 
Montaje: Carlos Fernández y Guillermo Maldonado 
Música: Rembert Egües 
Duración: 80 minutos
Voces:

Frank González (Pepe, Smiley, Petróv, Stalin, Al Tapone, Folkswagen, científico gallego, Hitler, marinero italiano, Rey del mundo, Vendedor de periódicos, Komandos)
Manuel Marín (Negro, Booman, Johnny Terrori, Barman Guajiro, Mussolini, General Batista, Komandos, chofer, teniente de la policía)
Irela Bravo (Lola)
Carlos González (Tío von Dracula)
Rigoberto Ferrera (Pepin, Camarera)
Raúl Espinoza (Chino)
Luis Alberto García (Hemingway y capitán del submarino)
Jorge Perugorría (Capitán Dumigrón)



 
Secuela de Vampiros en La Habana, filmada también por Juan Padrón en 1985. La primera película se centra en la historia de Bernhardt Amadeus von Dracula (hijo del Conde Dracula), quien busca inventar la fórmula que le permita a los vampiros caminar bajo la luz del sol. Tras fracasar en sus inicios, huye a Cuba para completar la fórmula (necesita grandes cantidades de piña y cítricos) y experimenta con su sobrino Joseph Emmanuel von Dracula, conocido como Pepito. La acción sucede en la década de los años treinta, y critica la dictadura de Gerardo Machado (presidente de Cuba de 1925-1933). Machado llegó al poder por votación popular, pero se reeligió modificando la constitución por lo que el pueblo lo derrocó en 1933. En la primera película, Pepito crece como una persona normal y forma una familia, tras la muerte de su tío, le revela al mundo la fórmula del Vampisol por radio vampiro. De esta manera, el Sindicato Vampiro del Crimen de Chicago y el Grupo Vampiro Capitalista de Europa, no pudieron hacerse con el control de la fórmula y los vampiros de todo el mundo pueden vivir bajo el sol.



Las películas de Padrón siempre han buscado rescatar la lucha por los derechos del pueblo cubano, así, en 1979 llevó al cine el personaje de Elpidio Valdés (historieta de los años 70), primera película animada (largometraje) de Cuba. Este personaje representa al mambí (campesino cubano que lucha contra el colonialismo). Debe su apellido a Cecilia Valdés (protagonista de una novela cubana del siglo XIX). Posteriormente, filma Elpidio Valdés contra Dólar y Cañón (1983) y Elpidio Valdés contra el Águila y el León (1995). El personaje también aparece en varios cortometrajes, siendo el primero Una aventura de Elpidio Valés (1974, 6 minutos). Padrón también es el responsable de llevar a la gran pantalla a Mafalda (1994), personaje icónico nacida de la pluma de Quino.


Más vampiros en La Habana es una sátira que utiliza elementos históricos y culturales para crear una historia fantástica, la acción en esta secuela se ubica en la década de los años cuarenta. Con una notable mejoría en el proceso de animación, la historia también está revitalizada 18 años después de la primera parte. Conserva el humor criollo y lo complementa con nuevos personajes que ejemplifican el panorama mundial durante la segunda guerra mundial. Una visión a la cubana con delicioso humor de ese período.

Así, la película sirve para entender la visión de mundo desde la perspectiva cubana. Estados Unidos es identificada con la mafia, la Capa Nostra, el director parodia a gánsteres como Al Capone y John Dillinger. Por su parte Europa es vista desde los regímenes totalitaristas, Alemania con el nazismo de Hitler; Italia con el fascismo de Mussolini, España con el franquismo de Franco. A su vez, la Unión Soviética liderada por Stalin es la aliada de los cubanos.

Hay un proceso de bestialización para los que ingieren la vampiyaba (nueva fórmula que da a los vampiros fuerza adicional y a los humanos los convierte en bestias), principalmente representado por los nazis y fascistas, como simbolismo de la pérdida de valores humanitarios. Hitler es representado como un lunático ambicioso quien sueña con su ejército personal de vampiros nazis para desolar Europa. Mussolini es un calculador que busca el poder para sí mismo. Aunque no se representa a Franco, el personaje del científico gallego simboliza la estupidez del pueblo español que siguen a cualquiera que les de órdenes.

A nivel local, Más vampiros en La Habana, critica el gobierno de Batista. El personaje del capitán Dumigrón simboliza la corrupción que carcome al gobierno desde sus adentros. Por eso, Pepito y sus amigos son militantes que buscan derrocar del poder a Batista. Recuérdese que esta película fue hecha con el apoyo del ICAI (Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficas), primera institución creada por Fidel Castro, tan sólo 83 días tras tomar el poder en Cuba (marzo de 1960).

La variedad cultural de los personajes enriquece la película. Tradicionalmente, en una película animada los acentos (trabajo de los actores de voz) de los personajes son muy neutros, pero acá se busca representar la diversidad de clases sociales y nacionalidades. Se representa al vagabundo como lo que es, al negro, al chino; a Pepito quien es de una clase social diferente a la de sus amigos. Se muestra el contrabando, el espionaje y la cultura sexual del cubano. De la misma manera se representan personajes que están arraigados a la tradición cubana, el principal es Ernest Hemingway (hay una escena en la que aparece un pez marlin en un claro guiño a El viejo y el mar), escritor estadounidense que gustaba mucho de la isla caribeña. Otro personaje es el Benny Moré, famoso cantautor cubano que influyó mucho a músicos de toda Latinoamérica.

La música de la película es totalmente festiva, graciosa, la musicalización está al servicio de la trama para evocar risas, una composición excelente de Rembert Egües.

Otras referencias curiosas son:

La música que suena de fondo cuando Hitler se imagina su ejército de vampiros es la conocida "Cabalgata de las valquirias" (Walkürenritt) con la que inicia el tercer acto de La valquiria (Die Walküre), segunda ópera de la magnánima tetralogía El anillo del Nibelungo (Der Ring des Nibelungen) compuesta por Richard Wagner en 1854.

La palabra que las bestias vampiros dicen al transformarse es Zaratustra, en alusión a Así habló Zaratustra. Novela filosófica escrita por Friedrich Nietzsche entre 1883 y 1885. Por cierto, si quieren saber si la edición del libro es fidedigna (en la traducción al español) lean aquellas que traducen la obra de Nietzsche "Also sprach Zarathustra" como "Así habló Zaratustra" y no las que lo traducen como "Así hablaba Zaratustra".

Quiero hacer la aclaración de que es un recurso del director emplear la música de Wagner y hacer alusión a Nietzsche, pero ninguno de los dos fue nazi. Por eso puse las fechas en las que ambos respectivamente crearon sus obras; así pueden observar, cómo varias décadas antes de que apareciera el partido nazi, estas obras ya eran de dominio público. El Partido Alemán de los Trabajadores fue fundado en enero de 1919 y el 24 de febrero de 1920 pasó a llamarse Partido Nacional Socialista Alemán de los Trabajadores; Hitler asume el liderazgo del partido en 1921. Las obras tanto de Wagner como de Nietzsche (que coincidieron en tiempo y lugar e incluso intercambiaron cartas) han sido malinterpretadas e injustamente asociadas al nazismo.

La música de Wagner (sus últimas composiciones) que exalta el ánimo y describe temas bélicos en algunos parajes, debe su influencia a la mitología nórdica y germana; y buscaban amalgamar la ópera con el drama. Wagner reconceptualiza el Leitmotive, tema musical que se asocia a un personaje o a un elemento dentro de la trama; de tal manera que toda película y toda serie de televisión de la actualidad tiene un tema (música) principal, incluso en las películas hay temas de acuerdo a la importancia de los personajes.

Por su parte, Nietzsche fue un filósofo vitalista (muchos lo consideran existencialista y otros incluso como nihilista, pero en mi opinión creo que toda la filosofía nietzscheana gira alrededor del concepto de "voluntad de poder", razón por lo que comparto con quienes lo catalogan como vitalista). Su concepto de "Superhombre" (Übermensch) quería significar la cualidad de lo metahumano, es decir, eliminar cualquier vestigio moral que se interpusiera en lo que el ser humano deviene ser. Esto incluye la muerte de dios y alejarse de las costumbres religiosas, pero también a no caer en la tentación de los nuevos ídolos (el dinero, la política, el estado); por lo que proponía que el ser humano debía asumir su propia verdad sin que necesitase de un intercesor (dios). En fin, que Nietzsche nunca habló de una raza superior como lo quisieron hacer pensar los nazis, ni el Superhombre se refiere al ideal ario. ¡Cuánto más alejado de la realidad! Una forma de gobierno totalitarista fundamentalista como el nazismo y un líder demagógico como Hitler, eran advertencias que Nietzsche previó. Al eliminar a dios, van a aparecer nuevos ídolos que en realidad son falsos y no permiten al ser humano ir más allá del bien y del mal.


Les dejo un corto promocional de la película hecho por la cinemateca cubana: